平面构成与立体构成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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蒋弘烨，孙彩云，阳丰 编

图书标签:

• 平面构成
• 立体构成
• 设计基础
• 艺术设计
• 构成原理
• 视觉设计
• 造型艺术
• 设计教学
• 艺术教育
• 基础设计

出版社： 中国电力出版社

ISBN：9787512368484

版次：1

商品编码：11659877

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-02-01

用纸：胶版纸

页数：119

字数：260000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：适用于艺术设计人员阅读

从抽象入手，培养形体创造能力！由基础课进入专业课！

内容简介

　　《平面构成与立体构成》设计构成作为造型训练的一种手法，是高等院校设计类相关专业的基础课程。
　　《平面构成与立体构成》主要讲解了设计构成中的平面构成与立体构成。平面构成部分包括概述、平面构成的工具及工具的应用、平面构成的基本要素、平面构成的形式规律、平面构成在设计中的运用。立体构成部分包括概述、立体构成的基本元素、立体构成的表现形式。
　　《平面构成与立体构成》通过对造型的构造、解构、重构、组合的方式，从抽象入手，培养学生对形体的创造能力，适合作为高等院校设计类相关专业设计构成课程的教材，也适合广大设计爱好者自学使用。

内页插图

目录

前言

第一章 平面构成
第一节 平面构成概述
一、平面构成的概念
二、平面构成课程的确立及发展
三、学习平面构成的目的
第二节 平面构成的工具及工具的应用
一、制作工具与材料
二、现代化教育技术设备在平面构成中的应用
第三节 平面构成的基本要素
一、点
二、线
三、面
四、点、线、面的综合构成
第四节 平面构成的形式规律
一、重复构成
二、渐变构成
三、近似构成
四、发射构成
五、密集构成
六、特异构成
七、对比构成
八、肌理构成
九、错视构成
十、图底构成
第五节 平面构成在设计中的运用
一、在视觉传达设计中的运用
二、在工业设计中的运用
三、在建筑设计中的运用
四、在空间环境设计中的运用
五、在服装设计中的运用

第二章 立体构成
第一节 立体构成概述
一、形态
二、构成与立体构成
三、立体构成中的空间
第二节 立体构成的基本元素
一、形态元素
二、材料元素
三、形式元素
第三节 立体构成的表现形式
一、半立体构成
二、线立体构成
三、面构成
四、块立体构成
五、综合构成

参考文献

前言/序言

　　随着现代设计教育的发展，设计艺术与社会经济、生活的联系越来越密切。近年来各类院校纷纷开办设计专业，不断扩大招生规模。因此设计艺术教育在我国虽然起步较晚，但是发展十分迅猛。作为艺术设计的基础—设计构成必须秉承与时俱进的精神，能够贴近市场与企业的需求，在内容上要突出新颖性，将理论与实践结合起来。设计构成作为造型训练的一种手法，它通过构造、解构、重构、组合的方式，不再束缚于传统美术的具象表现手法，从抽象形态入手，培养学生对形的创造能力。它主要包括三大构成—平面构成、色彩构成与立体构成。日常生活中围绕我们周围的生活用品、工艺品、家
　　居、建筑、环境等方面的设计，都是设计者运用三种构成理论设计创作的结果。作为设计者要完成这些综合类的设计创作，在基础学习阶段就必须将这三大构成的理论与实践进行深入地理解与研究。
　　本书主要包括平面构成与立体构成。在教学过程中通过这两门课程的学习培养学生的形象思维能力，训练学生对形式法则的掌握，对已知形式创造性地应用，在训练过程中打破旧的思维方式，冲出陈旧观念的束缚，将形式法则与物质运动、文化信息、新型材料、专业设计等紧密结合，使设计训练的过程既是培养设计思想的引导训练，又是对材料和构造的认识和开发。

