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蒋勋 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 生活.读书.新知三联书店

ISBN：9787108035509

商品编码：1026856664

出版时间：2011-02-01

作  者:蒋勋 著作 定  价:42 出 版 社:生活.读书.新知三联书店 出版日期:2011年02月01日 页  数:177 装  帧:平装 ISBN:9787108035509 ●前言——我与卢浮宫
● 绪论
●先谈一谈卢浮宫的建筑历史
●卢浮宫走向现代
●卢浮宫文化轴线的起点
●没有错过的遗憾
●从哪里看起？
●
●第二章 埃及
●书记坐像
●荷鲁斯立像
●Wahibre石雕蹲像
●拉姆西斯二世
●狮身人面
●书记夫妇像
●木雕夫妇像
●哈托女神与塞特一世
●拉姆西斯三世石棺
●托勒密法老王
●阿肯那顿像
●部分目录

内容简介

《蒋勋的卢浮宫》内容简介：卢浮宫在巴黎市中心，我又喜欢在巴黎走路，常常经过卢浮宫，想到一张画，就进去看一看。只看那一张，看完，做了笔记，出来在塞纳河边坐一坐，看看河水，想一想刚才画里的色彩光影，再继续做其他的事。
后来我才发现，进博物馆，只看一件作品，是多么的事。
大概从1973年开始，我就接了一个旅行社兼职导游的工作，专门接待到巴黎旅游的华人。其中多半以台湾地区的游客为主，偶尔也接到香港、新加坡的华人团体。
到巴黎旅游，卢浮宫当然是*重要的一站。
旅行社也看重我对艺术史的专业，可以在讲解卢浮宫作品时发挥我的所长。
1970年代，台湾地区的欧洲旅游才刚刚开始。一组旅行团的人数通常在四十人左右。为了吸引顾客，常常要找一位艳星作号召。时间的安排更为奇特，常常是三十天跑十八个国家。
一个社会在富有的初期，从封闭走向开放，对外面的世界充满好奇。渴望在等
蒋勋 著作 蒋勋，1947年生，台湾地区文化大学史学系、艺术研究所毕业。曾留学法国巴黎大学四年半，专攻艺术史。著有《美的沉思》.《萍水相逢》、《多情应笑我》、《大肚山》.《传说》、《写给大家的*国美术史》、《写给大家的世界美术史》、《艺术概论》.《美的觉醒》、《美的曙光》、《天地有大美》、《身体美学》等。      这件作品中，在房屋的一个角落，从窗洞斜射进阳光，躲在墙角的小乞丐被阳光照到。好像画家刻意选择这一道光线，带领观众看一眼平日不容易看到的阴暗角落，阴暗、贫穷、肮脏，但是有生命生存着。小乞丐专心地在阳光下翻着衣襟，寻找虱子一这些躲藏在衣缝里，不时噬咬他的小虫。
    小乞丐穿着破烂、补了又补的衣服，光着两条腿，赤脚，脚上沾有泥土。他的身边放着一只陶的水罐，水罐边一只草编的提篮，篮子里有苹果，地面上散落一些虾米干。似乎小乞丐刚从市场上捡了一些食物回来，在一个角落吃完了饭，觉得阳光很好，就开始除虱子。
    在17世纪，正是西班牙全盛时代，许多宫廷画家都在君王主使下，创作以贵族为主题的巴洛风的华丽肖像画；但是，同时，在这些画家身上，却一直保有一种对民间等     这件作品中，在房屋的一个角落，从窗洞斜射进阳光，躲在墙角的小乞丐被阳光照到。好像画家刻意选择这一道光线，带领观众看一眼平日不容易看到的阴暗角落，阴暗、贫穷、肮脏，但是有生命生存着。小乞丐专心地在阳光下翻着衣襟，寻找虱子一这些躲藏在衣缝里，不时噬咬他的小虫。
    小乞丐穿着破烂、补了又补的衣服，光着两条腿，赤脚，脚上沾有泥土。他的身边放着一只陶的水罐，水罐边一只草编的提篮，篮子里有苹果，地面上散落一些虾米干。似乎小乞丐刚从市场上捡了一些食物回来，在一个角落吃完了饭，觉得阳光很好，就开始除虱子。
    在17世纪，正是西班牙全盛时代，许多宫廷画家都在君王主使下，创作以贵族为主题的巴洛克风的华丽肖像画；但是，同时，在这些画家身上，却一直保有一种对民等

