自家造稿:北京画院藏齐白石画稿

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北京画院 编
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出版社: 广西美术出版社
ISBN:9787549411825
版次:1
商品编码:11587073
包装:精装
开本:16开
出版时间:2014-03-01
用纸:胶版纸
套装数量:2

具体描述

编辑推荐

  《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》内容主要收录了齐白石画稿,对齐白石所作画稿和对应的创作进行归类整理和对比,使齐白石的绘画构思更能清晰明了的展现出来。齐白石历次远游的写生稿(其中有部分日记上的写生稿)和观察花木、草虫、禽鸟的形态画稿,尤其是他晚年为了创作和平鸽而进行的一系列写生,弥足珍贵。而齐白石凭记忆绘制,或是心仪但无钱买下的作品,体现出齐白石超强的形象记忆能力。本书为人们进一步认识齐白石的艺术提供了第一手的资料。

内容简介

  《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》内容为北京画院藏齐白石画稿,这些画稿既有齐白石初学绘画时临摹他人的双钩画稿,也有远游期间对景写生的写生稿;既有凭印象和回忆所作的默写稿,也有为创作而反复推敲的草稿。这批鲜为人知的画稿,不仅揭示了白石老人作画是否打草稿之谜,而且为人们进一步认识齐白石的艺术提供了第一手的资料。全书分为两册,其中上册分为三部分:传移模写、写生状物、默识心记。“传移模写”部分辑录齐白石临摹前人的画稿,既有严格遵循原稿的双勾画稿,也有意笔临摹的画稿。“写生状物”部分多为齐白石历次远游的写生稿(其中有部分日记上的写生稿)和观察花木、草虫、禽鸟的形态画稿,尤其是他晚年为了创作和平鸽而进行的一系列写生,弥足珍贵。“目识心记”部分收录的画稿多是齐白石凭记忆绘制,或是他见过的人,或是心仪但无钱买下的作品,体现出齐白石超强的形象记忆能力。下册为自家造稿,“自家造稿”部分占的分额最多,体现了齐白石反复推敲修改的创作的过程。有些画稿经过一而再,再而三的创作,每次都有新的改进。所有的画稿都尽可能寻找与之相对应的作品,有些作品并不藏于北京画院,凡是其它收藏单位的作品均标明藏地。

作者简介

  北京画院(原名北京中国画院),是新中国成立最早、规模最大的专业画院。北京中国画院于1957年5月14日正式成立。周恩来总理及郭沫若、陆定一、沈雁冰等300余位文化界、
  美术界知名人士出席了成立大会。周恩来作了长篇讲话,将画院确定为是创作、研究、培养人才、发展我国美术事业、加强对外文化交流的学术机构。

内页插图

目录

《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿(上)》
《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿(下)》


