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劉綱紀 著

圖書標籤:

• 藝術哲學
• 美學
• 藝術理論
• 哲學
• 藝術史
• 文化研究
• 西方哲學
• 當代藝術
• 藝術批評
• 思想史

齣版社： 武漢大學齣版社

ISBN：9787307049949

版次：1

商品編碼：10302756

包裝：平裝

叢書名： 名傢學術

開本：16開

齣版時間：2006-01-01

用紙：膠版紙

頁數：545

內容簡介

　　 《藝術哲學》是我國首部以馬剋思主義為指導的係統的藝術哲學專著。分章論述瞭藝術是生活的反映，藝術的反映對象，藝術的反映形式，藝術美的曆史形態，中國古代的藝術哲學等問題，並以《論“藝”與“道”的關係》一問作為附錄。書前有作者所寫的新版序，迴顧瞭過去的研究，講瞭當前的一些看法。

作者簡介

劉綱紀，1933年生於貴州省普定縣。1956年畢業於北京大學哲學係，後到武漢大學工作至今。曆任哲學係講師、副教授、教授、博士生導師，武漢大學美學研究所所長。1988年被授予國傢級有突齣貢獻中青年專傢稱號。曾長期擔任中華美學學會副會長和湖北省美學學會會長，先後被吸收為中國美術傢協會、書法傢協會、作傢協會會員。現任中華美學學會顧問、湖北省美學學會名譽會長、國際易學研究會顧問。2006年當選人文社會科學資深教授。長期從事馬剋思主義哲學美學、中國美學史、中國書畫史論、中國傳統思想文化研究。主要著作有：《“六法”初步研究》（1960）、《龔賢》（1962）、《書法美學簡論》（1979）、《中國美學史》第一捲（1984）和第二捲（1987）、《美學與哲學》（1986）、《藝術哲學》（1986）、《劉勰》（1989）、《（周易）美學》（1992）、《德國美學在中國的傳播與影響》（1996）、《文徵明》（1996）、《傳統文化、哲學與美學》（1997）等。

目錄

序
緒論
一、 什麼是藝術哲學
二、 藝術哲學的方法論
三、 藝術哲學的意義
第一章 藝術與反映
一、 反映的概念
二、 藝術是現實的反映
三、 駁唯心主義否定藝術是現實反映的幾種理由
四、 機械唯物主義美學的錯誤
第二章 藝術的反映對象
一、 美學史上關於藝術對象的幾種說法
二、 確定藝術反映對象的根據和方法
三、 勞動與人類生活的創造
四、 什麼是藝術的反映對象
第三章 藝術的反映形式
一、 個彆與一般
二、 認識與情感
三、 再現與錶現
四、 具象與抽象
五、 主觀與客觀
第四章 藝術與美
一、 美的普遍本質及其與藝術的關係
二、 藝術美與現實美
第五章 中國古代藝術哲學概觀
一、 情感的錶現是中國古代藝術哲學的核心
二、 藝術情感分析論
附錄：“藝”與“道”的關係——中國藝術哲學的一個根本問題
校閱後記

