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陈滞冬 著

图书标签:

• 绘画理论
• 中国绘画
• 艺术史
• 石壶
• 清代绘画
• 画论
• 艺术批评
• 绘画技法
• 文人画
• 审美

出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102049038

版次：1

商品编码：10055207

包装：平装

丛书名： 名家画语录丛书

开本：16开

出版时间：2010-03-01

页数：247

正文语种：中文

内容简介

　　《石壶论画语要》分为上、下篇。包括画史、画法、四学画、书法篆刻、其他、石壶题跋、石壶诗稿、陈子庄的艺术思想、陈子庄的意义、走近陈子庄、孤独的歌者、清光射眸子。

内页插图

目录

上篇
一 总论
二 画史
三 画法
四 学画
五 书法篆刻
六 其他
石壶题跋
石壶诗稿

下篇
陈子庄年表
《石壶论画语要》整理后记
陈子庄的艺术思想
陈子庄的意义
走近陈子庄
孤独的歌者
清光射眸子

后记

精彩书摘

　　真、善、美，这三者是三位一体的，绘画艺术必须具备这三点。真，是指以科学观念看待问题与事物。善，是指人性，又指道德、风格、观念，即伦理性。美，是指要以艺术眼光审视我们所见的一切事物和景物，以艺术的观点理解我们所见的一切事物和景物。
　　我认为绘画艺术既要来源于自然与民众，又要超出于自然和民众。艺术的目的就是要给民众指出前进的方向，指示未来的理想，给人以美好与舒适；要有浓厚而长远的感染力，使人经久不能忘怀。艺术应使我们中华民族能以中华文化的悠久和精美而自豪，并使中华文化长存于天地之间，而不让她趋于消亡。
　　我们从事绘画并不是为画画而画画，最终成个画匠，这在艺术上是没有前途的，必须要以民族、国家的前途和民族文化的长存不衰为前提，从事绘画艺术才有意义。认识这一点很重要，要以保护、继承和创造、发扬民族文化为最终目的，要时刻想着民族文化在当今世界的境况，这样的画家在艺术上才有前途。
　　绘画作品应让人有身入其境之感，仿佛使人在画中欣赏画，所谓艺术的魅力正在于此。
　　从事绘画艺术要先有理论——所谓理性认识，然后再充分实践，不断总结经验，不断否定旧我，这样才能逐渐达到艺术的高层次。
　　英国赫胥黎说“要探索，要发现”，一张好画是从发现大自然的优点而来的。
　　艺术有自身的旨趣，须不受他人支配。此理黑格尔曾言之。