《尘封的记忆：一部关于艺术与人生的沉思录》 作者： [此处留空，或以笔名代替] 装帧： 精装，附赠手工绘制的艺术史年表 页数： 620页 出版社： [此处留空，或以虚构出版社名代替] --- 导言：在时间褶皱中寻找回响 本书并非一部传统的艺术史教科书，也非某个特定博物馆的导览手册。它是一次深入骨髓的私人行走，一次对人类文明长河中那些不朽瞬间的深情凝视。作者以其敏锐的洞察力和近乎冥想般的笔触，带领读者穿越数千年的人类创造力高地，聚焦于那些往往被宏大叙事所忽略的、隐藏在伟大作品背后的个体挣扎、时代精神与永恒主题。 我们试图探讨的，是艺术如何成为人类面对“存在”这一终极问题的最诚实的回应。从洞穴壁画上疾驰的野牛，到文艺复兴时期对完美比例的痴迷；从巴洛克光影中的戏剧张力，到现代主义对形式本身的解构，艺术始终是一面多棱镜，映照着我们共同的喜悦、恐惧与对意义的不懈追寻。 第一部：光的语言与阴影的秘密 第一章：初识形式的重量 本书的开篇，将我们带回人类对物质世界的最初感知。我们不急于讨论“流派”，而是关注“材料”本身：泥土如何被塑造成神祇的形体？青铜的冰冷如何传递出英雄的温度？作者详细剖析了早期文明中雕塑的演变，着重探讨了古埃及雕塑中恒定不变的姿态，如何体现了对永恒和秩序的渴望。探讨了古希腊雕塑如何从僵硬走向“动态的静止”，以及这种转变背后所蕴含的理性与人本主义思潮的兴起。这不是对作品的简单描述，而是对创作者在面对“如何表达生命力”这一难题时的策略分析。 第二章：色彩的心理学——从象征到情感 色彩，是艺术中最直接也最玄妙的语言。本章深入探究了不同文化对色彩意义的解读差异。例如，中世纪欧洲对蓝色（天空与神圣）的推崇，与东方艺术中对红色（生命力与禁忌）的偏爱形成了鲜明对比。我们细致分析了威尼斯画派如何将色彩从对线条的依附中解放出来，使其成为独立叙事的主体。更进一步，作者探讨了后印象派画家们如何利用非写实色彩来表达内在的心理状态，比如凡·高的狂热与高更的疏离。每一种颜色的运用，都被视为一次对世界观看方式的宣言。 第三章：空间与寂静的建筑学 建筑，是凝固的时间。本章将焦点从二维转向三维，探究人类如何通过建造来界定和驯服空间。我们对比了哥特式大教堂向上攀升的垂直性（对天堂的仰望）与古罗马万神殿内部圆形穹顶所创造的完美、包容的宇宙感。这种对空间的构建，不仅仅是工程学的胜利，更是特定时代哲学观的物质体现。特别之处在于，本书对建筑中的“留白”进行了深刻的探讨——那些未被占用的空间，如何反而强调了结构本身的力量，并引导观者的呼吸节奏。 第二部：人性的多重奏 第四章：肖像的凝视——面孔背后的历史 肖像艺术是人类对“个体身份”这一概念最持久的探索。本书关注的肖像，超越了简单的面貌记录。从伦勃朗晚期作品中皮肤纹理所揭示的衰老与智慧，到弗朗西斯·培根画作中扭曲的面容如何表达战后人类的精神创伤，肖像成为了一个心灵的战场。我们分析了“凝视”的双向性：被描绘者如何被凝固，而观看者又如何通过凝视来投射自己的解读和欲望。 第五章：叙事的断裂与重组 历史画、神话题材往往承载着巨大的叙事压力。然而，作者着重关注那些“叙事断裂”的瞬间——画家选择在何处按下快门，截取了故事中最具张力的那一刻。这包括了卡拉瓦乔作品中突如其来的、戏剧性的光照，它打断了传统描绘的平稳叙事。同时，本书也探讨了现代艺术如何彻底放弃宏大叙事，转而聚焦于日常生活中被遗忘的微小事件，寻找其中潜藏的普世情感。 第六章：创作的孤岛——艺术家与体制的博弈 艺术的诞生，从未完全脱离社会环境。本章深入探讨了艺术家在不同历史时期所处的生态位。