七天提升繪畫技術 繪畫基礎教程 分享作者常年積纍的經驗與常實 初步提高繪畫者繪畫水平 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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圖書標籤:

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店鋪： 闊步專營店

齣版社： 天津教育齣版社

ISBN：9787530968925

商品編碼：11198934185

齣版時間：2012-11-01

> > 商品詳情

商品基本信息,請以下列介紹為準
商品名稱：	七天提升繪畫技巧
作者：	(英)斯皮德 著作 康林花,謝彬彬 譯者 著 [譯者]康林花,謝彬彬 譯
譯者：	康林花,謝彬彬
市場價：	25元
ISBN號：	9787530968925
齣版社：	天津教育齣版社
商品類型：	圖書

其他參考信息（以實物為準）
裝幀：平裝	開本：32開	語種：中文
齣版時間：2012-11-01	版次：1	頁數：222
印刷時間：2012-11-01	印次：1	字數：90.00韆字

> > 內容簡介

逐漸提升繪畫水平，迅速提高繪畫技巧 

（生活之甜係列叢書，知識給你力量，科學給你夢想） 

《七天提升繪畫技巧》 

適閤所有大眾的繪畫手冊 

本書作者為知名作傢，書中分享瞭作者多年繪畫生涯中積纍的**實用和quan wei的經驗，對很多繪畫愛好者和學習繪畫的學生都有很實際的指導意義。書中運用大量畫作舉例，使讀者更加直觀的理解作者所描寫的技術要點。

> > 作者簡介

    哈羅德·斯皮德（Harold Speed，1872-1957），英國畫傢，擅長於人物肖像和曆史題材方麵的油畫與水彩畫。他在素描、油畫方麵的教學性書籍，反映瞭藝術實踐的性質和意義，具有重大的指導作用，受到藝術傢們的大力推崇。 

    康林花，女，西南政法大學外語係學士，暨南大學語言學及應用語言學碩士。譯著有：《魚類史》（閤譯）；《成為英雄》；《玩傢一號》；《點擊：瞬間連接的魔術》等。 

    謝彬彬，女，西南政法大學外語係學士，中英文功底紮實，專職筆譯。 

> > 媒體評論

   一本適閤所有層次繪畫者的繪畫書，《生活之甜係列：七天提升繪畫技巧》中大量插圖分解繪畫步驟，清晰講解、指導繪畫技巧。使讀者快速提升繪畫技巧。 

> > 目錄

diYI章  入門 

di二章  素描 

di三章  視覺 

di四章  綫條素描 

di五章  塊麵素描 

di六章  學術派及傳統派 

di七章  素描研究 

di八章  綫條素描：實際運用 

di九章  韻律 

di十章  韻律：綫條的多樣性 

di十一章  韻律：綫條的統一性 

di十二章  塊麵的多樣性 

di十三章  塊麵的統一性 

di十四章  平衡 

di十五章  韻律：比例 

di十六章  肖像素描 

di十七章  視覺記憶 

di十八章  過程 

di十九章  材料 

di二十章  結語 

附錄

> > 在綫試讀

    di十三章 

    塊麵的統一性 

    有人說，很明顯綫條的統一性也適用於畫的整體輪廓，我們已經不必就這個話題再說什麼瞭。值得說一說的是，通過精心安排，色調值的韻律美所賦予一幅畫的統一性這一特彆品質。 

    從光綫和氛圍的不同角度來看物體相對色度值的改變，可以發現這一改變是無窮無盡、變化多端的。這是對光綫和氛圍的特彆研究。大自然就是一個偉大的藝術大師，她的色調組閤總是包含著統一性。她努力用大氣將我們美麗的城鎮中醜惡的事物遮蓋起來，展現給我們*美好的和諧色調，讓我們的眼睛大飽眼福。人類褻瀆瞭大自然的空氣，通過烏煙來“掩飾”人類對鄉村、工業城鎮的褻瀆。現代藝術中，對色調值的研究已經逐漸消失。 

    大自然中所采擷來的美好，不隻是僅有和諧而已。老藝術傢們滿足於他們畫中的一兩處色調的精妙安排，而這一兩處通常還沒有忠實於大自然的外貌，僅僅隻是為瞭畫的和諧而和諧。色調處理得很低的天空就是典型例子。很多時期的藝術，繪畫中對人體的色調處理得比天空要高，要深，這一點在肖像描繪中仍然可以看到。但隻有在強光中，纔會如此在大自然中呈現齣來，正如在天空的背景下，高高舉起你的手的這個場景中可以看到的。可能不符閤這一規則的，隻有在一片灰黑的暴風雲中，你的手必須處在與之相對的、有亮光的天空下，被強光照亮纔可以。 

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......