前言/序言

《山水画的意境营造》 引言 在中国传统绘画的浩瀚星河中，山水画以其独特的魅力，承载着文人士大夫的情怀，寄托着对宇宙人生的深刻思考。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是艺术家内心世界的投射，是人与自然精神契合的载体。本书《山水画的意境营造》旨在深入探讨中国山水画在“意境”二字上的精髓，从多个维度剖析其生成机制、表现手法及其对观者心灵的影响，力求为读者展现一幅清晰而富有深度的山水画精神图景。 第一章：意境——山水画的灵魂 意境，是中国艺术美学中的核心概念，在山水画中更是其灵魂所在。它并非简单的景象堆砌，而是将客观的山川景物与主观的情感、哲思巧妙融合，所产生的超越形迹、引人入胜的艺术境界。本章将首先界定“意境”在山水画中的具体含义，区分其与“意象”、“意趣”的联系与区别。我们将追溯意境在中国文学与艺术发展历程中的演变，重点梳理其在山水画中的形成与发展脉络。通过解析历代画论中关于意境的论述，如“外师造化，中得心源”、“以形写神”、“气韵生动”等，阐释意境的生成基础——既要有对自然物象的深入观察与提炼，也要有画家丰富的情感与独特的审美视角。本章将强调，意境的营造是山水画区别于纯粹写实绘画的关键，是其具有东方哲学韵味的重要体现。 第二章：山水画的视觉语言——笔墨与皴法 笔墨，是中国画的根本，也是山水画造型与表现意境的基石。本章将深入解析山水画的视觉语言，从“笔”与“墨”两个层面进行细致阐述。 “笔”的运用，不仅关乎线条的粗细、刚柔、顿挫，更蕴含着画家对物象形态的理解与情感的倾注。我们将探讨不同笔法的特点，如“飞白”、“渴笔”、“湿笔”等，及其在塑造山石、树木、云水等不同景物时的独特效果。例如，圆润的笔触可能表现山体的浑厚，而干枯的飞白则可能传递出苍劲与岁月的痕迹。 “墨”的运用，则不仅仅是色彩的浓淡，更是光影、体积、质感乃至氛围的营造者。本章将详细讲解“墨分五色”的理论，即焦、浓、重、淡、清，并分析如何在实际绘画中运用这些墨色变化来表现山峦的层次、水流的动态、云雾的迷蒙。我们将重点介绍中国山水画中极为重要的“皴法”，将其视为笔墨语言在表现山石纹理上的升华。从披麻皴、斧劈皴、雨点皴到卷云皴、解索皴等，每一种皴法都有其特定的表现对象与审美内涵。例如，斧劈皴常用来表现坚硬、陡峭的山石，而披麻皴则适合描绘质地较为松软、层次丰富的山体。通过对各类皴法的剖析，读者将理解画家如何运用这些精妙的笔墨技巧，将静态的笔墨转化为富有生命力的山水景象，并以此来承载和传递画面的意境。 第三章：构图的智慧——空间与层次的经营 山水画的意境营造，离不开精妙的构图。构图是画家组织画面元素、安排空间关系、引导观者视线的关键。本章将聚焦于山水画构图的智慧，探讨如何通过构图来营造出深远、辽阔、幽静或雄奇的意境。 我们将分析中国山水画中常见的构图原则，如“虚实相生”、“疏密有致”、“以少胜多”等。虚实相生，是指画面中实景与留白（虚）的相互衬托与呼应，留白不仅仅是空白，更是充满想象空间的“无”，它与实景共同构成一个完整而生动的画面。疏密有致，则强调画面的组织要张弛有度，有繁复之处，也要有简洁留白，避免画面过于拥挤或空洞。以少胜多，则是指通过精炼的笔墨和构图，用有限的画面元素传达无限的意境，追求“言有尽而意无穷”的艺术效果。 本章还将探讨构图中的空间处理，如“三远法”——高远、深远、平远。这三种视角的不同组合，能够创造出不同尺度的空间感。高远法模拟从低处仰望高山的视觉感受，强调山势的峻拔；深远法模拟从高处俯视远山的视觉感受，突出空间的层次与纵深；平远法模拟从高处平视远方的景象，展现辽阔与绵延。我们将分析这些空间处理手法如何帮助画家构建出既符合自然规律又富有艺术想象力的山水世界。此外，我们还将讨论如何通过景物的设置，如山峦的起伏、河流的蜿蜒、树木的点缀、建筑的穿插等，来引导观者的视线，使其在画面中进行富有探索性的游走，从而逐渐进入画家所营造的意境之中。 第四章：色彩的运用——青绿与水墨的韵致 色彩在中国山水画中扮演着重要的角色，尤其是在青绿山水画中，色彩的运用直接决定了画面的华丽与否、气势的强弱。而水墨山水画则以其独特的墨色变化，展现出含蓄、内敛、隽永的韵味。