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[美] 罗伯特·C·艾伦(RobertC.Allen 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550280694

商品编码：10543098825

出版时间：2016-08-01

作  者:(美)罗伯特·C·艾伦(Robert C.Allen),(美)道格拉斯·戈梅里(Douglas Gomery) 著;李迅 译 著作 定  价:49.8 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2016年08月01日 页  数:409 装  帧:平装 ISBN:9787550280694 ●电影史：理论与实践
●作者序
●部分阅读、研究和撰写电影史
●作为历史的电影史
●1.1作为电影研究一个分支的电影史
●1.2历史研究的本质
●1.3历史知识和科学知识
●1.4约定论对经验论的批评
●1.5实在论的反应
●1.6作为电影史理论的实在论
●第二章研究电影史
●2.1电影学术的历史
●2.2影片证据
●2.3电影史研究的对象
●2.4影片之外的证据
●第三章阅读电影史
●3.1叙事的电影史
●3.2阅读电影史
●3.3阅读即质疑
●3.4个案研究：批美国电影史学家
●部分目录

内容简介

本书从实在论的哲学高度，全面考察以往的电影史研究方法，清晰梳理美学、经济、技术、社会诸种生成机制，有效更新了电影史学的问题框架和研究范式。同时，作者例举多种视野独特的个案研究，作为理论的实践，使读者能够以全新的视点认识电影的历史。
新版本特别增加了五十余幅插图以及靠前重要学者对“重构中国电影史学”的*新思考，这些探讨的前沿性、指导性以及对未来中国电影史学研究的影响都是毋庸置疑的。
(美)罗伯特·C·艾伦(Robert C.Allen),(美)道格拉斯·戈梅里(Douglas Gomery) 著;李迅 译 著作 罗伯特·C·艾伦，北卡罗来纳大学历史系教授，主要研究美国大众娱乐与流行文化史，著有关于美国广播电视史的《话说肥皂剧》，关于美国19世纪与20世纪早期大众戏院的《令人不快的愉悦：杂耍表演与美国文化》。他开设有美国影视媒体史，优选化与民族身份，美国家庭社会变迁，社会与文化历史比较等课程。
道格拉斯·戈梅里，马里兰大学美国广播与电影图书馆（世界五大广播图书馆之一）资历学者、荣休教授，曾在马里兰大学教授传播学，为《村声》杂志撰稿，出版了十余本关于美国媒体经济学与历史学的著作，如《好莱坞制片厂制度史》、《声音的到来》等，大量著作已被翻译为八种语言。
李迅，中国电影艺术研究中心研究员，从事等

