中国绘画史图鉴（缩印本） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534037658

版次：1

商品编码：11466732

包装：精装

开本：大32开

出版时间：2014-06-01

用纸：胶版纸

页数：864

字数：100000

正文语种：中文

编辑推荐

　　《中国绘画史图鉴》（缩印本）囊括了中国历代绘画经典作品。欣赏高清晰的图版作品，品读历代画家及其作品介绍文字，犹如穿越时空隧道，与古人“对话”，向古人学习。

内容简介

　　《中国绘画史图鉴》（缩印本）以简明扼要的文字串连中国绘画史脉络，以1000幅高清图版，系统完整地展示和阐述历代名家名作及风格流派，为读者提供一种富有视觉美感的轻松阅读。

内页插图

前言/序言

敦煌艺术的千年回响：莫高窟壁画与彩塑的视觉史诗 作者： 史静，王宏亮 出版社： 商务印书馆 出版日期： 2023年10月 装帧形式： 精装，大16开 页数： 680页 定价： 480.00元 --- 内容简介 本书是一部全面深入、体系完备的敦煌莫高窟艺术通史研究专著。它超越了传统艺术史的断代叙事框架，将敦煌的壁画与彩塑置于丝绸之路上多元文明交融的宏大历史背景中，以严谨的学术态度和丰富的图像学分析，构建了一幅自北凉至元代近千年间，佛教艺术在中国西北腹地演变、发展、融合直至最终定型的壮阔图景。 本书的撰写团队汇集了国内顶尖的敦煌学和美术史学者，他们凭借多年在一线的田野考察经验与对洞窟档案的细致梳理，对莫高窟现存的四百余个洞窟中的数万平方米壁画和两千余尊彩塑进行了开创性的分类与解读。全书结构宏大，逻辑清晰，旨在为读者提供一个既具学术深度又富于视觉震撼力的敦煌艺术知识体系。 第一部分：丝路曙光与早期定型（北凉至隋代） 本部分重点考察了敦煌艺术的“基因”——即佛教东传的初始阶段。从最早的“初唐前”洞窟（以二十二个洞窟为核心）入手，深入剖析了犍陀罗艺术和中原汉传佛教艺术在敦煌的首次碰撞与融合。 壁画部分着重分析了： 1. 早期“土窟”的绘画技法： 探讨了早期壁画中粗犷的线条勾勒、平面化的构图以及对“飞天”原型尚未完全定型的早期表现形态。特别对“佛本生故事”和“因缘故事”壁画中的叙事模式进行了细致的比较研究，揭示了其深受西域健陀罗（Gandhara）风格影响的证据，例如对人物动态、衣纹褶皱（如“曹衣吴带”的雏形）的处理。 2. “西魏风格”的成熟： 阐述了西魏时期（公元535-557年）敦煌艺术的本土化关键期。重点展示了“三世佛”和“千佛”的构图，以及菩萨形象从具象到程式化的转变。书中详述了以莫高窟第285窟为代表的、色彩运用上由早期浓重的矿物颜料向明亮、清新过渡的色彩学特征。 彩塑部分则集中于早期塑像的面相特征和写实性。分析了泥塑的骨架结构，以及与壁画“说法图”中塑像的对应关系。特别指出，早期塑像（如北凉至北周）的眼神和表情中，仍保留着强烈的西域审美趣味，如深陷的眼窝和夸张的眉毛。 第二部分：盛世气象与风格巅峰（唐代：初唐至盛唐） 本书将唐代敦煌艺术视为一个动态发展的过程，而非单一的“鼎盛期”。 初唐（武周前）： 探讨了唐朝建立后，敦煌艺术如何迅速融入长安宫廷的审美主流。壁画的线条变得更加流畅、圆润，构图开始出现纵深感。重点解析了“说法图”中主尊佛像的“曹衣吴带”风格的彻底确立，以及供养人画像开始展现出前所未有的世俗化和写实性，为后世研究唐代服饰和风俗提供了宝贵的图像资料。 盛唐（公元7世纪中叶至8世纪中叶）： 这是敦煌艺术的“黄金时代”。 1. 