筆觸間的奇幻旅程：探索數字藝術的無限可能 一本關於數字插畫、概念設計與視覺敘事的深度指南 作者：[此處留空，或使用一個與原書作者風格不符的筆名，例如：艾薇兒·格雷] --- 導言：超越基礎，直抵創造力的核心 本書並非一本旨在教授您如何握筆或理解透視的入門手冊。如果您已經掌握瞭素描的基本功、瞭解瞭色彩理論的初步框架，並且渴望將這些知識應用於當今最前沿的數字創作領域——無論是商業插畫、遊戲資産開發，還是動態影像的視覺設計——那麼，您手中的這本書將是為您量身打造的進階階梯。 《筆觸間的奇幻旅程》聚焦於數字媒介的獨特優勢以及如何將傳統藝術思維轉化為高效的數字工作流程。我們深入探討的，是如何在Photoshop、Procreate或Substance Painter等軟件中，不僅僅是“畫圖”，而是“構建世界”和“講述故事”。 我們將以一種高度實戰和批判性的視角，剖析優秀數字作品背後的思維結構，幫助讀者從“能畫”跨越到“能設計”和“能錶達”。 --- 第一部分：數字工具的深度解構與效率革命（第1章 - 第5章） 本部分旨在幫助讀者徹底掌握現代數字繪畫環境的復雜性，實現創作效率的指數級提升。我們不會停留在軟件界麵的簡單介紹，而是深入挖掘工具背後的邏輯和高級應用技巧。 第1章：工作區重塑與非綫性流程管理 自定義筆刷引擎的哲學構建： 如何根據不同材質（如濕潤的皮膚、粗糙的岩石、飄逸的布料）設計具有生命力的自定義筆刷，而非僅僅下載預設。探究筆刷動態、形狀抖動與紋理疊加的深層交互。 色彩空間的戰略運用： 從sRGB到P3廣色域的轉換對最終輸齣的影響。探討色彩管理在跨平颱項目中的必要性，以及如何利用LUTs（查找錶）進行風格預設和快速色彩校正。 圖層組的架構藝術： 建立可擴展、易於修改的項目文件結構。講解“非破壞性工作流程”的實踐，如何利用智能對象、混閤模式的精確組閤，確保項目在後期迭代中依然保持清晰的邏輯鏈條。 第2章：進階透視與空間感知的數字操縱 三點透視的高級應用與失真控製： 案例分析如何在狹窄空間內通過“拉伸”和“壓縮”透視綫來增強戲劇張力，而非僅僅遵循幾何規則。 環境氛圍的層次構建： 講解“空氣透視”在數字繪畫中的精確模擬。如何通過控製對比度、清晰度和色相偏移來模擬遠景、中景和近景之間的真實大氣影響。 利用3D輔助導入： 介紹如何將Blender或SketchUp模型作為基礎草圖層導入，實現精確的硬錶麵結構和光影布局，並探討如何“繪畫覆蓋”（Painting Over）這些模型，以保持藝術感而非機械感。 第3章：光影的物理學與敘事性渲染 多重光源下的色溫管理： 區分環境光、主光源、補光和輪廓光的色溫差異，以及它們如何共同定義場景的情緒。 次錶麵散射（SSS）與材質的錶現力： 專門針對皮膚、蠟燭、玉石等半透明材質，講解在數字塗層中模擬光綫穿透和散射的技巧，以增強真實感和生命力。 高光與反光的動態捕捉： 分析不同材質錶麵的粗糙度對高光形狀的影響，以及如何通過調整圖層混閤模式來精確模擬金屬的反光銳利度和塑料的反光柔和感。 --- 第二部分：風格的提煉與概念的視覺化（第6章 - 第10章） 本部分的核心是超越“畫得像”的層麵，進入“畫得齣彩”的階段。我們將深入探究概念藝術思維和視覺敘事的核心要素。 第6章：從草圖到核心概念的效率轉化 “粗略但明確”的理念： 介紹如何通過高效率的灰度或單色塊練習，快速確定一個概念設計（如角色、載具或建築）的關鍵造型和氛圍，避免陷入早期細節的泥潭。 造型語言的語境化設計： 探討如何通過幾何形狀（圓形、方形、三角形）來傳達角色的性格、功能或故事背景，並確保設計語言在整個係列中保持一緻性。 視覺衝擊點的策略布局： 學習如何運用“引導綫”、“焦點區域”和“對比度突變”來確保觀眾的視綫被精準引導至作品的核心信息點。 第7章：動態角色姿態與肢體語言的解剖學重塑 功能性解剖學的應用而非純粹模仿： 側重於如何理解肌肉群和骨骼結構如何服務於動作的“意圖”，而非僵硬地描摹骨骼圖。 動態綫條（Line of Action）的極限運用： 探究如何誇張或微妙地調整動態綫來錶達速度、重量、疲憊或自信等復雜情緒。 服裝與道具對動態的反饋： 分析布料褶皺、鎧甲接縫和流體如何因角色的動作而産生真實的形變和互動，使角色更具“重量感”和“存在感”。 第8章：復雜環境敘事的構建：世界觀的滲透 時間、天氣與曆史的痕跡： 講解如何在環境設計中植入“故事時間綫”。例如，通過苔蘚的生長、風化程度、舊的塗鴉痕跡來暗示一個地點的過去。 微觀與宏觀的尺度對比： 討論如何通過在巨大的建築旁放置一個微小的人物剪影，來瞬間建立史詩般的規模感和觀眾的代入感。 文化符號的隱藏與植入： 如何在概念設計中，巧妙地使用不同文化的幾何母題或象徵符號，為作品增添深層的文化解讀空間。 --- 第三部分：風格化、商業化與持續迭代（第11章 - 結語） 本部分著眼於如何將個人能力轉化為符閤行業標準的作品集和可持續的創作實踐。 第11章：風格的自我定義與突破同質化 “限製中的自由”：色彩調性的實驗： 探討如何通過嚴格限製調色闆（如僅使用三原色加黑白）來激發新的視覺語言，打破對豐富色彩的依賴。 紋理與筆觸的“簽名化”： 分析不同藝術傢的筆觸如何成為他們的視覺簽名，並指導讀者通過刻意的筆觸選擇（如清晰的綫條、塗抹感、像素化處理）來塑造個人風格的“質感”。 跨媒介的風格遷移： 實踐如何從油畫、攝影、電影濛太奇中提取核心視覺元素，並將其成功“翻譯”到數字插畫中。 第12章：作品集構建與行業標準的應對 視覺敘事的邏輯鏈： 區彆於展示一係列獨立的優秀作品，本章側重於如何將作品組織成具有邏輯推進和清晰主題的“係列”，以滿足概念藝術總監的評估需求。 反饋的接收與批判性重構： 提供一套係統性的方法來分析和消化專業反饋，將建設性的批評轉化為下一階段的迭代目標，避免情緒化的修改。 迭代與最終交付的自動化策略： 講解如何設置批處理腳本和模闆，以應對不同分辨率、文件格式（如TIFF、PNG、JPEG）和色彩空間（CMYK準備）的快速轉換需求，確保商業流程的高效性。 --- 結語：成為數字藝術的架構師 本書旨在培養的是“數字藝術的架構師”——那些不僅掌握工具，更能用工具來構建復雜視覺體係、精確傳達意圖的創作者。學習不再是簡單的模仿，而是對現有視覺規則的深刻理解，以及在此基礎上的創造性顛覆。翻開下一頁，準備好將你的想象力，轉化為具有行業影響力的視覺資産。

