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潘桦，徐智鹏，刘硕 著

图书标签:

• 影视导演
• 导演技巧
• 电影制作
• 拍摄技巧
• 视听语言
• 剧本分析
• 场景调度
• 演员指导
• 电影艺术
• 行业教程

出版社： 中国广播电视出版社

ISBN：9787504368331

版次：1

商品编码：11227705

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-04-01

用纸：胶版纸

页数：371

正文语种：中文

内容简介

　　《影视导演艺术教程》是国内第一部系统化导演教学与创作训练的专业教材。将复杂的导演叙事提炼成五大教学重点模块，按照理论讲授、片例研究、学生创作分析与问题总结的四大教学程序依次梳理成章，使导演教学按步骤、分阶段地不断深入，体现立足当下、放眼世界的国际化影视教学视野与叙事理念。

目录

写在前面的话
第一章 单（长）镜头叙事
第一节 单（长）镜头叙事的核心理念
一、作为电影理论的长镜头
二、作为导演叙事的长镜头
第二节 单（长）镜头叙事导演手法经典案例
一、推进人物关系的长镜头
——美国电影《好家伙》“约会女友”长镜头段落分析
二、超现实主义的长镜头
——日本电影《雨月物语》“重逢亡妻”长镜头段落分析
三、善于诠释情感的长镜头
——美国电影《毕业生》“学成归来”长镜头开场段落分析
四、塑造人物性格的长镜头
——美国电影《蛇眼》“故事开场”长镜头段落分析
五、观照、审视历史的长镜头
——中国台湾电影《悲情城市》“生子”、“入狱”长镜头段落分析
六、构思拍摄第一轮单（长）镜头叙事作业（90秒）
七、“单（长）镜头”学生作业案例分新
★案例一《另一半》
★案例二《再也不见》
第二章 视听化的人物出场
第一节 “人物出场”的核心理念
一、“出场”与“出现”
二、“人物出场”的方式与功能
第二节 “人物出场”导演手法经典案例
一、多侧面展露人物特质的出场
——美国电影《这个杀手不太冷》中里昂的出场分析
二、细节带动人物出场
——中国内地电影《阳光灿烂的日子》中米兰的出场分析
三、视昕语言勾勒人物出场
——美国电影《蝙蝠侠》中小丑的出场分析
四、刻画人物身份的出场
——美国电影《辛德勒的名单》中辛德勒的出场分析
五、表现人物与环境关系的出场
——意大利电影《偷自行车的人》中父亲的出场分析
六、“人物出场”学生作业案例分新
★案例《心事》
第三章 推动叙事的视觉化细节元素
第一节 “细节”的核心理念
一、电影是“细节”的艺术
二、电影叙事中“细节”的要旨
第二节 “细节”导演手法经典案例
一、连接时空的“海洋之心”
——美国电影《泰坦尼克号》的细节分析
二、以草帽制造杀人悬念
——日本电影《人证》的细节分析
三、以绳索反映人物性格
——美国电影《夺魂索》的细节分析
四、一把左轮手枪制造“迷宫式”的人物关系和悬念
——美国电影《血迷宫》的细节分析
五、从玩具上升为一种意象
——德国电影《铁皮鼓》的细节分析
六、构思拍摄第二轮“细节”叙事作业（3-5分钟）
七、“细节”学生作业案例分析
★案例《鞋子》
第四章 推动故事并吸引观众的悬念
第一节 “悬念”的核心理念
一、何为“悬念”——希区柯克的“麦格芬”
二、“悬念”的叙事机制——关于炸弹的故事
三、电影化叙事中的“悬念”——组织叙事与调动情绪
第二节 “悬念”导演手法经典案例
一、信息不对称制造悬念
——美国电影《美人计》“窃取情报”段落悬念分析
二、重复细节推进悬念
——中国内地电影《鬼子来了》“地窖求救”段落悬念分析
三、视昕手段营造悬念气氛
——美国电影《西北偏北》“旷野危机”段落悬念分析
四、多重手段设置复合悬念
——英美联合摄制电影《桂河大桥》“炸毁大桥”段落悬念分析
五、构思拍摄第三轮“悬念”叙事作业（5分钟）
六、“悬念”学生作业案例分新
★案例一《奥特曼》
★案例二《搭错车》
第五章 具有叙事意义的结构语言
第一节 “结构”的核心理念
一、视点
二、转场方式
三、时空逻辑
四、小结
第二节 “结构”导演手法经典案例
一、单线时空交叉结构
——英国电影《贫民窟的百万富翁》叙事结构分析
二、单线套层结构
——英国电影《法国中尉的女人》叙事结构分析
三、单线多重套层结构
——美国、意大利联合摄制电影《美国往事》开场段落结构分析
四、单线板块式结构
——德国电影《罗拉快跑》叙事结构分析
五、多视角回环套层结构
——日本电影《罗生门》叙事结构分析
六、非线性多视角结构
——美国电影《低俗小说》叙事结构分析
七、构思拍摄第四轮“结构”作业（5-7分钟）
八、“结构”学生作业案例分析
★案例一《柠檬与花》
★案例二《漫长的早晨》
附录 优秀获奖学生短片拉片分析
附录一 获奖短片《盼》拉片分析
附录二 获奖短片《叮叮》拉片分析
后记故事一 不期而至的“相约”
后记故事二 导演是一种态度

