中國文人畫之研究 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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陳師曾 著

圖書標籤:

• 文人畫
• 中國畫
• 藝術史
• 繪畫史
• 文化研究
• 美術史
• 傳統藝術
• 書畫
• 中國文化
• 繪畫理論

齣版社： 浙江人民美術齣版社

ISBN：9787534048951

版次：1

商品編碼：11949622

包裝：平裝

開本：32開

齣版時間：2016-04-01

用紙：膠版紙

頁數：72

字數：37000

正文語種：中文

編輯推薦

適讀人群 ：國畫研究者 國畫愛好者
　　陳師曾論藝代錶作，文人畫研習必讀書

內容簡介

　　餘紹宋《書畫書錄解題》認為，《中國文人畫之研究》一書，“專論文人之畫亦南宗之一派。文凡兩篇，一為《文人畫之復興》，日本人大村西崖所作，師曾譯錄。二為《文人畫之價值》，則師曾自著也。日人論畫之書，原不在采錄之例，茲編以其為大村西崖與師曾閤撰，大村之文又為師曾所譯，故仍為著錄。大村之文大旨謂繪畫必離於自然，始極其妙，而甚詆洋畫之寫實逼真，持論至為透澈，足為俗學針砭。吾國近者藝術之衰落，其病正與日本十餘年前相同，國人乃無起而拯救，以發揮斯義者，展讀此篇，曷勝感愧。師曾之文則發揮其未盡之義，於文人畫之研究益無遺蘊，其於謝赫六法彆具見解，亦可備一說也”。

作者簡介

　　陳師曾，名衡恪，字師曾，以字行，號槐堂，又號朽道人，祖籍江西義寜縣，齣生於湖南鳳凰縣，中國畫畫傢，陳三立長子，陳寅恪長兄。梁啓超稱他為“現代美術界具有藝術天纔、高人格、不朽價值的第1人”。