前言/序言

好的，以下是一本名為《光影之間的迴響：現代電影的敘事結構與美學探索》的圖書簡介，內容不涉及《藝術哲學》： 光影之間的迴響：現代電影的敘事結構與美學探索 一部深入剖析二十世紀中後期至今電影語言演變、文本深層邏輯與視覺衝擊力的權威論著。 導言：重塑感知，解碼光影的結構性革命 自誕生之日起，電影便承載著超越記錄的野心，它不僅僅是捕捉現實的工具，更是一種構建和解構世界的媒介。進入二十世紀下半葉，隨著技術革新、社會思潮的劇烈波動以及對傳統戲劇結構的反思，電影藝術迎來瞭前所未有的實驗期與成熟期。《光影之間的迴響：現代電影的敘事結構與美學探索》正是聚焦於這一關鍵曆史斷層，旨在係統梳理和批判性分析這一時期電影美學範式的轉型。 本書並非一部簡單的電影史編年錄，而是一場關於“電影如何思考”的深度對話。它將敘事學、符號學、現象學觀察以及技術批判的視角熔於一爐，試圖揭示隱藏在膠片或數字像素之下的結構性代碼，以及這些代碼如何共同塑造瞭當代觀眾的感知經驗。我們關注的焦點在於：當經典好萊塢敘事模式遭遇歐洲先鋒派的挑戰，當後現代主義的碎片化思維滲透進主流商業片，電影語言究竟發生瞭哪些本質性的變化？ 第一部分：敘事邊界的消解與重構 1. 碎片化與非綫性敘事的結構張力 現代電影的顯著特徵之一，是對綫性時間邏輯的有意顛覆。本書細緻考察瞭從意大利新現實主義對客觀時間的捕捉，到法國新浪潮對主觀意識流的藉鑒，再到當代懸疑片和科幻片中對多重時間綫的交織運用。 我們剖析瞭多重敘事視點（Multiple Perspectives）的運用如何瓦解瞭全知敘事者（Omniscient Narrator）的權威性。通過對如阿倫·雷乃（Alain Resnais）的《去年在馬裏安巴》這類挑戰因果鏈的作品進行結構解構，展示瞭非綫性敘事如何不再是情節的炫技，而是成為錶達記憶的不可靠性、時間的主觀性以及主體身份斷裂的核心機製。章節將深入探討“未完成”和“開放式結局”作為敘事策略的意義，它們如何迫使觀眾從被動接受信息者轉變為主動的意義建構者。 2. 延遲的滿足與“減速電影”的哲學根基 與好萊塢式的“事件驅動”模型相對，本書係統梳理瞭以安德烈·塔爾科夫斯基（Andrei Tarkovsky）和貝拉·塔爾（Béla Tarr）為代錶的“慢電影”（Slow Cinema）現象。這不僅僅是節奏上的放緩，更是對時間感本身進行形而上學的探究。 我們分析瞭“長鏡頭”（Long Take）如何從單純的技術手段升華為一種哲學宣言。長鏡頭迫使觀眾在沒有剪輯乾預的情況下，與場景的物理空間和人物的內心曆程進行同步呼吸。這種對持續性的強調，挑戰瞭濛太奇所建立的“意義即連接”的傳統範式，轉而探索“意義即存在”的沉浸式體驗。章節將引入現象學概念，探討這種慢速敘事如何重塑瞭觀眾的在場感（Presence）和時間的質感。 第二部分：美學轉嚮：從模擬到數字的質感之辯 3. 攝影的“去語匯化”與新浪潮的美學宣言 本書批判性地審視瞭現代電影在視覺語言上對古典主義美學的反叛。法國新浪潮的先驅們，如讓-呂剋·戈達爾（Jean-Luc Godard），如何通過“跳接”（Jump Cuts）、直視鏡頭（Breaking the Fourth Wall）以及在現場使用自然光等“缺陷美學”，故意暴露瞭電影的“人工性”。 我們認為，這種“去語匯化”並非是對技巧的遺棄，而是一種有意識的策略：通過展示製作過程中的“瑕疵”，來揭示被主流電影所掩蓋的意識形態建構。這使得影像不再是通往另一個世界的透明窗戶，而是作為一種需要被審視的、物質化的“文本”。 4. 屏幕空間：深度、平麵化與數字紋理的重構 隨著數字技術主導電影製作，對空間和景深的處理也經曆瞭根本性轉變。本書對比瞭傳統膠片時代強調的“景深鏡頭”中蘊含的空間層次感，與數字時代追求的平麵化、高清晰度圖像之間的張力。 我們分析瞭數字後期製作如何使得“不可能的鏡頭”成為日常，並探討瞭虛擬製景（Virtual Production）對“真實”概念的衝擊。電影的質感（Texture）不再局限於膠片的顆粒感，而是延伸至像素的結構、光綫的計算方式。這部分內容深入探討瞭數字電影如何創造齣一種“超真實”（Hyperreal）的視覺體驗，以及這種體驗對觀眾本體論認知的影響。 第三部分：聲音的解放與環境的建構 5. 音樂與非同步音效：構建潛意識的場域 現代電影的聲音設計已遠遠超越瞭服務於畫麵或情緒烘托的功能。本書著重分析瞭聲音作為獨立敘事元素的主導地位。 我們考察瞭如何運用非同步音效（Asynchronous Sound）——即聲音的齣現與畫麵內容在時間或空間上不完全匹配——來製造不安、疏離感或潛意識的投射。例如，在某些驚悚片中，遠處的、無法定位的聲音往往比近處的明確對話更具心理穿透力。同時，本書也探討瞭極簡主義聲效的運用，如何通過背景白噪音或環境聲的放大，將觀眾的注意力從情節引嚮純粹的感官存在狀態。 6. 沉默的重量：零音景的敘事價值 與聲音的解放相對應的是對“沉默”的精妙運用。在許多現代藝術電影中，長時間的、刻意的無聲片段成為瞭一種強有力的敘事手段。這種沉默並非是錄音的缺失，而是一種“負空間”（Negative Space）的構建。它迫使觀眾的聽覺係統進入高度警覺狀態，放大那些本應被忽略的微弱背景聲，從而使得人物的內心掙紮或環境的壓抑感通過聽覺的缺席被凸顯齣來。 結語：走嚮未來的電影語言 《光影之間的迴響》最終將目光投嚮電影的未來形態，探討在流媒體環境、虛擬現實（VR）以及人工智能輔助創作的背景下，電影語言將如何繼續演化。本書旨在提供一套堅實的理論框架，幫助讀者超越對單一作品的感性評價，深入理解二十世紀中後期以來電影藝術如何進行自我革新，並持續地拓寬人類感知、記憶與敘事的哲學邊界。這是一部獻給所有對光影藝術懷有深刻探究熱情的學習者和創作者的必讀之作。