从宫廷画师的依附性，到沙龙体制的排斥力，再到二十世纪艺术家如何主动建立“地下”或“前卫”社群进行反抗。我们审视了创意是如何在审查、市场压力和自我坚持之间艰难求存的。这不是关于八卦，而是关于如何捍卫创作的纯粹性，即使这意味着选择贫困或被误解。 第三部：感知的延伸与当下的回响 第七章：手稿与“未完成”的力量 许多艺术品在“完成”之后，似乎就失去了与创作者的直接联系。本章反其道而行，聚焦于艺术家的草稿、未完成的作品以及那些充满了修改痕迹的手稿。这些“未完成”的状态，反而保留了创作的原始冲动和思维的跃动过程。通过分析达芬奇的解剖素描和罗丹雕塑上留下的凿痕，我们体会到创作本身，而非最终结果，才是艺术价值的核心体现。 第八章：身体的尺度与媒介的边界 随着摄影、电影等新媒介的出现，艺术的定义不断被拓宽。本书探讨了艺术家如何利用新的技术工具来挑战既有的审美观念。我们讨论了“身体”在不同媒介中的呈现：身体是如何被摄影捕捉、被行为艺术所消耗、被装置艺术所符号化的。这部分强调了艺术的动态性——它永远在测试新的感官阈限，迫使我们重新校准对“美”和“真实”的理解。 结语：在行走中保持谦卑 艺术的伟大之处，在于它提供了一种永不枯竭的对话可能。我们不必完全理解一位古代工匠的心思，但我们能感受到他对手中材料的尊重；我们不必认同一位现代艺术家的观点，但我们能被他挑战固有思维的勇气所触动。 本书以一种缓慢、细致的方式，引导读者重新学习如何“看”，如何“感受”。它不是提供答案，而是提供问题——关于我们是谁，我们从何处来，以及在时间洪流中，什么才是真正值得我们铭记和传递的记忆。每一次与艺术品的相遇，都是对自身生命的一次重新校准。 --- 本书特色： 深度访谈式叙事： 摒弃枯燥的年代罗列，以强烈的个人体验贯穿始终。 跨文化参照： 巧妙地将东西方艺术中的核心概念进行对话和比较。 注重“技法背后的思想”： 深入挖掘材料、光线、空间选择背后的哲学动因。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事结构非常有意思，它似乎没有遵循传统博物馆的参观路线，而是采取了一种非常个人化、甚至有些任性的路径游走。作者似乎是根据自己的心境和联想，在不同的展厅之间穿梭，上一页还在谈论文艺复兴时期的细腻笔触，下一页可能就跳跃到了现代主义对形式的解构。这种“非线性”的导览，反而带来了一种极大的自由感，它打破了艺术史的僵硬时间轴，让读者能够以一种更自由、更符合直觉的方式去建立作品之间的联系。我发现自己不再被历史的惯性所束缚，而是能够更专注地感受那些打动我的瞬间，无论它们诞生于哪个世纪。这种叙事策略，极大地降低了艺术欣赏的门槛，它告诉我们，欣赏艺术最重要的方式，不是记住标签，而是跟随内心的悸动，去感受那些超越时空的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我欣赏的一点是，它成功地构建了一种平等的对话关系，作者从未用高高在上的姿态去“教导”读者，而是始终保持着一种谦逊的好奇心和探索欲。他坦诚地分享自己的困惑、自己的不解，甚至承认有些作品的美学价值他仍在努力靠近之中。这种真诚的态度，极大地拉近了与读者的距离，让人感到自己并非是孤军奋战地去理解那些宏大的艺术史，而是在一个充满智慧的同伴带领下，共同进行一场探索之旅。它让我意识到，艺术鉴赏本就是一个持续学习和感受的过程，没有标准答案，只有不断深化的体验。它鼓励读者带着自己的经历和情感去面对艺术，而不是被既有的“标准”所定义，这种开放性和包容性，是这本书最宝贵的精神财富之一，让人读后豁然开朗，充满了继续探索的勇气。

