导演创作完全手册（插图修订第5版） （美）迈克尔·拉毕格 等著 后浪电影学院 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 迈克尔·拉毕格 等 著，唐培林 译

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店铺： 墨轩书屋图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550272699

商品编码：10382969176

包装：平装

开本：16

出版时间：2016-07-01

用纸：胶版纸

页数：584

字数：818000

正文语种：中文

编辑推荐　　quan球畅销的导演bibei手册一本值得阅读的经典
　　打基础，介绍编、导、摄、录、美、演等各部门职能
　　重体验，包含大量具有针对性的专业练习
　　可评估，丰富测试题帮你了解自己的职业技能优势
　　更直观，呈现电影工业标准工作图表及电影剧照
　　有规划，提供从选择电影学校到打入电影节的经验
　　树信心，从中小成本制作开始，敢于迈出*一步
内容简介　　无论对于想实现一个小小电影梦的爱好者，还是已经有丰富经验的职业导演，本书都是一部*面而易于理解的指南。它详细介绍了编、导、摄、美、录各部门职能、合作重点及运作原则，帮助导演规划职业生涯，涵盖了在整个电影创作过程中必须了解的导演方法、拍摄技术、创作思维和判断标准，在逐项分解之后揭示如何使剧组这样一个分工明确的庞大拍摄团队精诚合作，顺利完成导演想要讲述的故事。
　　本书强调低成本数字制作技术，帮助创作者在有限的预算下保证的创造力和专业性。作者非常重视从实践中磨练技能，因此提供了大量需要实际操作的有效评估和练习。这些都能够帮助创作者去发展可信的、有吸引力的故事。自出版以来，本书已经让世界各地成千上万的读者受益，使他们得以实现自己的艺术想象、制作出扎实的好电影。
作者简介　　迈克尔·拉毕格（Michael Rabiger），曾任芝加哥哥伦比亚学院影视系主任，并建立了该学院的纪录片中心，在欧洲为国际影视院校联合会（CILECT）主持跨国纪录片讲习班，曾导演、剪辑了超过35部电影作品。他是纽约大学艺术学院的客座教授，讲授故事创意、导演和高级制片课程。其他著作有《开发故事创意》（Developing Story Ideas）《纪录片创作完*手册》（Directing the Documentary），这些教材为世界各地电影院校、电影专业人士、电影爱好者所喜爱，并不断更新、再版，长销不衰。

　　米克·胡尔比什-切里耶尔（Mick Hurbis-Cherrier），在纽约城市大学亨特学院影视制作专业执教十几年，讲授制片、剧作、导演、摄影、剪辑等课程。他的影视作品曾在美国各地的电影、电视节上获奖。著作有Voice & Vision:A Creative Approach to Narrative Film and DV Production。

　　唐培林，湖南永州人，博士、教授、硕士生导师。先后求学于湖南师范大学、北京广播学院和中国传媒大学。美国纽约城市大学（CUNY）布鲁克林学院和南加州大学（USC）电影艺术学院访学学者。目前任教于中国传媒大学戏剧影视学院，主要讲授《摄影构图》、《视听语言》《纪录片创作》和《中国电视剧史论》等课程。
精彩书评　　从我的观点看，市面上没有能与之匹敌的书。
　　像以前的版本一样，迈克尔·拉毕格在《导演创作完*手册》中继续提供了关于导演技术完整的、*面的综览，事实上它无所不包，从创意到预算，从选角到剪辑。
　　—— Eric Swelstad，洛杉矶河谷学院媒体艺术系主任

　　迈克尔·拉毕格的这本书是黄金标准。他将目光放在导演工作的艺术性上，而不仅仅是技巧，这让他成为这类书作者中的佼佼者。拉毕格的品味、学识和洞见在这一版里有更精细的体现。不论对初学者还是经验丰富的专业人士来说，这本书都是必备的，而且读起来会很有趣。
　　—— Jared Rappaport，加州州立大学北岭分校影视艺术系主任