前言/序言


《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》:一窥近代绘画巨匠的创作心迹与艺术演进 北京画院珍藏的齐白石画稿,无疑是研究这位中国近代绘画史上里程碑式人物艺术创作最为直接、也最珍贵的原始材料。这批画稿,不施色彩,不拘泥于最终完成稿的严谨,却以其生动、率真、未加修饰的笔触,向我们敞开了一扇窥视齐白石艺术精神内核的窗口。它们是艺术家在灵感涌现时,用最简洁、最纯粹的线条和墨块记录下的瞬间思考,是他在不断探索与实验中留下的足迹。 一、画稿的独特价值:艺术创作的“未完成时” 相较于画家完成的作品,《自家造稿》所呈现的画稿,具有其独特的、不可替代的价值。 创作初衷的直接呈现: 画稿是画家构思、立意的最初载体。在这里,我们看不到经过反复推敲、掩饰和润色的痕迹。艺术家往往会将最原始的想象、最直观的观察,甚至是某种突如其来的情感,直接倾注于纸上。这使得画稿成为理解艺术家创作意图、艺术思想萌发过程的“第一手资料”。通过对这些画稿的审视,我们可以更清晰地捕捉到齐白石在处理画面结构、物象形态、笔墨韵味时的初步设想,以及他如何在看似漫不经心中,就已经埋下了最终作品的灵魂。 笔墨技巧的精炼与演进: 齐白石的笔墨艺术,是中国画史上的重要高峰。他的画稿,正是其笔墨功力锤炼过程的生动写照。在这些画稿中,线条的粗细、干湿、刚柔,墨色的浓淡、枯润,都能得到最纯粹的体现。我们能看到他如何以寥寥数笔勾勒出虾的鲜活生命力,如何以墨块的层层晕染塑造出荷叶的丰润饱满,又如何通过简练的线条赋予山石以磅礴的气势。这些画稿,比之最终完成稿,可能更显得“不完美”,但正是这种“不完美”中,蕴含着艺术家在笔墨运用上的极致追求,以及他不断探索、突破的痕迹。通过比对不同时期的画稿,我们甚至能够清晰地梳理出齐白石笔墨技巧的演进脉络,感受他从青年时期的工整严谨,到中年时期的恣肆汪洋,再到晚年时期的炉火纯青,每一个阶段的独特笔墨语言如何形成和发展。 题材选择与处理的探索: 齐白石的题材极为广泛,花鸟、山水、人物、草虫无所不包。画稿则为我们提供了他如何审视、选择和处理这些题材的宝贵线索。一张画稿可能只是一片落叶的局部,一个眼神的刻画,一只虾的某个姿态,但这些零散的片段,组合起来,却能让我们窥见艺术家对自然万物的细致观察和深刻体悟。他如何将对生活的独特感悟,转化为艺术表现的形式,如何在熟悉的题材中发掘出新的意趣,这些都在画稿中留下了痕迹。例如,他对于虾的描绘,其笔墨的精炼程度,甚至在画稿中就能看得出其反复斟酌的痕迹。 艺术观念的显现: 齐白石“衰年变法”后,其艺术观念发生了深刻的变化,他追求“似与不似之间”的艺术境界,强调“神似”而非“形似”。画稿,恰恰是这一艺术观念最直接的体现。在这些未完成的作品中,我们能看到艺术家对物象形态的提炼与夸张,对生命精神的捕捉与表现,而非对客观物象的机械复制。他如何在黑白灰的单纯构成中,传递出生命的活力与情感,这些都可以在画稿中找到答案。 二、画稿中的齐白石:从“俗”到“雅”的升华 齐白石早期以“画匠”身份自居,其画作深受民间美术和文人画的影响,既有接地气的朴拙,也有对传统技法的借鉴。而这批画稿,则清晰地记录了他艺术风格从“俗”走向“雅”的升华过程。 生活经验的积累与升华: 齐白石出生于湖南湘潭一个普通的农家,他的艺术生涯与他对乡土、对生活的深厚情感密不可分。画稿中,我们能看到他对乡间草木、市井百态的细致观察与描绘。一条小鱼、一只蚂蚱、一株野草,在他笔下都充满了生命力。然而,这些朴素的素材,经过他艺术的提炼和升华,便不再仅仅是自然的再现,而是被注入了深刻的艺术情感和人文关怀。他的画稿,就像是他与自然对话的笔记,记录下他对生命本真的热爱,以及这份热爱如何在艺术中得到升华。 传统技法的吸收与创新: 齐白石并非凭空创造,他对中国画的传统技法有着深刻的理解和掌握。在他早期的画稿中,我们或许还能看到一些传统程式化的影子,但随着艺术的成熟,他逐渐打破陈规,将传统技法与个人感受相结合。画稿中的笔墨,便是这种融合与创新的最佳证明。他如何将工笔的细腻转化为写意的奔放,如何将水墨的晕染运用到极致,又如何在结构上做出大胆的突破,这些都在画稿中留下了他的探索痕迹。 “衰年变法”的生动见证: 齐白石的“衰年变法”,是他艺术生涯中的一个重要转折点。在这个时期,他的人物画,尤其是虾、蟹、鱼、虫等,达到了前所未有的艺术高度。这批画稿,是“衰年变法”最直接的旁证。我们可以从这些未完成的草图中,看到艺术家在题材、笔墨、构图等方面所进行的创新尝试。例如,他对虾的描绘,从早期的相对拘谨,到后期的神韵毕现,其间的演变过程,在画稿中有着清晰的痕迹。他如何捕捉虾的动态,如何用笔墨表现虾的透明感和弹性,这些细微之处,都在画稿中得以体现。 三、画稿的艺术启示:当代艺术的创作借鉴 《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》所呈现的,不仅仅是历史的艺术瑰宝,更是当代艺术家可以从中汲取养分的宝贵资源。 强调“意”的传达: 齐白石的画稿,虽然简练,却能传达出强烈的“意”。他注重的是画面的整体精神和情感的表达,而非仅仅是对形体的描摹。这对于当下一些过度追求形式和技巧的艺术创作,具有重要的启示意义。艺术的核心在于“意”,在于传达艺术家的思想、情感和对世界的独特理解。 笔墨的自由与创造力: 画稿的自由性,恰恰是其艺术生命力的体现。艺术家在创作过程中,可以不受太多束缚,大胆地进行尝试和探索。这种自由的创作状态,有助于激发艺术家的创造力,打破固有的思维模式,创造出更具个性和生命力的作品。 从“具象”到“写意”的过渡: 齐白石的艺术,正是从对“具象”的深入观察,走向“写意”的升华。画稿,便是这一过渡的生动写照。它提醒我们,深入地观察和理解生活中的具体事物,是进行艺术创作的基础,而在此基础上,通过提炼、概括和变形,才能最终达到“写意”的境界。 艺术的“未完成”之美: 许多时候,“未完成”的作品,反而更能展现出艺术的无限可能性和想象空间。齐白石的画稿,正是这种“未完成”之美的典范。它们邀请观者参与到艺术家的创作过程中,通过自己的想象去解读和完善作品。这种留白和想象的空间,也是中国画的独特魅力之一。 《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》并非仅仅是一批墨稿的汇集,它承载着一位艺术巨匠在创作道路上的探索、思考与升华。通过这些未经修饰、充满生命力的线条和墨块,我们得以窥见齐白石艺术创作的“后台”,感受他作为一位生活的热爱者、传统的继承者和创新的开拓者,是如何用他独特的艺术语言,为中国画注入新的活力,并最终成为一代宗师。这批画稿,是对齐白石艺术精神的一次最直接、也最深刻的致敬,也是对中国画艺术创作理念的一次深刻的梳理与阐释。