评分☆☆☆☆☆

初读这本书，给我的冲击是它那股由内而外散发出的、近乎哲思的语调。它不是那种枯燥的、学院派的艺术史梳理，更像是作者在某个深夜，对着一幅画作的独白，充满了对生命、时间和美的深刻叩问。语言的跳跃性很强，时而娓娓道来，像一位老友在耳边轻语；时而又陡然拔高，引人深思，探讨起人类文明的起源和艺术的本质。这种行文方式，对于习惯了线性叙事的读者来说，可能需要适应一下，但一旦沉浸其中，便会被其独特的思维脉络所吸引。它迫使你跳出“这是什么时期、什么流派”的框架，转而思考“为什么这件作品能穿越千年仍然触动人心？”它成功地将冰冷的艺术品，注入了人性、情感和温度，读完后，我感觉自己的精神世界被某种无形的力量温柔地洗涤了一番，对日常生活的观察也变得更加细腻和富有诗意。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，配合上略微泛黄的纸张，仿佛一踏入书店，就触摸到了某种历史的厚度。内页的排版极其讲究，字体的选择既有传统书卷的韵味，又不失现代阅读的舒适度，留白恰到好处，让人在阅读过程中感到一种舒缓的节奏感。我尤其欣赏它对图像的处理，那些高分辨率的艺术品复制图，色彩还原度极高，即便是对艺术史不太了解的读者，也能从中感受到原作的肌理和光影变化。作者在行文过程中，似乎非常注重引导读者的视觉体验，文字描述与画面呈现之间有一种微妙的配合，让你在脑海中构建出一个清晰的、立体的艺术殿堂。这不仅仅是一本关于艺术鉴赏的书，更像是一件精心打磨的工艺品，让人愿意捧在手里，细细摩挲，慢慢品味，每一次翻阅都像是一次对美的重新发现，从材质到内容，都透露出一种对阅读体验的极致追求，让人忍不住想多看几遍，甚至在不同的光线下感受它带来的不同质感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功力达到了一个近乎“迷人”的境界，它拥有一种魔力，能够将那些我们可能在其他地方读到过的艺术常识，用一种全新的、令人耳目一新的方式重新呈现出来。我特别喜欢作者对于细节的捕捉和放大，比如某位雕塑家在处理衣褶时那种近乎虔诚的耐心，或者某幅油画颜料层次堆叠中隐藏的“时间感”。他的笔触细腻得像一把精密的画笔，勾勒出艺术家创作时的挣扎与狂喜。然而，这种细腻并非矫揉造作，而是建立在深厚学养之上的自然流露，读起来流畅无比，仿佛作者正站在你身边，用最生动的语言为你描绘眼前的景象。读完其中关于某位画家的章节，我立刻有一种冲动，想去寻找原作再看一遍，因为文字已经成功地在我心中播下了一颗“再相见”的种子。

评分☆☆☆☆☆

之前看过他的艺术概论，很好。这次为了参加活动选择了这本书，质感还好。

评分☆☆☆☆☆

书很好，但物流比京东自营的慢太多了

评分☆☆☆☆☆

真心不错！是了解艺术的一本书。

评分☆☆☆☆☆

蒋勋老师的书，都买了。

评分☆☆☆☆☆

包装不错，要是能配个书皮……

评分☆☆☆☆☆

蒋勋老师的书，都买了。

评分☆☆☆☆☆

很不错，一直想买的书！

评分☆☆☆☆☆

看过书，想去看看

评分☆☆☆☆☆

帮朋友买的，应该是正品。就是包装不行