历代经典山水石法解析：李成、范宽、郭熙 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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萧海春 绘

图书标签:

• 山水画
• 李成
• 范宽
• 郭熙
• 绘画技法
• 中国画
• 艺术史
• 绘画理论
• 历代绘画
• 石法

出版社： 上海书画出版社

ISBN：9787547910443

版次：1

商品编码：11761030

包装：平装

丛书名： 历代经典山水石法解析

开本：8开

出版时间：2015-08-01

用纸：铜版纸

内容简介

　　历代经典山水解析系列是海上著名山水画家萧海春先生近几年致力于传统山水画教学实践的课徒画稿。学习山水画最基本的入门方式是画好树法与石法。萧海春先生多年来精研传统经典山水，尤其对经典山水作品中的树法、石法加以提炼、分解、研习，将经典山水树、石的各类技法演绎并传承下去。本书是此套系列中关于石法的一本图谱，选取了李成、范宽和郭熙经典山水作品中石法作品作为范例。这是一套很好的学习山水画技法的图谱资料。

作者简介

　　萧海春，1944年生，江西人，别署抱雪斋、烟云堂。1964年毕业于上海工艺美术学校。自幼喜爱绘画，早年曾从事玉雕创作，并获得工艺美术大师称号。现为中国工艺美术大师，中国美术家协会上海分会会员，上海中国画院兼职画师，上海市突出贡献专家协会会员