本章将分别探讨这两种色彩运用的方式。 在青绿山水画方面，我们将追溯其起源与发展，分析其中所使用的矿物颜料，如石青、石绿、朱砂、赭石等的特性及其在画面中的表现力。重点将放在如何巧妙地运用这些浓烈而鲜明的色彩，既能表现自然山水的壮丽与秀美，又不失其典雅与富丽堂皇。我们将解析唐宋时期青绿山水的代表性作品，分析其色彩搭配、晕染技法，以及色彩如何在营造富贵、庄严、或清新、灵动的意境中发挥作用。 与此同时，本章也将深入探讨水墨山水画的色彩奥秘——即“水墨为上”的传统。我们将解析水墨作为一种“色”，如何通过浓淡干湿的变化，表现出丰富的光影、质感与空间感，形成“墨分五色”的视觉效果。我们将强调水墨山水画的魅力在于其写意性与抒情性，通过黑白灰的微妙变化，能够传达出更加含蓄、内敛、耐人寻味的意境，例如“墨分三彩”所体现的深邃与浑厚，或是“焦墨”所表现的苍劲与古朴。本章将引导读者理解，无论是斑斓的青绿还是写意的水墨，色彩的运用都服务于意境的表达，而非单纯的装饰。 第五章：诗意的栖居——题跋与印章的妙用 在山水画的创作中，题跋与印章并非可有可无的点缀，而是与画面本身相互辉映，共同完成意境营造的重要组成部分。本章将揭示题跋与印章在中国山水画中的妙用。 题跋，即画家在画面上书写的诗歌、款识、跋语等。它具有多重功能：一是交代画作的缘起、创作背景，赋予画面更深层的文化内涵；二是直接抒发画家的情感、思想、人生感悟，成为画面意境的延伸与补充；三是作为一种书法艺术，与绘画本身形成视觉上的对话，增强画面的艺术感染力。我们将分析不同类型的题跋，如画题、款识、题诗、题跋等，及其在不同画派、不同画家作品中的典型运用。我们将强调，好的题跋能够“画外之画”、“言外之意”，与画面意境相得益彰，甚至能起到“画龙点睛”的作用。 印章，作为中国书画的独特标记，同样承载着丰富的文化信息。本章将探讨印章在中国山水画中的作用，包括：其作为作者身份的象征，增强作品的可信度；其在画面中的位置、大小、风格，如何与画面整体风格相协调，起到画面的“压脚”或“点缀”作用；以及部分印章本身所蕴含的文字或图案，如何进一步丰富画面的文化意蕴。我们将分析不同材质、不同形状的印章，如何与画面的笔墨、色彩、构图形成视觉上的呼应与平衡，共同为山水画增添一份古朴、典雅或生动的韵味。通过对题跋与印章的深入解读，读者将理解它们如何超越简单的签名，成为山水画意境不可分割的一部分，为画面的精神世界增添维度。 第六章：观赏的维度——品鉴与体悟 山水画的意境营造，最终是为了触动观者的心灵，引发其情感的共鸣与精神的体悟。本章将从观赏者的角度出发，探讨如何去品鉴与体悟山水画的意境。 我们将引导读者超越对画面技法细节的单纯欣赏，学会从整体上把握画面的气韵与意境。这意味着要关注画面的整体氛围，感受其所传达的情感基调——是宁静致远，还是雄浑壮阔；是悠然自得，还是愁绪满怀。我们将教授观者如何通过画面中的景物，如山峦的形态、水流的动势、树木的姿态、云雾的弥漫等，去揣摩画家所寄寓的情感与哲思。 本章还将强调，山水画的品鉴是一个主动参与的过程。观者需要将自己的生活经验、文化积淀与画面中的意境相结合，在“观画”的同时进行“自画”，在画中找到自己的情感投射与精神寄托。我们鼓励读者通过多次、细致地观赏同一幅作品，逐渐领悟其深层含义。例如，面对一幅描绘高山峻岭的作品，观者或许能从中感受到坚韧不拔、傲然挺立的精神；而一幅描绘潺潺溪流、幽静山谷的作品，则可能引发对宁静、淡泊心境的向往。 最后，本章将提及中国山水画的“可游可居”的特点。优秀的中国山水画，不仅能够让观者在视觉上“游”于其中，更能让其在精神上“居”于其中，获得心灵的慰藉与升华。通过对观赏维度的深入探讨，本书旨在帮助读者成为一个更具鉴赏力、更能与中国山水画进行深层精神对话的艺术爱好者。 结语 《山水画的意境营造》一书，希望通过对山水画意境生成机制、视觉语言、构图智慧、色彩运用以及题跋印章等多个层面的细致梳理与深入剖析，为读者构建起一个理解与欣赏中国山水画的知识体系。我们相信，中国山水画所蕴含的博大精深的哲学思想与人文情怀，值得我们去不断地探索与传承。本书的创作，正是希望能够激发更多人对中国传统绘画艺术的兴趣，并从中获得精神上的滋养与启迪。