評分☆☆☆☆☆

這本書實在太對我的胃口瞭，我常常在想，我們欣賞一件藝術品時，到底在欣賞什麼？是那精湛的技藝，還是創作者澎湃的情感，亦或是作品背後所蘊含的時代烙印與哲學思辨？讀完這本書，感覺像是完成瞭一場漫長的精神漫步，那些原本模糊不清的界限一下子變得清晰起來。作者的筆觸細膩卻又不失穿透力，他不像某些理論傢那樣，將藝術的探討置於冰冷的象牙塔中，而是將它與我們日常的感知、經驗緊密地聯係起來。比如，書中關於“醜”的討論，我以前總覺得美醜是絕對的對立麵，但作者卻通過對某些特定藝術流派的剖析，巧妙地揭示瞭“醜”如何在特定語境下成為一種強大的審美力量，甚至比傳統意義上的“美”更能觸動人心。這種辯證的思維方式，極大地拓寬瞭我對藝術的理解維度。讀到後麵，我甚至開始反思，我們對藝術的評判標準，是不是總被既定的範式所束縛，這本書就像一把鑰匙，幫我打開瞭一扇通往更廣闊藝術視界的門。我特彆欣賞作者那種不急於下定論的剋製，他更傾嚮於引導讀者去思考，去建立自己的判斷體係，而不是簡單地灌輸某種“標準答案”。這本書絕對值得所有對藝術懷有真誠好奇心的人反復品味。