内页插图

前言/序言

《中国古代绘画技法探微：笔墨意韵与时代变迁》 本书旨在深入探讨中国古代绘画，特别是山水画在不同历史时期所展现出的独特笔墨技法、审美取向与时代精神的演变。我们将跨越悠久的历史长河，从魏晋风度的飘逸写意，到唐宋的雄浑壮丽，再到元明清的文人化与程式化，细致梳理中国画在技法层面的发展脉络，力求呈现一部详尽而富有洞察力的绘画技法史。 第一章：中国画的起源与早期发展——线条的生命与精神的初探 本章将追溯中国绘画的源头，从原始社会岩画的朴拙象征，到商周青铜器与玉器上的饕餮纹、云纹等装饰性图案，揭示线条在早期艺术中的奠基作用。我们将重点分析东晋顾恺之《洛神赋图》等作品，探究其“以形写神”的理论与实践，理解“六法”之说在中国画发展初期的指导意义，特别是“骨法用笔”和“随类赋彩”的早期形态。这一时期，绘画主要服务于宗教、政治或贵族阶层，技法尚未完全独立，更多地融入了书法、工艺美术的特点。我们将通过对传世文献的梳理，如《历代名画记》，来理解当时对绘画艺术的评价标准和审美趣味。 第二章：唐宋山水画的雄浑与壮丽——程式的建立与气韵的勃发 唐宋是中国山水画的黄金时期，也是山水画技法体系真正成熟的关键阶段。本章将深入剖析唐代山水画的风格特征，如李思训的金碧辉 't, 强调其赋彩的瑰丽与构图的宏大，以及其对后世工笔山水的深远影响。随后，我们将着重探讨宋代山水画的辉煌成就，重点分析“全景山水”和“小景山水”的不同表现手法。我们将研究宋代画家如何通过对自然山川的细致观察，将山、水、树、石、云、雾等自然元素进行程式化处理，并赋予其独特的笔墨表现力。 笔墨的探索与发展： 本章将详细阐述宋代画家在用笔、用墨上的精进。例如，对皴法的初步探索，如披麻皴、斧劈皴等，尽管此时尚未形成后世那样成熟的体系，但其雏形已显现，为后来的发展奠定了基础。墨法的运用，如积墨、破墨、宿墨等，在宋代山水画中开始得到初步的实践，展现出墨色浓淡变化所带来的视觉冲击力和立体感。 构图的创新与意境的营造： 宋代山水画的构图讲究“可行、可望、可游、可居”，追求空间的深远与层次感。我们将分析点景人物的运用，如何通过渺小的人物来衬托山水的宏伟，烘托出人与自然的和谐或人对自然的敬畏之情。对“气韵生动”的追求，更是宋代山水画的核心。我们将探讨画家如何通过笔墨的组合，色彩的搭配，以及整体氛围的营造，来传达画面的生命力和精神内涵。 不同地域风格的对比： 本章还将初步触及宋代不同地域的山水画风格差异，如北方山水的雄浑壮阔与南方山水的秀丽温婉，尽管此时地域风格的区分尚不如后世明显，但其萌芽已可辨。 第三章：元代文人画的崛起与笔墨的解放——写意精神的升华 元代是文人画发展的关键转折点。本章将探讨文人画兴起对山水画技法产生的深刻影响。文人画强调“士气”和“逸格”，将绘画视为个人情感、学识和品格的抒发，而非单纯的技艺模仿。 笔墨的自由与意趣： 在技法层面，元代画家更加注重笔墨自身的表现力，强调“书画同源”，将书法中的行笔、转折、疾徐等用笔技巧融入绘画。皴法趋于简化和写意化，如卷云皴、解索皴等，更注重笔触的痕迹感和墨色的韵味。水墨技法的运用更加纯熟，强调墨色的层次和晕染效果，营造出朦胧、空灵的意境。 意境的追求与象征意义： 元代山水画的构图往往更加自由，不受严格的写实约束，追求画面整体的意境和象征意义。画家善于运用象征性的笔墨语言，如枯木、寒松等，来寄托个人的情怀与志向。我们将分析赵孟頫、黄公望、王蒙、吴镇等元四家的代表作品，理解他们如何将个人的人格魅力与绘画技法融为一体。 第四章：明代山水画的多元化与程式的定型——继承与创新并存 明代山水画在继承元代文人画精神的基础上，呈现出更加多元化的发展态势。本章将分析明代画坛的主要流派及其技法特点。 浙派的粗放写实： 探讨以戴进为代表的浙派山水画，其特点是构图雄阔，笔法粗放，色彩浓重，注重写实，但又带有江湖画派的野逸之气。我们将分析其用笔的力度感和墨色的对比。 吴门画派的清雅秀润： 重点分析以沈周、文徵明、唐寅、仇英为代表的吴门画派，他们继承了元代文人画的雅逸风格，但又各自发展出独特的面貌。沈周的浑厚苍润，文徵明的温润秀丽，唐寅的飘逸洒脱，仇英的工细严谨，这些不同的风格都体现在其笔墨的运用和构图的安排上。我们将深入研究其皴法的精炼与变化，以及水墨晕染的细腻程度。 中后期的新变： 探讨明代中后期，如董其昌等人的出现，他们对绘画理论进行了系统性总结，提出了“南北宗论”，对后世山水画的发展产生了巨大影响。董其昌强调“读万卷书，行万里路”，并将文人画的理论推向新的高度，其“以书入画”的理念，对后世山水画的笔墨表现产生了深远影响。 第五章：清代山水画的集大成与个性化——传统技法的深化与时代印记 清代山水画在继承明代成就的基础上，既有对传统的集大成，也有个性化的创新。本章将梳理清代山水画的主要发展脉络。 “四王”的摹古与程式化： 重点分析王时敏、王鉴、王翚、王原祁等“四王”的绘画风格。他们以摹古为宗，推崇元人，将传统的皴法、墨法、构图进行了系统性的梳理与整合，形成了程式化的绘画语言。我们将分析他们如何通过对古代名家作品的深入学习，将前人的技法融入自己的创作，形成一种典雅、精谨的风格。 “新安画派”的地域特色： 探讨以渐江、查士标、汪之意、孙逸等为代表的新安画派，他们善于描绘徽州地区特有的山水风光，笔墨简练、苍劲，意境萧散，形成了独特的地域风格。 个性化山水画的探索： 关注石涛、八大山人等画家的独特风格。石涛的“笔墨有自家面目”，强调创新与个性，其恣肆汪洋的笔墨，奇崛的构图，都打破了传统的程式束缚。八大山人的简洁、枯涩的笔墨，以及其作品中蕴含的孤傲与疏离，都体现了强烈的个人情感。 晚清的变革与影响： 简要提及晚清时期，随着西方绘画思潮的传入，中国山水画也受到一定冲击，部分画家开始尝试融合中西技法，为近现代山水画的发展埋下了伏笔。 第六章：中国山水画技法体系的特征与哲学意蕴——天人合一的永恒追求 在对各个历史时期的山水画技法进行深入剖析后，本章将对中国山水画的技法体系进行总结与提炼。 笔墨作为核心语言： 强调中国山水画以笔墨为核心，笔的力道、速度、转折，墨的浓淡、干湿、晕染，共同构成了绘画的表现语言。分析不同的笔法（如中锋、侧锋、逆锋）和墨法（如焦墨、淡墨、湿墨）如何根据描绘对象和表现意境而灵活运用。 皴法的多样性与象征性： 梳理中国山水画中丰富的皴法，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴、荷叶皴、马牙皴、解索皴、卷云皴等，分析其在表现山石肌理、体量感和空间感方面的作用，以及它们所蕴含的象征意义。 构图的虚实相生与意境营造： 探讨中国山水画构图的特点，如留白（虚）、实景（实），虚实相生，以达到画面的空灵与深远。分析“三远法”（高远、深远、平远）的运用，以及如何在有限的画面中表现无限的空间。 天人合一的哲学思想： 深入探讨中国山水画技法背后所蕴含的哲学思想，特别是“天人合一”的观念。山水画并非简单地描摹自然，而是通过对自然的观察与理解，将自然之美、生命之灵与人的精神世界相融合，达到一种物我两忘的境界。画家的情感、学识、品格都通过笔墨得以体现，使山水画成为一种具有哲学深度和人文关怀的艺术形式。 本书的叙述力求严谨而不失生动，将历史文献、理论分析与对经典作品的解读相结合，旨在为读者提供一个系统、深入的中国古代山水画技法研究视角，让人们更深刻地理解中国画独特的艺术魅力和文化价值。