前言/序言

《中國文人畫之研究》這本學術專著，深入探究瞭中國文人畫這一獨特藝術形式的淵源、發展脈絡、核心美學特質及其在曆史長河中的流變。本書並非對文人畫技法的淺嘗輒止，而是力求從文化、哲學、社會等多元視角，揭示文人畫背後所承載的士大夫階層的精神世界與審美理想。 第一部分：溯源與肇始——文人畫的文化基因 本書首先追溯瞭中國文人畫的文化基因，將其置於中國傳統哲學思想與文學傳統的宏大敘事之中。遠在文字與繪畫尚未完全分化的早期，圖畫已承擔瞭記錄、象徵以及錶達情感的功能。從史前岩畫的原始圖騰，到商周青銅器上神秘的紋飾，再到秦漢畫像石、墓室壁畫中生動的生活場景與神話傳說，都可視為文人畫萌芽期的遺跡。這些早期圖像雖然粗獷質樸，卻已蘊含著對自然萬物的觀察、對神靈鬼怪的想象以及對社會生活的描繪，為後來的繪畫發展奠定瞭基礎。 隨後，本書將目光聚焦於春鞦戰國時期，特彆是道傢、儒傢等哲學思想的勃興。老子“道法自然”的哲學觀，強調迴歸本真，體悟宇宙的內在規律，這與文人畫追求“寫意”而非“寫形”的精神不謀而閤。莊子“天人閤一”的境界，則為文人畫提供瞭超越現實、寄情山水的審美情趣。《詩經》中對自然景物的細膩描摹，楚辭中奔放浪漫的想象，以及先秦散文的自由灑脫，都為文人畫的抒情言誌奠定瞭文學基礎。這些思想與文學的滋養，如同土壤，孕育瞭文人畫最初的種子。 同時，本書也探討瞭早期士大夫階層的齣現及其文化地位。他們在亂世之中，或隱居山林，或參與政治，對人生有著更為深刻的體悟。一部分人將自己的情感、抱負、憂憤通過文字錶達，而當文字不足以盡意時，繪畫便成為另一種更為直接、更為含蓄的載體。雖然此時的繪畫作品尚未明確冠以“文人畫”之名，但其追求雅趣、寄托情懷的特質已隱約可見。例如，漢代宮廷壁畫中雖然多為寫實描繪，但其中對人物精神狀態的刻畫，以及對某些象徵意義的運用，已顯露齣超越單純記錄的功能。 第二部分：孕育與成熟——魏晉南北朝至唐宋的嬗變 進入魏晉南北朝，中國社會經曆瞭動蕩與融閤，思想文化也呈現齣多元活躍的局麵。佛教的傳入，為中國藝術帶來瞭新的圖式與精神內涵，但也並未完全取代本土的審美傳統。玄學盛行，士人名士們追求清談玄遠，崇尚自然，鍾愛山水。顧愷之的“以形寫神”理論，以及其《洛神賦圖》中人物飄逸的精神氣質，被認為是文人畫早期的重要探索。他對“欲寫精神，形似已不足論”的強調，標誌著中國繪畫從注重外在形似嚮內在精神性的轉變。 本書詳細分析瞭東晉至南北朝時期，山水畫的獨立與發展。雖然此時的山水畫尚多與人物畫相結閤，但如宗炳、王微等名士的山水畫論，已明確提齣“山水之樂，聊以 the 養生耳”的觀點，將山水畫與個人情操、人生理想聯係起來。他們主張“澄懷觀道”，在山水中體悟大道，這種精神上的契閤，正是文人畫得以形成的關鍵。 唐代是繪畫藝術空前繁榮的時期，宮廷畫、佛教畫、人物畫等都達到瞭極高的成就。然而，在這一時期，文人畫傢群體開始逐漸形成。王維作為唐代傑齣的詩人、畫傢、音樂傢，其“畫中有詩，詩中有畫”的藝術理念，以及他所倡導的“筆墨”觀念，被認為是文人畫走嚮成熟的裏程碑。他的山水畫，注重詩情畫意，意境悠遠，為後世文人畫樹立瞭典範。本書深入剖析瞭王維的藝術風格，以及他對水墨技巧的運用，指齣他將繪畫從工匠式的描摹提升到瞭士大夫階層的自我錶達。 宋代是中國文人畫發展的黃金時期。宋代文人普遍具有較高的文化素養，他們身居官場，但又對仕途有著復雜的態度，因此，他們將繪畫作為一種寄托情懷、修身養性的重要方式。本書重點探討瞭宋代文人畫的幾個關鍵發展方嚮： 山水畫的意境化與哲學化： 以範寬、郭熙、李唐為代錶的宋代山水畫傢，在繼承唐代山水畫的基礎上，更加注重錶現自然景物的宏大、壯麗和深邃，同時融入瞭更為復雜的哲學思考。郭熙的《林泉高緻》是中國古代繪畫理論的瑰寶，書中對山水畫的構圖、用筆、用墨、意境的論述，深刻影響瞭後世。本書詳細分析瞭這些畫傢作品中蘊含的“天人閤一”、“道法自然”的思想，以及他們如何通過筆墨來傳達自然萬物的生命力。 花鳥畫的寫意與象徵： 宋代花鳥畫，尤其是文人畫傢筆下的花鳥，不再僅僅是作為裝飾或寫實的對象，而是被賦予瞭更為豐富的象徵意義。如趙佶的《芙蓉錦雞圖》雖然工整，但其所傳達的吉祥寓意，已顯露齣文人化的傾嚮。而北宋末至南宋的文人畫傢，如梁楷、牧溪等，則將花鳥畫推嚮瞭更為寫意、更為簡練的境地，注重以寥寥數筆勾勒齣物象的生命神韻，例如梁楷的《潑墨仙人圖》，以灑脫的筆墨錶現仙人狂放不羈的神態。 書法與繪畫的融閤： 宋代文人更加重視書畫同源的觀念，認為書法中的筆墨綫條，可以運用到繪畫之中，而繪畫的意境，也可以通過題跋來升華。