电影镜头语言大师之路：经典案例深度解析与实战技巧进阶 图书名称： 电影镜头语言大师之路：经典案例深度解析与实战技巧进阶 作者： [此处留空，以模拟真实书籍的作者信息] 出版社： [此处留空，以模拟真实书籍的出版信息] --- 内容提要 本书并非聚焦于导演的宏观艺术理念或剧本创作的理论框架，而是完全沉浸于电影制作的核心技术层面——镜头语言的构建与运用。它是一本面向中高级电影制作学习者、独立制片人以及渴望精进视觉叙事技巧的电影爱好者的实用指南。我们相信，真正的电影感染力，往往蕴藏在对光影、景别、运动和构图的精准把握之中。 本书摒弃了对基础概念的冗长介绍，直接切入实战案例的剖析。内容围绕“如何通过镜头选择来讲述故事，塑造人物，控制节奏与情绪”这一核心命题展开，通过对影史上数百个经典镜头的逆向工程分析，揭示隐藏在大师作品背后的技术逻辑与美学考量。 全书结构严谨，从基础的镜头元素解构开始，逐步深入到复杂场景的调度与情感张力的营造，最终落脚于如何将个体镜头的力量汇集成震撼人心的叙事序列。 --- 第一部分：镜头元素的微观解剖与语汇构建 本部分旨在将镜头语言拆解为最基本的“词汇”和“语法”，确保读者对每个技术选项背后的叙事意图有清晰的认识。 第一章：景别与焦距的叙事张力 景别划分的心理学效应： 详细分析特写、近景、中景、全景等不同景别在心理层面与观众建立的距离感和信息密度。不再是简单的定义，而是探讨“为何在此处使用大特写而非近景？” 焦距的变形与视角： 广角镜头对空间感的夸张与压迫感；长焦镜头对景深的压缩和情感的聚焦。重点剖析不同焦段在表现人物内心冲突时的微妙差异。 案例精讲： 对比《教父》中马龙·白兰度受审的近景系列与《洛杉矶机密》中街头追逐的全景运动镜头，解读焦距如何服务于特定的叙事节奏。 第二章：光影雕塑：情绪的无声表达 光照类型的实战应用： 深入研究伦勃朗光、蝴蝶光、分离光等经典布光法的现代改良与应用。关注高光与阴影的边界如何引导观众的视线。 色彩在镜头中的潜意识暗示： 不仅讨论色调，更侧重于特定色彩（如饱和度、对比度）如何与景别、运动结合，在非对白场景中传递角色的命运走向。 案例精讲： 分析黑色电影（Film Noir）中对硬光与明暗对比的极端运用，以及如何利用低调光（Low Key）来构建悬疑感和人物的道德模糊性。 第三章：运镜的呼吸与节奏控制 机位运动的类型学与功能： 系统梳理摇摄（Pan）、移摄（Tilt）、跟拍（Tracking）、升降（Boom/Jib）的物理原理及其在叙事中的角色。 主观运动与客观观察： 探讨POV（主观镜头）的构建标准、风险与回报，以及如何通过反向运动（Counter-movement）来打破观众的沉浸感，制造疏离或冲击。 案例精讲： 对比《现代启示录》开场直升机镜头与塔可夫斯基《镜子》中一镜到底的长镜头，解析运镜速度与镜头长度对时间感知的影响。 --- 第二部分：序列叙事与情境设计 本部分将镜头语言提升到序列层面，探讨如何将单个镜头组合成有意义的、具有强大情感冲击力的片段。 第四章：蒙太奇的精确构建：从爱森斯坦到现代剪辑点 视觉节奏的量化： 探讨如何通过镜头时长、运动密度来控制画面的“心跳频率”。长镜头序列的“暂停”与短促剪辑的“爆发”。 空间转换与意识流动： 深度解析如何利用跳切（Jump Cut）和匹配剪辑（Match Cut）来暗示时间流逝、空间跳跃或人物心理的内在关联。 案例精讲： 剖析古斯塔夫·德·沃斯的“视觉对白”原则，尤其是在高潮对峙场景中，如何通过精确的交叉剪辑（Cross-Cutting）建立双线叙事的高压锅效应。 第五章：场景中的空间布局与视线引导 180度法则的解构与重构： 不仅仅是遵守规则，更是理解规则背后的空间连续性逻辑。