用户评价

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这本书的出现,无疑是在我心中投下了一颗深水炸弹。我一直以来,都以为自己对齐白石先生的了解,已经足够深入了。我熟悉他那“红花墨叶”的标志性风格,我欣赏他笔下虾的灵动,蟹的横行,鱼的腾跃。然而,《自家造稿》却让我看到了一个完全不同的齐白石,一个更加真实、更加生动、也更加令人敬畏的齐白石。 我记得第一次翻开这本书时,我的手几乎是颤抖的。那些泛黄的纸张,那些粗犷的笔触,那些不完美的线条,都散发着一种独属于艺术家的气息,一种未经修饰的、原始的生命力。我看到了许多我从未见过的作品,它们没有被收入画册,没有被冠以“杰作”之名,但它们却以最直接的方式,展现了齐白石先生在创作中的思考与探索。 比如说,书中有一张关于荷花的画稿,我之前看到的齐白石荷花,大多是饱满、浓郁,带着雨露的晶莹。但在这张画稿里,荷叶的墨色晕染得有些过,甚至有些地方出现了“破损”,但正是这种“不完美”,却让荷叶的质感更加真实,仿佛真的经历了风雨的洗礼。我甚至能想象到,齐白石先生当时或许在思考,如何用最简洁的笔墨,来表现荷叶的“筋骨”,如何在水墨的流动中,展现荷叶的生命张力。 又比如,关于画虾的部分,我看到了许多不同姿态的虾,有些只是几笔勾勒,有些则细致入微。我甚至看到了一些画到一半的虾,腹部还没有画出,但仅仅是那几笔虾腿和虾钳,就已经充满了动感。这让我深刻地体会到,齐白石先生对于画虾的精妙之处,不仅仅在于最终的完成,更在于他对“过程”的掌握。他能够在无数次的尝试中,找到最能表现虾的生命力的那几笔。 这本书最让我震撼的,是它揭示了艺术创作的“不确定性”。我们常常以为,大师的作品就是完美的,无可挑剔的。但《自家造稿》却告诉我们,艺术的魅力,恰恰在于它的不确定性。那些留白,那些未完成的线条,那些反复修改的痕迹,都构成了艺术作品的一部分。它们让观者有了想象的空间,有了参与艺术创作的过程。 我注意到书中有些画稿,是在纸张的背面画的,或者是在一些旧的纸张上画的。这让我感到一种强烈的时代感,也让我看到了艺术家节俭的生活态度。在那个年代,纸张的获取并不容易,所以每一张纸,都承载着艺术家沉甸甸的创作热情。这种对材料的尊重,也体现在他对笔墨的运用上。 这本书的编排也非常有意思,它并没有按照时间顺序,也没有按照题材分类,而是以一种更加自由、更加随性的方式,展现了齐白石先生的画稿。这让我感觉,仿佛我真的置身于齐白石先生的工作室,随意地翻阅着他的手稿。这种沉浸式的体验,是其他任何画册都无法给予的。 我特别喜欢书中一些画稿的“随笔”性质,有些地方,齐白石先生会用很小的字写下一些心得,或者是一些创作的灵感。这些文字,虽然简短,却饱含深意,让我能够更加深入地理解他的艺术思想。我甚至会一边看画,一边去揣摩他写下这些文字时的心情。 《自家造稿》这本书,不仅仅是一本艺术画册,它更像是一堂生动的艺术课。它让我看到了,真正的艺术,并非仅仅是技巧的展示,更是艺术家内心世界的表达。它让我重新审视了“完成”与“未完成”的艺术价值,让我明白了,那些未被公之于众的画稿,同样拥有着无比珍贵的艺术生命。 我还会继续反复地翻阅这本书,我相信每一次翻阅,都会有新的发现,新的感悟。这本书,已经成为了我书架上最珍贵的藏品之一,它让我更加热爱艺术,更加敬佩齐白石先生这位伟大的艺术家。

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当拿到《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》这本书时,我脑海中闪过的第一个念头是——“惊喜”。因为我一直以来,都认为艺术家最能展现其艺术魅力和创造力的,往往并非那些被包装得光鲜亮丽的“成品”,而是那些隐藏在背后的、充满探索与尝试的“手稿”。而这本书,恰恰满足了我对这一“秘密花园”的渴望。 翻开书页,扑面而来的是一种 raw(原始)的力量。那些未经过度加工的笔墨,那些大胆的设色,那些有时显得有些“粗糙”的线条,却都充满了生命力,仿佛刚刚从艺术家的指尖上跳跃下来。我尤其被那些反复修改的痕迹所吸引,它们就像一个个时间胶囊,封存着齐白石先生在创作过程中,那些犹豫、思考、以及最终找到突破口的瞬间。 我注意到书中有些画稿,仅仅是寥寥几笔,就勾勒出了事物的神韵。比如,他画的一只虾,仅仅是用墨勾勒出了虾的身体和几根须,但那份灵动,那份飘逸,却仿佛触手可及。这让我深刻体会到,艺术的精髓,往往在于“少即是多”的哲学。在不经意间的几笔,却蕴含着对事物形态最本质的把握。 再者,书中有不少关于花卉的画稿,我看到了齐白石先生在色彩运用上的大胆尝试。他并非拘泥于传统的色彩观念,而是根据自己的感受,去寻找最能表达事物生命力的颜色。比如,他画的番茄,那鲜亮的红色,带着一种朴实而又浓郁的生命气息,让人看了就心生喜爱。 我尤其喜欢书中一些构图上的草稿,它们展现了艺术家在安排画面元素时的反复推敲。比如,一张画里,同一株植物,他可能会尝试不同的角度和姿态,力求找到最能表现其生命力的那一刻。这种对细节的执着,正是伟大艺术家与普通绘画爱好者最大的区别。 书中一些画稿的背面,甚至还留有齐白石先生的零星笔记,这些文字虽然简短,却能透露出艺术家当时的创作心境。我仿佛能看到,他在某个阳光明媚的午后,手持画笔,一边创作,一边记录下自己对艺术的感悟。这种跨越时空的对话,让我感到无比的亲切。 这本书的呈现方式也令我印象深刻。它并没有按照固定的模式来编排,而是以一种更加自由、更加散漫的方式,展现了画稿的丰富性。这让我感觉,仿佛我真的置身于齐白石先生的工作室,随意地翻阅着他的创作手稿,体验着他创作的乐趣。 我常常在翻阅这本书的时候,会产生一种强烈的创作冲动。我会被那些充满生命力的笔墨所感染,会尝试去模仿齐白石先生的构图和用色。这本书,不仅仅是一本艺术欣赏的读物,更是一本激发我创作灵感的宝典。 总的来说,《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》这本书,让我看到了一个更加立体、更加真实的齐白石。它颠覆了我对艺术品收藏的认知,让我明白,艺术的价值,不仅仅在于成品的光鲜,更在于创作的过程中的探索与积累。

