[港台原版]十二美人(國家藝術)一函兩冊趙廣超/香港三聯*仕女画图 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 三聯書店(香港)有限公司

ISBN：9789620430596

商品编码：1696198695

《十二美人（國家藝術）》

ISBN：9789620430596 

作者：趙廣超 

語言：中文(繁)

出版社：三聯書店(香港)有限公司 

分類： 藝術及音樂

出版日期：2011-01-01 

裝訂：精裝

页数：168 

内容简介

趙廣超新作《十二美人》，一函兩冊。 

看雍正皇帝的品味，圓明園內有陳設，十二美人無故事。 

本書把雍正年間繪成的十二美人絹畫考證一番，以彰顯美人的來歷、四時二十四節氣的變化，以及畫中一花一草、一壺一爐，琴棋書畫、亭台樓閣的擺設與考究，盡現畫家的心思，以及畫中人的情趣與審美。這是瞭解當時仕女生活不可多得之作。 

作者又將十二美人的雅致，與西方維納斯的憂鬱、蒙娜麗莎的微笑、近代荷蘭畫家蒙德里安的幾何元素，以至現代版式設計的格線觀念相提並論，令觀者會心微笑，也進一步提升為中西繪畫美學異同的探究。 

【小檔案】 

雍正十二美人絹畫現藏北京故宮博物院，每幅長一八四釐米，寬九十四釐米，不作裝裱，放在一起已接近十二米，十分可觀。一九八六年故宮文物專家朱家溍先生在清宮內務府有關木作的檔案中找到一則記載： 

雍正十年八月二十二日，據圓明園來帖，內稱：司庫常保持出由圓明園深柳讀書堂圍屏上拆下美人絹畫十二張，說太監滄州傳旨：著墊紙襯平，各配做卷桿。欽此。本日做得三尺三寸杉木卷桿十二根。 

專家根據明清木工一尺合今三十一點一釐米，加上數量及裝裱資料，確定這批畫是來自清初的圓明園，是清入關後第三個皇帝雍正登基前後的作品。內務府檔案所記是拆改裝裱過程，屏畫完成應早於雍正十年（一七三二）。以康熙五十六年（一七一七）賜園當時尚是親王的胤禛來看，已是三百年前的故事了。 