　　这是我向自己的学生推*的一本电影创作类综述书籍。
　　—— Jeremy Kagan，南加州大学电影制作研究所教授，圣丹斯协会艺术指导

　　一本导演工作的综合指南，特别强调了这门手艺的人际关系、组织结构等方面……对于那些打算开始制作自己*一部短片或长片的创作者来说，本书提供了一个*面的指导，使他们不会学习每样东西都异常艰难。
　　——《美国电影摄影师》杂志（American Cinematographer）
目录前　言
di一部分　艺术个性与故事
第1 章　电影导演的世界
第2 章　确立电影主题
第3 章　故事的戏剧化关键
第二部分　电影的创作手段
第4 章　导演的银幕语法
第5 章　站在电影制作者的角度思考
第6 章　拍摄练习
第三部分　故事及其发展
第7 章　鉴别优秀剧本
第8 章　分析剧本
第9 章　导演的发展策略
第10 章　可供选择的故事来源
第11 章　制定有创意的限制原则
第四部分　美学和作者风格
第12 章　视　点
第13 章　潜文本、类型和原型
第14 章　时间、结构与情节
第15 章　空间、风格化环境和表演
第16 章　形式与风格
第五部分　前期制作
第17 章　表演基础
第18 章　指导演员
第19 章　即兴表演练习
第20 章　带剧本的表演练习
第21 章　选演员
第22 章　深度挖掘剧本
第23 章　演员和导演为一个场景做准备
第24 章　初见演员
第25 章　排练和计划拍摄范围
第26 章　美术设计
第27 章　前期会议和设备确定
第六部分　制　作
第28 章　培养创作团队
第29 章　场面调度
第30 章　编写分镜头剧本
第31 章　开机之前
第32 章　开　机
第33 章　现场录音
第34 章　场记工作
第35 章　指导演员
第36 章　指导剧组工作人员
第37 章　监管进程
第七部分　后期制作
第38 章　准备剪辑
第39 章　在di一次合成的样片上开始工作
第40 章　剪辑原则
第41 章　学会分析和利用反馈效果
第42 章　处理音乐
第43 章　从精剪到混音
第44 章　字幕、鸣谢以及宣传物料
第八部分　职业轨迹
第45 章　职业规划
第46 章　主流电影院校
第47 章　进军电影界
重要词汇
参考书目与网站资源
出版后记

