画坛名师大讲堂 张伟平讲山水画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 时代出版官方旗舰店

出版社： 安徽美术出版社

ISBN：9787539858616

商品编码：1749184838

品牌：APGTIME

书名：画坛名师大讲堂——张伟平讲山水画 责编：毛春林 定价：138 开本：16 装帧：平装 页数：184 印数：3000 出版日期：2015.7（年月）

画坛名师大讲堂力作！山水画名师张伟平十年磨一剑之悟道集大成之作。

《画坛名师大讲堂——张伟平讲山水画》为画坛名师大讲堂丛书中的一册。书中主要内容为张伟平老师将多年来研习、领悟的有关于山水画学习、创作的秘辛娓娓道来，尤以其对画理条分缕析的深入解读令人激赏，本书在山水画的本质上着墨颇多，让读者可以准确的抓住山水画赏读、研习的关键，是不可多得的学习资料。

张伟平，1955年生，广西桂林永福人。1984年毕业于浙江美术学院国画系山水，获学士学位。1997年毕业于中国美术学院国画系山水研究生，获硕士学位，并留校任教。现为中国美术学院国画系教授、山水教研室主任，硕士研究生导师。 

我们尽己之识撰写了本书，其目的是想对中国画的本质及学习上的核心问题进行概括论述。本书有别于创作感言，并非出自我们的随心臆造，而是力图依托中国的传统文化和思想辨明中国画家应有的基本立场，回应中国画家应该学什么与怎么学的基本的问题。