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初次接触《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》,便被其直观而富有冲击力的书名所吸引。我一直认为,任何艺术家的创作,其最动人之处,往往不在于那些被反复打磨、最终呈献给大众的“成品”,而在于那些充满探索、实验、甚至带有“不完美”痕迹的“过程”。这本书,正是为我揭示了齐白石先生艺术创作的“幕后故事”。 翻开书页,我立刻就被那些朴拙而充满生命力的笔墨所吸引。这些画稿,没有名家作品应有的“矜持”和“完美”,它们更像是艺术家内心最真实的呐喊,最直接的情感流露。我看到了他为了表现一只虾的透明感,反复尝试不同的墨色晕染;看到了他为了捕捉一片落叶的动态,细致地勾勒出叶脉的走向。这些细节,都充满了艺术家的匠心独运。 我特别留意到书中关于花鸟画的画稿。我看到了齐白石先生在构图上的大胆尝试,他并非拘泥于传统的“三远法”,而是根据自己的审美和对自然的观察,去构建画面。有时,他会极简地勾勒一枝枯藤,搭配几只写意的鸟,寥寥数笔,却意境全出。这种化繁为简的艺术功力,着实令人叹服。 让我印象深刻的是,书中有一些画稿,上面留有齐白石先生的手写批注。这些批注,虽然简短,却饱含深意。有时,他会记录下自己对某种色彩的理解,有时,他会表达自己对某种构图的困惑。这些文字,就像是艺术家与纸张、与墨水之间无声的对话,让我们能够更加深入地理解他的创作思路。 《自家造稿》这本书,对我而言,不仅仅是一本艺术画册,更是一次深刻的艺术启蒙。它让我明白,艺术的价值,并非仅在于最终的“完成”,更在于创作过程中的“探索”。它也让我看到了,齐白石先生之所以能成为一代宗师,正是因为他拥有着对艺术不懈追求的精神。 我会将这本书珍藏起来,并且会反复地翻阅。我相信,每一次翻阅,都会有新的发现,新的感悟。它让我更加热爱艺术,更加敬佩齐白石先生这位伟大的艺术家。

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当我第一次看到《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》这本书名的时候,内心涌起一股莫名的悸动。作为一个普通的艺术爱好者,我一直以来对齐白石先生的作品都充满了敬意,我欣赏他笔下那些充满生命力的草虫、虾蟹,以及那些饱含生活气息的花卉。然而,我总觉得,那些最终呈现的成品,似乎隔着一层“完成”的滤镜,让我难以窥探到艺术家最真实的那一面。 这本书的出现,就像一把钥匙,为我打开了通往齐白石先生创作“秘密花园”的大门。我迫不及待地翻开书页,那些泛黄的纸张,那些随意的笔触,那些大胆的色彩,瞬间就吸引了我。我看到了许多我从未见过的画稿,它们或许不那么“完美”,甚至有些地方显得有些“稚拙”,但正是这种未经修饰的美,才让我感受到了艺术家最原始的创作冲动。 我特别着迷于书中关于草虫的画稿。我看到了齐白石先生对草虫形态的反复观察和描摹。有些画稿,仅仅是几笔就勾勒出了草虫的动态,有些则细致地描绘了草虫的触角、腿部。我甚至能想象到,他当时是如何在案头摆放着真实的草虫,细致入微地观察它们每一个细微的动作。这种对自然的敬畏和对生命的关怀,贯穿了他的整个创作生涯。 再者,书中有不少关于虾的画稿,让我看到了齐白石先生在表现虾的“透明感”和“灵动感”上所下的苦心。我看到了他尝试不同的墨色浓淡,不同的笔触轻重,来表现虾身体的透明感和虾须的飘逸。这些画稿,就像是艺术家在进行一场与水墨的对话,他在不断地探索,如何用最简洁的笔墨,来唤醒纸上的生命。 让我惊喜的是,书中还有一些画稿,展现了齐白石先生在构图上的大胆尝试。我看到同一题材,他会尝试不同的构图角度和元素搭配,力求找到最能打动人心的画面。这种勇于突破传统,敢于创新的精神,正是齐白石先生之所以能成为一代宗师的重要原因。 书中的编排方式也很有意思,它并非按照严格的学术分类,而是以一种更加自由、更加随性的方式,展现了画稿的多样性。这让我感觉,仿佛我真的置身于齐白石先生的工作室,随意地翻阅着他的创作手稿,体验着他创作的乐趣。 《自家造稿》这本书,不仅仅是一本艺术画册,它更像是一堂生动的艺术课。它让我看到了,真正的艺术,是源于生活,并且在反复的实践中不断升华的。它也让我明白,那些未被公之于众的画稿,同样拥有着无比珍贵的艺术生命。 我会将这本书珍藏起来,并且会反复地翻阅。我相信,每一次翻阅,都会有新的发现,新的感悟。它让我更加热爱艺术,更加敬佩齐白石先生这位伟大的艺术家。

