中国画论辑要(增订本) 周积寅 艺术绘画国画 中国古代美学思想 美学书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周积寅著 著

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出版社： 江苏美术出版社

ISBN：9787534419805

商品编码：27392883048

包装：平装

出版时间：2005-07-01

基本信息

书名：中国画论辑要(增订本)

定价：30.00元

作者：周积寅著

出版社：江苏美术出版社

出版日期：2005-07-01

ISBN：9787534419805

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版次：1

装帧：平装

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商品重量：0.4kg

编辑推荐

本书节录了从先秦至清代画论著述以及有关文献、题画、民间画诀中*有代表性的名篇精段，按内容不同加以科学分类，综合成上下两编：上编为总论，有功能、创作、品评、形神、气韵、意境、风格、流派、继承、避忌、修养诸论；下编为分论，有章法、笔墨、设色、诗画、书画、题款、印章诸论。

内容简介

中国画论，就是中国古代绘画理论的简称。它和中国古代绘画一样，是中国古代社会，主要是长时期封建社会上层建筑意识形态的一个组成部分，也可以说，是中国古代美学思想的具体反映。
中国古代的哲学家，在认识客观实际的过程中，总结了许多辨别美丑的标准和方法；古代的画家们，在这许多美学思想的影响下，通过长期的创作实践，也总结出许多审美经验和绘画技巧、技法。把以上两个方面汇集起来，予以综合和提炼，形之于笔，就成为中国画论这样一份极其富贵的美学遗产。对于今天我们进行艺术实践，具有重大的借鉴作用，所以我们必须加以学习、研究、分析、批判和继承的。
学习中国画论的好办法，是首先必须阅读原著。然而，我们以有限的时间和精力，面对这份浩如烟海的美学遗产，将会变得束手无策。可是要学习，毕竟还是有办法的。周积寅同志在教学、研究中国画论的一段较长的时间里，反复为同学们编写过几种教材，今天江苏美术出版社为他印成的《中国画论辑要》，正是通过教学实践，把已试用过几种中国教材，作了综合、研究增删而编成功的。

目录

济汝醴序
温肇桐序
增订自序
上编 总论
画道论
功能论
创作论
品评论
形神论
气韵论
意境论
风格流派论
继承论
避忌论
修养论
下编 分论
章法论
笔墨论
设色论
诗画论
书画论
题款印章论
附录一 学习研究中国画论工具书目
附录二 历代中国画论今人编辑、标点、注释及其研究目

