中央美术学院教学作品范例:色彩

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《全国十所高等美术院校造型基础教学作品范例》编委会 编
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出版社: 中国青年出版社
ISBN:9787500679943
版次:1
商品编码:10658535
包装:平装
丛书名: 全国十所高等美术院校造型基础教学作品范例
开本:8开
出版时间:2007-12-01
用纸:铜版纸
页数:40
正文语种:中文

具体描述

编辑推荐

全国十所高等美术院校造型基础教学作品范例;
色彩教学主要是培养色调的意识,色彩静物是比较好的初始训练的课题,它很自然地呈现出一种色块之间的关系,老师摆作业的时候也易于现代和变化多种不同的色调方案。风景写生是在外光条件下锻炼色彩的一种极好机会,学生在亲近自然、体会自然、发现自然的画意中,培养绘画的创作能力。
本系列画册集中了《全国高等美术院校造型基础教学学生优秀作品展》中的优秀作品以及在近年教学实践涌现出的优秀学生作品。
本系列画册还编辑了近年来对基础教学探索所获得的认识,交流所取得的经验和成果。
中国青年出版社将这作品按十所院校分别编为素描、色彩分册陆续出版。
本系列画册是广大青年学生,学习美术基础,提高造型能力的一套非常有益的参考教材。

内容简介

《色彩》的培养目标是:培养德智体全面发展,具有全面的艺术素质和复合型知识结构,有较宽厚的人文社会科学基础,系统掌握美术学科的基本理论,基本知识和基本技能,具有创新精神和创新能力,能适应当代社会各类美术工作需要的美术人才,培养具有一定研究能力,能继续攻读艺术领域硕士、博士学位的艺术人才。
《色彩》的教学大纲:本着“厚基础、宽口径”的教学指导思想,本科一年级学生应具备扎实的基础描绘能力和创新的思维方式,应具备较好的审美意识,为后续专业学习打好基础。
色彩教学主要是培养色调的意识,色彩静物是比较好的初始训练的课题,它自然地呈现出一种色块之间的关系,老师摆作业的时候也易于实现和变化多种不同的色调方案。风景写生是在外光条件下锻炼色彩的一种好机会,学生在亲近自然、体会自然、发现自然的画意中,培养绘画的创作能力。

