哈农钢琴练指法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王九丁 编

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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103021767

版次：1

商品编码：10293833300

开本：8

出版时间：2000-10-01

基本信息

• 商品名称：哈农钢琴练指法
• 作者：(法)哈农|译者:王九丁
• 定价：35
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103021767

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2000-10-01
• 印刷时间：2014-01-01
• 版次：1
• 印次：29
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：115

编辑推荐语

左手弹钢琴生涩的现象非常普遍。我们可以通过60首《钢琴练习指法》等作品解决这个问题。在由哈农编著的《哈农钢琴练指法》这本书里，有手指灵活、独立、力度和*大限度均衡以及手腕柔韧性的练习，所有这些都是要达到优美演奏不可或缺的因素。另外，这些练习已考虑到使左手能与右手同样灵巧。除极个别的练习曲是引自其他教材外，所有练习曲都是自编的。这些练习曲富有趣味性，不像大多数五指练习那样令学生厌烦，那些枯燥的练习简直非要具备艺术大师的耐性才敢去弹奏。这些练习旨在让大家不用多看就能相当快地弹奏，使它们立刻就成为卓越的手指练习，这样就不必为琢磨它们而耽误时间。人们还可以在多架钢琴上同时弹奏所有这些练习，使学生乐于进取，并适应合奏。 《哈农钢琴练指法》的对象是所有学钢琴的人。

键盘艺术的基石：巴斯蒂安钢琴教程 献给所有渴望掌握键盘艺术，追求音乐表达极致的求知者 本教程并非聚焦于技术训练的僵硬公式，而是致力于构建一个全面、深入且富有启发性的钢琴学习体系。它着眼于培养学习者全面的音乐素养，从最初的触键感知到复杂的音乐诠释，提供一条清晰、连贯且充满乐趣的学习路径。 第一章：音乐的启蒙与基础感知 本章将带领初学者跨越传统“识谱”的枯燥阶段，直接进入音乐的听觉与触觉世界。我们探讨的不是音符本身，而是声音的质地与关系。 触键的哲学： 深入剖析手指与琴键接触的瞬间，如何通过重量转移、肌肉的放松与集中，实现音色的细微变化。这部分内容详细阐述了手臂的自然重力如何引导手指，避免过度依赖指尖的力量，从而为后续的快速和弦与琶音打下坚实的基础。 听觉的校准： 引导读者建立内部听觉，区分不同八度、不同力度下的声音色彩。我们将练习在没有乐器的情况下，准确想象和复述简单的旋律线条。 节奏的内在律动： 节奏的训练不再是机械地数拍子，而是将其内化为身体的自然律动。通过模仿呼吸、心跳、行走等自然节奏，让学习者领悟复节奏与切分音的生命力。本章特别引入了体感训练，例如使用节拍器配合身体的晃动来感受节拍的稳定性。 第二章：音阶与和声的色彩矩阵 音阶和琶音是钢琴技巧的骨架，但本教程将其视为色彩的调色盘。我们不追求速度的极限，而是追求音色在不同调性间的流畅过渡与情感承载。 调性的“性格”： 详细描述大调、小调（自然、和声、旋律）以及五声音阶在听觉上带来的不同“情绪”。例如，探讨升F大调所特有的光辉感，与降E大调所蕴含的温暖厚重之间的差异。 指法与线条的统一： 针对每个调性，设计专属的指法编排策略，旨在最大化手指的自然跨度，减少不必要的肌肉紧张。重点解析了如何处理跨越多个八度的音阶进行换指时的“隐形”技巧，确保声音的连贯性，听起来如同一个长音的平稳流动。 和弦的架构与功能： 不仅学习三和弦的构成，更深入探究七和弦、九和弦在调性进行中的“拉力”与“推力”。我们将从功能和声的角度，剖析C大调到G7再到C的进行中，每个和弦所扮演的情感角色。 第三章：音域的拓宽与触感的精细化 本章专注于提升演奏者对键盘的掌控力，尤其是在极高音区和极低音区的表现力。 触键的广度与深度： 针对八度与和弦的演奏，提出“手臂带动腕部的整体移动”概念。强调在演奏宽广的分解和弦时，手腕应保持柔韧的弹性，如同皮球的弹性反弹，而非僵硬的推动。 力度控制的精密度（Dynamics）： 详细划分从 pppp (极其微弱) 到 ffff (极其有力) 之间的十个等级，并提供对应的触键深度和速度参数。特别关注 crescendos (渐强) 和 diminuendos (渐弱) 的“曲线设计”，如何让声音的增强或减弱符合乐曲的结构逻辑。 踏板的呼吸艺术： 踏板并非简单的“踩下”与“抬起”，而是声音的延伸与融合。本章教授“半踏”与“全踏”的精确运用时机，以及如何在快速变化的和声中实现“切分踏板”（Syncopated Pedaling），以保持清晰度同时增加共鸣。 第四章：技巧的整合与音乐的叙事 真正的钢琴家是将技术融入音乐叙事中。本章将训练如何将单一的技术元素组合成连贯、富有情感的乐句。 乐句的呼吸与塑造： 将乐句视为语言，引导学习者识别旋律中的“主语”、“谓语”和“逗号”。通过控制乐句的开头、高点和结束，赋予旋律清晰的表达意图。 复调思维的建立： 针对巴赫等复调音乐，训练左右手独立思考的能力。左手不再只是伴奏，而是另一个平行的声部。我们探讨如何通过轻重、音色差异来凸显对位旋律之间的主次关系。 速度的弹性处理（Rubato）： 阐释“弹性速度”的真正含义——并非随心所欲的增减，而是对结构核心的尊重下的细微自由。分析肖邦及浪漫主义作品中 rubato 的正确使用方式，确保速度的“借用”最终能归还，使整体结构保持完整。 第五章：演奏的舞台与心智的构建 本教程的终极目标是让演奏者在舞台上面对听众时，能够完全专注于音乐本身。 舞台焦虑的认知与管理： 提供科学的心理调适方法，将注意力从“表现”转移到“分享”，从“害怕错误”转向“享受此刻的表达”。 乐谱的深度解读： 超越音符，深入研究作曲家的时代背景、个人经历以及特定作品的创作意图。了解乐谱上的所有记号（如速度、表情术语）在当时语境下的真实含义。 个性化练习的构建： 强调“针对性训练”而非“机械重复”。指导读者如何根据自己的弱点（例如，某个小节的换指不顺畅，或某个琶音的力度不均）设计出高效、短小且目标明确的练习片段，从而高效地克服技术障碍，将精力解放出来，完全投入到音乐的审美体验之中。 本教程承诺提供的是一套经过精心编排、注重内在逻辑与音乐体验的训练方法，旨在培养出具备深厚技术功底和独特音乐理解力的键盘演奏家。