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初见《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》,便被其直观的书名所吸引。我一直认为,相较于那些被反复打磨、最终呈现的“成品”,艺术家在创作过程中的“手稿”,更能揭示出其艺术的本源和创作的脉络。而这本书,恰恰满足了我对艺术“未完成”之美的探索欲。 翻开书页,我立刻被那些充满原始生命力的笔墨所吸引。那些未经过度加工的线条,那些大胆的色彩,那些有时显得有些“粗糙”的痕迹,都散发着一种未经雕琢的真实感。我看到了许多我从未见过的画稿,它们或许不那么“完美”,但恰恰是这种“不完美”,让我感受到了艺术家在创作过程中的思考、探索,甚至是一丝丝的犹豫。 我尤其对书中关于草虫的画稿印象深刻。我看到了齐白石先生对每一个草虫形态的反复观察和描摹。有些画稿,仅仅是寥寥几笔,就勾勒出了草虫的动态和神韵,有些则细致地描绘了草虫的触角、腿部,仿佛能看到他在案头摆放着真实的草虫,细致入微地观察它们每一个细微的动作。这种对自然的敬畏和对生命的关怀,贯穿了他的整个创作生涯。 再者,书中关于虾的画稿,让我看到了齐白石先生在表现虾的“透明感”和“灵动感”上所下的苦心。我看到了他尝试不同的墨色浓淡,不同的笔触轻重,来表现虾身体的透明感和虾须的飘逸。这些画稿,就像是艺术家在进行一场与水墨的对话,他在不断地探索,如何用最简洁的笔墨,来唤醒纸上的生命。 让我惊喜的是,书中还有一些构图上的草稿,展现了艺术家在安排画面元素时的反复推敲。比如,一张画里,同一株植物,他可能会尝试不同的角度和姿态,力求找到最能表现其生命力的那一刻。这种对细节的执着,正是伟大艺术家与普通绘画爱好者最大的区别。 我注意到书中一些画稿的背面,甚至还留有齐白石先生的零星笔记,这些文字虽然简短,却能透露出艺术家当时的创作心境。我仿佛能看到,他在某个阳光明媚的午后,手持画笔,一边创作,一边记录下自己对艺术的感悟。这种跨越时空的对话,让我感到无比的亲切。 《自家造稿》这本书,不仅仅是一本艺术画册,它更像是一堂生动的艺术课。它让我看到了,真正的艺术,是源于生活,并且在反复的实践中不断升华的。它也让我明白,那些未被公之于众的画稿,同样拥有着无比珍贵的艺术生命。 我会将这本书珍藏起来,并且会反复地翻阅。我相信,每一次翻阅,都会有新的发现,新的感悟。它让我更加热爱艺术,更加敬佩齐白石先生这位伟大的艺术家。

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偶然在书店看到《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》,书名就深深地吸引了我。我一直认为,任何艺术家的创作,其最动人之处,往往不在于那些被精心装裱、陈列于展柜的“成品”,而在于那些充满探索、实验、甚至带有“不完美”痕迹的“过程”。这本书,无疑是揭示了齐白石先生艺术创作的“幕后”。 翻开书,我立刻就被那些朴拙而充满生命力的笔触所打动。这些画稿,没有名家作品应有的“矜持”和“完美”,它们更像是艺术家内心最真实的呐喊,最直接的情感流露。我看到了他为了表现一只虾的透明感,反复尝试不同的墨色晕染;看到了他为了捕捉一片落叶的动态,细致地勾勒出叶脉的走向。这些细节,都充满了艺术家的匠心独运。 我特别留意到书中关于花鸟画的画稿。我看到了齐白石先生在构图上的大胆尝试,他并非拘泥于传统的“三远法”,而是根据自己的审美和对自然的观察,去构建画面。有时,他会极简地勾勒一枝枯藤,搭配几只写意的鸟,寥寥数笔,却意境全出。这种化繁为简的艺术功力,着实令人叹服。 让我印象深刻的是,书中有一些画稿,上面留有齐白石先生的手写批注。这些批注,虽然简短,却饱含深意。有时,他会记录下自己对某种色彩的理解,有时,他会表达自己对某种构图的困惑。这些文字,就像是艺术家与纸张、与墨水之间无声的对话,让我们能够更加深入地理解他的创作思路。 书中的编排也十分巧妙,它并非按照时间顺序或题材进行划分,而是以一种更加自由、更加随性的方式,展现了画稿的丰富性。这让我感觉,仿佛我真的置身于齐白石先生的工作室,随意地翻阅着他的创作手稿,体验着他创作的乐趣。 《自家造稿》这本书,不仅仅是一本艺术画册,它更像是一堂生动的艺术课。它让我看到了,真正的艺术,是源于生活,并且在反复的实践中不断升华的。它也让我明白,那些未被公之于众的画稿,同样拥有着无比珍贵的艺术生命。 这本书,让我对齐白石先生的艺术理解,上升到了一个新的高度。我还会继续反复地翻阅,我相信每一次翻阅,都会有新的发现,新的感悟。它让我更加热爱艺术,更加敬佩齐白石先生这位伟大的艺术家。