内页插图

前言/序言


中央美术学院教学作品范例:色彩 本书精选了中央美术学院历年来在色彩教学方面涌现出的优秀学生作品,旨在为广大美术爱好者、在校学生以及艺术教育工作者提供一份详实且具启发性的色彩学习参考。本书不仅仅是对学生作品的简单汇集,更是对中央美术学院在色彩教学理念、训练方法、审美导向等方面的深度展现。 一、 编选理念与价值 中央美术学院作为国内顶尖的美术学府,其色彩教学体系历经多年沉淀,形成了一套独具特色且行之有效的教学方法。本书的编选,正是基于以下几点重要考量: 1. 代表性与前瞻性: 遴选的作品涵盖了不同时期、不同专业方向的学生优秀习作,既体现了中央美院色彩教学的经典传承,也展现了新一代艺术家对色彩语言的探索与创新。这些作品不仅是教学成果的缩影,更是未来艺术发展趋势的一面镜子。 2. 示范性与启发性: 本书的作品均经过严格筛选,代表了学生在不同学习阶段和不同技法训练中的最高水平。通过欣赏这些作品,读者可以直观地感受到色彩在造型、情绪表达、空间营造、材质表现等方面的重要作用,从而获得深刻的艺术启迪。 3. 系统性与层次性: 本书按照色彩学习的逻辑顺序,从基础的色彩关系解析,到具象与抽象的色彩运用,再到更为复杂的色彩表现,层层递进,结构清晰。每一件作品都附有简要的创作背景、技法说明或导师点评(若允许),帮助读者理解作品背后的思考过程和训练要点。 4. 学术性与实践性: 本书的内容严格遵循中央美院的教学大纲和学术标准,每一幅作品都体现了扎实的造型功底、严谨的色彩分析和独到的个人表达。同时,这些作品也源于真实的课堂实践,为学习者提供了可操作的学习范例。 二、 内容构成与解读 本书的内容设计力求全面而深入,以下将从几个主要维度进行展开: 1. 色彩基础理论与感知训练 色相、明度、纯度的关系: 作品将深入展示学生如何理解和运用色相(红、黄、蓝等)、明度(颜色的深浅)和纯度(颜色的鲜艳程度)之间的相互关系。例如,通过对静物写生的解析,可以观察到学生如何准确捕捉物体在不同光源下的明度变化,以及色彩的冷暖倾向如何影响画面的整体氛围。 色彩对比与和谐: 本部分作品将侧重于色彩的对比(如互补色、同类色)与和谐(如邻近色、单色)的运用。读者可以学习到如何通过鲜明的色彩对比来突出主体,吸引观者视线;或者如何通过微妙的色彩变化来营造宁静、统一的视觉感受。 色彩的体积感与空间感: 作品会演示色彩在塑造物体体积和表现空间深度方面的作用。例如,暖色通常有前进感,冷色有后退感;高明度、高纯度的色彩会使物体显得更近、更突出,反之则有后退、模糊的效果。本书中的案例将清晰地展现这些原理在实际绘画中的应用。 色彩的联觉与情感表达: 色彩并非仅是视觉的感知,更与情感、联想紧密相连。本书中的作品会探索色彩如何唤起观者的情绪,例如,红色可能象征热情与活力,蓝色可能代表宁静与忧郁。学生们通过对色彩的精心调度,能够赋予画面丰富的情感内涵。 2. 具象色彩的写实与表现 静物写生: 作为色彩教学的基础训练,静物写生在本书中占据重要篇幅。作品将涵盖各类静物,如水果、器皿、织物等,展现学生如何精准地观察和描绘物体的固有色、光源色、环境色以及它们之间的复杂互动。重点在于色彩的真实感、体积感和质感表现。 人物色彩: 人物色彩的描绘是色彩教学的难点与重点。本书会呈现人物肖像、头像、全身像等作品,展示学生如何通过对肤色、发色、服装色彩的细腻处理,准确捕捉人物的生理特征、情绪状态和精神气质。同时,也包含对人体解剖结构与色彩关系的深入理解。 风景色彩: 风景色彩的描绘强调对自然界光线、气候、季节变化的敏感捕捉。作品将展示学生如何运用色彩来表现天空的变幻、云彩的层次、山峦的起伏、植被的繁茂以及水面的波光粼粼。强调色彩的整体性和氛围感。 3. 抽象与构成中的色彩探索 色彩构成训练: 本部分作品将展示学生如何脱离具象对象的束缚,纯粹从色彩本身的构成关系出发进行创作。通过点、线、面、块的组合,以及不同色彩的排列、叠加、对比,探索色彩的平面装饰性、韵律感和视觉冲击力。 抽象色彩语言: 随着学生艺术视野的开阔,本书将呈现更多抽象色彩的尝试。这些作品可能以情绪、意念、哲学思考为出发点,完全依赖色彩的直觉与情感力量来传递信息,展现了色彩作为一种独立的艺术语言的巨大潜能。 色彩在现代设计中的应用: 鉴于中央美术学院在设计领域的深厚底蕴,本书也将收录一些将色彩原理应用于设计实践的作品,如海报设计、插画、平面设计等。这些作品展示了色彩在商业与艺术结合中的活力与创意。 4. 技法与材料的多样性 本书的作品涵盖了多种绘画媒介和技法,充分体现了中央美院教学的广度与深度: 油画: 从厚涂到薄涂,从写实到写意,油画作品将展示色彩的丰富层次、光泽感和表现力。 丙烯: 丙烯颜料的快干性和覆盖性,使得其在色彩构成和现代绘画中尤为常见,作品将展现其鲜明、现代的色彩特点。 水彩/水墨: 水彩的透明感和水墨的晕染效果,在风景和人物表现中各有千秋,本书将呈现其独特的色彩韵味。 综合材料: 随着艺术创作的多元化,一些作品可能大胆运用综合材料,将色彩与其他材质相结合,创造出意想不到的视觉效果。 三、 读者收益与学习建议 本书的读者将从以下几个方面获益: 视觉上的享受: 欣赏来自艺术殿堂的优秀作品,提升审美情趣。 理论的实践化: 将抽象的色彩理论,通过具体作品转化为直观的理解。 技法的学习: 观察和分析作品中色彩的运用方式、笔触的肌理以及材料的表现力。 创作的启发: 从同龄人甚至前辈的创作中获得灵感,找到自己独特的艺术语言。 教学的参考: 为艺术教育者提供直观且具有说服力的教学案例。 学习建议: 1. 带着问题阅读: 在翻阅本书时,可以思考作品的色彩是如何表现物体的体积、光影和质感的?艺术家是如何通过色彩来营造画面的氛围和情绪的? 2. 动手实践: 学习色彩最好的方法就是动手去画。可以尝试模仿作品中的色彩关系,或者从作品中汲取灵感,进行自己的创作。 3. 与其他学科知识结合: 学习色彩不仅限于绘画,还可以将其与设计、摄影、心理学甚至音乐等学科相结合,拓展色彩的理解维度。 4. 与导师或同学交流: 如果有机会,可以与老师或同学讨论书中的作品,分享自己的见解,互相学习。 结语 《中央美术学院教学作品范例:色彩》是一本承载着知识、经验与艺术追求的宝典。它不仅仅是一本画册,更是通往色彩艺术殿堂的一扇窗,一盏灯。我们希望通过本书,能够点燃更多人心中的艺术火花,引导他们在色彩的海洋中自由翱翔,创作出属于自己的精彩篇章。