讨论何时需要打破180度线来制造迷失感或揭示隐藏信息。 构图的三角稳定与动态平衡： 讲解如何利用黄金分割、对称与不对称构图来平衡画面中的视觉元素，并利用前景、中景、背景的层次来增加画面的深度。 案例精讲： 以对白场景为例，分析如何通过精妙的机位和景别变化，即使在相对静止的对话中，也能保持视觉的流动性和角色的权力关系变化。 第六章：情绪层叠：多重镜头的叙事叠加 叠化（Dissolve）与淡入淡出（Fade）的精确使用时机： 探讨叠化作为“过渡的桥梁”而非“时间的填充物”的功能，特别是在表现记忆闪回或状态转变时。 画中画（In-Frame Composition）的叙事负载： 如何利用前景物体（如窗户、门框、镜子）将多个信息点压缩进一个镜头内，增强画面的信息密度和隐喻性。 案例精讲： 重点分析如何通过镜中镜（Reflection）的运用，揭示角色的双重人格或其内心世界的冲突，例如在表现精神分析场景时镜头的重复出现。 --- 第三部分：风格化与技术整合 本部分探讨如何将技术理解转化为独特的、具有个人标记的视觉风格，并适应现代影视制作的挑战。 第七章：风格的形成：从模仿到内化 视觉风格的“DNA”提取： 引导读者超越对特定导演风格的表面模仿，转而提炼出其核心的镜头选择偏好（例如，某个导演倾向于低角度长焦，另一个则偏爱手持近景）。 类型片镜头语言的约定与突破： 识别恐怖片、西部片、科幻片在镜头语言上的惯性，并探讨如何通过颠覆性的镜头运用制造新鲜感。 案例精讲： 对比韦斯·安德森的对称强迫症与亚历杭德罗·伊纳里图的沉浸式长镜头哲学，分析风格背后的哲学基础。 第八章：运动控制与数字时代的挑战 稳定与晃动的美学选择： 讨论稳定器（Steadicam/Gimbal）带来的绝对平滑与手持摄影的“生命力”之间的权衡。在追求极致清晰度时，如何保留画面的粗粝感。 高帧率（HFR）下的镜头语境变化： 探讨高帧率对景深、运动模糊和观众“真实感”认知的冲击，以及相应镜头语言的调整策略。 案例精讲： 分析现代动作片如何利用高速摄影（High-Speed Cinematography）与后期慢动作的结合，重塑了我们对“瞬间”的感知。 第九章：镜头语言的终极目标：服务于潜台词 隐藏的意图： 强调镜头不是为了“炫技”，而是为了在不通过对白的情况下，向观众传达潜藏的信息、未说出口的情感或即将来临的危险。 场景的“视觉导向图”： 提供一套实用的流程，教读者如何在剧本阅读阶段，就预先在脑海中绘制出关键场景的镜头运动蓝图。 --- 结语：镜头即选择 本书旨在提供的是一套解决问题的工具箱，而非一套僵化的规则手册。每一项技术选择都应根植于叙事的需要。通过对历史的深入学习与对技术的精细掌控，电影制作者能够更清晰、更有力地将内心的构想转化为观众可感知的视觉现实。镜头语言的大师，在于懂得在无数种可能性中，为每一个瞬间，做出最不可替代的那一个选择。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为导演的工作是充满光环的，但这本书彻底颠覆了我的认知。它毫不避讳地揭示了片场混乱、预算超支以及与制片方拉锯战的真实面貌。这种坦诚让我感到非常亲近，仿佛作者就是在我的身边，亲口告诉我：“嘿，现实就是这么残酷，但我们还是得把它拍出来。”书中对“突发状况处理”的描述尤为精彩，它提供了一套清晰的危机应对框架，而不是简单的“随机应变”。例如，当关键道具损坏时，作者是如何在几分钟内提出替代方案并说服演员接受的细节，这些都是在任何电影学校的课堂上都学不到的宝贵经验。这本书的价值在于，它弥补了理论与实战之间的鸿沟，让人在准备进场之前，就已经在脑海中走过了一遍最艰难的流程。