电视剪辑艺术（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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姚争 著

图书标签:

• 电视剪辑
• 剪辑技巧
• 视频制作
• 影视后期
• 电视制作
• 非线性剪辑
• 媒体制作
• 广播电视
• 后期制作
• 剪辑艺术

出版社： 浙江大学出版社

ISBN：9787308032841

版次：2

商品编码：10558359

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-04-01

页数：277

字数：316000

内容简介

《电视剪辑艺术:现代传播广播电视传播》主要内容：笔者认为还是以“电视剪辑”一词为恰当。因为除了技术手段上的差别之外，作为一种制作手法，电视剪辑和电影剪辑是一脉相承的。它的基本技巧和技法是大同小异的，它们在技术手段上曾经存在巨大的差异，在数字技术的平台上正在逐渐弥合，呈现出趋同的态势。从发展的角度来看，影视之间所有因为技术而产生的差别都必然只是历史性的、暂时的。
电视为什么需要剪辑？
电视为什么可以剪辑？
电视如何剪辑？
这是《电视剪辑艺术(现代传播广播电视传播)》的三个核心问题。。电视剪辑的重要性并不仅仅因为它是电视创作中一个不可缺少的环节，也不单单表现为它的技巧性，而是关系到电视创作基本观念的确立，是贯穿于电视创作全过程的一门艺术。“剪辑效果只是为整个影片的更广泛的意义服务，而决不是为某个孤立的场面服务的，如果把这场戏的关仅仅归功于剪辑，就容易忽视影片的各个部分在组成一个艺术统一体的过程中所起的作用。”（爱?谢尔曼：《论剪辑的艺术》，见《电影艺术译丛》1979年第4期，第45页）
知其然，知其所以然。《电视剪辑艺术(现代传播广播电视传播)》的目的不仅仅是让大家了解和掌握电视剪辑的一般规律和技法，更重要的还在于培养电视人的一种剪辑意识，在我看来这便是所谓的电视意识。

目录

第一章 电视为什么需要剪辑
第一节 剪辑的历史
第二节 剪辑的必要性
一、一般认为单个镜头是不具备独立叙事和表意功能的意义的产生是通过几个镜头组接成的镜头段落来实现的
二、镜头组接顺序对镜头语言的意义表达会产生重要意义
三、镜头语言在表意中可以自由地处理时空，镜头画面的分切与组合打破了现实时空的制约，创造出新的荧屏时空
四、剪辑是确立节目风格和创造者艺术个性的必要手段

第三节 电视剪辑的含义
一、镜头组接
二、段落的剪辑
三、总体结构剪辑

第二章 电视为什么可以剪辑
第一节 电视与幻觉
一、静-动的幻觉
二、平面+立体的幻觉

第二节 电视剪辑的心理依据
一、人们总是习惯将事物进行对列、比较从而产生定向的联想和概括
二、人们有忽略次要情节的倾向
三、在日常生活中，对外界事物进行观察时，我们的注意力总是被好奇的内心要求和客观事物本身所吸引而不断转换着方向和距离的
四、人们观察事物在一定时间内总是带有一致的眼光

第三节 视听语言的形态特征
一、视听语言的特征
二、视听语言的构成

第三章 电视的剪辑制度
第一节 电视剪辑工作流程和要求
一、修改拍摄提纲（脚本）
二、准备设备
三、与有关人员协调
四、整理素材
五、纸上剪辑（编辑设想）
六、粗剪
七、精剪
八、检查意义表达
九、检查画面
十、检查声音

第二节 电视的基本剪辑形式
一、线性剪辑和非线性剪辑
二、组合编辑和插入编辑
三、直接剪辑和间接剪辑
第四章 作为编辑技巧的剪辑（上）
第五章 作为编辑技巧的剪辑（下）
第六章 电视的时间和空间
第七章 作为时空结构方式的剪辑
第八章 蒙太段落的剪辑
第九章 电视剪辑中的节奏
第十章 现代电视意识中的剪辑
附电视剪辑相关术语对虾有
主要参考书目