评分☆☆☆☆☆

这本《钢琴指法精进指南》简直是为我这种半路出家的业余钢琴爱好者量身定做的宝典！说实话，我之前一直被一些老派的、动辄要求“手型如钟”的教材困扰，练了很久，手指僵硬得像两块木头，尤其是遇到一些快速的音阶和琶音时，简直是灾难现场。这本书最让我惊喜的是它的循序渐进，它没有一上来就抛出那些复杂的、看着就让人头皮发麻的练习。相反，它从最基础的手部放松和微小的关节活动开始讲起，讲解得极其细致，仿佛作者就坐在我旁边手把手地教导一样。比如，它对于“触键深度”的描述，不是用抽象的形容词，而是结合了触觉感受和声音质感的对比，让我真正理解了“轻触”和“实按”的区别。再比如，它提到了一种“呼吸性”的触键方法，强调手指的运动要像呼吸一样自然连贯，而不是机械地砸下去。我尝试应用这个方法后，原本枯燥的五指练习突然变得有了生命力，声音的均匀度和清晰度都有了肉眼可见的提升。这本书的配图也十分精妙，不仅清晰地展示了正确的指位，还配有不同力量状态下的肌肉群示意图，极大地帮助我纠正了长期以来形成的错误用力习惯。对于追求演奏流畅性和细腻表现力的学习者来说，这本书无疑提供了一种更科学、更人性化的练习哲学。我感觉自己不再是简单地在“做练习”，而是在“雕琢”我的手指运动轨迹。