翰墨千载：中国画论的理论脉络与审美追求 中国绘画，自古以来便承载着深厚的文化底蕴与独特的审美情趣。与其说它是视觉的再现，不如说它是心灵的抒发、哲思的凝练。而支撑起这片辉煌艺术殿堂的，正是那源远流长、博大精深的中国画论。它不仅是中国绘画艺术得以传承、发展、创新的理论基石，更是理解中华民族精神特质与审美旨趣的一扇重要窗口。 一、 画之为物：从摹写自然到精神寄托 中国画论的起点，早已超越了单纯的技巧模仿。早在春秋战国时期，我们就已能看到对绘画“象”的探讨。《周礼·考工记》中“工欲善其事，必先利其器”的朴素原理，已然隐含着对绘画工具与技法的重视。但更进一步的，是《论语》中“君子喻于义，小人喻于仁”的价值判断，这为日后画论中“意”与“神”的强调埋下了伏笔。 东汉末年，曹操的《笔说》虽非严格意义上的画论，但其“写意”的提法，已悄然点出中国绘画区别于西方写实的特质。到了魏晋时期，哲学思潮的活跃，特别是玄学的兴起，深刻影响了当时的绘画理念。宗炳在《画山水序》中提出的“山水，山水之 Mori，景之所不及。”，“欲有所会于心”，以及“畅神而已”的观点，首次将绘画的目的从单纯的“传形”提升到“传神”乃至“畅神”的高度。他认为，绘画的最高境界在于通过对自然景物的描摹，引发观者的内在感受，达到精神上的愉悦与升华。这标志着中国画论开始将注意力从客观物象转向主观精神，从“形似”走向“神似”。 二、 画品与画格：评判标准的演进 随着绘画艺术的发展，对作品的评判标准也逐渐形成。南朝宋时期的谢赫，在其《古画品录》中提出的“六法”，是中国画论史上里程碑式的贡献。这“六法”——“一者气韵生动，二者骨法用笔，三者应物象形，四者随类赋彩，五者经营位置，六者传移模写”——为后世绘画创作与评论提供了系统而经典的框架。 其中，“气韵生动”被置于首位，足见其在中国画论中的核心地位。它不仅仅指画面的生动感，更是一种难以言说的生命力、一种内在精神的流淌。它关乎画家自身的修养、情志，以及与描绘对象之间的精神契合。此后的画论，无不围绕着“气韵”展开，对其进行不同层面的阐释与发挥。“骨法用笔”强调笔墨的力度、质感与表现力，认为线条不仅是勾勒轮廓，更是传递力量与情感的媒介。“应物象形”与“随类赋彩”则分别关注对物象的准确把握与色彩的恰当运用，但并非死板的写实。“经营位置”指构图的巧妙与空间的安排，“传移模写”则涉及对前人技法的学习与传承。 “六法”不仅是对当时绘画成就的总结，更是一种理论的规范与引导。后世的画家与理论家，或是在此基础上进一步深化，或是在实践中对其进行灵活运用。例如，唐代张彦远在《历代名画记》中，进一步阐释了“六法”，特别强调了“神似”的重要性，并提出了“得其神而写其形”的更高追求。他认为，只有“形神兼备”的作品，才能真正打动人心，流传千古。 三、 “意”与“境”：东方审美的核心追求 如果说“气韵”是中国画论中关于生命力的概念，那么“意”与“境”则是其审美追求的核心。 “意”，指的是画家内在的思想、情感、意念，以及画家赋予作品的某种精神内涵。它不是直白的叙述，而是含蓄的表达，需要观者去体会、去感悟。文人画的兴起，更是将“写意”推向了新的高度。文人画家们追求的是“意在笔先，画尽意不尽”，他们将绘画视为抒发个人情怀、寄托高雅志趣的途径。水墨画中的寥寥数笔，往往蕴含着画家丰富的情感和深刻的哲思，如“墨分五色”不仅是色彩的运用，更是情绪的渲染。“以少胜多”、“虚实相生”等技法，都是为了更好地“以意造境”。 “境”，则指的是画面所营造出的整体氛围、意境。它是由笔墨、构图、色彩等多种因素共同构成的一种感官与精神的体验。中国画论中的“境”往往是含蓄的、幽深的，它不是对现实景物的简单复制，而是画家“胸中丘壑”的抒发，是对自然物象的提炼与升华，是一种“可游可居”的精神家园。张璪提出的“外师造化，中得心源”，便是强调了画家既要深入观察自然，又要充分发挥内心的创造力，最终将外在的“景”与内在的“心”融为一体，创造出具有生命力的“境”。 “意境”的追求，使得中国画突破了单纯的再现功能，成为一种能够引发观者共鸣、启迪心灵的艺术形式。一幅好的山水画，能让观者仿佛置身其中，感受到清风拂面，鸟语花香；一幅意境深远的写意花鸟，则能让人体会到生命的顽强与自然的和谐。 四、 笔墨的本体性与象征性：技法背后的哲学 中国画论中对“笔墨”的强调，不仅仅是对绘画技巧的关注，更蕴含着深刻的哲学思考。在中国古代哲学中，“气”是构成万物的基础，而“笔墨”正是画家捕捉、表现“气”的媒介。 “笔”是指毛笔的运使，其力度、速度、方向的变化，直接影响着线条的形态与质感。好的用笔，能够“如锥画沙”、“如印印泥”，具有强烈的力量感和生命力。墨色则更是千变万化，从焦、浓、重、淡、清，到墨气、墨韵，每一个细微的变化都可能传达出不同的情感和意象。 更重要的是，“笔墨”在中国画论中具有本体性，它本身就具有独立的审美价值，而非仅仅服务于“形”。“笔墨”所表现出来的线条、墨块，本身就能构成画面，传达出力量、速度、节奏等视觉信息。“笔墨”也具有象征性，它可以象征自然界的各种力量，如风、雨、雷、电，也可以象征画家内心的情感，如刚毅、柔婉、激昂、沉静。 “笔墨”的本体性与象征性，使得中国画在追求“形似”的同时，更注重“神似”，更注重内在的精神表达。文徵明的“笔墨淋漓”，董其昌的“以书入画”，都体现了对笔墨本体性与表现力的极致追求。 五、 画外功夫：修身养性与艺术的统一 在中国画论的视野中，绘画绝非仅仅是手艺人的技艺，更是文人修身养性的重要途径。所谓的“画外功夫”，是指画家除了绘画技法之外，还需要在学识、品德、情操等方面具备深厚的积累。 “读万卷书，行万里路”，这是中国画论中强调的“师造化”与“师古人”之外，更为重要的“师心源”的体现。渊博的学识能够开阔画家的视野，提升其思想境界；高尚的品德与情操，能够使画家笔下生“气”，作品充满人文关怀。李唐“老夫看画，不见笔墨，但见山水”，便是对画家“画外功夫”的最高赞誉。 “画”与“道”、“诗”、“书”等艺术形式在中国传统文化中是相互渗透、彼此影响的。许多文人画家本身就是杰出的诗人、书法家。绘画创作，往往与写诗、品茗、抚琴、游历等活动融为一体，成为画家表达内心世界、寄托情怀的综合方式。这种“画外功夫”的要求，使得中国绘画具有了独特的文化品格，使其成为一种“以形写神，以笔墨写心”的艺术。 结语 中国画论，是一部关于如何“看”世界，如何“画”世界，以及如何通过绘画来“观照”心灵的宏大叙事。它从对“象”的朴素认知，发展到对“气韵”、“神似”的深刻追求；从对客观景物的描摹，升华到对主观意念与精神意境的营造。它强调笔墨的本体价值与象征意义，并将绘画与学识、品德、情操紧密结合，最终达到了“天人合一”、“物我两忘”的哲学境界。理解中国画论，便是理解了中国绘画的灵魂，理解了中华民族独特的美学精神。这份宝贵的精神财富，至今仍激励着无数艺术创作者与鉴赏者，在笔墨丹青的世界里，探索永恒的美学真谛。