电影史话：光影流转的百年风云 第一卷：幻梦初醒（1895-1927） 19世纪末，一个颠覆性的发明——活动影像——在巴黎的咖啡馆和剧院里悄然点燃了人类感官的火花。这不是简单的记录，而是一种全新的叙事媒介的诞生。 本书将带您回到那个充满实验与奇迹的时代。从卢米埃尔兄弟在大浴池前捕捉到的真实瞬间，到乔治·梅里爱在《月球旅行记》中用奇特的布景和剪辑创造出魔幻的视觉盛宴，我们见证了电影从“奇观”向“艺术”的蹒跚起步。 早期电影的叙事是稚嫩的，却也因此充满了自由和想象力。我们深入探究了美国电影工业的雏形，那里诞生了D.W.格里菲斯，一个充满争议却又无法绕开的巨匠。他的史诗巨作《一个国家的诞生》和《沦陷之后》，以其革命性的蒙太奇手法和长镜头运用，确立了叙事电影的基本语法，同时也暴露了电影在处理社会议题时的复杂性与局限性。 在欧洲，德国表现主义的阴影笼罩着银幕。《卡里加里博士的小屋》中扭曲的布景和夸张的表演，是对一战后社会焦虑的深刻投射。而在苏联，爱森斯坦和库里肖夫等理论家们，则将蒙太奇提升到了哲学和心理学的高度，他们相信，通过镜头的精确并置，可以激发观众产生新的意义和情感。这一时期的探索是纯粹的、狂热的，奠定了电影作为一种独立艺术形式的理论基石。 第二卷：有声革命与好莱坞黄金时代（1927-1945） 1927年，《爵士乐之王》的出现，如同平地惊雷，彻底改变了电影的生态。声音的加入，不仅是技术的进步，更是艺术表达的巨大飞跃，它赋予了角色以真实的呼吸，也使得默片时代的独特表演体系轰然崩塌。 紧随其后的，是好莱坞的“制片厂制度”的成熟。米高梅、派拉蒙、华纳兄弟等几大巨头，如同封建领主般统治着制片、发行和放映的整个链条。这一时期的电影以类型片为核心——浪漫的歌舞片、紧张的黑色电影（Film Noir的先声）、西部片的经典范式，以及那些将家庭、道德与梦想编织在一起的温馨故事。 我们详细剖析了导演的“作者身份”如何在制片厂的巨大生产机器中挣扎求存。约翰·福特如何用广袤的美国西部景观来探讨秩序与混乱、文明与野蛮的永恒命题？弗雷德·阿斯泰尔与金吉·罗杰斯的舞蹈如何成为对大萧条时期压抑情绪的一种优雅宣泄？ 与此同时，欧洲的艺术电影仍在抵抗商业化的洪流。法国的“诗意现实主义”以其忧郁的浪漫和对底层人物命运的关注，展现了成熟电影语言的深度。而在二战阴影下，电影成为了宣传和抵抗的工具，其社会责任被前所未有地凸显出来。 第三卷：战后新潮与电影的解构（1945-1968） 二战结束后，世界的版图被重塑，电影观众对既有叙事和价值体系开始产生怀疑。旧秩序的松动，为一系列颠覆性的电影运动提供了土壤。 意大利的新现实主义，将镜头从布景房搬到了饱受创伤的罗马街头，用未经雕琢的素人演员和纪录片式的风格，直面贫困、失业和人性的挣扎。罗塞里尼、德西卡等人的作品，标志着电影的道德良知达到了一个高峰。 紧接着，法国出现了一批热衷于在巴黎咖啡馆讨论法国电影艺术的年轻人——“新浪潮”的缔造者们。特吕弗、戈达尔、夏布洛尔等人，高举作者论大旗，他们用手持摄影机、跳跃的剪辑、直接对着镜头的对白，以及对经典好莱坞的戏仿与致敬，彻底打破了好莱坞的叙事规范。电影不再是讲述一个完美的故事，而成为导演个人思想、情感和观点的直接表达。 日本电影也在此时期达到了前所未有的高度。黑泽明将西方史诗结构与日本武士道精神熔铸一炉；小津安二郎则用近乎冥想的“榻榻米视角”，捕捉日本家庭结构缓慢而温柔的消亡。 在美国，对制片厂制度的反抗也催生了“好莱坞新一代”的萌芽，他们从欧洲新潮中汲取灵感，准备在接下来的十年中，对美国文化进行一次深刻的影像手术。 第四卷：作者的胜利与全球化浪潮（1968-1990） 1968年，电影分级制度的放宽，如同打开了潘多拉的魔盒，好莱坞迎来了最富创造力的十年。马丁·斯科塞斯、弗朗西斯·福特·科波拉、史蒂文·斯皮尔伯格和乔治·卢卡斯等受过学院派训练、同时深受欧洲艺术片影响的年轻导演崛起。他们带着强烈的个人风格和对美国梦的深刻批判，创作出《教父》《出租车司机》等一系列影史经典。电影的边缘化叙事开始进入主流。 这一时期，电影语言的实验性达到了新的高度，安东尼奥尼对现代人疏离感的探讨，伯格曼对信仰与死亡的哲学追问，都将电影提升到了哲学思辨的层面。 在欧洲大陆，以意大利的帕索里尼、德国的新德国电影运动等为代表，导演们不再满足于讲故事，他们热衷于解构历史、颠覆道德，用极端的影像语言挑战观众的舒适区。 同时，全球电影视野也在不断拓宽。香港的武侠片在张彻、胡金铨手中焕发出现代精神；拉美电影则将魔幻现实主义引入银幕，以独特的视角审视殖民历史和民族身份。电影不再是单一中心的艺术，而是一个多元、冲突、充满活力的全球对话场域。 第五卷：数字时代的重塑与未来回响（1990至今） 随着数字技术的介入，电影的制作和发行边界被再次模糊化。昆汀·塔伦蒂诺以其对通俗文化的精妙拼贴和对非线性叙事的娴熟运用，重新定义了独立电影的可能性。同时，独立电影制作体系的壮大，使得更多关注少数族裔、女性视角以及社会边缘群体的声音得以被清晰地听到。 亚洲电影，特别是韩国电影，以其对类型片精准的掌控和对社会矛盾尖锐的洞察，在全球范围内获得了巨大的影响力。 我们也将考察数字特效和互联网对电影叙事结构带来的深远影响。从IMAX的沉浸感，到流媒体平台的崛起，电影的“体验”本身正在发生质变。电影史已经走过了一个多世纪，它既是技术演进的编年史，更是人类精神状态和文化变迁的最忠实记录者。本书旨在梳理这些光影中的关键节点，呈现一部既有宏大叙事，又不失细节描摹的电影文明图景。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我以前对很多早期电影的印象都是模糊的、黑白的、略显沉闷的。但拜这本书所赐，我开始对那些“先驱者”们产生了全新的敬意。作者在描述巴赞的“真实性”理论时，那种对长镜头和一镜到底的执着探讨，让我体会到影像记录时间本身所蕴含的巨大哲学重量。他成功地将晦涩的电影哲学概念，转化成了可以被普通观众理解和感受的语言。这种可及性是这本书非常成功的地方。此外，对于电影技术对叙事的影响，特别是CGI技术成熟后对“奇观”的重塑，作者提出了许多尖锐的观察，提醒我们警惕过度依赖视觉特效而丧失叙事核心的倾向。这本书的优点在于其平衡感——它既是严谨的历史记录，又是充满激情的艺术评论。它引导读者去思考，到底是什么让一部电影超越了短暂的时髦，成为值得被后世铭记的文化遗产。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏掌控得如同一个经验丰富的剪辑师，高潮迭起，张弛有度。最让我印象深刻的是它对“作者论”的梳理和批判性继承。作者没有盲目地将导演神化，而是非常审慎地探讨了“作者身份”在不同历史时期和不同制片体制下的能动性与局限性。例如，他对于类型片的研究，不再是简单地将其定义为商业产物，而是挖掘了类型片内部不断自我颠覆和更新的内在动力。那些关于黑色电影的章节，简直是视觉享受的文字版——对光影的运用、对宿命论的探讨，作者的文字本身就带着一种强烈的阴郁美学。而且，这本书的结构设计非常人性化，目录本身就是一份精妙的电影史导览图。它不仅仅是告诉我们“发生了什么”，更重要的是，它深入探讨了“为什么会发生”，将艺术的必然性与偶然性结合得天衣而合。读完它，感觉自己看待那些熟悉的经典镜头时，视角都变得更广阔、更深刻了。