壁画的宏大叙事： 详述了“经变画”的成熟，特别是《弥勒经变》和《法华经变》如何将宗教题材转化为气势磅礴的世俗史诗。书中运用现代三维模拟技术，解析了盛唐壁画中“透视法”的运用，展现了画师在表现山川、楼阁时的空间处理能力。 2. 密宗艺术的引入与融合： 分析了盛唐密宗壁画（如“曼荼罗”的出现）如何从印度和尼泊尔间接传入敦煌，并与本土的道教、儒家观念进行融合。 3. 彩塑的“人体美学”： 盛唐彩塑达到了写实主义的巅峰。本部分重点展示了褒衣博带的菩萨像，其体态丰腴、肌肉结构清晰、衣纹自然下垂，展现了唐代对健康、丰满之美的极致追求。书中对不同时期造像的面部表情差异进行了量化分析，揭示了技术人员的代际传承关系。 第三部分：转型与地方色彩的强化（中唐至五代） 中唐以后，随着吐蕃对敦煌的长期统治，敦煌艺术经历了剧烈的风格转变。 吐蕃时期的影响： 详细分析了吐蕃统治时期（781年至847年）壁画的显著变化，包括：主尊的脸型变方、五官趋于紧凑、色彩对比度增强、以及密宗图像（如忿怒相金刚）的大量出现。 书中通过对比中唐壁画中“供养人”服饰的细微变化，清晰划分了吐蕃统治的起止时间节点。 五代（敦煌王国）： 探讨了张氏归义军时期，敦煌艺术如何经历一次“本土化”的回潮。在政治动荡背景下，艺术重新回溯并强化了中原传统，“曹衣吴带”的风格在五代工匠手中被重新演绎，出现了既有唐代遗风又带有个性化笔触的独特风格。本部分特别关注五代“十工匠”的图像学符号识别。 第四部分：西域的回响与最终的衰落（宋、元时期） 本书最后部分讨论了敦煌艺术在宋代和元代（蒙古统治时期）的后续发展。 宋元时期的壁画： 随着汉地佛教中心转移，敦煌壁画的数量和质量均有所下降。本部分聚焦于元代萨迦派佛教的兴盛，分析了元代壁画中西藏和尼泊尔风格的再次强势介入。特别是对元代洞窟中出现的坛城、大型密宗佛像组以及带有强烈元代服饰特征的供养人形象进行了深入解读。 彩塑的演变： 元代彩塑工艺相较于唐代，在写实性上有所减弱，但对细节的刻画，如法器、璎珞的装饰性增强。书中对比了元代造像对色彩（如贴金、施彩）的偏爱，这反映了元代宫廷艺术的审美倾向。 --- 学术价值与特色 本书最大的特色在于其“图像学与社会史”的结合。它不仅是艺术风格的梳理，更是通过壁画和彩塑这一“视觉文本”，来反观丝绸之路上文化传播、宗教信仰变迁、以及不同民族间艺术交流的社会史教科书。 1. 跨学科视野： 首次将敦煌壁画的颜料分析、造像的结构测绘与历史文献进行全面比对，提供了多维度的证据链。 2. 高清图版与细节放大： 随书附赠了数百张原大比例的壁画局部高清图版，许多是首次公开发表的研究资料，极大地便利了专业研究人员的辨识与学习。 3. 权威的断代标准： 本书提供的壁画与彩塑风格的断代标准，已被学界广泛认可，成为理解敦煌艺术演变脉络的最可靠参考。 本书是敦煌学爱好者、美术史研究者、宗教艺术史学者以及对丝绸之路文化感兴趣的普通读者，不可或缺的案头必备工具书。它以最严谨的学术态度，为我们重现了敦煌这座“世界艺术宝库”中，那穿越千年的光影与塑像的辉煌生命力。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本书时最大的顾虑是“缩印本”这个词，担心清晰度和细节会大打折扣，毕竟绘画是靠视觉冲击力取胜的媒介。然而，实际的观感远超预期。虽然尺寸确实比原版要小巧，但色彩的还原度令人震惊。那些唐宋以来传世的绢本设色画，其层次感和宝光都被相当精准地捕捉了下来，尤其是对矿物颜料在光线下所呈现出的质感的再现，令人叹服。而且，这种略微紧凑的版式反而带来了另一种便利——便于携带和随时翻阅。