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第一次捧读《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》,内心便被一种质朴而深邃的力量所震撼。长久以来,我们接触到的齐白石作品,大多是经过精心打磨的“成品”,它们固然美轮美奂,却总觉得少了一份原始的生命力。而这本书,则像一把钥匙,打开了我窥探这位艺术巨匠创作“源代码”的大门。 书中的画稿,没有经过过多的修饰,保留了艺术家最真实、最直接的情感与技法。我看到了线条的起伏、墨色的浓淡、色彩的碰撞,这些都如同艺术家内心的独白,未经任何包装便呈现在我眼前。尤其令我着迷的是,那些反复修改的痕迹,它们不仅仅是技法的演练,更是艺术家在创作过程中,对艺术本质的不断追问与探索。 我尤其被书中关于虫鱼的画稿所吸引。我看到了齐白石先生对每一个细微之处的极致追求。他画虾,不仅仅是勾勒出虾的身体,更是在每一根虾须上倾注心血,力求表现其灵动与飘逸。他画鱼,不仅仅是表现鱼的形态,更是在每一片鳞甲上,用笔墨赋予其生命的光泽。这种近乎“痴迷”的创作态度,令人肃然起敬。 书中的构图草稿,也让我大开眼界。我看到了艺术家在尝试不同布局时,那种大胆而又严谨的态度。他并非墨守成规,而是勇于打破常规,去寻找最能打动人心的画面。有时,他的构图会显得有些“大胆”,甚至有些“不协调”,但正是这种“不协调”,却意外地带来了视觉上的冲击力,也让画面充满了无限的张力。 更让我惊喜的是,书中一些画稿上,留有齐白石先生的零星笔记。这些文字,就像是艺术家在创作中的“内心独白”,虽然简短,却饱含深意。它们让我能够更加深入地理解他创作的灵感来源,以及他对艺术的独特见解。这种跨越时空的交流,让我感到无比的亲切。 《自家造稿》这本书,不仅仅是一本画册,它更像是一堂生动的艺术课程。它让我看到了,真正的艺术,并非仅仅是技巧的展示,更是艺术家内心世界的表达。它也让我明白,那些未被公之于众的画稿,同样拥有着无比珍贵的艺术生命。 我会将这本书珍藏起来,并且会反复地翻阅。我相信,每一次翻阅,都会有新的发现,新的感悟。它让我更加热爱艺术,更加敬佩齐白石先生这位伟大的艺术家。

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当我第一次看到《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》这个书名的时候,心里就涌起一股强烈的期待。我一直觉得,很多艺术家之所以能达到极高的艺术成就,除了天分之外,更重要的是他们对艺术的执着追求和反复锤炼的过程。而“画稿”这两个字,恰恰能勾勒出艺术家在创作过程中最真实、最原始的状态。 翻开这本书,我立刻就被那些充满生命力的笔触所吸引。我看到了许多我从未见过的作品,它们没有被放入展览,没有被收入出版物,但它们却以一种最纯粹的方式,展现了齐白石先生的艺术才华。我尤其喜欢那些不那么“完美”的画稿,它们没有经过后期的润色,没有刻意的修饰,但正是这种未经雕琢的美,才显得格外动人。 我注意到书中有一些画稿,仅仅是几笔勾勒,就已经充满了意境。比如,他画的一条鱼,仅仅用了寥寥数笔,但鱼的动态和神韵却跃然纸上。我猜想,这或许是他对鱼的形态和游动的观察,已经达到了炉火纯青的地步,所以才能如此轻松地将它们“捕捉”在纸上。这种“信手拈来”的艺术境界,着实令人惊叹。 还有一些画稿,则展现了齐白石先生在构图上的反复探索。我看到同一题材,他尝试了不同的角度,不同的布局。比如,他画的螃蟹,有时是横向的,有时是斜侧的,每一种构图都赋予了螃蟹不同的生命感。这让我明白,艺术的创作并非一成不变,而是需要不断地尝试与创新。 让我非常着迷的是,书中一些画稿上,有齐白石先生的手写批注。这些批注,虽然简短,却饱含深意。有时候,他会记录下自己对某种色彩的理解,有时候,他会表达自己对某种构图的思考。这些文字,就像是艺术家在创作过程中留下的“足迹”,让我们能够更加深入地理解他的艺术创作思路。 我特别喜欢其中一幅画稿,上面画的是一株盛开的牡丹。这幅画稿没有完全完成,但已经展现出了牡丹的雍容华贵。我注意到,齐白石先生在画牡丹花瓣时,用了非常多的墨水,但却能保持花瓣的层次感,不会显得过于厚重。这让我体会到,他在水墨的运用上,已经达到了出神入化的境界。 这本书的装帧也非常精美,纸张的质感很好,印刷也非常清晰。每一幅画稿都得到了充分的展现,让我们能够清晰地看到每一个笔触的细节。这对于我这样一个喜欢仔细揣摩艺术作品细节的读者来说,无疑是一种视觉的享受。 我常常会一边翻阅这本书,一边在脑海中想象齐白石先生创作时的情景。我能感受到他对艺术的热爱,他对生活的观察,以及他对传统的继承与创新。这本书,让我对齐白石先生的艺术理解,上升到了一个新的高度。 我还会反复地阅读这本书,因为它不仅仅是一本画册,更是一本充满智慧和启发的艺术宝典。它让我明白,真正的艺术,是源于生活,高于生活,并且在反复的实践中不断升华的。