建筑的诗意与逻辑：空间、结构与形式的深度探究 图书名称： 建筑的诗意与逻辑：空间、结构与形式的深度探究 内容简介： 本书并非对二维平面或三维体块的简单图解，而是深入剖析建筑艺术与工程学核心逻辑的一部深度论著。它聚焦于建筑是如何通过对空间、结构和形式的精确把握，最终实现功能、美学与社会价值的统一。本书旨在引导读者超越表面的视觉效果，探究支撑起宏伟建筑的内在哲学与技术基础。 第一部分：空间的哲学与场所的构建 本部分将建筑空间视为一种可被感知、体验和塑造的“实在”。我们将探讨空间感是如何被创造、引导和操控的。 1. 空间的原型与意义： 我们不会讨论平面排布的规则，而是深入研究人类对“围合”与“开放”的基本心理需求。从洞穴到神殿，空间如何承载文化记忆与仪式功能？我们将分析不同历史时期，如古希腊的轴线对称、中世纪教堂的垂直向上精神，以及现代主义对“通透性”的追求，它们背后所蕴含的哲学意图。讨论场所（Genius Loci）的概念，探究建筑如何通过界定边界、引入光线和界定流线，将一个地理位置转化为具有精神意义的“场所”。 2. 序列、节奏与叙事： 建筑体验本质上是一个时间序列的过程。我们将详细阐述路径设计如何构建建筑的叙事结构。不是简单的进出流线分析，而是着重于“预期的建立与打破”。如何通过空间的尺度变化（从压抑到开阔）、材料的质感对比（粗糙到光滑），以及光影的运动，引导参观者的情绪起伏？例如，如何利用一个低矮、黑暗的前厅来强化主体大厅的宏伟感，这是一种纯粹的空间修辞学。 3. 光影的雕塑： 光线是建筑的“无形材料”。本章着重于光线的质性而非数量。探讨直接光、漫射光、反射光在定义体量和揭示纹理方面的作用。我们将分析路易·康如何通过精确计算的天窗角度，捕捉一天中不同时刻的“光之品质”，使墙壁不再是静止的屏障，而是动态的画布。这种对光的利用，超越了照明工程学的范畴，进入了现象学的领域。 第二部分：结构的力量与材料的语言 本书将结构视为建筑的“骨骼”与“意志”的体现，而非仅是承重工具。结构的美学与功能性必须高度统一。 1. 结构形态的内在逻辑： 我们将深入研究经典结构体系的力学原理及其美学表达。重点放在张拉整体结构、壳体结构和巨型结构所展现的“力与形”的辩证关系。例如，为什么悬链线能够表达出最经济的受力形态？这种形态本身是否就是一种内在的美学标准？我们将分析奥雅纳的工程美学，以及如何让结构构件本身成为设计的主体，而不是被“装饰”所掩盖。 2. 材料的本真性与耐久性： 本部分摒弃对材料的简单分类（如石材、混凝土），而是探讨材料在时间维度上的表现。我们关注材料的“语境适应性”——为何在特定气候下，木材、夯土或钢材能展现出最强的生命力？我们将研究材料的“老去方式”：混凝土的风化纹理、铜板的锈蚀过程，以及这些自然变化如何提升建筑的场所精神，赋予其历史厚度。这是一种对物质的敬畏，承认材料有其自身的生命周期和表达极限。 3. 结构与表皮的分离与融合： 探讨幕墙系统如何挑战传统的墙体概念。我们将分析双层表皮系统、通风立面等复杂构造，它们如何同时应对热工、声学和视觉需求。这不仅仅是关于“皮肤”的构造细节，更是关于建筑如何与外部环境进行持续的、可呼吸的对话。 第三部分：形式的演变与认知的边界 本部分探讨建筑形式的生成机制，它如何回应文化思潮，并最终作用于人的认知系统。 1. 形式的生成语法： 我们将分析当代建筑形式的复杂性并非随机的几何游戏，而是遵循一套深层的“生成语法”。这包括对分形几何、拓扑学原理在建筑设计中的应用探索，以及对“非欧几何”的借鉴。我们将考察建筑师如何利用这些数学工具来打破传统的正交限制，创造出既有秩序又充满张力的复杂形体。重点在于理解这种复杂性背后的设计意图。 2. 语意学与符号系统： 建筑作为一种文化文本，其形式承载着社会符号。本章不局限于古典柱式的象征意义，而是探讨现代建筑如何通过体量组合、色彩选择和空间布局来传达新的社会价值，例如“透明性”象征的公共性，或“纪念性”体量的权力表达。我们将批判性地审视过度符号化带来的弊端，强调“清晰的表达”优于“晦涩的象征”。 3. 比例、尺度与人体的尺度关系： 比例不再是简单的黄金分割复习，而是对人类感知极限的探索。我们将结合认知心理学，探讨不同比例关系如何激活大脑中的审美回路。建筑的尺度，从个体到城市尺度，如何通过层级划分来维持可读性，避免宏大叙事带来的压迫感。我们着重研究建筑师如何通过细部处理——如门把手、踢脚线、窗框的尺寸——来锚定并安抚身处巨大空间中的人的焦虑感。 总结： 《建筑的诗意与逻辑》是一本旨在提升建筑专业人士与深度爱好者对建筑本质理解的读物。它要求读者放下对快速制图技巧的依赖，转而沉思于空间、结构和形式这三大基石的深刻关联，从而创作出既能精确解决技术问题，又能触动人类精神层面的永恒建筑作品。全书强调的是思辨性、现象学和内在的逻辑一致性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就充满了某种“构成感”，厚重的纸张和大量的黑白插图，营造出一种严肃且略带复古的学术氛围。但真正让我印象深刻的是它对“负空间”的极端化处理，在某些页面中，设计师似乎有意地将主要的文字内容压缩到极小的区域，而让大面积的留白成为主角，这本身就是对平面构成原理的一种极致演示。