评分☆☆☆☆☆

郭熙的部分更是让我对山水画的构图和意境有了更深层次的理解。他提出的“三远法”，即高远、深远、平远，在书中得到了非常生动的阐释。我一直以为“三远法”只是简单的空间表现手法，但书中通过对郭熙作品的分析，让我明白这是一种对自然景象的立体呈现，是一种能够引导观者情绪、营造空间纵深感的艺术策略。比如，“高远”如何通过叠加的山峦和低垂的云雾来营造出一种仰视的壮丽感；“深远”又如何通过层层推进的景物和渺远的山峦，将观者的视线引向无限的远方，产生一种幽邃悠远的感觉。更让我印象深刻的是，书中不仅讲解了“三远法”的理论，还结合郭熙的实际画作，一一拆解了他是如何在构图上实现这些“远”的。例如，书中分析了郭熙《早春图》中，如何利用前景的树石、中景的山峦和远景的隐约山峰，巧妙地将三种“远”的意境融为一体，使得画面既有层次感，又充满了呼吸的空间。我之前画山水画，总是在构图上感到空泛，不知道如何布置景物才能让画面既饱满又不失灵动，读了郭熙的部分，我才找到了方向，也更加体会到了中国山水画“虚实相生”的妙处。

评分☆☆☆☆☆

我对范宽的“厚重”风格一直情有独钟，而这本书对我深入理解其“厚重”的根源起到了关键作用。书中详细剖析了范宽的“雨点皴”，不仅强调其表现岩石质感的特点，还深入探讨了这种皴法背后所蕴含的“雄浑”和“苍劲”的审美追求。我以前总觉得“雨点皴”的“点”过于零碎，不够大气，但书中通过对范宽作品细节的放大展示，让我看到了这些“点”的排列组合所形成的强大视觉冲击力，以及它们如何共同构建出巍峨壮丽的山峦。书中还强调了范宽在画山时，对“骨骼”的重视，即山体的内在结构和支撑力。他不像李成那样追求朦胧的美感，而是更加注重山体的“实”，注重那种“不动如山”的稳重和力量。我曾尝试模仿范宽，总觉得画面不够“压抑”，不够“有分量”，读了这本书，我才明白，关键在于对“厚重”的处理，在于如何让笔墨在纸上“沉”下去，而不是“飘”起来。