电影叙事与视觉语言的精深探索：一部面向新世纪创作者的实战指南 书籍名称：《影像炼金术：从概念到银幕的电影制作全景解析》 作者：[虚构作者名，例如：亚历山大·冯·霍夫曼 与 伊娃·陈] 出版社：[虚构出版社名，例如：星火视野出版集团] --- 导言：打破边界，重塑观看体验 在这个信息爆炸、媒介形态不断演进的时代，电影作为一种综合艺术形式，其挑战与机遇前所未有。《影像炼金术：从概念到银幕的电影制作全景解析》并非仅仅是一本关于技术操作的机械手册，它是一部深刻剖析当代电影语言的思维工具箱，旨在引导新一代电影人超越既有的叙事范式，深入理解影像背后的哲学、心理学和社会学意涵。本书的核心目标是：将创作者的内在愿景，通过精准的技法，转化为能够震撼人心、激发深层思考的银幕作品。 第一部分：概念的萌芽与叙事的骨架 本部分着重于电影创作的源头——想法的提炼与结构的搭建。我们拒绝接受“灵感突现”的神话，转而探讨如何系统性地培养和捕捉那些具有生命力的叙事种子。 第一章：后现代语境下的故事搜寻 本章深入剖析了当前全球文化思潮如何渗透到故事的肌理之中。我们考察了“身份政治”、“环境焦虑”和“数字存在”等主题在当代电影中的隐性表达，并提供了从新闻事件、历史档案乃至个人经验中提取高概念（High Concept）的实用方法论。重点讨论了如何构建一个既具有普世共鸣，又能在特定文化背景下引发强烈反响的故事核心。 第二章：结构的解构与重塑：超越三幕式的框架 虽然经典的三幕式结构仍是基础，但本章挑战了其僵化的应用。我们将探讨非线性叙事、碎片化时间线以及多主角视角的复杂交织。通过分析如亚历杭德罗·冈萨雷斯·伊纳里图和克里斯托弗·诺兰等大师的作品，我们解析了如何利用结构本身来制造悬念、揭示主题，而非仅仅是推动情节。内容包括：模块化叙事法、循环结构分析以及如何精确控制观众的信息释放节奏。 第三章：人物的深度心理建模 一个伟大的故事，离不开一个复杂的灵魂。本章摒弃了“扁平化角色”的创作倾向，强调人物动机的层次性与矛盾性。我们将引入心理学模型（如荣格原型理论的当代修正版）来构建具有内在冲突的角色弧光。更重要的是，本章探讨了如何通过“非言语行为剧本”（Non-Verbal Scripting）来展现人物的潜意识状态，让角色的选择，而非对白，成为驱动剧情的核心力量。 第二部分：视觉语言的炼金术：摄影、灯光与场面调度 电影的本质是运动的影像，本部分聚焦于如何将抽象的文字转化为具象的、富有情感张力的视觉符号。 第四章：光影的哲学：超越照明技术 光不仅仅是可见的，它是有温度、有重量、有情感指向的。本章将摄影灯光提升到美学和象征的高度。内容涵盖了从经典好莱坞的“三点布光”到当代艺术电影中对自然光和环境光的极致利用。我们深度分析了“调性”（Tonal Lighting）在构建特定情绪场域中的作用，以及如何利用色彩光谱的细微变化来预示事件的发生或暗示角色的心理状态。讨论了高动态范围（HDR）技术在视觉叙事中的哲学意义。 第五章：镜头的“眼睛”：运动与构图的对话 本章侧重于摄影机的运动哲学。我们不再仅仅关注斯坦尼康或摇臂的使用技巧，而是探讨每一个运动背后的“目的性”。是需要通过快速平移来制造压迫感？还是通过慢速推拉来强调角色的疏离？本章详细区分了主动镜头（Active Camera）与被动镜头（Observational Camera）的使用情境，并解析了如何通过焦距的变化（长焦的压缩感与广角的失真感）来操纵观众对空间和时间的感知。 第六章：场面调度的空间叙事学 场面调度是导演对“在场”的掌控。本部分深入探讨如何在有限的空间内，通过演员的走位、道具的摆放和景深的利用，来构建多层次的叙事信息。我们剖析了如何利用前景、中景和背景（Foreground, Midground, Background）进行叙事叠加，实现画面的信息密度最大化，确保即使是背景中的一个动作，也服务于整体的主题表达。 第三部分：声音的维度与剪辑的魔法 电影的后半程，是声音与时间节奏的艺术。本部分旨在揭示声音设计和剪辑是如何超越单纯的修饰，成为叙事主体。 第七章：超越对白的“声景”构建 声音设计被视为电影的“第二剧本”。本章探讨如何从零开始构建一个沉浸式的声景（Soundscape）。内容包括：环境音的层次构建（Room Tone的哲学）、如何使用非写实或超现实的声音来表达角色的内在体验，以及白噪音（White Noise）在制造心理张力上的潜能。我们强调了“声音的留白”在引导观众想象力方面的重要性。 第八章：剪辑的节奏与潜意识的操控 剪辑并非仅仅是画面的连接，而是对时间本身的重塑。本章深入探讨了情感节奏与叙事节奏的差异。我们分析了如何通过不同长度的镜头、跳切（Jump Cut）的冲击力，以及蒙太奇手法的心理暗示作用来引导观众的情绪波动。重点研究了“交叉剪辑”（Parallel Editing）如何同时展现两个或多个事件的张力，以及如何利用“节奏失衡”来制造不适感或揭示潜藏的真相。 第四部分：新媒介环境下的导演视野 面对流媒体、VR和互动叙事技术的兴起，本部分为创作者提供了面向未来的视野。 第九章：跨媒介叙事与观众的参与性 本章讨论了传统线性叙事在互动媒介中的演变。我们探讨了如何设计能够允许观众做出有意义选择的叙事路径，以及如何平衡创作者的控制权与观众的探索欲。重点分析了超文本（Hypertext）叙事在电影化呈现中的挑战与机遇。 第十章：全球化制作与文化敏感性 在全球协作日益频繁的背景下，本章提供了关于文化挪用（Cultural Appropriation）的伦理边界的深度讨论。它指导创作者如何在尊重文化根源的基础上，进行有效的、非刻板印象的跨文化表达，确保作品在全球范围内具有负责任的共鸣力。 --- 总结： 《影像炼金术》是一部面向未来电影语言的实战参考书。它要求创作者不仅要掌握技术工具，更要成为视觉哲学家、心理学家和时间雕刻师。本书的每一章都旨在激发创作者的批判性思维，鼓励他们质疑既有规则，最终目标是熔铸出具有独特艺术印记和深刻社会洞察力的当代电影作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚重感并非徒有虚表，它提供了一种近乎百科全书式的、对导演职业的全面审视。我最欣赏的是作者对于“沟通与领导力”这部分内容的着墨。很多人都忽略了，导演本质上是一个团队的首席执行官和首席艺术家。拉毕格细腻地剖析了如何与摄影师建立有效的视觉沟通，如何与演员进行深入的排练和引导，以及如何在紧张的拍摄现场维持团队的士气和方向感。这部分内容非常实用，因为它直指电影制作的核心——人与人的协作。书中分享的经验，比如如何处理创作分歧，如何用积极的反馈激励演员发挥最佳水平，这些都是教科书上难以找到的“软技能”，却是决定一部电影成败的关键。它让我意识到，一个好的导演不仅要“看得准”，更要“说得清”和“带得动”。这本书读起来就像是坐在一位经验丰富的老教授身边，他不仅教你如何看电影，更教你如何“做”电影，这种实践导向的教学方式非常对我的胃口。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上堆砌理论和名言的导演指南不同，这本手册的语气保持了一种难得的、既权威又亲切的平衡感。它没有高高在上地俯视初学者，而是像一位耐心、博学的导师在循循善诱。阅读过程中，我最大的感受是它对“导演的职责”的重新定义——它将导演视为一个不断学习、不断适应新技术的实践者。书中对新兴技术如虚拟制片（Virtual Production）的讨论，虽然篇幅不长，但显示出作者紧跟时代步伐的专业态度。它提醒我们，电影艺术是流动的，成功的导演必须保持开放的心态去拥抱变革。这本书的修订不仅仅是更新了一些案例，更是将电影制作的“心法”与“技法”进行了完美的融合，它不是一劳永逸的秘籍，而是一本需要伴随创作者职业生涯不断翻阅和实践的“工具和思想指南”。我确信，它将成为我书架上最常被取阅的一本书。