好的，这是一份不包含《画坛名师大讲堂：张伟平讲山水画》具体内容的图书简介，侧重于介绍山水画艺术的普遍性、历史传承、技法探讨以及当代发展。 --- 书名：墨韵千秋：中国山水画的意境、技法与传承 引言：天地入画，胸臆为山 中国山水画，作为中华民族优秀传统文化的重要组成部分，不仅仅是对自然景观的摹写，更是“可行、可望、可游、可居”的理想境界的视觉呈现。它承载着深厚的哲学思想、人文情怀与审美追求，是“以笔墨写天地，以丹青达心志”的艺术实践。本书旨在深入剖析中国山水画这一古老而常新的艺术门类，从宏观的历史脉络到微观的笔墨语言，全面展示其深邃的艺术魅力与不朽的文化价值。 第一编：山水之源——历史的沉淀与精神的溯源 山水画的起源并非一蹴而就，它经历了漫长的孕育与发展，逐渐从人物画的背景中独立出来，最终成为中国画的主流之一。 一、魏晋风骨与“画山水者，以天地为师” 本篇将追溯山水画的早期萌芽，重点探讨魏晋时期顾恺之、宗炳、王微等人对山水画理论的奠基性贡献。彼时，山水画已不再是单纯的物象记录，而是开始融入个体生命体验与哲学思考。谢赫“气韵生动”的美学原则在山水画的早期实践中得到了深刻体现。我们将分析如何通过“卧游”的理念，构建起画家与自然之间相互感应的精神空间。 二、唐宋之变——南北两宗的格局确立 唐代李思训、李昭道的青绿山水代表了盛唐气象的恢弘与富丽，而王维开创的水墨山水则开启了文人画的先河。进入宋代，山水画艺术达到了一个高峰。北方以范宽、郭熙为代表，注重描绘北方山川的雄伟、厚重与真实感；南方则以董源、巨然为代表，奠定了“江南烟雨”的温润基调，特别是米芾父子的“米点皴”，极大地拓展了水墨表现的可能性。我们将详细梳理这一时期，山水画如何从“界画”的工谨走向“写意”的洒脱，确立了后世学习的范本。 三、元四家的开创与文人画的鼎盛 元代，在蒙古统治下的汉族知识分子，将山水画的重心彻底转向个人性情的表达和对古人笔墨的致敬。黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家，他们不再追求逼真的自然再现，而是追求“胸中山水”，强调笔墨的自我指涉性。倪瓒的简洁萧疏，黄公望的浑厚苍茫，标志着中国山水画进入了高度成熟的文人阶段。本书将探讨“元四家”如何通过对“笔墨”本身的探索，将绘画提升到与诗歌、书法同等的哲学高度。 第二编：笔墨乾坤——山水画的语言体系与技法探微 山水画的魅力，在于其独有的语言系统，即笔墨的运用和皴、擦、点、染等技法的组合。 一、皴法的演变与地域风格 皴法是山水画的骨骼，用于表现山石的质感、纹理和走向。本书将系统梳理中国山水画中主要的皴法体系：从披麻皴、斧劈皴、荷叶皴到侧锋皴等。每一种皴法背后都蕴含着对特定地貌的理解与情感投射。例如，如何通过斧劈皴表现北方山石的坚硬与力量感，又如何运用披麻皴表现江南丘陵的温润与层次。 二、点苔与渲染的生命力 点苔是山水画的点睛之笔，它不仅是苔藓的描绘，更是空气、湿度和生机的暗示。我们将解析点苔在构图中的平衡作用，以及如何通过墨色的浓淡干湿来营造空间纵深感。渲染技巧，特别是水墨的晕染，是塑造云雾、水气和远山的灵魂所在，它要求画家对水的控制达到炉火纯青的境界。 三、章法布局与虚实相生 山水画的构图（章法）遵循着严格的“三远法”——高远、深远、平远。这不仅是透视学原理，更是哲学上处理“有限”与“无限”、“主体”与“客体”关系的体现。本书将深入分析如何通过留白（计白当黑）来处理“虚”的部分，使画面在静谧中蕴含无穷的张力，实现“计之有余，画之不足”的境界。 第三编：当代回响——守正创新与时代精神的融入 进入近现代，山水画在西风东渐的冲击下，经历了深刻的变革与反思。 一、近现代山水画的转型与探索 从“四王”的恪守到石涛的“我自成一派”，再到近现代诸家在继承传统的同时，对现代审美进行吸纳的过程。我们将探讨如何将现代的视觉经验，如色彩的运用、构图的简化等，谨慎地融入到传统水墨的语境中，避免“形似”的陷阱，追求“神似”的升华。 二、当代山水画家的使命与实践 当代山水画艺术的价值，在于如何在全球化背景下，重申中国艺术的文化主体性。本书将讨论当代艺术家如何在坚守笔墨本体语言的同时，关注当下的社会现实、生态环境以及人类的精神困境，用传统的符号系统，表达现代人的复杂情感。这要求画家不仅是技艺的传承者，更是文化哲学的阐释者。 结语：无尽的远方，无数的人们 山水画的艺术生命力在于其无尽的可阐释性。它是一门需要终身学习的艺术，要求画家不断地游历自然、研习古人、锤炼心性。本书期望能为所有热爱和致力于山水画艺术的同道者，提供一个全面、深入而又富于启发性的学习框架，共同探索笔墨中的东方智慧与永恒之美。 ---

评分☆☆☆☆☆

我对传统艺术的热爱由来已久，但真正深入学习时，往往被那些过于艰深的理论术语所劝退，总觉得高山仰止，难以企及。然而，这本书的文字带有一种奇特的“亲和力”和“节奏感”，读起来完全没有压力，反而像是在享受一场艺术的漫谈。我特别欣赏作者在阐述复杂概念时所采用的类比手法。比如，他将墨色的浓淡干湿变化，比作音乐中的和弦与旋律，浓墨如重音，淡墨如泛音，一下子就将抽象的视觉感受具象化了。这种将绘画语言转化为其他艺术门类体验的转译能力，极大地拓宽了我的理解维度。此外，书中对于“气韵生动”这一难以言说的核心概念，也给出了非常实用的练习路径，不再是空泛的说教，而是提出了具体的练习方案，比如如何通过对线条速度和墨量控制的微调，来模拟不同天气或时间下山体的生命状态。我尝试着按照书中的建议去练习几日，竟真切地感受到笔下的线条不再是僵硬的刻画，而开始有了“呼吸感”。这本书不仅是本教材，更像是一本艺术思维的培养手册，它引导我去思考“为什么这么画”，而不是仅仅停留在“怎么画”的层面。

