Hiroshi Sugimoto 杉本博司：黑盒 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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Hiroshi Sugimoto，Philip Larrath-Smith 著

图书标签:

• 摄影
• 艺术
• 杉本博司
• 黑盒
• 当代艺术
• 观念摄影
• 极简主义
• 日本摄影
• 摄影集
• 黑白摄影

出版社： Aperture

ISBN：9781597113595

商品编码：19641833

出版时间：2016-04-04

页数：204

内容简介

Hiroshi Sugimoto has explored ideas of time， empiricism， and metaphysics through a surreal and formalistic approach since the 1970s. A self-described “habitual self-interlocutor，” Sugimoto uses the camera as a bridge between abstract questions and the quiet， comical nature of modern everyday life. Whether formally photographing Madame Tussauds wax figures and the wildlife scenes at the American Museum of Natural History， or opening the lens of his 8-by-10 camera to capture a two-hour-long film in one exposure， he explores themes of consumerism， narrative， and existence in rich and evocative imagery. This new project presents a survey of Sugimoto’s iconic work， from his calm seascapes to his more recent exploration of lightning fields and photogenic drawing. Created in conjunction with an upcoming exhibition at FUNDACI?N MAPFRE in Spain， the survey includes an introduction and essay by writer and curator Philip Larratt-Smith， an interview with Sugimoto， and text by the prominent Brazilian artist Iran do Espírito Santo.