評分☆☆☆☆☆

真正讓我對這本書産生深度信賴的，是它對“工具論”的剋製態度。很多教程恨不得把市麵上所有昂貴的畫材都羅列一遍，給人一種“不買這些就畫不好”的錯覺。但這本書開篇就旗幟鮮明地指齣，繪畫的核心在於“心手相應”，工具隻是媒介。作者用最基礎的鉛筆和紙張，演示瞭從排綫到素描的全部核心技法，甚至在數字繪畫的章節中，也著重強調瞭軟件功能隻是輔助，真正的效率提升來源於對筆觸力度和速度的精準控製。書中穿插的一些關於如何保持繪畫熱情的隨筆和建議，也顯得格外真誠。它不承諾七天之內人人都能成為大師，而是承諾七天後，你將擁有一個更清晰的自我認知、一套更紮實的底層邏輯，以及一套可以讓你獨立探索下去的“內功心法”。這本書賣的不是技巧，而是一種可持續發展的學習方法論，對於想要長期在繪畫領域深耕的愛好者來說，這份投資絕對物超所值。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格非常接地氣，完全沒有傳統教材那種高高在上的說教感。作者的文筆中透露著一股“過來人”的坦誠與幽默，仿佛是一位經驗豐富的前輩，坐在你的旁邊，一邊喝著咖啡，一邊跟你分享他多年來在畫室裏踩過的那些坑。我記得有一段關於色彩搭配的章節，作者用瞭一個非常形象的比喻，把冷暖色調的平衡比作烹飪中的“鹽和糖”的用量，什麼時候需要提鮮，什麼時候需要中和，描述得深入淺齣，讓人茅塞頓開。更重要的是，書中反復強調的“錯誤示範分析”環節，簡直是初學者的救星。它會展示一張初學者常犯的錯誤圖，然後詳細列齣錯誤點（比如，光源方嚮不一緻、透視變形嚴重），並提供修改後的版本對比。這種直麵問題的勇氣和係統的解剖分析，遠比單純的“不要這樣做”要有效得多，它教會瞭我們如何自我診斷，從而真正實現從“模仿”到“創造”的蛻變。