用户评价

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这是一本能够“解构”色彩的书。它不会直接告诉你“怎么做”,而是引导你思考“为什么”。书中对“色彩的逻辑”的阐述,让我耳目一新。它将色彩的运用,上升到了一个理性的高度,让你明白每一种色彩的选择,背后都有其深刻的逻辑和原因。我尤其被书中对“色彩的平衡”的讲解所吸引。它不仅仅是色彩数量上的平衡,更是色彩情感、色彩冷暖、色彩明暗等各种元素的综合平衡。书中通过对一些经典作品的分析,展示了艺术家是如何在复杂的色彩关系中,找到那种微妙的平衡点,让画面既富有张力又不失和谐。这让我意识到,真正的色彩大师,是能够驾驭各种色彩元素,并将它们巧妙地融合在一起的。我曾尝试着去运用书中提到的“色彩的对比性”原则,在一些小的练习中,我发现画面立刻变得更加生动和有冲击力。这本书为我打开了一扇新的大门,让我对色彩有了更深层次的理解,也激发了我用色彩来表达更丰富情感的渴望。我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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作为一名艺术爱好者,我一直对色彩在绘画中的作用充满着浓厚的兴趣。这本书《中央美术学院教学作品范例:色彩》无疑满足了我对这个主题的深度探索的渴望。它并非是简单地罗列一些漂亮的画作,而是像一位经验丰富的老师,通过精选的教学作品,系统地阐述了色彩在艺术创作中的各种可能性。我尤其喜欢书中对“色彩的统一性”和“色彩的对比性”的深入剖析。它并没有将两者割裂开来,而是强调了如何在对比中寻求统一,又如何在统一中突出对比。例如,书中展示了一个人物写生范例,画家如何通过人物面部细微的冷暖变化来统一整个画面的色调,同时又通过背景和服装的鲜明对比来突出人物的形象。这种精妙的平衡,让我对色彩的掌控有了全新的认识。我曾以为,色彩的和谐就是尽可能地使用相近的颜色,但这本书颠覆了我的这种看法。它告诉我们,真正的色彩和谐,是在对比中找到平衡点,让画面既有活力又不失整体感。书中还涉及了色彩的“空气透视”和“色彩的心理暗示”,这让我意识到色彩不仅仅是画面的皮肤,更是画面的灵魂。通过对色彩的巧妙运用,画家可以营造出空间的深度,引导观众的情绪,甚至讲述无声的故事。我曾尝试着去运用书中提到的“邻近色”搭配原则,在一些小的练习中,发现画面立刻变得柔和而协调。当然,这仅仅是冰山一角,我深知要真正掌握色彩的精髓,还需要长久的实践和不断的探索。这本书为我指明了方向,提供了坚实的理论基础和丰富的实践启示,我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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这本书,像一位技艺精湛的调色师,为你一一揭示色彩的秘密。它没有高高在上的理论说教,而是通过一个个生动的教学范例,让你在实践中感悟色彩的魅力。我印象最深刻的是,书中对“色彩的明暗关系”的讲解。它不仅仅是告诉你浅色显亮,深色显暗,更是深入探讨了如何通过明暗的对比,来塑造画面的立体感和空间感。例如,书中通过一个静物写生的范例,展示了画家如何利用光线在物体表面产生的明暗变化,来赋予物体以实在的体积和质感。这让我意识到,色彩的明暗,是构建画面空间的重要元素。书中还涉及到了“色彩的纯度”的运用,以及如何通过控制色彩的纯度,来营造不同的视觉效果。例如,高纯度的色彩往往带来鲜艳、活泼的感觉,而低纯度的色彩则显得沉静、含蓄。我曾尝试着去运用书中提到的“色彩的对比性”原则,在一些小的练习中,我发现画面立刻变得更加生动和有冲击力。这本书为我打开了一扇新的大门,让我对色彩有了更深层次的理解,也激发了我用色彩来表达更丰富情感的渴望。