本書詳細分析瞭宋代文人如何將自己的詩詞、書法與繪畫相結閤，形成一種多位一體的藝術形式，增強瞭作品的思想性和藝術感染力。 第三部分：精神內涵與審美範式——文人畫的核心特質 本書的核心部分，緻力於深入解析文人畫區彆於其他畫種的獨特精神內涵與審美範式。 “意”的至上性——寫意與傳神： 文人畫最顯著的特徵是“寫意”，而非“寫形”。本書通過梳理曆代畫論，如“以形寫神”、“得意忘形”、“筆墨遊戲”等概念，闡釋瞭文人畫追求的並非是對客觀物象的逼真模仿，而是要通過筆墨來傳達對象內在的精神、情感與生命力。即使是寫景，也並非單純的山水風光，而是藉景抒情，寄托畫傢自身的情懷與人生感悟。這種“意”的追求，使得文人畫具有瞭更強的哲學深度與人文關懷。 筆墨的本體性與錶現力： 書法與繪畫在中國藝術中的緊密聯係，使得“筆墨”成為文人畫重要的構成要素。本書詳細探討瞭文人畫如何將書法的用筆、用墨技巧融入繪畫，例如飛白、渴筆、宿墨等技法的運用，不僅能夠錶現物象的質感與形態，更能傳達畫傢的情感與心性。筆墨的揮灑，成為畫傢自我情感的直接宣泄，是畫傢心靈的外化。 “士氣”與“雅趣”——人格與審美的統一： 文人畫是“文人”之畫，因此，畫傢的個人品格、修養、情感，直接影響著作品的藝術水準。本書強調瞭“士氣”在文人畫中的重要地位。“士氣”指的是文人身上所特有的高潔、曠達、不媚俗的精神氣質。這種人格特質，通過筆墨得以體現，使得文人畫作品具有一種超凡脫俗的“雅趣”。這種雅趣，體現在構圖的簡潔、筆墨的疏淡、題材的選擇以及畫外之音的暗示等方麵，與宮廷畫、民間畫的富麗堂皇、熱鬧非凡形成瞭鮮明的對比。 “逸筆草草”的自由境界——從形似到神似，再到“不似之似”： 本書追溯瞭文人畫從早期對“形似”的關注，到強調“神似”，再到追求“不似之似”的演變過程。尤其是到瞭明清時期，以徐渭、八大山人、石濤等為代錶的文人畫傢，更是將寫意推嚮極緻，他們打破瞭物象的固有形態，以奔放、奇崛的筆墨，錶現齣一種更為自由、更為內在的精神世界。這種“不似之似”，並非是對物象的否定，而是通過極度的誇張與變形，達到一種更高層麵的精神寫照。 第四部分：流變與影響——明清至今的文人畫 本書的最後部分，著眼於文人畫在明清之後的流變及其深遠影響。 明清時期，文人畫繼續發展，湧現齣“吳門畫派”、“鬆江畫派”、“揚州八怪”等一批富有創造力的藝術傢。本書分析瞭這一時期文人畫在繼承傳統的同時，也齣現瞭新的發展趨勢，例如更加強調個性化、情感化錶達，以及對題材的拓展。尤其是“揚州八怪”的齣現，他們以其獨特的筆墨風格和反傳統的美學追求，為文人畫注入瞭新的活力。 進入近代，隨著西方藝術思潮的湧入，中國傳統繪畫麵臨著巨大的挑戰。然而，文人畫的精神內核並未因此消亡，反而以新的形式得以延續。一批有識之士，如吳昌碩、齊白石等，將文人畫的寫意精神與時代需求相結閤，創造齣新的藝術風格。本書探討瞭近現代文人畫傢如何在中國畫走嚮現代化的過程中，堅守與創新，將文人畫的筆墨語言與民族精神相結閤。 最後，本書總結瞭文人畫在中國藝術史上的地位與貢獻，以及其對後世藝術傢和整個民族文化所産生的深遠影響。文人畫不僅僅是一種繪畫形式，更是中國傳統文人精神、哲學思想、審美情趣的一種集中體現。它所倡導的“天人閤一”、“寄情山水”、“修身養性”等理念，至今仍對我們具有重要的啓示意義。本書試圖通過對中國文人畫這一獨特藝術形式的係統研究，引導讀者深入理解中國傳統文化的精髓，體悟中國文人的精神世界。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我最大的啓發，在於它讓我重新思考瞭“寫意”這個詞的真正含義。很多時候，我們可能會將“寫意”與“隨便畫畫”、“不求形似”劃等號，但《中國文人畫之研究》這本書，徹底顛覆瞭我過去的認知。作者通過對大量文人畫作品的細緻分析，讓我看到瞭“寫意”背後所蘊含的深厚功力和嚴謹的藝術法則。他強調，“寫意”並非放棄對物象的觀察和理解，而是在充分理解物象的基礎上，提煉其精神，捕捉其神韻，然後用更為簡練、概括的筆墨去錶現。 我記得作者在分析一幅竹子題材的畫作時，詳細講解瞭畫傢如何通過觀察竹子的生長姿態、枝葉的疏密、節日的清晰度，來體會竹子的“節操”和“勁節”。而最終畫齣來的竹子，可能並不是對每一片竹葉都進行精雕細琢，但卻能給人一種生命力蓬勃、堅韌不拔的感覺。這種“似與不似之間”的藝術境界，正是文人畫“寫意”的精髓所在。這本書讓我明白，真正的“寫意”是高度提煉和概括後的精神呈現，它需要畫傢有極高的觀察力、錶現力和對生命本質的深刻理解。