前言/序言

镜语流光：电影叙事与视觉呈现的深度探索 导言：解构光影的魔力 电影，作为二十世纪最伟大的艺术形式之一，其魅力源于其独特的叙事语言和视觉冲击力。它不仅仅是时间的记录者，更是情感的构造师，通过一系列精心编排的画面、声音和节奏，引导观众进入一个由想象构建的真实世界。《镜语流光：电影叙事与视觉呈现的深度探索》旨在提供一个全面而深刻的视角，剖析构成电影艺术核心要素的底层逻辑、技术实践及其对观众心理的深层影响。本书聚焦于电影创作的“幕后”过程，从剧本的结构化到最终画面的精雕细琢，为电影爱好者、学生及从业者提供一套系统化的理论框架与实践指导。 第一部分：叙事的骨架——剧本结构与人物塑造的艺术 电影叙事是所有视听语言的基石。本书首先深入探讨经典的剧本结构模型，如三幕剧、英雄之旅以及更现代的非线性叙事模式。我们不仅分析这些结构的内在逻辑和功能，更着重于探讨如何在既定的框架内实现创新与突破。 潜台词与情境的构建： 剧本并非仅仅是台词的堆砌。本部分详述如何通过环境描写、人物行为和场景设置来暗示人物的内在冲突和未说出口的情感，实现叙事的张力。我们将分析大量案例，展示如何利用“展示而非告知”（Show, Don't Tell）的原则，将抽象的情感转化为具体的视觉事件。 角色弧光与动机深度： 成功的角色是驱动剧情前进的引擎。我们深入剖析角色弧光的构建方法，从初始状态到关键转折点（Inciting Incident, Midpoint, Climax）的心理变化轨迹。重点讨论如何设计复杂且可信的人物动机，使角色的选择与行动符合其世界观，即使是最反常的行为也应有其内在的合理性。 节奏的控制与信息流管理： 叙事节奏并非单一的速度，而是信息的释放速率。本书探讨如何通过场景长度、对白密度和动作频率来调节观众的心理期待。我们将阐述如何巧妙地布局信息，确保关键信息在最高效的时机到达观众，避免叙事上的冗余或信息缺失导致的理解障碍。 第二部分：画面的诗篇——摄影与灯光的语汇 如果说剧本是电影的骨架，那么摄影和灯光则是赋予其血肉和灵魂的艺术。这一部分将视线转向摄影机后，探讨如何将文字转化为可感知的视觉体验。 镜头语言的语法： 镜头不仅是记录的工具，更是叙事的主体之一。本书系统梳理了从焦距选择（广角、标准、长焦）到景深控制（大景深与浅景深）的实际效果。我们详细分析了各种运动镜头（摇摄、推拉、跟拍、斯坦尼康）的功能性——它们如何引导观众的注意力，放大角色的情感状态，或构建特定的空间感和压迫感。 构图的心理学基础： 静态构图（如三分法、黄金分割、对称与不对称）如何影响观众的情绪感知？本部分引入视觉艺术的原理，讨论如何在二维画面中创造三维的空间感和平衡感，以及如何利用前景、中景和背景的层次来增强叙事的深度和复杂性。 光影的叙事潜力： 灯光是情绪的建筑师。我们超越了技术层面的布光方案（如三点布光），转而探讨光线的质感、色彩温度和方向在叙事中的作用。分析自然光、硬光与柔光如何象征角色的道德状态、环境的氛围，以及特定时代或地域的视觉特征。例如，高对比度的伦勃朗光如何烘托悬疑，而柔和的漫射光又如何营造亲密或怀旧的情绪。 第三部分：空间与时间的塑形——场面调度与蒙太奇的哲学 电影的独特之处在于它能够操控时间和空间。本部分聚焦于导演如何通过调度和剪辑来构建观众对这两个基本维度的感知。 场面调度：舞台上的生命流动： 场面调度（Mise-en-scène）涵盖了演员调度、道具、服装和场景选择的整体安排。本书强调，优秀的场面调度是在有限空间内实现最大化的叙事效率。我们将研究如何通过演员在画面中的相对位置和移动轨迹，暗示权力关系、潜在的冲突或情感的疏离，使每一帧画面都具有“说话”的能力。 蒙太奇的进化与理论深度： 蒙太奇不仅仅是“剪切”。从爱森斯坦的碰撞理论到库里肖夫效应，本书回顾了剪辑理论的发展脉络。重点分析不同剪辑节奏（跳切、长镜头、交叉剪辑）如何影响观众对时间和事件顺序的理解。尤其关注如何通过剪辑实现情感上的“跳跃”或“重叠”，创造出比单一镜头更丰富的意义。 音画同步与分离的艺术： 声音设计是常被低估的叙事工具。本书探讨了如何有效地运用环境音、拟音、对白和音乐。我们分析了“画外音”和“画内音”的切换，以及何时刻意打破音画同步（如在超现实场景中），以增强冲击力或表达角色的心理错乱状态。 结论：视听语言的未来图景 《镜语流光》的最终目标是培养读者的批判性观看能力，使他们能够穿透表面的娱乐性，直抵电影制作的核心逻辑。通过对叙事结构、视觉元素和时空处理的系统性分析，本书旨在为创作者提供一套稳固的艺术工具箱，并为所有热爱电影艺术的人，提供一把解开光影谜题的钥匙。