评分☆☆☆☆☆

我不得不承认，这本书《键盘技巧的革命性突破》的理论深度让我这个音乐学院科班出身的演奏者都感到震撼。市面上很多所谓的“技巧书”，无非是把肖邦的练习曲或者哈农的变体重新包装一下，但这本书却是在从运动生理学和声学原理的角度，对钢琴演奏的底层逻辑进行了深刻的剖析。它开篇就用大量的篇幅探讨了“肌腱效率最大化”的问题，这在传统的钢琴教学中是很少被如此系统性地论述的。作者引用了多位人体运动专家的研究成果，详细分析了不同手指在跨越、穿插以及保持均匀速度时的神经传导效率差异。我尤其欣赏它对“非对称性练习”的推崇。以往我们总是强调手指的绝对平衡，但这在现实演奏中并不常见，尤其是在复杂和声背景下的旋律线条处理。这本书大胆地提出，应该根据不同音域和和声功能，有意识地侧重于某个手指的独立性和力量发展，并提供了详尽的配对练习方案，比如用极慢的速度去感知“四指的支撑力”与“三指的灵活性”之间的动态平衡。这种近乎于“解构”传统练习的方法，让我对那些我曾认为是“天赋使然”的技巧难题有了一个全新的、可以被拆解和攻克的认知。对于想把演奏推向更高技术层面的演奏者，这本书是必备的思维升级工具。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到《指尖的魔术：高效能钢琴练习法》这本书时，我的第一反应是：“又一本讲效率的书？”毕竟现在充斥着各种“速成”、“高效”的口号。然而，这本书的切入点非常独特，它关注的不是“练多少”，而是“如何管理练习中的心流状态”。作者显然是一个深谙心理学和时间管理的大师。书中并没有花哨的指法图解，而是聚焦于如何构建一个“无干扰、高专注”的练习环境。它提出了一个“番茄-旋律循环”的练习模式，将传统的固定时长练习与旋律记忆和听觉分析结合起来，极大地减少了练习中的“心理疲劳”。比如，它建议在进行高强度技术练习时，每隔十五分钟必须进行一次“纯听觉回顾”，即不碰琴键，只在脑海中回放刚才练习的片段，检查其节奏的精确性和音色的统一性。这个看似简单的方法，却奇迹般地提高了我的专注度，因为我的大脑必须时刻保持警觉，而不是让手指机械地重复。此外，书中关于如何处理“瓶颈段落”的心理调适建议也极其实用，它教导我们如何将挫败感转化为解决问题的动力，而不是陷入自我怀疑的泥潭。对于那些容易被练习的枯燥性劝退的初学者和中级学习者，这本书能教会你如何“享受”过程，而不是只盯着结果。

评分☆☆☆☆☆

《从零开始的跨指艺术解析》这本书，对于所有被“大跨度音程”和“复杂的换指”搞得焦头烂额的人来说，简直是救星般的存在。我以前练巴赫的赋格或某些浪漫主义时期的作品时，总觉得我的手掌就像被施了魔法一样，无论怎么拉伸，总是差那么一丁点距离。这本书没有采用那种夸张的、鼓吹过度拉伸的练习，而是非常严谨地探讨了“指位中心的移动”与“手腕的微调”之间的微妙关系。它花了大量篇幅来分析不同键盘深度下，琴键的杠杆原理对指尖触感的影响。作者强调，很多时候我们感觉手小、跨度不够，实际上是因为我们没有让手腕作为“辅助枢纽”参与到运动中去，而是僵硬地固定在手掌和前臂之间。书中详细描绘了通过“波浪形移动”来“借力”的方法，比如在经过大幅度跨越时，手掌需要进行一个极其微小的、几乎不易察觉的侧向漂移，从而有效缩短了实际需要的物理跨度。通过跟随书中的慢速示范练习，我发现以前需要“硬挤”才能达到的音程，现在可以轻松地、带着音乐感地滑过去了。这种基于物理学原理的指导，比空泛的“多拉伸”要靠谱得多，它真正教会了我如何与钢琴的结构本身进行合作，而不是对抗。

评分☆☆☆☆☆

这本书《节奏感与速度的统一法则》以一种近乎于音乐家“冥想”的方式，重新定义了什么是“速度”。很多技术练习的书都将“速度”等同于“手指的击打频率”，但这本书却坚持认为，真正的速度来源于完美无瑕的节奏精确性。作者认为，任何速度上的模糊不清，都是节奏控制力不足的体现，而不是指速不够。我之前总是在追求“越弹越快”，结果就是音乐变成了噪音，失去了灵魂。这本书提供了一系列基于复杂节拍和复合节奏的听觉训练方法。例如，它要求学习者先用不同的乐器音色（比如想象小提琴、大提琴分别演奏旋律）来记忆同一个片段的节奏骨架，然后再应用到钢琴上，确保手指的运动是被内在听觉节奏所驱动的。书中有一个章节专门讨论了“延迟与提前”的弹性处理，这对于演奏拉赫玛尼诺夫或者德彪西那种需要微妙时间感控制的作品至关重要。它教你如何精确地控制每一个音符在时间轴上的位置，从而创造出既有驱动力又不失悠扬感的演奏风格。阅读这本书，我感觉自己不再是一个单纯的“键盘操作员”，而是一个更精准的“时间建筑师”，这极大地提升了我的音乐表现力和对作品的理解深度。