杉本博司：时间的刻度与视界的边缘 一部探索光影、历史与存在的摄影艺术史诗 引言：凝视深渊，捕捉永恒的瞬间 杉本博司（Hiroshi Sugimoto），这位享誉国际的日本摄影大师，以其极简、宏大且充满哲学意味的黑白影像，重新定义了我们对时间、空间和物质本身的感知。他的作品，如同跨越世纪的考古发现，将观看者的目光引向历史的深层结构与宇宙的终极寂静。 本书旨在深入剖析杉本博司跨越四十余年的创作生涯中，那些标志性系列作品背后的方法论、美学追求以及深刻的哲学思辨。我们并非关注某一本特定书籍的内容，而是聚焦于这位艺术家如何通过镜头，将瞬息万变的“此刻”固化为永恒的“在场”。 --- 第一部：时间的维度——从剧院到海洋 杉本博司的创作实践建立在对“时间”这一抽象概念的具象化尝试之上。他通过对曝光时间的极端控制，使摄影从记录现实的工具，升华为测量存在的标尺。 1. 剧院系列 (Theaters, 1978至今) “剧院”系列是杉本博司的起点之一，也是他探讨时间观念的第一个重要战场。 场景的提取与重构： 杉本选择废弃或宏伟的电影院，将机位固定，进行一次极长的曝光——通常长达数小时，直到银幕上的电影放映完毕。最终定格的画面中，银幕不再是流动的影像载体，而是被还原为一片纯净、均匀、泛着微弱光芒的白色矩形。 时间的累积与消融： 在这片白色的光斑中，观众看到的不是电影的故事，而是“时间本身”的物理痕迹。光线的累积抹平了银幕上瞬间万变的叙事，将电影的短暂生命熔铸成一个不可分割的、永恒的矩形。观众被要求思考：当叙事被抽离，剩下的仅仅是空间和光线时，我们凝视的是什么？是逝去的历史，还是摄影媒介本身的纯粹性？ 建筑与仪式感： 这一系列也深刻地反映了杉本对特定建筑类型的关注——这些空间最初是为了承载集体幻觉与故事而建造的“黑暗圣殿”。通过这种曝光方式，他剥离了剧院的叙事功能，将其还原为一种仪式性的、具有纪念碑性质的容器。 2. 海景系列 (Seascapes, 1982至今) 如果说“剧院”是关于人类历史的时间压缩，那么“海景”则是对地质时间与地球原始状态的回归。 水平线的绝对性： 在全球各地拍摄的“海景”系列中，杉本坚持一个严格的构图原则：地平线（水平线）必须精确地位于画面的正中央。这种近乎强迫症般的对称性，将画面精准地分割为天空与海洋，创造了一种绝对的平衡与静止感。 永恒的二分法： 水平线，这条线标志着可见世界的终结与无限的开端，成为连接天体与水域的视觉纽带。杉本博司用极简的语言，消解了时间和地点的具体性。无论是爱尔兰海岸、北太平洋，还是地中海，每一张照片都共享着相同的视觉语法。它们不再是特定地点的快照，而是对“海洋”这一概念的本质追问。 “无事件”的瞬间： 这些海景往往呈现出一种近乎完美的光滑质感，仿佛雾气缭绕，模糊了海水的流动性。这种处理方式要求观看者摒弃对具体波涛或天气的期待，转而体验一种“无事件”的、宏大的、令人敬畏的寂静。它们是时间尺度的对立面——在人类眨眼之间，海洋已经存在了亿万年，而杉本捕捉的，正是这种超越生命长度的持续性。 --- 第二部：物质的起源与人工的幻象 杉本的探索并未止步于自然景观，他深入到人类文化史的源头，以及人造景观对真实世界的取代。 3. 蜡像馆系列 (Wax Figures, 1984至今) 从对自然永恒的敬畏转向对人类制造的“不朽”的审视，蜡像馆系列构成了对历史人物的另类记录。 凝固的生命与虚假的在场： 杉本选择了杜莎夫人蜡像馆等场所中那些历史名人的蜡像。他利用与“剧院”系列相似的长时间曝光技法——尽管此处曝光时间主要受制于现场环境光——但其核心在于捕捉蜡像的“非生命”状态。 目光的对峙： 在这些照片中，被“冻结”的历史人物（如牛顿、佛陀或名人）的目光，与观看者形成一种奇异的对峙。由于蜡像缺乏真实的生命体征，它们显得既真实又诡异，介于死亡与永生之间。杉本通过黑白的颗粒感，突出了蜡像表面皮肤的脆弱质感与历史感的厚重。 文化记忆的物化： 此系列质疑了文化记忆和历史重构的可靠性。我们是通过何种媒介来认识这些“名人”的？杉本的镜头揭示了，我们所接受的历史叙事，往往是经过层层筛选和物化的模型，而非鲜活的真实。 4. 建筑系列 (Dioramas, 1980年代) 在自然博物馆的生态展示柜中，杉本发现了另一种人为构建的“真实”。 人造生态的疏离感： 博物馆的立体模型（Dioramas）旨在重现遥远或已经消逝的自然场景。杉本的摄影策略是，通过精确的曝光，消除人工布景的瑕疵和照明的拙劣，将这些模型提升到与真实自然景观相媲美的崇高地位。 观看者的缺席： 当模型被提升到“艺术”的高度时，观看者自身的存在感反而被消解。这迫使我们反思：我们在观看一个“模型”时，我们所经验到的“真实”的边界在哪里？杉本揭示了人类在试图掌控和记录自然时所产生的悖论——我们越是试图精确复制自然，就越是凸显其作为人工制品的不完美性。 --- 第三部：光学的纯粹性与后来的转向 进入新世纪，杉本的创作视野进一步拓展，开始探索媒介本身的物理属性以及更高维度的概念。 5. 摄影的物理性：暗箱与浮雕 在某些实验性项目中，杉本直接将摄影机的黑盒子（Camera Obscura）作为创作主体，回归到光线进入画面的最原始状态。他不仅关注最终的图像，也关注图像的生成过程。 此外，他开始创作一系列被称作“浮雕”的作品，这些作品利用了材料的反射特性，模糊了摄影与雕塑的界限，挑战了传统平面摄影的二维限制。 6. 结构与时间：提塔诺斯与后现代景观 杉本近年来的作品，如对特定现代建筑（如他为金泽21世纪美术馆设计的“圆亭”）的拍摄，以及对几何学和自然结构（如潮汐、化石）的深入探索，显示出他持续关注结构的力量。 他不再仅仅满足于记录，而是开始构建新的、几何化的视觉语汇，这些语汇探讨的是人类文明在面对深远的时间尺度时，其结构性成果的脆弱性与持久性之间的辩证关系。 --- 结语：影像之外的沉思 杉本博司的全部作品构成了一部关于“观看如何发生”的视觉哲学论著。他的黑白世界，并非对色彩的缺失，而是对光影本质的极致提炼。通过对时间进行拉伸、压缩和暂停，他迫使我们走出日常的喧嚣，进入一种缓慢的、冥想式的凝视状态。 他的摄影，是关于存在（Being）的探问——存在于被抹平的地平线之下，存在于被定格的蜡像面容之中，存在于每一次快门开启与关闭的永恒间隙。阅读杉本博司，即是学习用最少的视觉信息，承载最深沉的哲学重量。