评分☆☆☆☆☆

我拿到《石壶论画语要》这本书时，内心是带着一丝好奇，又有一点期待的。我一直对中国画的意境之美颇为着迷，但总觉得隔着一层薄纱，难以真正触及。这本书，恰恰满足了我这份渴望。 书中关于“色彩”的运用，给我留下了极为深刻的印象。中国画的色彩，不像西方油画那样浓烈奔放，而是追求一种“墨分五色”的微妙变化，一种“淡而有味”的境界。《石壶论画语要》并没有让你去死记硬背各种色彩的搭配规则，而是引导你去理解色彩在中国画中的作用。他会讲到，点染之间，如何用色彩去烘托气氛；勾勒之处，如何用色彩去表现物象的质感。更重要的是，他强调了色彩与情感的关联。一抹淡淡的朱砂，可能烘托出山花的娇艳；一团朦胧的青色，可能营造出雨后的清新。作者的文字，就像他所描绘的色彩一样，虽然看似简洁，却能带来无穷的韵味。他会用非常贴切的比喻，来形容不同色彩给人的感受，让你在阅读的过程中，仿佛置身于一个色彩斑斓的画境之中。这本书让我对中国画的色彩运用有了全新的认识，它不仅仅是颜料的堆砌，更是画家情感和思想的载体，是一种能够触动人心的“语言”。

评分☆☆☆☆☆

《石壶论画语要》这本书，在我看来，最大的价值在于它提供了一种非常独特且深刻的视角来看待中国画。我一开始对“语要”这两个字有些困惑，总觉得它是一种精炼的、浓缩的表达。但读进去之后，才发现它并非是简单地罗列概念，而是通过对大师作品的深入解读，提炼出那些最核心、最根本的绘画“语言”。 让我印象特别深刻的是书中关于“墨分五色”的讲解。这“墨分五色”是中国画中非常基础且重要的一点，但要真正做到“活用”，却是一门大学问。《石壶论画语要》并没有仅仅停留在技术层面，而是将其上升到哲学的高度。作者会分析，浓墨如何表现山峦的雄伟，淡墨如何营造云水的空灵，焦墨如何勾勒枯枝的苍劲，而这些不同的“墨色”，不仅仅是视觉上的变化，更是情感和意境的载体。他通过对不同画家的作品进行对比分析，让我们看到，同样是画山水，不同画家对“墨分五色”的运用，所呈现出来的效果是截然不同的。这让我明白，“墨分五色”并非是为了追求色彩斑斓，而是为了更好地表现物象的质感、体积感以及画家想要传达的情感。作者的语言，时而严谨，时而生动，就像他所描绘的墨色一样，变化万千。这本书让我对“墨”这个元素有了全新的认识，它不再仅仅是黑白灰的组合，而是一种能够表达丰富情感和思想的语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字叫《石壶论画语要》，单听名字就觉得有些深邃，带着古朴的韵味。我拿到这本书的时候，其实心里是带着点忐忑的，因为“论画”这两个字，总让人联想到那些阳春白雪的艺术理论，可能充斥着我不懂的术语和晦涩的道理。但当我翻开第一页，那种预想中的高冷感就荡然无存了。作者的笔触，或者说编者收集整理的这些“语要”，并没有试图去构建一套多么宏大的理论体系，而是更像是一种娓娓道来的分享，一种经验的沉淀。 我特别喜欢书中关于“神韵”的探讨。我们都知道，中国画讲究“以形写神”，但“神”到底是什么？如何才能捕捉到？我以前看一些画，觉得似乎少了点什么，那种“活”的感觉，那种超越了笔墨线条的生命力。这本书里，作者（或者说石壶先生）并没有给出简单的定义，而是通过大量的例子，通过对历代名家画作的解读，一点点地剖示了“神韵”是如何在笔墨的挥洒、构图的取舍、乃至色彩的运用中悄然生长的。他会讲到，一个眼神的刻画，一个手势的微妙，甚至一片云的飘逸，都能承载起画面的灵魂。这让我明白，“神韵”并非是虚无缥缈的，而是根植于对物象细致入微的观察和对生活深刻的体悟。他并没有直接告诉你“照着这个画就能有神韵”，而是引导你去理解“为什么”会有神韵，以及在创作过程中，应该去追求怎样的“内在”。这种循循善诱的方式，比那些直接灌输理论的书籍要来得更有效，也更令人回味。我感觉自己好像和作者一起，在古人的画卷前，进行了一场跨越时空的对话。