评分☆☆☆☆☆

郭熙的“斧劈皴”在书中得到了非常精彩的讲解。我以前只知道有“斧劈皴”，但总觉得它是一种非常写实的表现技法，画出来的山石有些“硬邦邦”的。这本书让我颠覆了这种看法。作者深入分析了郭熙的“斧劈皴”，指出这不仅仅是对山石外形的描摹，更是对山石内在结构和纹理的刻画。书中通过大量的图例，展示了郭熙是如何通过粗壮的笔触、方折的笔锋，来表现山石的坚硬、坚实，以及那种向上勃发的生命力。我尤其喜欢书中对“斧劈皴”所表现的山石“骨感”的解读，它让山石不仅仅是石头，更是具有生命的骨骼，支撑着整个山体。书中还提到了郭熙在运用“斧劈皴”时，常常将之与“卷云皴”等其他皴法相结合，形成虚实相生、刚柔并济的效果，这让我对“斧劈皴”的运用有了更灵活的理解。我曾尝试用“斧劈皴”画山，总觉得画面过于单调，读了这本书，我才明白，关键在于如何将“斧劈”的棱角与周围的“虚”结合起来，如何让“刚”中透出“柔”。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于我这样还在摸索阶段的画者来说，无疑是一本宝贵的“秘籍”。我尤其欣赏书中对李成“淡墨法”的阐述。以前我总觉得淡墨很难画出山石的体积感和层次感，容易显得软弱无力。但是，书中通过对李成作品的细致解读，我发现他运用淡墨，并非是简单地稀释墨汁，而是通过墨色的微妙变化、笔法的灵活运用，甚至借助纸张的吸墨性，来营造出山石的朦胧之美和空灵之感。书中分析了李成如何利用“涨墨”和“宿墨”技巧，在淡墨中注入生命力，让山石呈现出一种温润而富有韵律的美感。我曾尝试模仿李成的淡墨山水，总觉得效果不尽如人意，现在回想起来，就是因为没有真正理解他“以少胜多”的绘画理念。书中通过对李成笔墨的“解剖”，让我明白，淡墨不是没有力量，而是需要更高的技巧和更深的功力才能驾驭，它能够表现出一种“润含春雨”般的细腻质感，一种“空山新雨后”的清透意境，这在我之前的认知里是完全没有的。

评分☆☆☆☆☆

这本《历代经典山水石法解析：李成、范宽、郭熙》真是让我大开眼界，尤其是对李成、范宽、郭熙这三位宋代山水画巨匠的石法解析，简直是醍醐灌顶。作为一名业余的山水画爱好者，我一直对这些大师的笔墨技巧感到好奇，但苦于找不到系统的、深入的讲解。读了这本书，我才真正明白，原来他们笔下的山石并非凭空想象，而是有着一套严谨的逻辑和深刻的观察。书中对李成的“卷云皴”和“蟹爪皴”的讲解，细致到每一笔的起承转合，每一墨的浓淡干湿，让我感觉仿佛亲眼看到李成在案头挥毫泼墨。特别是书中对“卷云皴”的分析，不仅阐述了其形似之处，更深入探讨了其背后蕴含的地理特征和审美取向。李成画中的山石，那种蓬勃而上的力量感，那种层层叠叠的体积感，在作者的细致解析下，变得无比清晰。而对于范宽那“雨点皴”的讲解，更是让我惊叹于他对于自然山川的体悟之深。书中通过大量的范宽作品细节图，展示了“雨点皴”是如何表现出岩石的坚硬、粗糙以及山体的巍峨。我以前总觉得范宽的山水太过雄浑，甚至有些笨重，但读了这本书，才理解到那是一种“力拔山兮气盖世”的雄壮之美，是经过他对黄土高原地貌的长期观察和提炼的结果。作者还特别指出，“雨点皴”的落笔角度、密度和枯湿程度，都与他想要表达的山体质感息息相关，这让我对如何运用皴法有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

郭熙的“气势”在我阅读本书的过程中，得到了升华。我一直认为，山水画最重要的是“意境”，而郭熙作品中的“气势”正是营造意境的重要元素。书中对郭熙“三远法”的解析，不仅仅是空间上的拓展，更是情感上的引导。他通过构图上的“变化”，让观者在欣赏山水时，能够感受到一种“高瞻远瞩”的胸怀，一种“悠然自得”的意境。我之前画山水，总是在构图上“死板”，不知道如何才能让画面“活”起来。这本书让我明白，郭熙的构图，讲究“藏”与“露”，“虚”与“实”的结合，使得画面既有视觉冲击力，又不失含蓄之美。书中还提到了郭熙对“云”和“水”的运用，这些元素在郭熙的画作中，不仅仅是景物，更是连接山体、烘托气氛、营造意境的重要手段。我曾尝试模仿郭熙，总觉得画面不够“灵动”，不够“有生气”，读了这本书，我才明白，关键在于对“气势”的把握，在于如何让画面“流动”起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于我来说，更像是一本“工具书”，或者说是一本“指南”。对于李成，书中不仅解析了他的石法，还深入探讨了他的“墨气”和“意趣”。我发现，李成画的山石，有一种“烟笼雾罩”的朦胧美，墨色浓淡变化丰富，层次感极强。书中细致地分析了李成如何利用“渲染”和“晕染”等技法，让山石在朦胧中呈现出丰富的细节，仿佛置身于江南的烟雨之中。我之前画山石，总喜欢把轮廓画得清晰，但李成的画作让我明白，有时候，“看不清”反而是另一种美，它能引导观者去想象，去体味。书中还提到了李成作品中的“笔简意赅”，即用最少的笔墨，却能表达出最丰富的意境，这对于我这种新手来说，是极其宝贵的经验。我曾尝试模仿李成，总是觉得画面过于“平淡”，没有“气韵”，读了这本书，我才明白，关键在于对“墨气”的把握，在于如何让笔墨在纸上“活”起来。

