电影是什么？ 商务印书馆 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 商务印书馆官方旗舰店

出版社： 商务印书馆

ISBN：9787100125147

商品编码：18229382300

本书为法国新浪潮电影之父巴赞发表的一系列高质量影评和电影评论的结集，涉及电影本体论、电影社会学、电影心理学和电影美学等诸多话题，是研究巴赞和当代电影美学的必备读物。在电影理论史上，巴赞的电影理论是一座卓越的里程碑，他的现实主义美学深刻影响了世界电影的发展，他宣扬的摄影影像本体论和真实美学也形成了与蒙太奇理论不同的电影美学体系，开拓了电影研究的领域。正是由于巴赞的努力，电影才成为严肃的研究课题。作为巴赞电影理论的经典代表，《电影是什么？》从问世之初就受到电影从业者和广大影迷的好评，被誉为“电影的圣经”，也为巴赞赢得了“电影的亚里士多德”的崇高荣誉。

好的，以下是一本不包含《电影是什么？ 商务印书馆》内容的图书简介，字数大约1500字，力求详尽、自然： 《光影秘境：电影艺术的百年流变与未来回响》 一本深入解构电影本体、追溯其文化基因、并展望其叙事边界的深度著作。 第一部分：电影的起源与形塑：从机械奇观到叙事载体 第一章：感官的觉醒：活动影像的诞生与早期探索 电影的诞生并非一蹴而就的灵光乍现，而是一系列光学、化学与机械工程交织作用下的必然产物。本章将详细考察19世纪末那些被历史洪流淹没的先行者们——从爱德华·迈布里奇（Eadweard Muybridge）对运动的精确捕捉，到埃米尔·雷诺（Émile Reynaud）的“光学影戏箱”（Théâtre Optique）所唤起的集体想象。我们将深入分析卢米埃尔兄弟的“活动电影摄影机”如何标志着一种全新媒介的正式登场，以及梅里爱（Georges Méliès）如何凭借其魔术师的直觉，将这种记录现实的工具，瞬间转化为承载奇幻故事的画布。电影早期的生命力，在于其作为“在场感”的强大震撼力，而非复杂的叙事结构。本章不仅描绘了巴黎大咖啡馆里观众初次目睹火车驶来的惊恐与兴奋，更细致梳理了早期电影技术手册和商业记录，还原那个“活动影像”甫一问世便席卷世界的社会背景。 第二章：好莱坞的崛起：工业化、类型化与美学标准的确立 随着电影产业的资本化运作，特别是美国西海岸的兴起，电影迅速完成了从马戏团娱乐到主流娱乐产业的转型。本章聚焦于20世纪10年代至30年代，好莱坞如何通过高效的制片系统（如制片厂制度）确立了其全球标准。我们将探讨D.W.格里菲斯（D.W. Griffith）在蒙太奇理论实践上的开创性贡献，特别是《国家的诞生》所引发的关于影像道德与政治暗示的持久争论。同时，类型片——西部片、黑色电影、歌舞片——的成熟，不仅为观众提供了可预期的审美体验，更成为社会心理和文化焦虑的投射窗口。我们分析了早期电影的视觉语言是如何通过景别、剪辑节奏、灯光设计（如明暗对比法）被标准化和精炼化的，为后世所有电影制作人奠定了基础性的技术和叙事语法。 第三章：欧洲的先锋实验：从表现主义到蒙太奇理论的哲学思辨 与好莱坞的商业化同步进行的是欧洲大陆上艺术家们对电影媒介潜能的激进探索。本章将详述德国表现主义电影如何通过扭曲的布景和极端的灯光，将内在的心理状态外化于银幕之上（以《卡里加里博士的小屋》为核心案例）。与此同时，苏联的电影理论家们，特别是谢尔盖·爱森斯坦（Sergei Eisenstein），将剪辑提升到了哲学和辩证的高度。他们探讨的“引人注目的碰撞”（Intellectual Montage）不再仅仅是为了衔接场景，而是为了在观众心智中创造出新的意义，挑战了传统叙事逻辑的线性束缚。本章对比了美国电影对“透明度”的追求与欧洲先锋派对“可见性”的强调，揭示了电影在诞生之初便存在的两种核心张力：记录与建构。 第二部分：中期的演进与全球视角的拓宽 第四章：战后世界的反思：意大利新现实主义与法国新浪潮 二战的创伤彻底改变了电影的焦点。本章深入剖析了意大利新现实主义（Neorealism）如何通过走上街头、启用非职业演员、关注普通人的生存困境，对好莱坞的虚构性发起了一场道德上的挑战。