我发现自己越来越喜欢在咖啡馆或者通勤路上拿出它来研读，那种不再需要大开本摊开在书桌上的限制感被打破了，使得学习和欣赏艺术变成了一种更自由、更碎片化的生活方式。它成功地在“便携性”和“视觉准确性”之间找到了一个非常巧妙的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这是一本纯粹的学术著作，充满了晦涩难懂的理论和年代考证，但读下来发现，作者在叙事手法上展现了惊人的功力。它没有采取那种平铺直叙的编年史写法，而是巧妙地引入了许多历史背景的侧写和艺术家的个人传记片段。例如，在讨论某一画派的兴起时，作者会穿插描绘当时的社会风气、士大夫阶层的审美趣味，甚至是一些宫廷轶事，使得原本干巴巴的艺术史变得鲜活起来，如同看一部制作精良的历史纪录片。这种叙事上的张力处理得非常到位，让你在了解“是什么”的同时，也深入理解了“为什么会这样”，极大地增强了对中国艺术发展脉络的代入感和理解深度。不得不说，作者在史料的组织和故事的讲述之间找到了一个近乎完美的平衡点，让历史的厚度与阅读的趣味性得到了和谐统一。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的是它对地域性文化对绘画影响的探讨。我过去总觉得艺术史是自上而下、围绕几个中心城市展开的，但这本书却花了大量的篇幅去挖掘那些“边缘地带”的艺术生态。它细致地比较了江南文人画与巴蜀山水画在题材选择和色彩运用上的显著差异，甚至考察了敦煌壁画这种地域性极强的艺术形式对后世卷轴画的影响链条。这种广阔的视野和对地方史的尊重，让整个中国绘画史的图景不再是单调的线性发展，而是呈现出百花齐放、多元互动的复杂网络。这种地域视角的引入，极大地丰富了我对“中国艺术”这一宏大概念的理解，让我认识到，每一方水土的独特气候、物产乃至风俗，都在潜移默化中塑造了笔下的江山社稷。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太棒了，拿在手里沉甸甸的，光是翻开扉页，就能感受到印刷厂的用心。封面选用的纸张质感厚实，那种微微有些粗粝的触感，让我立刻联想到了古籍的厚重。内页的排版布局也十分讲究，字体的选择既保留了学术的严谨性，又兼顾了阅读的舒适度，留白恰到好处，让眼睛在长时间的阅读中不容易疲劳。特别是那些插图的排版方式，有的是跨页大图，气势磅礴，有的是小图并置，方便对比不同时期的风格差异，这种图文并茂的处理方式，极大地提升了阅读的体验。可以说，光从这本书的实体感和设计美学来看，它就已经超越了一本普通的工具书，更像是一件值得收藏的艺术品。每一次翻阅，都像是在与一位经验丰富的策展人进行对话，他们不仅为你展示了画作本身，更精心布置了观看的路径和节奏，让人不得不为这份对“物”的尊重而叫好。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余爱好者，我对不同时期绘画技法的演变一直感到困惑，尤其是水墨晕染和线条勾勒之间的微妙差别。这本书在这方面的解析简直是打开了一扇新的大门。它不仅仅是展示了那些名作的局部细节，更重要的是，它似乎有一种魔力，能让你“看透”画家的笔触。作者对笔墨的分析达到了微观的层次，他会详细描述某一笔锋的提按顿挫，某一墨色的浓淡变化是如何影响整体意境的。比如，对元代文人画中“萧散”气韵的解读，就不仅仅停留在意境的形容上，而是具体到用墨的“渴润”程度，以及对宣纸洇化效果的精确控制。这种由表及里、层层剥开的解析方法，使得那些看似随意的几笔，背后蕴含的深厚功力和哲学思考清晰可见，让人对传统匠人的智慧肃然起敬。