在技术不断革新的今天，对这些经典艺术原则的深入理解，是创作出真正具有持久生命力的影像作品的唯一途径。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者显然是一位深谙电影语言的行家，他的文字中流淌着对影像艺术那种近乎虔诚的热爱。与其他市面上强调“秘籍”或“捷径”的指南不同，这本书更像是一次耐心的、循序渐进的导师辅导。我特别欣赏作者对“声音设计与画面剪辑的协同作用”这一部分的论述。在很多初级教程中，声音常常被视为一个独立的模块，但作者却强调了二者之间密不可分的关系，比如如何利用环境音的突然缺失来放大画面的冲击力，或者如何通过精确的音效对白点来引导观众的视线焦点。我曾按照书中建议，重新审视了我一个旧项目的音效处理，仅仅是对几个关键转场的声音节奏做了微调，成片的戏剧张力立刻提升了一个档次，连我自己都感到震撼。这本书不仅教会了我如何“看”电影，更教会了我如何“听”电影，以及如何将两者有机地融合在一起，构建出一个立体的、多维度的叙事空间。对于任何想在视听语言上有所突破的从业者来说，这本书提供的洞察力是无法用金钱衡量的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我翻开这本书时，我原本是抱着一种略带怀疑的态度，因为我对“艺术”这个词汇总是心存敬畏，担心书中的内容会过于晦涩难懂，脱离实际操作的土壤。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它成功地建立了一座坚实的桥梁，连接了理论的殿堂与数字工作站的喧嚣。书中对蒙太奇手法的解析，不再是教科书上僵硬的定义，而是结合了从早期默片大师到当代好莱坞视觉大片的具体案例进行深入剖析，每一个案例的选取都极其精准，充分说明了不同剪辑风格所要达到的叙事目的。更让我感到惊喜的是，作者并没有回避技术层面的问题，而是巧妙地将软件工具的使用融入到艺术表达的语境中。比如，它会告诉你为什么在某个特定的情感高潮点，应该选择推轨（Push-in）而非简单的叠化（Dissolve），并且会提示你在主流剪辑软件中实现这种效果的最佳实践路径。这种理论指导实践、实践反哺理论的良性循环，使得整本书的阅读体验充满了一种扎实的掌控感，让人觉得手中的剪辑工具不再只是冰冷的机器，而是可以用来雕刻情感的画笔。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计相当精美，封面选择了那种低调却又不失质感的哑光纸张，手感极佳。内页的纸张选用的是偏米黄色的护眼纸，即便是长时间阅读也不会让眼睛感到强烈的疲劳，这对于我这种经常需要对着屏幕的剪辑师来说，简直是福音。整体排版非常讲究，字号大小适中，行距和段落间距都把握得恰到好处，使得阅读起来非常流畅顺滑。作者在内容组织上也展现出了深厚的功底，逻辑清晰，层次分明，不像有些技术类书籍那样堆砌术语，而是将复杂的概念用非常直观易懂的方式阐述出来。例如，书中对“节奏感”的解析，不仅仅停留在理论层面，还穿插了大量经典电影镜头的具体分析，让人在阅读的过程中，仿佛就能听到画面切换时的“咔哒”声，那种代入感是其他同类书籍难以比拟的。我特别喜欢作者在章节末尾设置的“实战反思”小栏目，它不是简单的知识点总结，而是引导读者思考如何在自己的项目中运用这些原则，这种互动式的学习体验极大地提升了我的学习效率和兴趣。这本书的配图也做得非常用心，很多都是作者精心挑选的电影画面截图，并且针对关键的剪辑点做了详细的批注和标注，让抽象的理论变得触手可及。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的，当时我正在为一次商业广告片的后期制作焦头烂额，对如何在短时间内建立强烈的视觉冲击力和叙事连贯性感到非常迷茫。市面上的剪辑教程大多侧重于软件操作技巧，而这本书的视角则完全不同，它直指艺术与技术的交汇点。最让我眼前一亮的是其中关于“情绪曲线”的构建这一章节。作者用非常细腻的笔触，描述了如何通过光影、色彩、声音以及最核心的画面时值来调控观众的情绪波动。书中提到一个观点，即“剪辑的本质是控制时间感”，这一下子为我打开了一扇新的大门。我立刻尝试将书中的理论应用到我的项目中，尤其是在处理动作场景的转场时，不再盲目追求快速剪辑，而是根据场景的内在张力来决定每一帧停留的时长，效果立竿见影，客户对最终成片中那种恰到好处的紧张感赞不绝口。这本书的深度远超我的预期，它不仅仅是一本“如何做”的指南，更是一本“为什么这么做”的哲学探讨。对于想要从初级操作员晋升为真正剪辑师的同行来说，这本书提供的思维框架是无价的。