内容上，作者对“韵律”的探讨极其细致，但这种韵律并非指简单的重复，而是指一种基于节奏变化的、动态的视觉流动。书中对比了音乐中的切分音与视觉设计中不规则留白的张力效果，这种跨媒介的比较，让原本枯燥的几何关系变得生动起来。然而，对于习惯了直接、高效阅读的现代读者来说，这种对“过程美学”的过度强调，可能会让人感到阅读效率低下。它需要你投入大量的时间去辨别图例中的细微差别，去体会作者通过墨迹浓淡、线条粗细变化所试图传达的微妙情绪。这本书更像是一件艺术品，值得慢慢品味，但绝不是一本可以速查速用的参考书。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷是希望提升自己在视觉传达中的“组织能力”，即如何高效地将信息层级化，并以一种令人愉悦的方式呈现出来。但这本书的重点似乎完全偏离了信息论的方向，它更像是一本关于“秩序的生成”的宇宙法则手册。书中花费了极大的篇幅来探讨“生成性设计”的可能性，即通过一套基础规则的迭代和演化，自然而然地产生复杂的形态。我看到了许多关于分形几何和自然界中螺旋结构如何被抽象为设计语言的案例分析。它几乎没有涉及现代设计中常见的网格系统或信息图表的设计方法，反而强调的是一种由内而外的生长逻辑。读完后，我开始重新审视我的每一个设计决策，不再仅仅是考虑“这个元素放这里是否美观”，而是去思考“如果我设定了这样的基本生成规则，这个元素是否必然会出现在这个位置”。这是一种思维方式的彻底转变，它要求设计者从一个“布局者”退化成一个“规则设定者”。尽管它没有直接教会我如何设计一个海报，但它教会了我如何思考一个世界的构造，这对于构建更深层次的视觉认知是极其有益的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格和叙事方式，与我之前看过的任何一本设计理论书籍都大相径庭。它不是那种标准的教科书式的讲解，而更像是某个资深艺术家对自己多年创作心路历程的梳理和提炼。作者似乎不太关心读者的接受程度，而是全凭一股对“结构之美”的执着在进行论述。阅读的体验是充满挑战性的，因为很多概念的引入是跳跃式的，需要读者自己去填补中间的逻辑链条。比如，书中某一章节突然从分析古希腊神庙的柱式比例，跳跃到了探讨某种现代派音乐的节奏结构，然后又回到了如何通过线条的粗细变化来表达重量感。这种跨学科的借鉴和类比，虽然拓宽了视野，但也使得对某个具体知识点的把握需要反复琢磨。我发现自己不得不经常停下来，合上书，对着空白的纸张尝试去画出作者描述的那些抽象关系，才能勉强跟上作者的思路。这本书更适合那些已经有一定设计基础，并且热衷于探究理论“为什么”而不是“怎么做”的深度学习者，它像是一个思想的催化剂，而不是知识的搬运工。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我开始阅读这本书时，我感觉自己像一个学徒，被师傅领进了一个堆满了各种几何体和抽象模型的工坊。这本书的重点似乎完全放在了三维空间的塑造上，而不是我们日常接触到的平面印刷品或网页界面。它详细地描述了如何从一个简单的体块出发，通过切割、穿插、旋转、叠加等一系列操作，来创造出具有内在逻辑和外部张力的空间结构。我印象最深的是关于“负形空间”的讨论，作者用非常精妙的图例展示了，在三维雕塑设计中，物体周围被物体形状所定义的“空”的部分，其重要性有时甚至超越了实体本身。阅读过程中，我不断地在脑海中构建那些复杂的几何关系，比如如何通过不同材质的透光性来影响整体的空间感受，或者如何利用模块化的重复来产生一种秩序感。这本书对材料特性的探讨也十分深入，它不仅仅是告诉你“用木头”或者“用金属”，而是深入到不同材料的纹理、密度、反射率如何影响最终的视觉和触觉体验。如果你是学习建筑、工业设计或者雕塑专业的学生，这本书提供的思维框架无疑是宝贵的，但对于纯粹的平面设计师来说，书中关于体块和空间转化的阐述，可能需要进行大量的二次转换和思考，才能将其与自己的工作领域联系起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿到手的时候，我原本是想找一本能系统讲解色彩理论和版式设计的工具书，毕竟现在做设计，版式和色彩的运用是基石。然而，当我翻开目录，发现里面大篇幅地在讨论二维空间中的点、线、面如何相互作用，以及如何通过这些基本元素去构建视觉的韵律和张力。这本书更像是一本深入剖析“构成”原理的哲学著作，它没有直接给出“如何用红配绿”或者“如何排版三栏”的实用技巧，而是探讨了为什么某些排列组合会让人感到和谐，而另一些则会引起不安。比如，它用了大量的篇幅去分析黄金分割在线条切割中的应用，以及如何在有限的画布上通过对白空间的精确控制来引导读者的视线流动。我记得有一章专门讨论了“动态平衡”和“静态平衡”，作者引用了大量的古代建筑和现代艺术作品作为案例，用一种非常学术且略带抽象的方式，阐述了构图背后的数学逻辑和心理学基础。如果你期待的是一本教你快速上手的软件操作指南或者设计模板集，这本书可能会让你感到有些“失落”——它要求你慢下来，去理解构成背后的底层逻辑，而不是急于求成地去套用表面的形式。这本书的深度在于它挖掘了形式美的本质，而非其应用技巧。