評分☆☆☆☆☆

這本書的閱讀體驗，讓我感覺就像是踏上瞭一次穿越時空的藝術之旅。作者以一種非常平易近人的方式，為我打開瞭中國文人畫這扇古老而迷人的藝術殿堂。我不再是那個對文人畫一知半解的旁觀者，而是仿佛置身於畫傢的創作之中，與他們一同感受山川的壯麗，竹子的堅韌，梅花的傲骨。書中對曆代名傢，如顧愷之、吳道子（雖然嚴格來說更偏嚮工筆，但提及瞭早期繪畫的脈絡）、董源、巨然、範寬、米芾、黃公望、倪瓚、王濛、瀋周、唐寅、仇英、八大山人、石濤、揚州八怪等等的梳理和品鑒，每一個名字都鮮活起來，他們的作品不再是博物館裏的靜態展示，而是充滿瞭生命力和情感的藝術錶達。 我尤其喜歡作者對不同流派和風格的梳理，他不僅講述瞭“南宗”與“北宗”的差異，更深入地探討瞭不同地域、不同文人群體在繪畫風格上的獨特性。讀完這本書，我發現自己對中國畫的認識，從簡單的“山水畫”、“人物畫”、“花鳥畫”這些分類，提升到瞭對畫傢個人風格、時代精神、以及地域文化影響的更深層次的理解。這讓我對中國繪畫的博大精深，有瞭更真切的感受，也激起瞭我進一步探索的欲望。

評分☆☆☆☆☆

在閱讀《中國文人畫之研究》的過程中，我最大的收獲之一，是對“氣韻生動”這一中國畫的最高評價有瞭更深刻的理解。以往，我隻是知道“氣韻生動”是中國畫的至高境界，但對於如何達到，以及它具體體現在哪裏，總是一種模糊的概念。這本書通過對曆代名傢作品的細緻品析，讓我看到瞭“氣韻生動”並非流於錶麵，而是需要畫傢在筆墨、構圖、意境等多個層麵達到高度的統一和和諧。 作者在分析寫意花鳥畫時，著重強調瞭畫傢如何捕捉花鳥的神態、生命的活力，以及它們所處的自然環境所散發齣的“生機”。他會講解，一幅畫中的鳥，即使隻是寥寥數筆，但如果能畫齣其眼神中的靈動，姿態的自然，就能感受到生命的律動。同樣，在山水畫中，山巒的巍峨、雲水的流動，都需要通過筆墨的揮灑，來傳達齣一種自然的生機勃勃，一種宇宙間的靈動之氣。這本書讓我明白，“氣韻生動”是一種整體的藝術生命力，是畫傢將自己對生命的感悟，通過筆墨淋灕盡緻地呈現齣來，讓觀者能夠感受到一種生命的共鳴。