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书的文字风格非常独特，它不像是那种学院派的论述，反而更像是一位经验丰富的前辈在深夜里跟你促膝长谈，分享他的血泪教训和独家秘诀。行文流畅自然，节奏感把握得极好，读起来完全没有压力。我发现自己会不自觉地停下来，拿起笔在旁边做笔记，不是因为内容晦涩难懂，而是因为很多观点像火花一样突然点亮了我的思维。尤其是关于“控制与放手”这一段的探讨，作者精妙地阐述了在创意过程中，导演何时需要成为绝对的权威，何时又该给予团队充分的自由，这种平衡的艺术在这本书里得到了淋漓尽致的展现。它更像是一本关于“人”的艺术的书，导演的艺术不仅仅是技术，更是管理和共情的艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让人耳目一新，它并没有聚焦于那些高高在上的电影理论，而是非常接地气地探讨了导演在实际工作中的方方面面。从最初的剧本解读到现场调度，再到与演员的沟通，几乎涵盖了导演职能的每一个细节。我特别喜欢其中关于“氛围营造”的章节，作者用了很多生动的例子，描述了如何在有限的资源下，通过光线、声音和场景设计来构建出观众沉浸其中的世界。这感觉就像是拿到了一本内部操作手册，而不是枯燥的教科书。对于那些希望从理论转向实践的新手来说，这本书简直是宝藏，它没有给我们灌输复杂的术语，而是直接告诉我们“这样做你会得到这样的效果”。书中的案例分析也很有启发性，那些我过去认为理所当然的镜头语言，在这本书里得到了非常深入和独特的剖析，让我开始思考背后的逻辑和意图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计非常巧妙，它不是按照时间顺序来组织材料，而是围绕着导演创作的核心问题展开。每一章节的标题都像是一个需要被攻克的难题，引人深思。我尤其欣赏作者在讨论“视觉风格统一性”时所采用的对比分析法，通过对比几部风格迥异的作品，来解析导演是如何通过一套内在的、连贯的逻辑来定义一部电影的整体观感的。这不仅仅是教你如何“看”电影，更是教你如何“建立”电影。它迫使你跳出自己固有的审美舒适区，去思考那些隐藏在画面背后的哲学立场。读完之后，我开始用一种全新的、更具批判性的眼光去审视我过去热爱的那些经典作品，试图找出隐藏在流畅叙事之下的导演的“签名”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的最大亮点在于它对“导演视角”的挖掘和塑造。它不只是告诉你镜头该怎么架，灯光该怎么打，更深层次地探讨了导演如何通过他的每一次选择，来引导观众的情绪和认知。作者似乎在引导我们进行一场关于“主观性”的哲学探讨——你的意图如何转化为观众的体验？书中关于“非语言沟通”的分析尤其深入，它解释了为什么有时候一个沉默的镜头比一整段对白更有力量。这对于那些习惯于过度依赖对话来推进情节的作者来说，无疑是一剂强效的清醒剂。读完这本书，我感觉自己的“导演之眼”得到了极大的提升，不再满足于表面的精彩，而是开始追寻每一帧画面背后的作者意志和创作的驱动力。

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发货有点慢 还有 的书页 没有分开的

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好！

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很好

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