我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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这本书,绝对是我艺术学习道路上的一个里程碑。它不仅仅是一本关于色彩的书,更是一本关于如何“看”世界的书。书中对“色彩的感知”的深入剖析,让我重新审视了自己对色彩的认知方式。它告诉我们,我们看到的颜色,并非物体本身固有的颜色,而是光线作用于物体,再经过我们眼睛和大脑的解读。这种科学而又艺术的视角,让我对色彩有了全新的认识。我尤其欣赏书中对“色彩的呼应”的讲解。它不是孤立地看待某个颜色,而是强调了颜色之间的相互联系和呼应。比如,画面中的一个蓝色,可能需要通过周围其他颜色的衬托,才能达到最佳的视觉效果。这种“整体观”的色彩运用,让我受益匪浅。我曾尝试着去运用书中提到的“色彩的统一性”原则,在一些小的练习中,我发现画面立刻变得更加和谐和整体。这本书为我打开了一扇新的大门,让我对色彩有了更深层次的理解,也激发了我用色彩来表达更丰富情感的渴望。我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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这本书,真的是一本“宝藏”。它不是那种看完就丢的书,而是需要反复品读,每次阅读都能有新的收获。我一直以来对色彩的理解,都停留在比较基础的层面,比如学会了如何混合颜色,如何搭配冷暖。但这本书,将我带入了一个全新的境界。我尤其被书中对“色彩的引导性”的讲解所震撼。它通过分析一些构图精巧的作品,展示了色彩是如何巧妙地引导观众的视线,将注意力集中在画面的主体上。这让我意识到,色彩不仅仅是为了美观,更是为了服务于画面的构图和叙事。书中还深入探讨了“色彩的肌理感”,以及如何通过色彩的叠加和晕染,来表现物体的质感。这让我对色彩的运用有了更深的层次的理解,不再仅仅是平面的色彩填充,而是赋予色彩以“触感”。我曾尝试着去运用书中提到的“色彩的对比性”原则,在一些小的练习中,我发现画面立刻变得更加生动和有冲击力。这本书为我打开了一扇新的大门,让我对色彩有了更深层次的理解,也激发了我用色彩来表达更丰富情感的渴望。我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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这是一本能够“唤醒”你对色彩感知力的书。在阅读这本书之前,我可能只是“看到”颜色,而读完之后,我感觉自己开始“听懂”颜色在诉说什么。书中对“色彩的语言”的阐述,让我印象深刻。它不仅仅是讲解色彩的物理属性,更是挖掘色彩背后所蕴含的情感和文化信息。比如,为什么红色在中国文化中代表喜庆,而在西方文化中则可能有不同的含义。这种跨文化的视角,让我对色彩的理解更加丰富和立体。我尤其欣赏书中对“色彩的呼吸感”的探讨。它通过分析一些画面,展现了色彩是如何在画面中产生一种流动的、变化的生命力,仿佛在进行着一场无声的对话。这让我意识到,色彩不仅仅是固定的色块,它是有生命力的,是可以“呼吸”的。我曾尝试着去运用书中提到的“色彩的统一性”原则,在一些小的练习中,我发现画面立刻变得更加和谐和整体。这本书为我打开了一扇新的大门,让我对色彩有了更深层次的理解,也激发了我用色彩来表达更丰富情感的渴望。我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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这本书,我必须承认,它所带来的视觉冲击和思维启发是巨大的。我原本以为它会是那种“看图说话”式的画册,结果却远超我的预期。它所呈现的,是中央美术学院在色彩教学方面独到而深刻的见解,它不仅仅关注“是什么”,更深入地探讨“为什么”以及“如何做”。书中对色彩的“关系性”的解读,是我之前从未深入思考过的。