评分☆☆☆☆☆

范宽的山水画，在我看来，一直是一种“宏大叙事”，而这本书则让我看到了这种“宏大”背后的“细节”与“匠心”。书中对范宽“雨点皴”的深入解析，让我不再仅仅看到画面的整体震撼，更能体会到每一笔“点”所蕴含的能量和生命。我以前觉得范宽的画，笔法“粗糙”，不够“细腻”，但这本书让我看到，他的“粗糙”是建立在对自然造物的深刻体悟之上的，是经过提炼和概括的。书中还强调了范宽在画山时，对“结构”的重视，他不仅仅是画山的外形，更是在描绘山体的内在骨骼和肌肉。这种对“结构”的把握，使得范宽的山水画，即使在宏大的尺度下，也显得坚实有力，充满生命力。我曾尝试模仿范宽，总觉得画面不够“厚重”，不够“扎实”，读了这本书，我才明白，关键在于对“结构”的理解，在于如何让笔墨在纸上“支撑”起整个山体，如何让画面“凝固”住大自然的雄伟力量。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我学习李成山水画的“笔墨趣味”有着拨乱反正的作用。我之前总是陷入对“形似”的过度追求，认为画得越像，就越好。但李成的画作，尤其是他对于“淡墨”和“飞白”的运用，让我明白，山水画更重要的是“笔墨趣味”，是笔墨在纸上所产生的独特韵味和生命力。书中细致地分析了李成如何利用“枯笔”和“湿笔”的对比，如何通过“飞白”产生的“断”与“续”，来表现山石的质感和肌理。我曾经认为“飞白”是一种“失误”，但李成却能将之化为“神来之笔”，营造出一种空灵、飘逸的美感。书中还提到了李成作品中的“诗意”，即画中有诗，诗中有画，这种意境的营造，不仅仅依赖于笔墨，更依赖于画家的情感投入和文化修养。我曾尝试模仿李成，总觉得画面缺乏“韵味”，不够“耐看”，读了这本书，我才明白，关键在于对“笔墨趣味”的理解，在于如何让笔墨在纸上“吟唱”出生命的旋律。

评分☆☆☆☆☆

范宽的“笔势险峻”给我留下了极其深刻的印象。我一直觉得范宽的画是那么的“硬朗”，那么的“扎实”，仿佛可以直接触摸到山岩的粗粝。这本书恰恰满足了我对这种“硬朗”背后的探究。书中详细解析了范宽标志性的“雨点皴”，不仅仅是说他用点来画石头，而是深入分析了这些“点”的形态、分布、大小、枯湿，以及它们如何组合成具有体量感和质感的山体。书中还提到了范宽画山时，特别注重表现那种“突兀”和“崚嶒”的形态，仿佛是在表现大自然的鬼斧神工，一种未经雕琢的原始力量。我以前画山石，总喜欢画得圆润一些，总觉得那样更“美”，但范宽的画作告诉我，山石的美，更在于它的力量感和生命力，在于它历经风雨侵蚀后留下的痕迹。书中通过对范宽笔法的深入解析，让我意识到，画好山石，不仅仅是技巧，更是对自然造物的敬畏和体悟，是对那些“不动声色”的自然力量的捕捉。

评分☆☆☆☆☆

还可以，初学山水可买，但树石画法没有步骤示意。

评分☆☆☆☆☆

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