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翻开《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》,我仿佛走进了一个时间胶囊,里面封存着齐白石先生最真实、最未加修饰的创作瞬间。相较于那些被奉为经典的“成品”,这些“稿”件,以一种近乎坦诚的方式,展露了艺术家在艺术探索中的心路历程。 我尤其被那些反复修改的痕迹所吸引。它们仿佛是艺术家在与纸张、与墨水进行的无声对话,每一次笔触的增减,每一次色彩的调整,都饱含着他对艺术的思考与求索。我看到了他为了勾勒出虾的透明感,反复尝试不同的墨色晕染;看到了他为了捕捉花卉的生命力,一次次地调整笔墨的浓淡。这种精益求精的工匠精神,令人钦佩。 书中关于草虫的画稿,让我对齐白石先生的观察力有了更深的认识。他不仅仅是画出草虫的形态,更是在捕捉它们最生动的瞬间。我看到了他画的蝉,仿佛能听到它在鸣叫;我看到了他画的蜻蜓,仿佛能看到它在振翅欲飞。这种将生命力注入纸墨的功力,着实令人惊叹。 书中的构图草稿,也为我提供了宝贵的借鉴。我看到了艺术家在尝试不同布局时,那种大胆而又严谨的态度。他并非墨守成规,而是勇于打破常规,去寻找最能打动人心的画面。有时,他的构图会显得有些“大胆”,甚至有些“不协调”,但正是这种“不协调”,却意外地带来了视觉上的冲击力,也让画面充满了无限的张力。 更让我惊喜的是,书中一些画稿上,留有齐白石先生的零星笔记。这些文字,就像是艺术家在创作中的“内心独白”,虽然简短,却饱含深意。它们让我能够更加深入地理解他创作的灵感来源,以及他对艺术的独特见解。这种跨越时空的交流,让我感到无比的亲切。 《自家造稿》这本书,对我而言,不仅仅是一本艺术画册,更是一次深刻的艺术启蒙。它让我明白,艺术的价值,并非仅在于最终的“完成”,更在于创作过程中的“探索”。它也让我看到了,齐白石先生之所以能成为一代宗师,正是因为他拥有着对艺术不懈追求的精神。 我会将这本书珍藏起来,并且会反复地翻阅。我相信,每一次翻阅,都会有新的发现,新的感悟。它让我更加热爱艺术,更加敬佩齐白石先生这位伟大的艺术家。