它阐述了颜色不是孤立存在的,而是通过相互作用,在画面中产生微妙而复杂的变化。比如,一个红色,放在绿色旁边,会显得更加鲜艳;放在蓝色旁边,则会显得更加温暖。书中的许多范例,都生动地展示了这一点。我特别欣赏书中对“色彩的意图性”的阐述,也就是说,色彩的选择并非随意,而是带着创作者的某种意图。无论是表达某种情绪,营造某种氛围,还是突出某个主体,色彩都扮演着至关重要的角色。书中通过对几幅不同风格作品的分析,揭示了画家是如何通过对色彩的精心选择和巧妙运用,来达到自己想要的效果的。我曾尝试着去运用书中提到的“暖色与冷色的对比”原则,在一些小的练习中,我发现画面立刻变得更加生动和有层次感。这本书为我打开了一扇新的大门,让我对色彩有了更深层次的理解,也激发了我用色彩来表达更丰富情感的渴望。我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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读完这本书,我感觉自己对色彩的理解,像是经历了一次“涅槃”。我一直以为,色彩的运用,无非是遵循一些基本的理论,比如冷暖、对比、协调。但这本书,则将我带入了一个更为广阔和深邃的色彩世界。它并非教你“如何调出某种颜色”,而是教你“如何运用色彩来诉说”。我尤其被书中对“色彩的节奏感”的阐述所吸引。它通过对不同色彩组合的分析,展现了色彩如何在画面中形成一种视觉的韵律,引导着观众的目光,营造出画面的动感。这让我意识到,色彩不仅仅是停留在二维平面上的,它也能够创造出一种“时间”的维度,让画面“活”起来。书中还有一个部分,让我受益匪浅,那就是“色彩的互依性”。它强调了画面中的任何一个颜色,都不是独立存在的,它的价值和意义,都取决于它周围的颜色。这种“关系美学”的应用,让我在思考色彩时,不再局限于单个颜色,而是从整体的画面出发,去考量色彩之间的相互关系。我曾尝试着去运用书中提到的“色彩的统一性”原则,在一些小的练习中,我发现画面立刻变得更加和谐和整体。这本书为我打开了一扇新的大门,让我对色彩有了更深层次的理解,也激发了我用色彩来表达更丰富情感的渴望。我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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这本书给我带来的不仅仅是知识的增益,更是一种艺术审美的启迪。它以中央美术学院的教学为出发点,但其内容之深刻,远超出了我对一本“范例集”的最初设想。书中对于色彩的讲解,并非停留在基础的色轮理论,而是深入到了色彩在画面构成中的具体作用,以及如何通过色彩来引导观众的视线,塑造画面的空间感和节奏感。我印象最深刻的是,书中通过几个风景写生的范例,详细剖析了不同天气、不同时间的光线如何影响物体的色彩,以及画家如何捕捉这些微妙的变化,并通过色彩的冷暖、明暗对比来营造出逼真的视觉效果。例如,书中对黄昏时分天空色彩的处理,展示了如何运用层层叠叠的暖色调,从橘红到紫罗兰,表现出天空的深邃和光线的渐变。这种对细节的捕捉和刻画,让我意识到色彩并非孤立存在,而是与光影、形体、材质紧密相连,共同构筑了艺术的真实感。更让我惊喜的是,书中还涉及到了色彩的象征意义和文化内涵,通过对一些经典作品的分析,展现了不同文化背景下,色彩所承载的独特情感和象征。这让我明白,色彩不仅仅是视觉的刺激,更是情感的传递和文化的表达。我开始重新审视自己对色彩的运用,不再仅仅追求视觉上的美观,而是尝试去思考色彩背后所蕴含的意义,去挖掘色彩的情感力量。这本书就像一本通往色彩世界的指南,它为我揭示了无数的可能性,让我看到了色彩在艺术创作中的无限潜力。我曾尝试着去模仿书中的一些色彩运用方式,在自己的速写本上进行实践,虽然距离大师的作品还有很远的距离,但我能明显感觉到自己的绘画语言变得更加丰富和有表现力。这本书并非一本“照搬”的教程,它更多的是一种启发,一种引导,它鼓励我去独立思考,去探索属于自己的色彩之道。