其粗粝的质感和对社会议题的直接介入，定义了一个时代的良知。随后，我们将目光投向法国，分析新浪潮（Nouvelle Vague）导演们如何继承了这种对电影本体的反思，但同时又将其导向了作者论（Auteur Theory）的深化。特吕弗（Truffaut）和戈达尔（Godard）对传统叙事的解构，对场面调度和跳接剪辑的“任性”运用，标志着电影不再仅仅是讲述故事的工具，更成为导演个人思想和创作过程的直接表达场域。 第五章：东方电影的崛起：叙事张力与文化哲学的交融 在全球电影史的版图中，东方电影的独特贡献不容忽视。本章集中探讨日本电影的深度与克制，特别是小津安二郎（Yasujirō Ozu）对“物哀”美学的体现，他如何通过低机位、静默的长镜头，捕捉家庭结构的微妙崩塌与时间的无情流逝。本章还会分析印度电影（宝莱坞）的复杂性，探讨其音乐、舞蹈元素如何与社会议题、神话传说交织，形成一种与西方主流叙事截然不同的、情感饱和度极高的电影语言。这一部分的重点在于理解，不同文化语境下，电影如何被用来维护、质疑或重塑民族身份与集体记忆。 第六章：类型片的蜕变与反类型：商业与艺术的边界消融 进入20世纪70年代，好莱坞的经典模式开始受到内部反叛力量的冲击。本章审视了“新好莱坞”一代导演（如科波拉、斯皮尔伯格）如何在商业框架内注入了更深层次的心理复杂性和对权力结构的质疑。同时，我们探讨了类型片自身的迭代——西部片如何走向对神话的颠覆（反西部片），恐怖片如何从对外部怪物的恐惧转向对内在心理失序的探索。通过对《教父》、《出租车司机》等作品的细致分析，我们可以看到，媒介的成熟往往伴随着对自身既有规则的反叛与重构。 第三部分：数字时代的冲击与未来的叙事边界 第七章：后胶片时代的视觉革命：CGI、沉浸感与真实性的危机 数字技术不仅是工具的升级，更是媒介本体论层面的革新。本章探讨了计算机生成图像（CGI）技术如何彻底改变了电影制作的可能性空间，使得“不可能的场景”成为日常。然而，这种无限的创造力也引发了关于“电影真实性”的深刻辩论。当观众越来越难以分辨什么是摄影机捕捉到的，什么是代码构建的，电影的“在场感”是否正在被“可替代性”所取代？本章分析了视觉特效（VFX）如何影响叙事节奏和观众的认知负荷。 第八章：流媒体、互动性与电影的未来形态 进入21世纪，发行渠道的碎片化和流媒体平台的崛起，对传统电影的“公共体验”构成了前所未有的挑战。本章研究了电影观看习惯的个体化趋势，以及长篇剧集（Prestige TV）对电影叙事结构的反向渗透。此外，我们还将目光投向更具实验性的领域：互动电影（如某些网络剧集尝试）的潜力与局限，以及虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术如何可能重塑我们与影像的关系。电影的未来，或许不再是固定的二维平面，而是一种流动的、可定制的、嵌入日常生活的体验。 第九章：电影的语言学：声音、空间与无对白的张力 本章回归电影艺术的纯粹层面，探讨声音设计在现代电影中的核心地位——从背景噪音的精心调配到沉默的力量。我们研究了如何通过空间调度和景深来控制观众的注意力，以及纯粹的视觉叙事（如无对白片段）如何跨越语言障碍，直击人类共同的情感核心。通过对特定艺术电影的案例研究，本章旨在提炼出电影作为一种独特的、整合了时间、空间、运动和感官刺激的艺术形式的永恒价值。 《光影秘境：电影艺术的百年流变与未来回响》 是一部面向所有热爱影像艺术的求知者、电影研究者和专业人士的深度指南。它摒弃了浮光掠影的流行回顾，致力于提供一套严谨的、跨越地域和时代的电影理论框架，带领读者穿越胶片的灰尘，直抵光影变幻的哲学核心。本书将激发您重新审视那些习以为常的画面，并以全新的视角去期待下一束光线的投射。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排，简直是教科书级别的典范。它不是简单地按照时间线索或者题材分类来铺陈，而是构建了一个多维度的分析框架。比如，开篇可能聚焦于“光与运动的结合”这一物理基础，随后迅速转入对“叙事结构与时间感知”的哲学探讨，紧接着又可能深入到“媒介技术对主体意识的影响”。