美术基础校本教材：剪纸技法与运用 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周唯好 著

图书标签:

• 美术
• 剪纸
• 基础
• 技法
• 校本教材
• 手工
• 艺术
• 教育
• 小学
• 初中

出版社： 中国美术学院出版社

ISBN：9787550313163

版次：1

商品编码：12157044

包装：平装

开本：24开

出版时间：2017-03-01

用纸：胶版纸

页数：69

字数：30000

正文语种：中文

内容简介

　　我国剪纸艺术历史悠久，源远流长，以浓郁的民族风格和地方特色著称于世，已被列入非物质文化遗产名录。剪纸有用剪刀剪的、刻刀刻的，其独具魅力的镂刻艺术，在感官上给人以透空的感觉和艺术之美的享受，为人们的生活增色添喜，且有完整的工艺流程，初学者只要了解剪纸的艺术特点，掌握剪纸技法和制作过程，就很快能体会到剪纸给你带来的无穷乐趣。《美术基础校本教材：剪纸技法与运用》由“剪纸艺术”、“剪纸技法”、“剪纸制作过程及运用”、“创作体验及展示”四章组成，通过示范直观地指导学生怎样运用剪纸工具、剪纸刀法和剪纸技法体验剪纸创作，开发学生的想象空间，提高学生艺术才华。

内页插图

目录

第一章 剪纸艺术
第一节 什么是剪纸及艺术特点
第二节 剪纸的起源及分类

第二章 剪纸技法
第一节 剪纸工具
第二节 剪纸基本刀法
第三节 剪纸的装饰纹样
第四节 剪纸的表现方法

第三章 剪纸制作过程与运用
第一节 静物制作过程及运用
第二节 花卉制作过程及运用
第三节 动物制作过程及运用
第四节 风景制作过程及运用
第五节 人物制作过程及运用