評分☆☆☆☆☆

讓我感到耳目一新的是，這本書不僅僅是羅列畫傢的作品和生平，而是以一種更為宏觀的視角，將中國文人畫置於整個中國社會、文化、曆史的大背景下去審視。作者並非孤立地看待文人畫，而是深入探討瞭文人畫的産生、發展與當時的社會政治經濟狀況，以及知識分子的思想觀念之間的緊密聯係。例如，他分析瞭為何在唐宋時期，文人畫開始興盛，這與當時文官製度的完善、士人階層的崛起有著怎樣的關係。 我也特彆喜歡作者對於不同時期文人畫風格演變的梳理。他沒有簡單地將各個朝代的文人畫割裂開來，而是通過流暢的敘事，展現瞭不同時代背景下，文人畫在題材、風格、錶現手法上的繼承與創新。比如，從唐代尚意、宋代尚理，到元代尚韻、明清時期更加世俗化和個性化的發展，每一步都與當時的時代思潮和文人精神緊密相連。這種梳理讓我對文人畫的發展脈絡有瞭更清晰的認識，也更深刻地理解瞭為何同一題材，在不同的時代，會被賦予不同的藝術生命。

評分☆☆☆☆☆

閱讀《中國文人畫之研究》，我最為欣喜的是它對我理解“筆墨”概念的重塑。過去，我總是將筆墨簡單地理解為綫條和墨色的運用，認為它隻是繪畫的工具。然而，這本書讓我深刻認識到，在文人畫領域，筆墨早已超越瞭工具的層麵，升華為一種獨立的藝術語言，一種承載著畫傢精神和情感的載體。作者花費瞭大量的篇幅，從書法與繪畫的關係入手，詳細闡述瞭“用筆”和“用墨”的精微之處。他分析瞭不同的筆法，如“錐畫沙”、“印印泥”，以及它們所能産生的不同質感和力量感。 更讓我感到震撼的是，作者將“墨分五色”的原理，從技術層麵上升到瞭哲學層麵。他不再僅僅是告訴我們如何調墨，而是深入探討瞭墨色濃淡乾濕的變化，如何能象徵著不同的心境，例如，濃墨可以錶現沉鬱，淡墨可以體現輕靈。他甚至將筆墨的運用與中國人的氣質、品格聯係起來，認為好的筆墨，往往蘊含著一種“書捲氣”，一種溫潤如玉的氣質。這本書讓我明白，文人畫的筆墨，是畫傢心性的外化，是其學養、情操、性情淋灕盡緻的展現。我開始重新審視每一幅文人畫，不再僅僅看其題材，而是去感受那每一筆每一畫中所蘊含的勃勃生機和獨特個性。

評分☆☆☆☆☆

這本書的內容，讓我最感到驚艷的是它對“意境”的深入剖析。以往我理解的文人畫，總覺得它有些“寫意”，模糊不清，但這本書卻讓我看到瞭“意境”背後所蘊含的精妙構思和深刻哲學。作者並非空泛地談論意境，而是通過分析大量的具體畫作，從構圖、色彩、筆墨技法、留白等多個維度，層層剝繭地揭示瞭文人畫傢是如何運用各種藝術手段來營造和傳達“意境”的。例如，他會詳細講解一幅山水畫中，畫傢如何通過山巒的起伏、雲水的流轉、樹木的疏密，來傳達齣一種寜靜緻遠，或是雄渾壯闊的情感。 尤其令我印象深刻的是，作者將中國傳統哲學，如道傢的“虛靜”思想、儒傢的“中庸”之道，與文人畫的審美追求巧妙地聯係起來。他解釋瞭為何文人畫常常追求“蕭疏淡遠”，為何“留白”在中國畫中占據如此重要的地位。這不僅僅是技巧的講解，更是思想的闡釋。讀完這部分，我纔真正理解，文人畫的“意境”並非簡單的描繪，而是畫傢內心世界與外部世界的交融，是將宇宙人生的感悟融入筆墨之中，留給觀者無限的遐想和體味。這是一種高度精神化的藝術錶達，遠非一般意義上的“寫實”所能比擬。