评分☆☆☆☆☆

我对技术类书籍的评判标准通常非常严苛，因为我更看重的是其知识的普适性和前瞻性。这本书最成功的地方在于，它跳脱出了对特定软件版本或硬件设备的过度依赖。虽然书中会涉及到一些操作层面的演示，但其核心始终围绕着“永恒不变的剪辑原则”展开，这保证了即使未来软件界面发生天翻地覆的变化，书中的核心理念依然闪耀着光芒。举个例子，书中对“视觉重量平衡”的讲解，清晰地阐述了如何在画框内分配元素，使其在视觉上达到和谐或刻意的失衡，这种构图美学原理是超越任何软件界面的。我将这些理论应用到我的纪录片项目中，尤其是在处理多机位访谈素材的切换时，过去我总是依赖于对白的节奏，而现在我能更主动地利用画面的景深、人物的位置等视觉元素来引导观众的注意力。这本书不仅仅是一本工具书，它更像是一部关于如何“思考”电影叙事的思想指南，它赋予了读者一种更高维度的审视和创造能力，其价值是长久且深远的。

评分☆☆☆☆☆

正在看

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虽然内容有些不那么深奥，但还是可以阅读值得阅读的。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

希望可以看完！价钱不贵，可以学到东西。

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封面很脏，真让人不爽！

评分☆☆☆☆☆

挺好的，很实用

评分☆☆☆☆☆

考试要有，具体内容没看啊。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

实用的教材，很好，详实又有观点

评分☆☆☆☆☆

考试要有，具体内容没看啊。。。。。。