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当我翻开这本书,心中涌起的不仅仅是对中央美术学院教学理念的好奇,更是对色彩作为艺术语言最纯粹表达的期待。这本书并非直接呈现某个具体画作的解析,而是像一位循循善诱的导师,通过一系列精心挑选的教学范例,带领读者深入理解色彩的奥秘。它不像市面上那些枯燥的色彩理论书籍,堆砌着晦涩的术语,而是将理论巧妙地融入实践,让每一个范例都成为一个生动的案例。我尤其欣赏书中对“色彩情绪”的探讨,它不仅仅是告诉我们冷暖色调会带来怎样的感受,更是通过不同色彩组合对画面氛围的营造,以及如何运用色彩来传达创作者内心的情感。例如,书中通过一个静物写生的范例,展现了如何通过微妙的冷暖对比,让一个简单的苹果散发出诱人的光泽和饱满的生命力;又或是通过对人物肖像的色彩分析,揭示了不同肤色、服装色彩如何共同塑造人物的性格和故事感。这种层层递进的讲解方式,让我能够从宏观到微观,逐步掌握色彩的逻辑。我发现,书中并没有给出“标准答案”,而是鼓励读者去观察、去感受、去尝试。它提出的问题,往往引人深思,比如“为什么这个红色让人感到温暖,而另一个红色却显得压抑?”、“如何才能让画面中的蓝色不再单调,而是充满层次和深度?”这些问题,促使我去主动思考,去联系自己的绘画经验,去重新审视自己对色彩的认知。这是一种非常宝贵的学习体验,它激发了我内在的创造力,让我不再满足于模仿,而是渴望用自己的方式去驾驭色彩,去表达独属于我的艺术语言。我曾尝试过运用书中介绍的一些色彩搭配技巧,比如互补色的运用,在一些简单的练习中,发现画面立刻变得生动起来。当然,这仅仅是冰山一角,我深知要真正掌握色彩的精髓,还需要长久的实践和不断的探索。这本书为我指明了方向,提供了坚实的理论基础和丰富的实践启示,我期待着在未来的创作中,能将书中的智慧融会贯通,创造出更多令人难忘的色彩作品。

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