评分☆☆☆☆☆

这部电影史著作，光是翻开扉页，就能感受到一股扑面而来的学术气息，那种厚重感仿佛带着胶片时代的尘埃与荣光。作者的叙事手法非常老练，他没有将电影史仅仅视为一连串的导演和作品的罗列，而是巧妙地将其融入到宏大的社会、政治和技术变革的背景之中。尤其是在探讨默片时代向有声片过渡的那段描述，简直是教科书级别的分析。他细致入微地剖析了光影、声音、剪辑这些基本元素的演变，如何不仅仅是技术进步的结果，更是美学观念革新的体现。我特别喜欢他论述“蒙太奇”理论那几章，那种从爱森斯坦到戈达尔的思潮流变，被梳理得清晰而富有张力。读到那里，我仿佛能听到无声电影中节奏强烈的鼓点和早期有声片中突兀的对话声，作者成功地让“历史”具备了可感知的质地。虽然篇幅浩瀚，但行文流畅，专业术语的解释也恰到好处，即便是初学者也能循着作者的思路，一步步深入到电影语言的深层结构之中。这本书的价值，不在于它记录了多少“经典”，而在于它教会了你如何“看”电影，如何从技术层面拆解艺术的构建。

评分☆☆☆☆☆

这本书的篇幅很可观，但它的魅力恰恰在于其百科全书式的广度与微观视角的深度相结合。作者对于非主流电影和边缘流派的关注，尤其值得称赞。他没有将目光仅仅聚焦于好莱坞或欧洲三大电影节，而是花了大量笔墨去介绍拉丁美洲的“第三电影”以及亚洲早期电影的独特探索。这种全球化的视野，极大地拓宽了我对“电影”这个概念的认知边界。我尤其喜欢他探讨声音设计的那部分，如何从早期的固定音轨，发展到后来的空间化处理，这种对听觉体验的细致梳理，让我意识到原来电影的震撼力有一半来自于耳朵。阅读过程中，我感觉自己像是在跟随一位经验丰富的向导，穿梭于百年光影长廊，他不仅指出了最重要的展品，还低声耳语着展品背后的时代秘密和创作者的挣扎。这是一本能让人每次翻开都能发现新细节的“宝藏之书”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到这本书的时候，我有点被它的体量震慑住了，感觉像是在面对一座知识的冰山。但一旦沉浸其中，那种阅读的快感便难以自拔。作者的笔触极其富有画面感，尤其是在描述二战后欧洲电影的复苏与反思时，那种弥漫在战后废墟上的存在主义的焦虑感，被他用一种近乎文学化的语言捕捉到了。他对于意大利新现实主义的分析尤其精妙，不仅仅停留在谈论外景拍摄和非职业演员，而是深入挖掘了那种“道德的凝视”是如何渗透到镜头每一个角落的。相比于一些枯燥的年代编年史，这本书更像是一部充满洞察力的思想漫游。我尤其欣赏作者在不同地域电影流派之间建立的对话，比如将好莱坞黄金时代的工业体系与法国新浪潮的反叛精神进行对比，展现了电影作为一种全球性艺术形式的复杂张力。每读完一个章节，我总会忍不住去重温几部被提及的影片，那种“啊，原来如此”的顿悟感，是阅读任何其他理论著作都无法给予的。这本书无疑是为那些对电影有深度情感和严肃求知欲的读者准备的。

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