览胜集：中国古代艺术的瑰丽篇章 卷一：丹青遗韵——从壁画到卷轴的千年流变 本书旨在为读者呈现一幅宏大而细腻的中国古代绘画史画卷，不求面面俱到，但求于关键节点上深入剖析其演变脉络与精神内核。我们将目光投向那些穿越历史长河，依然熠熠生辉的艺术瑰宝。 引言：笔墨的起源与精神的栖居 中国绘画，自萌芽之初，便承载了超越纯粹视觉再现的使命。它不仅是“状物写形”，更是“传神写照”，是哲思、道德与宇宙观的物化表达。本卷伊始，我们将考察新石器时代陶器上的几何纹样与早期岩画，追溯人类最早的图绘冲动，直至战国秦汉时期，青铜器与漆器上装饰图案的成熟，为后世水墨的兴起奠定了象征主义的基础。 第一章：魏晋风骨——线条的觉醒与人物画的定型 魏晋南北朝，是中国艺术史上一个至关重要的转折点。佛教艺术的东渐，为本土绘画注入了新的生命力。顾恺之的“以形写神”理论，标志着中国人物画进入了一个以精神气质为核心的阶段。我们详细审视《洛神赋图》（摹本）中飘逸的线条和人物内心的微妙波动，分析谢赫“六法”的提出对后世画论的深远影响。此期的山水画虽尚处于从“界画”向独立画科过渡的阶段，但其对气韵生动的追求，已然萌芽。本章将重点剖析这一时期画家如何将个体生命体验融入到对历史人物和神话故事的描绘之中，确立了中国画尚意不尚形的审美取向。 第二章：盛唐气象——色彩的辉煌与世俗的勃兴 唐代，国力强盛，文化开放包容，直接催生了绘画艺术的空前繁荣。宫廷画院的设立，使得绘画专业化程度大大提高。阎立本的沉稳庄重，吴道子的“吴带当风”的神奇笔法，将人物画推向了前所未有的高度。本章将聚焦于唐代对“世俗生活”的关注，通过对墓室壁画的研究，揭示贵族宴饮、狩猎、乐舞等场景如何被艺术地记录下来，展现出盛世的活力与自信。此外，我们还会探讨唐代青绿山水的极致绚烂，以及对自然景物的程式化处理，如李思训父子的金碧山水，为后来的文人画提供了一种对比鲜明的参照。 第三章：五代宋初——山水与花鸟的独立宣言 随着唐末藩镇割据和五代十国的更迭，绘画的主题和风格也随之发生深刻变化。山水画从依附于人物画的背景，蜕变为独立的艺术门类。荆浩、关仝等北方画家，开创了雄伟壮阔的“全景式”山水，强调山体的崇高与人世的渺小。而在南方，董源、巨然则以温润的笔法，描绘江南烟雨迷蒙的丘陵，奠定了后世“平远”与“深远”构图的基础。同时，花鸟画也完成了从装饰到写生的质的飞跃，黄筌的富贵工丽与滕昌嗣的写意探索，预示着宋代院体画的黄金时代。 第四章：宋代院体的集大成——格律的极致与写实的巅峰 北宋徽宗朝，是院体绘画的最高峰。宋徽宗本人对艺术的精研，使得画院的规制达到极致。范宽的《溪山行旅图》，以其高耸的立体感和严谨的结构，成为北方山水的典范。郭熙提出的“可行、可望、可游、可居”的审美标准，深刻影响了后世园林与绘画的结合。本章的重点在于分析宋代如何将“格律”与“写实”完美结合，无论是李唐、刘松年等南渡画家对北宋宏大叙事的继承，还是宋徽宗时期对花鸟的“格物致知”式的精准描摹，都体现了当时士大夫阶层对秩序与和谐的终极追求。 第五章：元代的文人转向——笔墨趣味与士人自娱 元代，蒙古人统治中原，使得传统意义上的宫廷画院体系一度中断。这反而促成了“文人画”的正式崛起，并占据了中国绘画史的主流地位。赵孟頫提出“书画同源”的理论，强调笔法的文学性和书法性。黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙“元四家”的出现，标志着绘画的核心从“再现”转向了“表达”。他们不再追求形似，而是通过皴法、墨色的变化，抒发内心的郁结、对故国的怀念以及对自然隐逸生活的向往。本章将深入解读元四家各自的笔墨语言，以及他们如何将审美趣味从士大夫阶层内部推向文人文化的最高标准。 卷二：流派纷呈——明清时期的艺术格局与地域色彩 明清两代，中国绘画进入了一个继承、创新与争鸣并存的复杂阶段。区域性画派的兴起，技法的不断革新，使得艺术面貌愈发丰富多彩。 第六章：明初的复古与浙派的雄强 明代初期，朝廷一度试图恢复宋代院体的雄浑气象。以戴进、吴伟为代表的浙派画家，继承了南宋李唐、马远的遗风，其笔墨奔放，气势磅礴，在院体画坛上占据了重要地位。然而，浙派的“雄强”与文人画的“淡雅”之间，形成了鲜明的张力。本章将对比分析浙派与同时期在苏州等地崛起的文人画家，如沈周、文徵明，他们如何将元代的笔墨语言与吴地的人文气息相融合，开创出影响深远的“吴门画派”。 第七章：中晚明——董其昌的理论霸权与松江画派 明代中后期，董其昌的艺术理论——“南北宗论”——成为划分和评价绘画历史的绝对标准。他将文人画推崇为正统的“北宗”（实为南宗），贬抑院体和浙派为“南宗”（实为北宗），极大地塑造了后世对“雅”与“俗”的认知。本章将详细梳理董其昌的“以书入画”思想，并考察以他为核心的松江画派，如何将笔墨趣味推向了高度的文人化和内省化。同时，我们也会探讨在民间和市井中蓬勃发展的“民间画派”对主流艺术的反向补充。 第八章：清初的遗民情结与金陵画派 清军入关，对于部分文化精英而言，是国破家亡的巨大冲击。这催生了一批“遗民画家”。他们将对故国的思念、对时局的无奈，全部融入到山水笔墨之中。以龚贤、樊圻为代表的金陵画派，以其独特的“墨分五彩”的技法和抑郁清冷的色调，成为清初画坛中最具个性和感染力的群体之一。本章将分析遗民画家如何通过艺术的“隐逸”来完成精神的“抵抗”，他们的山水画不再是怡情山水，而是寄托家国之思的载体。 第九章：清中期的“四王”与“四僧”的对峙 清代中期，绘画史呈现出两股主要力量的拉锯：以王时敏、王鉴、王翚、王原祁为核心的“四王”画派，他们继承并整合了元代以来的文人画传统，强调对古人笔墨的研习和“集大成”，形成了规范化、程式化的院体风格。而与之相对的，则是以石涛和八大山人（朱耷）为代表的“四僧”。他们拒绝墨守成规，以极度夸张、怪诞的造型和强烈的个人情感，撕裂了既有的审美框架。本章将对“四王”的温润典雅与“四僧”的孤傲叛逆进行深入对比，揭示清代艺术在继承与创新之间的深刻矛盾。 第十章：晚清的转向——海派的崛起与中西交融的序曲 晚清时期，随着西方文化和艺术观念的传入，中国画坛开始酝酿新的变革。以上海为中心的“海派”画家，以吴昌硕为代表，将金石入画，以篆隶入笔，以民间艺术的趣味为底色，打破了传统文人画的僵化格局。他们的作品题材更贴近市井生活，用色更为大胆鲜活，标志着中国画开始为迎接二十世纪的现代化转型做准备。本书的收尾部分，将探讨这些晚清艺术家的探索，如何为中国画在新的时代语境下，重新确立其独立的审美价值。 结语：永恒的呼吸 纵观这部艺术史，我们看到中国绘画是如何始终围绕着“气韵生动”这一核心概念不断演化。从人物的衣带飘举到山石的皴擦点染，从士人的胸襟抱负到时代的风云变幻，笔墨始终是中国人精神世界的忠实记录者。这些流传下来的图谱，不仅是视觉的盛宴，更是中华民族文化基因的永恒留存。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧方式，特别是它所采用的纸张和装订技术，让我联想到了早年间那些珍稀的孤本，具有很强的历史传承感。在如今这个数码影像泛滥的时代，能够拥有一套如此厚重、纸质优良的实体书，本身就是一种对传统阅读体验的坚持和享受。我非常欣赏它在保持古典韵味的同时，又没有过度地做旧或模仿痕迹，它是在用现代的精湛工艺去致敬古代的艺术精髓。无论是作为案头常备的鉴赏读物，还是馈赠给喜爱传统文化的朋友，这套书都能拿得出手，彰显出一种高雅的品味。翻阅它，需要的不是急躁的浏览，而是一种慢下来的心境，去品味那份穿越时空的静谧之美。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书主要是为了从中汲取一些关于古典审美的灵感，作为一名平面设计师，我总是在寻找那些能触动人心的视觉语言。《十二美人》无疑提供了一个宝库。它展示的不是简单的美貌，而是一种由内而外散发出的“气韵”。书中的构图常常是疏密有致，留白的处理更是绝妙，使得主体人物在视觉上更具张力和呼吸感。我特别喜欢其中几幅描绘闺房静谧场景的作品，那种光影的微妙变化，通过墨色的浓淡变化表现得淋漓尽致。它教会了我如何用最简洁的线条去勾勒出最复杂的情感，这种“少即是多”的东方哲学，在这套画册里得到了完美的诠释，让我对自己的设计理念有了一次深刻的反思和提升。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始有些担心网上看到的图片和实物会有很大差距，毕竟涉及到古代仕女画这种对细节要求极高的题材，色彩的还原度是关键。但实际翻阅后，我不得不佩服出版方在色彩处理上的功力。那些黛青、石绿、朱砂在纸面上焕发出的古典光泽，那种经过时间沉淀却依旧鲜活的韵味，被完美地保留了下来。我仔细比对了几幅流传已久的经典作品，无论是人物的面部神态——那种含蓄的笑意、微微低垂的眼睑，还是手中持物的姿态，都精准到位，没有丝毫的失真或廉价感。这套书对于研究中国传统绘画的色彩体系和晕染技法，绝对是极好的参考资料，甚至可以作为高级临摹的范本，它的印刷精度已经达到了一个非常惊人的水准。