评分☆☆☆☆☆

初见《石壶论画语要》这个书名，我曾以为它会是一本充满各种专业术语的、距离我比较遥远的艺术鉴赏类读物。但当我翻开它，才发现它就像一位老友在和你分享他对绘画的体悟，朴实却又充满智慧，让你在不知不觉中，就对中国画有了更深层次的理解。 书中对于“用笔”的论述，给我留下了极其深刻的印象。我们都知道，用笔是中国画的根基，但如何用好笔，如何让笔触充满生命力，却是一门极深的学问。《石壶论画语要》并没有给你一板一眼的教学，而是通过对历代名家笔法的分析，以及对不同笔触所能产生的效果的描述，让你去体会。他会讲到，“中锋用笔，刚柔并济，能让线条圆润而富有力量”；也会讲到，“侧锋用笔，能表现出苍劲、枯涩的质感”。更重要的是，他强调了用笔不仅仅是为了描绘形体，更是为了传达情感。一个急促的笔触，可能表现出内心的激昂；一个舒缓的笔触，可能流露出淡淡的忧伤。作者的文字，时而如行云流水，时而如惊涛拍岸，就如同他所描述的笔触一样，充满了变化和力量。这本书让我明白，中国画的笔触，不仅仅是简单的线条，更是画家内心世界的写照。它让我开始重新审视我所看到的每一幅画，去感受其中蕴含的笔墨之美。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对《石壶论画语要》这本书的期望值并不高，因为我总觉得这类谈论艺术的书籍，要么过于枯燥，要么过于卖弄。但这本书带给我的惊喜，简直是层出不穷。我之所以说“惊喜”，是因为它并没有落入俗套，而是以一种非常接地气的方式，将中国画的精髓娓娓道来。尤其让我印象深刻的是书中关于“笔墨”的论述。我们都知道笔墨是中国画的灵魂，但具体怎么用，如何用出韵味，用出力量，用出情感，这实在是门大学问。 书中对笔墨的讲解，绝不是简单的技术指导，它更多的是一种哲学层面的思考。作者会从笔的疾徐、墨的浓淡干湿，讲到“用笔如用剑，挥洒自如；用墨如用水，变化无穷”。他并没有告诉你“画山水一定要用XX笔法”，而是让你去体会不同笔法背后的意境和情感。比如，他会讲到“飞白”的妙用，不仅仅是笔法上的技巧，更是表现一种苍劲、古朴的美感。又比如，他会分析浓墨如何表现厚重，淡墨如何营造空灵，这些细微之处，都蕴含着作者对中国画深厚的理解。我感觉，读这本书，就像是在学习一种全新的语言，一种用笔墨来表达情感和思想的语言。作者的文字，时而激昂，时而沉静，就如同他所描绘的笔墨一样，充满了生命力。这本书让我对“笔墨”这个词有了更深层次的理解，它不再仅仅是绘画的工具，更是一种艺术家的精神寄托和情感表达的载体。