評分☆☆☆☆☆

我個人在學習過程中，最重視書籍的係統性和連貫性。很多教程都是零散知識點的集閤，學完一個章節，感覺自己像是在“打地鼠”，顧此失彼，很難形成一個完整的知識體係。《七天提升繪畫技術》在這方麵做得非常齣色，它像一條精心編織的脈絡，將“觀察—理解—錶達”這三大核心步驟，用七天的節奏嚴密地串聯起來。第一天的基礎練習，看似簡單，實則是為接下來的立體感和空間感打下伏筆。而隨後的內容，則是在前一天的基礎上進行螺鏇式上升。特彆是當涉及到復雜光影的處理時，作者並沒有直接扔齣一個復雜的公式，而是先從單體幾何體的受光麵講解起，然後逐步過渡到復雜麯麵，再到特定材質（如金屬、布料）的反光特性。這種層層遞進、環環相扣的教學設計，極大地減輕瞭學習的認知負擔，讓人在不知不覺中，就完成瞭從平麵思維到立體思維的跨越，整個學習過程充滿瞭流暢感和成就感。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我本來對市麵上大多數繪畫教程抱持著一種懷疑態度，總覺得它們要麼過於偏重理論到讓人打瞌睡，要麼就是堆砌瞭太多“大神”的成品圖而缺乏實操指導。然而，這本《七天提升繪畫技術》卻完美地避開瞭這些陷阱。最讓我感到驚喜的是它對於“動態捕捉”這一環節的處理。作者沒有直接要求我們去畫復雜的運動場景，而是設計瞭一係列非常巧妙的“熱身練習”，比如，要求讀者在五分鍾內，隻用三條綫去概括一個正在奔跑的動物或者正在交談的人的姿態。這種極簡主義的訓練，迫使我們的大腦快速過濾掉不必要的細節，直擊事物的本質和運動的軌跡。這種訓練的反饋速度極快，練上幾組，你就能明顯感覺到自己對“結構感”的把握能力有瞭質的飛躍。它不是在教你畫什麼，而是在教你如何用最少的筆墨，錶達最豐富的信息，這對於任何想要脫離“畫得像”的低級階段，邁嚮“畫得好”的進階目標的人來說，都是一劑良藥。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計非常吸引人，封麵采用瞭柔和的莫蘭迪色係，搭配著幾幅充滿力量感的綫條速寫，立刻就能感受到一種專業又不失親和力的氛圍。內頁的紙張質感上乘，那種略帶啞光的處理，即便是長時間對著電腦屏幕後的眼睛，看久瞭也不會覺得過於刺眼，這對於需要長時間沉浸式學習繪畫的讀者來說，簡直是一個福音。我尤其欣賞它在排版上的用心，作者似乎深知初學者的焦慮，所以知識點的劃分極為清晰，大量的圖例和步驟分解圖，讓原本抽象的透視、光影概念變得觸手可及。比如，在講解人體比例時，它沒有采用枯燥的教條式數字堆砌，而是通過對比古代雕塑與現代人體結構的差異，輔以簡單易懂的“黃金分割”小技巧，讓人在欣賞藝術史的同時，潛移默化地掌握瞭核心要領。而且，這本書的開篇並沒有急於展示那些炫技的作品，而是耐心地引導讀者建立正確的“看”世界的方式，這比單純的“照著畫”要有價值得多，它是在重塑我們的視覺感知係統，為後續的深入學習打下瞭堅實的地基。