评分☆☆☆☆☆

读了几天，这本书给我最深的感受是，它不仅仅是一部关于中国画理论的“教科书”，更像是一次深入中国古代美学思想的“寻宝之旅”。作者在梳理画论的时候，显然对中国古代哲学、文学、历史都有着深刻的理解，将绘画理论置于更广阔的文化背景下进行解读。例如，书中在谈到“意境”的时候，是否会涉及到文人画的兴起，以及诗词对绘画意境形成的影响？我很好奇，作者是如何将那些看似虚无缥缈的美学概念，比如“神似”或“骨法用笔”，与具体的笔墨技巧、构图章法联系起来的。我期待的是，它能让我感受到中国画背后那种“外师造化，中得心源”的独特哲学追求，以及艺术家如何在绘画中体现“天人合一”的境界。这本书的“增订本” title 让我觉得，它在内容上一定会有更新的视角和更详实的考证，也许会补充一些近年来的学术研究成果，这对于我这个希望对国画有更全面了解的读者来说，是非常吸引人的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始看到《中国画论辑要(增订本)》这个书名，我以为会是一本比较艰深晦涩的学术著作，但实际阅读下来，却发现它既有理论的深度，又不乏人文的温度。作者的叙述风格很细腻，仿佛一位经验丰富的导游，带着读者漫步在中国画理论的长河中。我尤其关注的是，书中对“格物致知”在绘画中的体现，以及艺术家如何通过对自然万物的细致观察来提炼创作灵感。我很好奇，它在介绍“皴法”的时候，是否会结合不同山石、树木的形态，以及雨、雪、风、晴等不同气候条件下的表现方式？我对“画中有诗，诗中有画”的境界一直非常着迷，希望这本书能为我揭示其中深层的联系，让我理解艺术家是如何在二维的画面中创造出三维的空间感和丰富的层次感，并传达出复杂的情感体验。

评分☆☆☆☆☆

最近偶然翻到一本中国画论方面的书，虽然不是专门研究艺术理论的，但对国画一直抱有浓厚的兴趣。这本书的书名《中国画论辑要》听起来就非常有分量，而且是“增订本”，感觉内容会更充实、更完善。我比较好奇的是，它在梳理中国古代绘画理论的时候，是如何将那些零散的、历代画论家的思想进行系统性的整合的？比如，是不是会对不同时期、不同流派的画论进行归纳总结，找出其共同点和差异点？我尤其关注的是，书中对于“气韵生动”这类核心概念的阐释，它会如何追溯其源头，分析其发展演变，并且通过具体的画例来印证理论？我希望这本书不仅能介绍理论，还能帮助我理解这些理论是如何体现在具体的山水、人物、花鸟画中的。而且，“艺术绘画国画”的标签也让我期待，它应该不会局限于抽象的理论，而是会与实际的绘画创作紧密结合，提供一些具有实践指导意义的思考。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的惊喜，在于它将原本可能枯燥的理论，讲述得如此生动且富有启发性。作者在阐述画论时，不仅仅是罗列观点，而是运用了大量的艺术史案例，通过对具体画作的分析，来揭示画论的实际运用和生命力。我特别想知道，书中是如何解读“笔墨”在中国画中的核心地位的，它会如何区分不同笔法、墨法的特性，以及它们各自所能表达的情感和意境？此外，我也很想了解，这本书对于“诗、书、画、印”四绝的融合，是如何进行阐释的，它是否会强调绘画的文学性和音乐性，以及艺术家如何通过绘画来表达“言有尽而意无穷”的艺术魅力。作为一个对中国古代文化同样感兴趣的读者，我希望这本书能让我看到，中国画不仅仅是技巧的展示，更是一种承载着民族精神、文化积淀和哲学思考的艺术形式。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的是，它成功地打破了我以往对中国画论的一些刻板印象。我原以为画论就是一些古人的陈词滥调，但这本书通过“增订本”的形式，显然注入了新的生命力。作者在梳理理论的同时，也融入了自己独到的见解，甚至可能还结合了一些现代艺术观念来重新审视中国古代的画论。我非常期待书中关于“写意”的论述，它是否会区分“写意”与“写实”的区别，以及“写意”所追求的那种“似与不似之间”的微妙境界？我还想知道，作者是如何看待“点”在中国画中的作用，它不仅仅是一个简单的笔触，是否承载着更丰富的象征意义和情感表达？这本书的“艺术绘画国画”的标签，让我觉得它在理论之外，一定也包含了很多关于中国画创作技法和审美旨趣的探讨，这对于我这样一个希望能将理论与实践相结合的读者来说，是极具吸引力的。