这种跳跃性看似随机，实则暗含着精妙的内在联系，作者总能找到那个关键的衔接点，让各个看似独立的章节彼此呼应、互相印证。我尤其喜欢它处理历史案例时所采取的那种“切片”方式，不拘泥于事件的完整性，而是精准地提取出最能说明其论点的那个瞬间或那部作品进行深度剖析。这种非线性、网状的知识构建方式，极大地拓宽了我的思考边界，让我意识到电影的“是什么”是一个不断被重新定义的动态过程，而非一个静止的终点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品，封面那种略带复古的墨绿色调，配上烫金的字体，拿在手里沉甸甸的，就让人忍不住想要细细品味。内页纸张的质感也无可挑剔，那种温润的米白色，使得长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳，看得出来商务印书馆在细节上确实下足了功夫。我特别喜欢那种书脊上的细微纹理，翻开书页，那种油墨散发出的淡淡的、混合着纸张本身的干燥气息，仿佛一下子就把我拉进了一个充满知识和思考的安静空间。这本书的排版疏密得当，字号大小适中，章节间的留白处理得恰到好处，让人在阅读思辨性的文字时，心绪能够自然地沉淀下来，不会有被文字洪流淹没的压迫感。光是看着它摆在书架上，就是一种视觉上的享受和对内心追求的一种无声宣告。那种实体书独有的触感和厚重感，是任何电子阅读器都无法替代的，它承载的不仅仅是文字，更是一种仪式感和对知识的敬意。每一次翻阅，都像是在进行一场与古老智慧的庄重对话，让人心生欢喜。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初拿到这本书的时候，内心是抱有一丝怀疑的，毕竟“电影是什么”这样一个宏大又形而上的命题，要用文字来精确捕捉，难度可想而知。但读进去之后，那种行文的逻辑性和思辨的深度立刻抓住了我。作者似乎没有试图给出一个单一、僵死的定义，而是像一位高明的哲学家在解构一个复杂的概念。他巧妙地引入了不同历史时期、不同流派的观点，像是搭建起一座思想的迷宫，引导读者自己去寻找路径。尤其欣赏作者在论述中展现出的那种克制和严谨，每一个推论后面似乎都站着大量的文本支撑，绝非空泛的口号式论述。我常常需要停下来，反刍那些句子，思考作者是如何将一个看似感性的艺术形式，用如此理性的、近乎科学解构的方式来审视。这种思维的碰撞，让我对电影的理解从“观看”上升到了“理解其本质”的层面，收获远超预期。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，初看起来可能略显晦涩，但细品之下，却透露出一种古典的韵味和学者的风范。它不迎合大众的快节奏阅读习惯，拒绝使用那种轻飘飘的流行词汇来敷衍。作者的用词精准，句式结构复杂而富有张力，经常需要我回溯前文才能完全领会其间的微妙差别。这有点像在品鉴一坛陈年的老酒，初入口时可能觉得烈，但待到回甘时，那种醇厚的层次感便显露无妨。对于习惯了网络碎片化信息的读者来说，这可能是一个挑战，但正是这种挑战性，反而筛选出了真正愿意投入心力去思考的读者。我个人的体验是，每攻克一个难点，便有一种智力上的愉悦感，仿佛自己也随之提升了一个层次，能够以更锐利的视角去审视那些平常司空见惯的影像作品。这种带着智力投入的阅读过程，本身就是一种极大的满足。

评分☆☆☆☆☆

阅读此书的过程，与其说是学习，不如说是一场持续的自我拷问。它迫使我走出舒适区，去直面那些关于艺术、关于真实、关于人类经验的根本问题。比如，当作者探讨到“银幕上的在场感”时，我立刻联想到了最近观看的几部沉浸式体验的影片，开始反思那种感官刺激是否真的等同于艺术的“有效性”。这种由书本激发出的批判性思维，并不仅仅停留在对电影理论的理解上，而是迁移到了对生活中其他媒介和信息的接收方式上。它让我变得更加警觉，不再轻易接受既定的叙事或视觉呈现，而是习惯性地去追问：“这个影像的背后，隐藏着怎样的意图和结构？”这本书的价值，并不在于它提供了一个完美的答案，而在于它成功地在我的头脑中播下了一颗怀疑和深思的种子，这份收获，远远超出了阅读一本理论专著的范畴，它重塑了我的认知工具箱。