評分☆☆☆☆☆

這本書，在我看來，最齣彩的地方在於它對“詩書畫三絕”的解讀。以往我總覺得，將詩、書、畫結閤起來，似乎更多的是一種文人的雅趣，一種附加的價值。但通過這本書的深入剖析，我纔真正理解到，在文人畫的世界裏，詩、書、畫並非簡單的相加，而是三者相互滲透、相互映照，共同構成一種完整的藝術錶達。作者詳細闡述瞭詩歌如何為繪畫提供意境和靈感，書法則如何通過筆墨的韻律和結構的呼應，來增強畫麵的錶現力和感染力。 我尤其記得書中對王維、蘇軾等文人畫傢的作品的分析。他們不僅是畫傢，更是傑齣的詩人、書法傢。他們的畫，往往題有自己創作的詩句，而詩句的內容與畫麵意境高度契閤，甚至相輔相成，互相提升。而畫麵中的書法，也並非簡單的題款，而是與畫麵整體的風格、筆墨相得益彰，成為畫麵不可分割的一部分。這種“三位一體”的創作方式，讓文人畫具有瞭超越單一藝術門類的深度和廣度。讀完這部分，我纔真正領悟到，文人畫所追求的，是一種全方位、多維度的審美體驗，一種精神的高度統一。

評分☆☆☆☆☆

這本書的書名很直接，是《中國文人畫之研究》。我拿到這本書的時候，其實是抱著一種比較忐忑的心情。一方麵，我對中國傳統文化，尤其是繪畫藝術一直抱有濃厚的興趣，文人畫更是其中一個我特彆著迷的領域。它不像宮廷畫那樣富麗堂皇，也不像民間畫那樣直抒胸臆，文人畫總有一種“畫外之意”，一種士大夫階層特有的情懷和審美。另一方麵，我也擔心這本書會不會過於學術化，讀起來枯燥乏味，畢竟“研究”兩個字有時就意味著嚴謹的考據和理論的堆砌，而我更希望從中獲得的是一種感悟和啓發。 然而，翻開第一頁，我便被作者的敘述方式吸引住瞭。他並沒有一開始就拋齣晦澀難懂的理論，而是從一些非常生動的故事講起，比如蘇軾如何與友人一同賞畫，畫中蘊含著怎樣的詩意；又比如鄭闆橋如何以竹為師，畫齣瞭那個時代文人的傲骨。這些鮮活的案例，如同打開瞭一扇扇小窗，讓我得以窺見文人畫背後那豐富的情感世界和人生哲學。作者的文字流暢而富有韻味，仿佛一位老友在娓娓道來，一點點地引導著我去理解文人畫的精神內核。我開始意識到，文人畫不僅僅是筆墨的技巧，更是一種生活態度，一種精神寄托，一種對自然、對人生、對藝術的深刻體悟。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我感到“大開眼界”的，是對文人畫“士大夫精神”的挖掘。過去，我總覺得“文人畫”這個名字，隻是說明瞭畫傢的身份，而忽略瞭其背後更深層的精神內涵。然而，作者在書中花費瞭大量筆墨，將文人畫的創作，與中國古代士大夫的政治抱負、人生理想、以及他們所麵臨的社會壓力和精神睏境緊密地聯係起來。他分析瞭文人畫傢為何常常選擇梅、蘭、竹、菊等題材，這些題材背後所象徵的“高潔”、“堅韌”、“隱逸”等品質，恰恰是士大夫階層在復雜社會環境中，試圖堅守的道德情操和精神寄托。 我也從書中瞭解到，文人畫在某種程度上，也是文人士大夫階層在仕途失意或官場不得誌時的“退隱”之道，是一種精神上的自我慰藉和情感的宣泄。畫畫，成為瞭他們錶達內心獨白、寄托理想情懷的重要方式。這種將繪畫與人生哲學、道德修養融為一體的理解，讓我對文人畫的認識，從單純的藝術欣賞，上升到瞭對中國傳統士人精神的理解。這使得文人畫不再是冰冷的藝術品，而是有瞭溫度，有瞭靈魂，成為瞭那個時代文人心靈的真實寫照。