第四章 剪纸临摹与创作
第一节 临摹制作体验
第二节 剪纸创作及展示

雕刻时光的艺术：中国传统木雕工艺探微 引言：穿越时空的指尖智慧 木材，作为自然界赋予人类最古老、最温和的材料之一，承载了从远古文明至今无数匠人的心血与智慧。在中国浩瀚的艺术长河中，木雕无疑是最具生命力和文化厚度的表现形式之一。它不仅仅是简单的材料改造，更是一种“留住时间”的技艺，是对生命形态、宇宙哲思的物质化诠释。 本书《雕刻时光的艺术：中国传统木雕工艺探微》，旨在为热衷于手工艺、文化遗产保护以及艺术设计领域的读者，提供一份全面、深入且富有实践指导意义的指南。我们摒弃了对大众化剪纸技法（如剪、贴、刻纸等）的描述，将焦点完全集中于中国传统木雕这一更为复杂、历史更为悠久且技法体系更为庞大的雕刻艺术领域。 第一章：木雕的史诗——源流与演变 本章将追溯中国木雕艺术的肇始，其发展脉络清晰可见，绝非一蹴而就的产物。 1.1 史前遗迹与早期萌芽： 我们将从河姆渡文化中的木器遗存开始，探讨早期先民对木材的初步认知和利用。这不是简单的工具制造，而是初步造型意识的体现。接着，重点分析商周时期礼器上雕刻纹饰的兴起，尤其是青铜器铸造模具中对木雕工艺的早期借鉴与影响。 1.2 汉代：世俗化与墓葬艺术的繁荣： 汉代木雕的特点是其强烈的世俗性和宗教并行发展。从马、牛、车等随葬明器的写实雕刻，到漆器和木漆器上浮雕技法的成熟运用，展示了汉代工匠对结构和动态的精准把握。本节特别探讨了木俑在古代丧葬礼仪中的象征意义。 1.3 魏晋南北朝：佛教雕塑的深刻影响： 佛教的东传为中国木雕注入了全新的生命力与技术规范。本章细致分析了犍陀罗艺术风格与本土写实主义的融合过程，重点剖析了早期佛像雕刻中的“褒衣博带”式处理手法，以及对人物神态、衣纹处理的创新。 1.4 唐宋盛世：写实主义的巅峰与应用广博化： 唐代木雕技艺达到炉火纯青的地步，写实性、圆雕技法、以及对人体解剖学的理解达到了极高水平。宋代则将木雕的应用范围推向了建筑装饰、家具制作（如官帽椅、条案的榫卯与雕饰结合）乃至民间日用品，形成了“北雄南秀”的地域风格雏形。 1.5 元明清：繁复与集大成： 元代，中原和游牧民族文化交流，使得雕刻图案更具气势。明清两代是传统木雕技艺的集大成期，特别是清代宫廷需求催生了极为繁复的“三雕”（木雕、石雕、砖雕）技法，如“上楼堂”建筑中的多层透雕，以及小说版画对民间题材的深度渗透。 第二章：技法体系的解构：从平面到立体 木雕的难度在于其“不可逆性”，一旦下刀，便无法轻易挽回。本章系统梳理并对比了中国木雕中最为核心的几大技术流派。 2.1 刀法的基础与哲学： 详述了各种基础刀法，如平刀、圆刀、刻刀、凿刀的使用时机。强调不同木材（如黄花梨、紫檀、楠木、樟木）的特性对刀法选择的决定性影响。区分“顺纹切削”与“逆纹雕刻”在形成肌理上的差异。 2.2 主要雕刻技法的深度解析： 圆雕（立体雕）： 强调“打坯”的比例控制和空间感布局，如何从多面体逐步过渡到完整的“全相”造型。 浮雕（浅浮雕与高浮雕）： 详细区分了浅浮雕（强调线条和平面感）与高浮雕（强调体积感和空间层次）。重点阐述“减地平雕”法，即通过降低背景来实现主体物体的凸显。 镂空雕/透雕： 这是中国木雕最具特色的技法之一，要求极高的空间想象力。我们分析了单层透雕、多层透雕（套雕）的技术难度和视觉效果，以及如何利用镂空部分增加作品的“空灵”感。 线刻与阴刻： 探讨如何运用细密的线条在木材表面创造出如同笔墨晕染的效果，尤其在表现水波、云雾时的技巧。 2.3 辅助工艺与表面处理： 介绍木雕完成后的重要环节，如打磨的“渐进式”原则（从粗砂到极细的猪血石粉打磨），以及传统着色工艺（如虫胶漆、生漆、着色油）对木材纹理的保护与强化作用。 第三章：地域流派与风格鉴赏 中国幅员辽阔，各地气候、风俗、木材资源差异，造就了风格迥异的木雕流派。 3.1 浙派（以乐清、东阳为代表）： 以其精湛的立体圆雕和极其繁复的透雕著称。分析东阳木雕如何将建筑结构与文学叙事完美结合，其对细节的极端处理，以及如何通过“薄如纸翼”的透雕手法达到“剔透玲珑”的艺术效果。 3.2 川派： 受巴蜀文化影响，雕刻题材多取自民间故事与神话传说，风格粗犷有力，注重神态的捕捉和力量感的表达，与中原的细腻有所区别。 3.3 徽派（安徽）： 重点讨论徽派木雕在建筑装饰（如牌坊、祠堂、民居）中的广泛应用。徽派强调写实中寓意，其装饰性极强，擅长以连续的场景叙事手法来填充复杂的建筑空间。 3.4 广式与苏式木雕： 对比南方沿海与江南地区的风格。广式木雕常结合镶嵌工艺，题材偏向吉祥寓意，雕刻线条趋于流畅大气；苏式则更偏向文人趣味，对材质的肌理要求极高，雕刻风格细腻婉约。 第四章：木雕的现代转型与传承 面对工业化时代的挑战，传统木雕如何保持其生命力？ 4.1 传统题材的当代转译： 分析当代艺术家如何将古典的龙凤、山水、历史人物，融入现代审美语言，例如对“留白”处理的更加大胆使用。 4.2 数字化辅助下的精密雕刻： 探讨计算机辅助设计（CAD）与数控机床（CNC）在现代木雕中的应用，并非为了取代手工，而是作为初步的“打坯”工具，将匠人从繁重的重复劳动中解放出来，使其能将更多精力投入到刀法细节的润饰与情感的注入上。 4.3 材质的革新与可持续性： 讨论在珍贵木材资源日益稀缺的背景下，新型环保材料或非常规木材在现代木雕艺术创作中的探索与实践。 结语：握住刻刀，雕刻生命 本书旨在超越单纯的技法罗列，引导读者理解木雕背后的文化心理与审美追求。每一次落刀，都是匠人与木材进行的一场深度对话。中国传统木雕，是沉静、坚韧与不朽的艺术象征，其价值永恒。