评分☆☆☆☆☆

我一直在寻找一本能够真正让人“慢下来”的书，很多当代出版物总是急于塞满信息，像个喧闹的集市，但这本书给我的感觉截然不同。它拥有那种近乎冥想式的留白，让人在阅读过程中不由自主地收敛心神。我注意到它的结构似乎遵循着某种非常严谨的逻辑，但这种逻辑并非是线性的叙事驱动，更像是一种对概念的层层剥离和解构。每一个章节的过渡都显得异常精准，仿佛跨越了一个明确的阈值，从一个思维维度进入另一个维度。这种构建方式极大地挑战了传统的阅读习惯，迫使我不得不停下来，在脑海中重塑作者试图建立的感知框架。它没有试图取悦读者，反而以一种近乎冷峻的态度，要求读者付出相应的专注力。这种对阅读体验的纯粹化处理，在当下的快餐文化中，简直是一股清流，让人体会到智力投入所带来的独特满足感。

评分☆☆☆☆☆

这本书散发着一种令人敬畏的智识氛围，虽然我还没有深入探讨其核心论点，但从引言和目录结构中，就能窥见作者宏大而缜密的思考体系。那种对事物本质的探究欲望，似乎超越了日常的观察范畴，触及到了某种形而上的层面。我特别欣赏它在处理复杂概念时所展现出的那种克制与精准，没有冗余的形容词堆砌，一切都服务于清晰的表达，即使面对的议题无比晦涩。这种文字的密度和密度下的清晰度，让我联想到精密机械的运作，每一个齿轮都咬合得恰到好处，共同推动着一个庞大的概念机器运转。阅读它需要一种耐心的“解码”过程，不是被动接受，而是主动参与到作者的思考路径中去，去体验那种逻辑推演的严密与力量。这绝对不是一本可以躺在沙发上随便翻阅的书籍，它更像是一本需要被郑重对待的参考书，随时准备激发你更深层次的思考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局给我一种奇特的空间感，它似乎在玩弄读者的视觉习惯。有时候，大段的文字被规整地压缩在页面的中心，形成一个紧密的视觉焦点，而其他部分则留白，形成一种强烈的“聚焦-发散”的节奏感。在另一些页面，图文的比例又被颠覆，大面积的空白区域占据主导，文字反而像散落在宇宙中的微小星辰，需要读者去努力捕捉其轨迹。这种动态的视觉体验，让我感觉自己不是在“阅读”文字，而是在“行走”于作者精心构建的认知空间之中。它要求读者不断地调整视角和心理预期，这种持续的适应性训练，使得阅读过程充满了未知的张力。我预感这本书不仅仅是思想的载体，它本身就是一种关于感知和空间构成的实验。

评分☆☆☆☆☆

从装帧的细节来看，这本《杉本博司：黑盒》无疑是出版界的精品之作，那种对细节的偏执令人印象深刻。我仔细观察了扉页和书脊的处理，工艺上的考究程度几乎达到了奢侈品的标准。这种对“物质性”的强调，似乎在暗示着书中所探讨的主题与物质存在、时间凝固等概念有着某种内在的呼应。翻页时发出的那种轻微的、干燥的摩擦声，都仿佛经过了特别的设计。它让我联想到过去那些需要用一生去珍藏的典籍，那种时间沉淀下来的分量感。我可以想象，这本书在未来的数十年里，无论被翻阅多少次，其物理形态都不会轻易衰败，这本身就是对“永恒”的一种隐晦的致敬。对于注重收藏价值和工艺美学的读者来说，光是拥有它本身，就已经是一种无声的满足。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计简直是一场视觉盛宴，那种厚重却又带着某种克制的优雅，让人在捧起它的时候就感受到一种仪式感。纸张的选择，那细腻的触感和微微泛着微光的质地，似乎都在无声地诉说着其中内容的重量。封面设计极其简洁，黑与白构成了强烈的对话，那种毫不妥协的几何美学，让人联想到某种古老而永恒的真理。我花了很长时间仅仅是翻阅那些空白的扉页，感受着光线在纸张上移动时留下的微妙阴影。这本书的排版艺术也值得称道，字里行间留出的巨大呼吸空间，仿佛故意放缓了读者的心跳节奏，迫使我们将注意力集中到每一个词语的孤立存在上。它不仅仅是一本书，更像是一件精心雕琢的艺术品，摆在书架上，它本身就构成了一种强大的、无声的宣言。我对内容本身尚未深入，但仅凭这外在的“容器”，我已经能预感到其中蕴含的深邃与沉静，这完全是为那些珍视物品本身质量的鉴赏家准备的礼物。