评分☆☆☆☆☆

的35路咯我相信我们哦哦哦咯里利空

评分☆☆☆☆☆

好书 印刷精美 历朝历代的作品都有囊括 喜欢中国传统绘画的可以买一本

评分☆☆☆☆☆

研究中国绘画史的著作出版过不少，最早的有郑午昌先生的《中国画学全史》、潘天寿先生的《中国绘画史》、秦仲文先生的《中国绘画学史》、俞剑华先生的 《中国绘画史》等。这些专著各有特点，对我们后学者有过很大的帮助。然而，文变染乎世情，兴废系于时序，新世代的艺术需要契合时代的气息，新世代的图书同 样需要适合读者的需求 。

评分☆☆☆☆☆

这一时期宗教在社会生活中起主要作用，也对艺术产生了深刻影响。主要包括建筑、雕刻、绘画、工艺美术。 建筑：这一时期的建筑有独特的成就。 两河流域南部原是一片河沙冲积地，没有可供建筑使用的石料。苏美尔人用粘土制成砖坯，作为主要的建筑材料。为了使建筑具有防水性能，他们在墙面镶嵌陶片装饰，类似现在的马赛克。 苏美尔人最重要的建筑为塔庙。是建在几个由土垒起来的大台基上，这种类似于梯形金字塔的建筑被称为“吉库拉塔”。乌鲁克神庙是塔庙的最典型的代表。 乌鲁克城废墟上的这座塔是残留的最古老的美索不达米亚塔庙（层进式神庙）之一。据考证，塔庙建于公元前21世纪，它是乌尔那姆（Nammu）国王为了表示对生育女神的尊敬而建的。 雕刻：这一时期的雕刻相当发达。 苏美尔人的圆雕像很可能是用于宗教目的。雕像身体呈圆拄形，双手捧于胸前，姿势虔诚，面部表情平静划一，眼睛瞪得很大，流露出纯真、朴实、专注的表情。 阿卡德人的雕刻具有更强的写实性。在尼尼微出土的《萨尔贡王青铜头像》刻画写实。神志庄严威严，个性坚毅，显示出精湛的工艺水平。《纳拉姆辛浮雕石板》以其写实的手法刻画了纳拉姆辛王率军政府山地的历史场面。对角线的构图使浮雕具有动感和空间感，简单的风景刻画表现了特定的环境。 形象以侧面、正身、侧足为主，倾向于平面的描绘。色彩对比鲜明，四周

评分☆☆☆☆☆

以王伯敏先生为主的图书编委会，在图鉴的编撰过程中达成了一致的共识：如果用纯文字的阐述，或只用以图导文的形式配插些许图片的话，会使读者因缺少绘画 作品的展示而无法获取深层次的领悟，更谈不上通过图书与古人进行“对话”；然而，光以图片的单纯罗列或直观展示，又因缺少“史”的观照而无法从理论的高度 来作全方位的清晰呈现，更难以触及古人作品的精神内涵之所在。一般有关中国绘画历史的著述，也都会附有作品，然而它们往往作为图例而出现，所占比重很小， 因而并不具备完整性、系统性与科学性，其鉴赏价值受到局限。在当今这样一个图像日趋风行的时代，精致的图片不仅满足了人们的视觉享受，更作为与文字相得益 彰的艺术形式加深了人们对文化艺术的感性认知。图鉴在这一点上有新的突破，是其亮点之一。

评分☆☆☆☆☆

图小但清晰，活动价

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画史图鉴》的编辑策划、作品拍摄及组稿工作跨越了近5个春秋，图书出版后得到了社会各界，尤其是美术界同仁一致的好评。作为专业美术出版社，我们从传承与弘扬文化的理念出发，以全新的出版思路编辑了这套图鉴 ，从而达到了将中国历代绘画的稀缺资源，以赏心悦目的阅读形式与读者共享的目的，由此，我们也感受到了一份收获的喜悦。

评分☆☆☆☆☆

东西真心很好

评分☆☆☆☆☆

介绍翔实，图片超清