评分☆☆☆☆☆

初读《石壶论画语要》，我最先被吸引住的，是书中那股扑面而来的真挚感。没有故弄玄虚，没有华丽辞藻的堆砌，就是实实在在的，用一个过来人的口吻，分享着他对绘画的理解和感悟。我尤其喜欢书中关于“意境”的阐述。很多时候，我们在看一幅画，总觉得它不仅仅是描绘了眼前的景物，似乎还蕴含着更深层的情感和思想，但我们又说不清那到底是什么。 《石壶论画语要》就尝试去解构“意境”的形成。作者会从构图的虚实关系，讲到留白的妙用，以及如何通过景物的组合来营造出一种特定的氛围。他并没有给你一个固定的“意境公式”，而是引导你去思考，画面中的一山一石，一草一木，它们之间是如何相互呼应，如何共同构筑起一个属于画家的精神世界。我印象最深刻的是，他讲到“可游可居”的境界，就是要让观者在欣赏画作时，能够产生身临其境的感觉，仿佛可以走进画中，去游览，去栖息。这种对“意境”的追求，让我觉得中国画不仅仅是一种视觉艺术，更是一种心灵的体验。作者通过对不同画作的剖析，让我看到了“意境”是如何通过最朴素的笔墨，最简单的构图，却能达到如此深邃的效果。读完这部分，我再看一些古画，感觉像是打开了新世界的大门，能够更清晰地感受到画家想要传达的那份宁静、悠远或是豪迈。

评分☆☆☆☆☆

《石壶论画语要》这本书，给我最大的触动，在于它对“道”的理解，以及如何将这种“道”融入到绘画的实践中。我一直觉得，好的艺术作品，不仅仅是技巧的展示，更是一种人生智慧的体现。 书中有一部分，让我印象极其深刻，那就是关于“气韵生动”的探讨。我们都知道，“气韵生动”是中国画品评的最高标准，但“气韵”到底是什么？又该如何去追求？作者并没有用生硬的理论去定义它，而是通过一种非常具象的方式，一点点地剖析。他会讲到，画面中的空气是否流通，色彩是否和谐，笔墨是否流畅，这些都与“气韵”息息相关。更重要的是，他强调了画家内心的“气”对画面的影响。如果画家心胸开阔，意境高远，那么他笔下的画面自然就会显得生机勃勃，充满灵气。反之，如果画家心绪不宁，气滞胸闷，那么画面的“气韵”自然就会受到影响。这让我深刻地体会到，中国画不仅仅是手艺，更是心灵的表达。作者的文字，时而如清风拂面，时而如惊涛拍岸，就如同他所追求的“气韵”一样，充满了变化和生命力。这本书让我明白，想要画出“气韵生动”的作品，首先要修炼自己的内心，培养一种豁达、高远的人生境界。

评分☆☆☆☆☆

我拿到《石壶论画语要》这本书时，说实话，名字稍微有点让我望而却步，觉得会是那种很学院派、很枯燥的理论读物。但当我真正翻开它，却发现完全不是我想象的那样。这本书给我最大的感受，就是它的“巧”。不是那种技巧上的炫耀，而是思想上的精妙，在不经意间就点亮了你的思路。 书中有不少关于“形神兼备”的讨论，这确实是中国画的终极追求之一。我以前总是觉得，画得像就是形，画出感觉就是神，但两者之间如何平衡，如何做到既形似又不失神韵，这是非常困难的。作者在书中并没有简单地给出一个答案，而是通过举例、分析，让我看到，其实“形”本身就可以承载“神”。比如，他讲到对树木的描绘，不仅仅是画出树干的粗细，树叶的多少，更重要的是要通过笔墨来表现出树木的姿态，它的生长环境，它的生命力。一棵历经风霜的老树，和一棵生机勃勃的幼苗，在“形”的描绘上就应该有所不同。而这种不同，恰恰就是“神”的体现。作者用非常浅显易懂的语言，结合丰富的案例，将这个看似抽象的概念，变得具体可感。这让我意识到，真正的“形神兼备”，是建立在对物象深刻的观察和理解之上的，而不是简单地模仿。这本书让我对“像”与“不像”有了新的认识，也更懂得如何在描绘外在形态的同时，注入内在的生命力。