评分☆☆☆☆☆

这部《导演创作完全手册（插图修订第5版）》真是让我醍醐灌顶，尤其是对于初入电影制作领域的新手来说，简直是打开了一扇通往专业殿堂的大门。我之前总是觉得导演工作充满了神秘感，似乎需要某种与生俱来的“灵感”才能驾驭，但这本书的结构和内容梳理，清晰地展示了从剧本解析到现场调度，再到后期剪辑的每一个环节，是如何通过系统性的方法和技术来支撑的。书中对视觉语言的探讨尤为深入，它没有停留在空泛的理论层面，而是通过大量的经典案例分析，教你如何用镜头讲述故事，如何通过景别、运镜和场面调度来准确地传达人物的情感和叙事的张力。读完后，我对于“画面感”有了全新的理解，不再是单纯觉得某个镜头“好看”，而是能分析出这个镜头在整个叙事流程中起到的精确作用。这本手册的修订版果然名不虚传，它将那些看似高深莫测的导演技巧，转化成了一套可操作、可学习的工具箱，让我对未来拿起摄影机时的信心大增。它强调的不是模仿大师，而是理解背后的逻辑，这才是真正有价值的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经尝试过一些短片制作的爱好者，我发现这本书的价值在于它对“前期准备”阶段的极致强调。以往我总是急于进入拍摄，结果现场常常手忙脚乱。而第五版在这一块的修订，引入了更多关于数字化预演和故事板精细化的内容，非常贴合当代电影工业的效率要求。它不再满足于泛泛而谈“做好准备”，而是提供了一整套流程化的检查清单和工具，例如如何构建详细的拍摄脚本（Shooting Script），如何通过技术勘景（Tech Scout）来预见并解决现场可能出现的所有技术难题。这种前瞻性的思维模式，极大地减少了后期返工和现场的“惊喜”，让我明白了专业和业余的差距，往往就体现在前期准备的细致程度上。读完这部分，我感觉自己对电影项目的控制力提升了一个台阶，不再是任由意外摆布，而是主动去塑造拍摄过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的插图和图表质量令人印象深刻，它们并非简单的装饰，而是直接服务于概念的阐释。特别是关于景深控制、光线布局和运动轨迹的示意图，比纯文字的描述要直观和高效得多。我尤其关注了其中关于“非线性叙事结构”的分析章节，作者巧妙地使用了流程图和时间轴对比，清晰地展示了如何构建复杂叙事而不至于让观众迷失。这对于那些希望挑战传统好莱坞叙事模式的创作者来说，是极其宝贵的参考资料。每一次翻阅，我总能发现新的细节，比如在阐释“蒙太奇”理论时，书中对不同剪辑点（Jump Cut, Match Cut）的视觉效果对比，简直是教科书级别的范例。它成功地将抽象的剪辑理论，落地成了可以被视觉识别的语汇，大大提升了我对后期制作的想象力，这让我迫不及待想带着这些新知识去实践我的下一个项目。