評分☆☆☆☆☆

這本書讓我對“留白”在中國文人畫中的作用有瞭全新的認識。以前，我總覺得留白是畫傢“偷懶”的錶現，或者隻是為瞭構圖的需要。但通過作者的詳細講解，我纔明白，文人畫中的留白，絕非是“空無”，而是“有之以為利”，是一種至關重要的藝術手法。作者將留白與中國哲學中的“虛”、“無”概念聯係起來，解釋瞭為何留白能夠營造齣寜靜、悠遠、深邃的意境，為何能夠激發觀者的想象力，讓觀者在“無”中生“有”。 我記得書中對山水畫中的留白進行瞭特彆的分析。例如，畫中的天空、水麵，甚至遠處的山巒，往往會采用大片的留白。這些留白並非是未完成的部分，而是藝術傢有意為之，它們可以是縹緲的雲霧，可以是浩渺的江海，也可以是無垠的空間。這些留白，既讓畫麵有瞭呼吸的空間，避免瞭擁擠和窒息感，更重要的是，它們為觀者留下瞭想象的餘地，讓觀者能夠根據自己的心境和理解，去“填補”這些空白，從而與畫傢産生共鳴。這種“猶抱琵琶半遮麵”的藝術處理方式，正是文人畫含蓄、內斂、耐人尋味的精神的體現。

評分☆☆☆☆☆

世俗之所謂文人畫，以為藝術不甚考究，形體不正確，失畫傢之規矩，任意塗抹，以醜怪為能，以荒率為美;專傢視為野狐禪，流俗從而非笑，文人畫遂不能見賞於人。而進退趨蹌，動中繩墨，彩色鮮麗，搔首弄姿者，目為上乘。雖然，陽春白雪，麯高寡和，文人畫之不見賞流俗，正可見其格調之高耳。

評分☆☆☆☆☆

書不錯。快遞小哥很給力。值得錶揚。

評分☆☆☆☆☆

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評分☆☆☆☆☆

樸素，有知識

評分☆☆☆☆☆

餘紹宋《書畫書錄解題》認為，《中國文人畫之研究》一書，“專論文人之畫亦南宗之一派。文凡兩篇，一為《文人畫之復興》，日本人大村西崖所作，師曾譯錄。二為《文人畫之價值》，則師曾自著也。日人論畫之書，原不在采錄之例，茲編以其為大村西崖與師曾閤撰，大村之文又為師曾所譯，故仍為著錄。大村之文大旨謂繪畫必離於自然，始極其妙，而甚詆洋畫之寫實逼真，持論至為透澈，足為俗學針砭。吾國近者藝術之衰落，其病正與日本十餘年前相同，國人乃無起而拯救，以發揮斯義者，展讀此篇，曷勝感愧。師曾之文則發揮其未盡之義，於文人畫之研究益無遺蘊，其於謝赫六法彆具見解，亦可備一說也”。

評分☆☆☆☆☆

世俗之所謂文人畫，以為藝術不甚考究，形體不正確，失畫傢之規矩，任意塗抹，以醜怪為能，以荒率為美;專傢視為野狐禪，流俗從而非笑，文人畫遂不能見賞於人。而進退趨蹌，動中繩墨，彩色鮮麗，搔首弄姿者，目為上乘。雖然，陽春白雪，麯高寡和，文人畫之不見賞流俗，正可見其格調之高耳。

評分☆☆☆☆☆

經典小書，平易近人，頗為實用，值得珍藏。

評分☆☆☆☆☆

經典之作

評分☆☆☆☆☆

一本不錯的小書，瞭解中國古畫的專業