评分☆☆☆☆☆

我拿到《石壶论画语要》这本书的时候，其实对“论画”这两个字心存一丝敬畏，总觉得它会是那种高高在上、与我等凡人无关的艺术理论。但当我真正翻开，却被书中那股朴实无华，却又字字珠玑的智慧所深深吸引。 我特别喜欢书中关于“境界”的论述。我们看很多名家的画作，总觉得它们不仅仅是描绘了一幅风景，而是传达出一种超越时空的意境，一种属于画家的精神世界。但如何才能达到这种“境界”呢？《石壶论画语要》并没有给出简单的“秘诀”，而是引导我去思考。作者会从构图的疏密，讲到色彩的运用，以及笔墨的枯润，去分析这些元素是如何共同构建起画面的“境界”。他强调，这不仅仅是技巧的熟练，更重要的是画家对生活的感悟，对人生的理解。一个经历过沧桑的人，画出的山水，可能就带着一种沉稳厚重；一个心怀壮志的人，画出的山水，可能就显得开阔雄浑。这种“境界”的形成，是艺术与人生的融为一体。作者的文字，就像一位循循善诱的长者，用他的人生阅历，引导我去体悟绘画背后的深刻含义。读完这部分，我再看那些经典的山水画，感觉就像是在欣赏画家的心灵独白，能够更深切地感受到其中蕴含的人生智慧。

评分☆☆☆☆☆

《石壶论画语要》这本书，给我最大的惊喜，在于它用一种非常“讲故事”的方式，将中国画那些看似高深的理论，变得生动有趣，触手可及。我之前读过一些关于中国画的书，总觉得像在啃一本厚厚的教科书，很难坚持下去。 这本书中有一部分，让我印象特别深刻，那就是关于“构图”的讲解。我们都知道，一幅画的构图至关重要，它决定了画面的主次、空间感以及整体的视觉效果。但如何才能做到好的构图呢？《石壶论画语要》并没有给你死板的“三分法”、“黄金分割”之类的公式，而是通过对不同画作的剖析，让你去体会“虚实相生”、“疏密有致”的道理。他会讲到，留白并非是“空”，而是“言有尽而意无穷”；他也会讲到，景物的安排，不仅仅是简单的堆砌，更是要达到一种“气脉贯通”的效果。更重要的是，作者强调了构图与情感的结合。一个疏朗的构图，可能营造出一种宁静致远的氛围；一个繁密的构图，可能表现出蓬勃的生命力。作者的文字，就像一位经验丰富的导演，用他的视角，引导你如何“看”一幅画，如何去理解画家的构图思路。读完这部分，我再看一些画作，感觉就像是在欣赏一场精心编排的视觉盛宴，能够更清晰地感受到画家在构图上的匠心独运。

评分☆☆☆☆☆

想要读读。

评分☆☆☆☆☆

很好

评分☆☆☆☆☆

我为什么喜欢在京东买东西，因为今天买明天就可以送到。我为什么每个商品的评价都一样，因为在京东买的东西太多太多了，导致积累了很多未评价的订单，所以我统一用段话作为评价内容。京东购物这么久，有买到很好的产品，也有买到不算好的产品。如果我用这段话来评价，说明这款产品没问题，至少85分以上，而比较垃圾的产品，我绝对不会偷懒到复制粘贴评价，我绝对会用心的评价，这样其他消费者在购买的时候会作为参考，会影响该商品销量，而商家也会因此改进商品质量。

评分☆☆☆☆☆

经典之论 清新平淡

评分☆☆☆☆☆

很多人评价此书琐碎，乱。

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非常好，值得收藏，插图非常好

评分☆☆☆☆☆

英国赫胥黎说“要探索，要发现”，一张好画是从发现大自然的优点而来的。

评分☆☆☆☆☆

不错的书。