评分☆☆☆☆☆

对于那些对中国历史文化有深厚兴趣的爱好者来说，这套书绝对是物超所值的收藏。它不仅仅是一本图录，更像是一部无声的历史教科书。每一位“美人”的服饰、发髻、乃至她身处的环境细节，都蕴含着当时社会的风俗和礼仪规范。我特别留意了那些细节上的配饰，比如精致的玉佩、手持的团扇，它们的设计无不体现着那个时代的审美趣味和工艺水平。通过这些画作，我仿佛能听到那个时代茶盏轻碰的声音，感受到丝绸拂过肌肤的触感。它提供了一个直观的窗口，让我们得以窥见古代文人士大夫阶层对理想女性形象的描摹与寄托，那种含蓄蕴藉的美学表达，是现代流行文化里很难找到的深度。

评分☆☆☆☆☆

这套书实在太惊艳了，从装帧设计到内页的印刷质量，都透露着一股低调而奢华的气息。我一直对传统艺术，尤其是那些描绘女性曼妙身姿和内在神韵的作品情有独钟，而这本画册完全没有让我失望。每一页的纸张都带着一种温润的手感，墨色的渲染层次分明，即便是最细微的衣褶和发丝，都能清晰地捕捉到画家的心力。拿到手的时候，那种沉甸甸的质感，让人立刻明白这不是一套应付了事的复制品，而是真正用心地对待艺术的结晶。尤其是那种老式的线装或者函套的包装方式，让我在翻阅的时候，仿佛穿越回了那个精致的时代，每一次展开都像是在进行一场庄重的仪式。它不仅仅是艺术的载体，更像是一件值得珍藏的工艺品，放在书架上本身就是一道亮丽的风景线。