评分☆☆☆☆☆

对于基础训练而言，素描中的结构分析至关重要，但我发现很多教材在教授“形体”时，往往只关注了表皮的轮廓和阴影。我真正需要的是对物体内部结构和体积感的深刻理解。我希望这本书能引入更多工程学或解剖学的概念来辅助理解，比如在画人像时，不仅仅是画出五官的位置，而是要理解头骨的结构如何决定了面部特征的起伏。再比如，在表现物体体积时，能否结合体块分解的方法，将复杂的形态简化为球体、立方体和圆柱体的组合，然后在此基础上重建细节？这种自下而上的结构训练，远比单纯的“多看多画”更有效率。如果能在书中看到大量关于透视法在不同情境下的高级应用，比如反向透视或球面透视的原理与实践，那对提升我构建复杂场景的能力将大有裨益。

评分☆☆☆☆☆

我一直对色彩的心理学效应着迷，但很少有教材能真正系统地阐述这一点。我期望这本教材能够超越RGB和CMYK这些技术层面的色彩模式，深入探讨文化背景和个人经验如何影响我们对颜色的感知和解读。比如，在不同的文化中，“红色”所承载的情感重量是截然不同的，教材是否能提供一些跨文化的色彩语境分析？此外，光影的表达是塑造立体感的关键。我希望书中能有详尽的图解，展示不同光源（点光源、面光源、散射光）下物体表面的高光、亮部、灰面、暗部和反光的精确变化规律。如果能结合数字绘图软件中的光照模拟原理进行讲解，那就更贴近现代创作的实际需求了，能够帮助我们理解如何用数字工具去重现甚至夸张自然界中的光影效果。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对教材的装帧和排版设计也抱有很高的期望。一本好的艺术教材，其自身就应该是一件设计作品。我期待看到的是那种充满呼吸感的布局，而不是密密麻麻的文字和插图堆砌。如果每一页的设计都能体现出某种设计原则，比如留白的应用、字体选择的风格与内容主题的契合度，那阅读体验会得到质的飞跃。例如，在介绍动态平衡时，插图的排版方式本身就应该体现出动态的美感。另外，我特别关注实践部分的引导。很多教材的练习题往往是封闭式的，比如“请画一个静物写生”。我更倾向于开放性、启发性的任务，比如“用三种不同的线条风格来表现‘焦虑’的主题”，要求读者自己去选择材料和媒介。这种引导方式能真正激活读者的想象力和实验精神，而不是仅仅停留在模仿阶段。

评分☆☆☆☆☆

这本关于美术基础的教材，我一直期待着能有更系统、更深入的讲解，尤其是在传统技艺的现代应用方面。我希望能看到关于色彩理论在不同媒介中如何转化的实际案例，比如油画的厚涂技法与水彩的晕染效果之间，有哪些共通的底层逻辑可以被提炼出来。再者，如果能有专门探讨空间构成和视觉引导的章节，那将大大提升教材的深度。比如，如何利用线条的疏密变化来创造景深，或者如何通过非对称构图来引导读者的视线。现在的教材往往过于侧重技法的罗列，而缺乏对“为什么这样画会更好看”的深层哲学探讨。我个人非常看重结构分析，比如解构大师作品的黄金分割点和视觉平衡，这样才能真正做到举一反三，将理论内化为自身的创作语言。我希望这本书能提供更多跨学科的视野，比如将建筑学中的比例关系引入到平面设计的基础练习中去。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本教材后，我最希望它能提供一些不同于传统学院派的视角。我一直在寻找一些关于材料创新和非传统工具使用的探讨。比如，如何用日常生活中随处可见的材料，如废旧金属、砂纸或者泡沫板，来创作出具有强烈肌理感的雕塑作品？我对材料的“性格”非常感兴趣，每种材料都有其独特的物理属性和美学表达潜力，教材如果能深入挖掘这一点，指导我们如何“听从材料的声音”去创作，那就太棒了。此外，当代艺术越来越强调观念先行，我期待书中能有章节专门讨论如何将抽象的哲学思考或社会议题，通过视觉语言进行转译。例如，如何用极简的几何图形来表达“疏离感”或“永恒性”？如果能提供一些从概念草图到最终成品的完整案例分析，展示思维的演变过程，对我这种偏爱观念表达的实践者来说，价值无可估量。