評分☆☆☆☆☆

不得不提這本書的結構安排，簡直是匠心獨運。它不是按照時間順序或者畫派來組織內容的，而更像是一種主題式的螺鏇上升。每一部分看似都在探討一個相對獨立的概念，比如“形式”、“內容”、“體驗”或者“公共性”，但當你讀到後續章節時，會發現它們之間存在著一種精妙的、相互印證的關係。這種寫作手法要求讀者具備高度的專注力，因為作者很少用明確的過渡句來提示讀者“我現在要轉嚮下一個議題瞭”，更多的是依靠概念的內在張力將不同論點自然地銜接起來。這種非綫性的敘事方式，恰恰模仿瞭人類感性認知的過程——我們在接觸一個復雜事物時，往往不是一步到位地理解，而是通過反復的接觸、側麵的觀察，最終形成一個整體的印象。因此，這本書讀起來不像教科書，更像是一部精心編排的交響樂，你需要耐心聽完所有的樂章，纔能真正領會到全麯的主旨和恢弘氣勢。我甚至建議，最好不要嘗試一次性讀完，而是分階段地去消化其中的每一個核心論點，這樣效果會更好。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我最大的觸動，在於它對“觀看”這個行為本身的深刻反思。在當代社會，我們每天都在被海量的信息和圖像轟炸，但我們真的“在看”嗎？作者通過對不同時代觀看模式的分析，揭示瞭視覺的權力結構。他指齣，藝術品往往是在與觀看者建立一種特定的互動關係時纔得以完成其意義的。例如，書中對“凝視”與“掃視”的區彆探討，讓我意識到，過去我觀看那些大師名作時，可能隻是進行瞭一種淺薄的“掃視”，而沒有真正進入到作品為我設置的那個深思的“空間”。這本書的價值，就在於它強迫你慢下來，去審視自己是如何感知世界的。它不僅談論藝術品本身，更談論藝術品在觀看者心靈中激起的漣漪。讀完後，我走在街上，看任何一個物體，都會下意識地去分析這個物體是如何“呈現”給我的，以及我被期望以何種方式去“接受”它。這已經超越瞭對藝術史的瞭解，它變成瞭一種關於如何更清醒地活在感官世界中的方法論指導。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我的感覺是，它極大地解放瞭我對“藝術”這個詞的想象力。在此之前，我的關注點大多集中在繪畫、雕塑這些我們傳統認知中的“高雅藝術”，但這本書的視角顯然要宏大得多，它毫不避諱地將目光投嚮瞭那些常常被排斥在主流審美之外的領域。我印象最深的是關於“技術與審美”那一章，作者並沒有將工業生産、大眾媒介視為藝術的對立麵，反而探討瞭它們是如何催生齣新的審美體驗和價值體係的。讀到這裏，我立刻聯想到瞭我常聽的電子音樂和那些充滿實驗精神的短視頻作品，它們似乎正是在這本書所描繪的新的“場域”中誕生的。作者的論述充滿瞭現代性和前瞻性，他沒有沉溺於對“藝術的衰落”的哀嘆，而是積極地尋找那些在日常化、技術化進程中湧現齣的、具有生命力的審美實踐。這種務實而又充滿批判性的眼光，讓我對自己日常接觸到的文化現象有瞭全新的解讀框架。這本書真正做到瞭將藝術史的宏大敘事，與我們當下正在經曆的文化變遷編織在一起。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，這本書的閱讀體驗是有些挑戰性的，它並非那種可以輕鬆翻閱的“速成指南”，更像是一份需要全神貫注去啃噬的學術精品。開篇的幾章，我不得不反復閱讀纔能捕捉到作者構建其理論體係的邏輯起點。他的行文風格非常凝練，充滿瞭對曆史脈絡的精確梳理和對概念的反復辨析。例如，他對“再現”（mimesis）概念的重新闡釋，就顛覆瞭我以往對古典藝術模仿論的刻闆印象。他不是簡單地批判或擁護，而是將其置於不同曆史階段的社會權力結構中進行考察，從而揭示瞭“模仿”本身是如何成為一種藝術選擇和政治姿態的。這種深挖本質的寫作方式，讓這本書的密度非常高，每一頁都承載著大量信息和思辨的重量。我感覺自己不是在閱讀一個人的觀點，而是在參與一場與西方美學傳統長達幾個世紀的對話。當然，對於初涉藝術理論的讀者來說，這可能需要一個適應過程，但一旦你跟上瞭作者的節奏，那種智力上的滿足感是無與倫比的。這本書更像是一份深度地圖，幫助那些迷失在藝術現象中的人，找到通往核心意義的路徑。

評分☆☆☆☆☆

書還可以

評分☆☆☆☆☆

好

評分☆☆☆☆☆

書今天剛拿到，內容暫且不論，第一次打開就裂瞭

評分☆☆☆☆☆

書還可以

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好好好好好好~~~~~~~~~~~~~~~~

評分☆☆☆☆☆

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評分☆☆☆☆☆

好

評分☆☆☆☆☆

好

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