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初见《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》,内心涌起的是一种莫名的亲切感。仿佛我不是一个偶然的读者,而是被一种古老而深邃的艺术召唤所吸引,踏入了齐白石先生那充满烟火气的创作世界。我并非是研究齐白石的专家,也谈不上对中国画论有多少深入的钻研,我只是一个喜欢画画,喜欢在闲暇时翻阅艺术画册的普通人。然而,这本书的出现,却以一种润物细无声的方式,悄然改变了我对艺术品,尤其是大师作品的认知。 过去,我们看到的齐白石作品,多是经过精心润色、最终呈现在画框内的成品。那些笔酣墨饱、意境悠远的画作,固然令人赞叹,但总觉得隔着一层纸,无法窥探到艺术家创作的源头活水。直到我翻开这本《自家造稿》,才仿佛推开了一扇尘封的门,走进了齐白石先生那最真实、最鲜活的工作室。那些“稿”字,本身就带着一种原始的力量,它们不是最终的答卷,而是探求、实验、甚至是反复推敲的痕迹。我看到线条的草率与精准并存,墨色的浓淡干湿变化万千,构图的尝试与调整跃然纸上。这里没有名家的矜持,只有匠人的专注和艺术家的灵感闪现。 那些未完成的画稿,如同一个个未解的谜题,却又充满了引人入胜的魅力。我可以想象,在某个午后,阳光斜斜地照进画室,齐白石先生手持画笔,对着眼前的一草一木、一虫一鱼,或是心中的某个意象,开始了这场与纸墨的对话。他可能反复描摹一朵虾的须,力求在那一抹淡墨中勾勒出生命的灵动;他可能在构图上反复斟酌,将一枝梅花如何安排才能更显孤傲与清雅;他甚至可能在色彩的运用上,尝试了不同的饱和度和搭配,来表现石头的厚重与生命的顽强。这些过程,对于普通读者来说,是极为宝贵的。它让我们看到,即使是齐白石这样的大师,其创作也并非一蹴而就,而是经历了无数次的打磨与锤炼。 尤其让我着迷的是,这些画稿中常常透露出一种不拘一格的自由。有些地方的笔触虽然粗犷,甚至带着些许的“失误”,但却意外地赋予了画面一种勃勃生机。我甚至可以从中看到齐白石先生在创作时的情绪波动,可能是灵感爆发时的疾笔快书,也可能是陷入沉思时的缓墨慢描。这种坦诚的展现,让我感到一种前所未有的亲近感,仿佛穿越了时空的阻隔,与这位伟大的艺术家进行了一场心灵的交流。 这本书的意义,不仅仅在于展现齐白石先生的创作过程,更在于它让我们重新审视“完成”与“未完成”的艺术价值。我们习惯于将完美的成品视为艺术的终点,但《自家造稿》却告诉我们,探索的过程本身,就充满了艺术的价值。那些未被“完成”的痕迹,恰恰是生命力最旺盛的土壤。它们是艺术家的思考,是技法的演练,是灵感的火花,是通往最终杰作的无数条路径。 我喜欢书中那些不经意间流露出的生活气息。有时候,我会在一张画稿的边缘,看到一些潦草的笔记,或是对某种色彩的备注,或是对某种构图的初步设想。这些细节,如同撒落在路边的珍珠,虽然不起眼,却能勾勒出艺术家日常工作的真实场景。它们让我感觉到,齐白石先生并非高高在上,而是活生生地存在于那个时代,用他的画笔,记录着他对生活的热爱,对自然的观察,以及对艺术的执着追求。 在翻阅这本书的过程中,我常常会停下来,对着某一页画稿,展开无尽的遐想。我会思考,如果齐白石先生继续在这张稿子上画下去,会是什么样子?他可能会加入怎样的色彩?又会如何处理那些留白之处?这些开放性的问题,激发了我自己动手尝试的欲望。我开始尝试模仿他画虾的笔触,勾勒荷花的形态,甚至在调色上,也试图去理解他那种“石破天惊”的色彩运用。这本书,已经不仅仅是一本画册,更像是一本激发我创作灵感的启蒙书。 让我特别惊喜的是,书中有些画稿,竟然包含了齐白石先生对同一题材的不同尝试。比如,他画虾,会有多种不同姿态、不同墨色浓淡的稿子;他画花鸟,也会在构图和色彩上进行多番探索。这种“多版本”的呈现,让我看到了艺术家在追求极致过程中的反复与精益求精。它也让我明白,真正的艺术创新,往往是建立在扎实的基础和不断的探索之上的,而非偶然的灵光乍现。 《自家造稿》带来的,是一种卸下光环、回归本真的审视。它让我们看到了艺术家最真实的一面,看到了创作的艰难与喜悦。那些未被公众所知的画稿,却蕴含着比许多成品更纯粹的艺术精神。它让我更加敬佩齐白石先生的才华,更让我深刻理解到,伟大艺术的诞生,离不开背后默默付出的艰辛与汗水。 总而言之,这本书给我带来的冲击是巨大的,它颠覆了我对艺术品收藏和欣赏的固有观念。它让我明白,与其沉迷于那些被市场炒作得高高在上的“名作”,不如去关注那些更能触及艺术家灵魂深处的“手稿”。《自家造稿:北京画院藏齐白石画稿》这本书,就像一位沉默的老师,用它最真实、最朴素的方式,引领我走向了艺术的另一片天地。

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书不错,很喜欢,对于我的学习很有帮助啊

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好书,特别是画稿,非常好,开本小携带方便,印刷质量好

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印刷清晰,装帧设计优雅,好书

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没得说!太值得拥有,书记包装、装帧一流。

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大约10年前,我第一次看到翁老的照片,感觉挺震惊的,因为作为一个非新华社记者,能在上世纪60-70年代拍摄这么多彩色照片,还是很少见的。更重要的是,翁老的照片还有一种所谓“当代艺术”的味道,他的个展2016年在798百年印象画廊展出后,在摄影圈和艺术圈都引起了很大的轰动,其中一幅代表作《大海航行靠舵手》(照片的题目应该是画廊取的)当时曾拍出20多万人民币的价格,后来一位著名收藏家(他以收藏当代画家作品为主,很少收藏摄影作品)还曾托人找到我,想让我找百年印像画廊和翁老砍砍价。这位曾经一掷数千万收藏一幅油画的收藏家,却认为20万元一张照片太贵了,当然我当时没有答应帮他。翁老照片的历史价值与艺术价值何止20万元人民币呢?

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大约10年前,我第一次看到翁老的照片,感觉挺震惊的,因为作为一个非新华社记者,能在上世纪60-70年代拍摄这么多彩色照片,还是很少见的。更重要的是,翁老的照片还有一种所谓“当代艺术”的味道,他的个展2016年在798百年印象画廊展出后,在摄影圈和艺术圈都引起了很大的轰动,其中一幅代表作《大海航行靠舵手》(照片的题目应该是画廊取的)当时曾拍出20多万人民币的价格,后来一位著名收藏家(他以收藏当代画家作品为主,很少收藏摄影作品)还曾托人找到我,想让我找百年印像画廊和翁老砍砍价。这位曾经一掷数千万收藏一幅油画的收藏家,却认为20万元一张照片太贵了,当然我当时没有答应帮他。翁老照片的历史价值与艺术价值何止20万元人民币呢?

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618囤书,还没来得及细看,直觉判断是好书!

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书很好正版书,内容好印刷清晰。

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过节有大力度促销还有优惠券,最终价格还不到定价的五折太合适了!

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