评分☆☆☆☆☆

我是一名建筑学背景的爱好者，习惯于从结构和空间的角度理解事物。最初担心传统山水画过于写意，与我的理性思维方式格格不入。然而，这本书的讲述逻辑极其严谨，它像是在解剖一栋精妙的古典园林，用一种近乎工程学的视角去分析山水画的结构美学。作者对于“点景”在整体构图中的作用分析得尤为透彻，他将山、水、石的体量关系，比作建筑中的主要承重结构，而人物、树木、房屋等点景元素，则被视为平衡视觉重量、确定空间尺度和增强叙事性的关键“装饰与功能组件”。这种分析方式对我理解中国画中的空间透视（散点透视与高远、平远、深远）提供了坚实的逻辑支撑。通过这本书，我明白了中国山水画并非天马行空的想象，而是建立在一套成熟的空间构建体系之上的。它成功地架起了我理性思维与传统水墨审美之间的桥梁，让我看到了严谨的结构背后，依然蕴藏着无限的诗意与哲思。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上讲山水画的书汗牛充栋，大多是名家作品的简单复刻加上一些程式化的讲解，读完后总觉得缺了点什么——那种能让人立刻上手尝试的冲动和对自身不足的清晰认知。这本书最吸引我的地方在于其高度的“可操作性”和“反思性”。它没有回避传统学习中的难点，反而直面并提供了解构方案。例如，在谈到如何表现云雾缭绕的层次感时，作者没有简单地说“用淡墨晕染”，而是详细区分了“湿皴法”与“渲染法”在处理不同密度云气时的细微差别，并且配有非常清晰的对比图例。这种对细节的极致关注，对于追求精进的实践者来说，简直是福音。更值得称道的是，书中鼓励读者保持个性和创新，作者反复强调，传统技法是根基，但最终的落脚点必须是创作者自身的审美取向。这种既尊重传统又不盲从传统的态度，让我这位正在摸索个人风格的学习者倍感鼓舞。它教会我如何批判性地吸收前人的经验，从而走出一条属于自己的创作道路。

评分☆☆☆☆☆

这本关于山水画的书简直是为我这种半路出家的爱好者量身定做的！我过去总是被那些气势磅礴的山水画作震撼，却苦于找不到一个能将“意境”与“技法”拆解得如此清晰的向导。作者的叙述方式非常平易近人，完全没有那种高高在上的学院派架子。他仿佛坐在你身边，手里拿着笔，一步一步地示范如何从最基础的皴法入手，比如披麻皴、斧劈皴，他会细致地讲解每一种皴法背后的哲学含义——这皴法是用来表现岩石的坚硬，还是山体的浑厚？更妙的是，他并没有将技法视为孤立的存在，而是巧妙地融入到对传统山水画核心精神的探讨中去。比如，讲到留白的处理时，他会引用古人的诗句，阐释“计白当黑”不仅是构图的技巧，更是东方美学中“虚实相生”的体现。整本书读下来，我感觉自己不仅学到了一套操作流程，更重要的是，我的“看画”的眼光被彻底提升了。现在再看那些经典作品，我能更快地捕捉到画家运笔时的情绪波动和气韵流动，这才是真正的醍醐灌顶。这本书的结构设计也很有层次感，从基础笔墨到整体布局，再到意境的营造，每一步都走得扎实而稳健，让人感到学习的每一步都是在向着“入画”靠近。

评分☆☆☆☆☆

近些年来，我发现市面上很多艺术书籍的装帧和排版都流于表面，华丽的印刷并不能掩盖内容的空洞。但拿到这本书时，立刻感受到一种扑面而来的“朴实”与“专业”。首先，其版式设计就非常考究，留白恰到好处，文字与图例的排布互相呼应，阅读体验极佳，完全不会因为图文切换而产生阅读疲劳。其次，内容上，作者对于中国画史中一些关键流派（比如南宋院体与元四家）的风格差异阐述得非常精炼，没有冗长的历史回顾，而是直击核心技法差异如何塑造了不同时代的审美取向。他用非常直观的笔触对比，清晰地展示了院体画的工整细腻与文人画的洒脱率性之间的分野。这本书的价值在于，它不仅教你“如何使用工具”，更教你“如何选择你的立场”——即在学习传统时，你的精神内核应该倾向于哪一种表达方式。这种对学习者自我定位的引导，是任何一本纯粹的技法书所无法给予的深度体验。