艺术设计基础：平面构成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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栾黎荔 编

图书标签:

• 艺术设计
• 平面设计
• 构成原理
• 基础教程
• 设计入门
• 视觉传达
• 设计基础
• 色彩构成
• 形式美学
• 版式设计

出版社： 武汉大学出版社

ISBN：9787307093416

版次：1

商品编码：10938768

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-01-01

用纸：胶版纸

页数：77

字数：113000

内容简介

　　《艺术设计基础：平面构成》无论是在理论上还是案例分析上，都讲究设计学科的共享性特点，并不以艺术设计某一个专业的范畴为例来进行指导，而是强调艺术设计学科各个专业的交叉性，在不同学科的交叉过程中，充实学生的知识结构，以艺术设计学科专业基础课程的姿态来诠释如何学好平面构成。该书指导明晰，目的明确，便于课堂教学的实际操作，每章都有教学指导目的、意义和方法可以供教师教学参考。教材强调了指导作用和现场感，以达成师生互动、寓教于乐的目的。针对学生方面，《艺术设计基础：平面构成》注重学生理解、分析与实践能力的培养，以大量的图解形式贯穿教材始终，图文并茂，形象生动，使晦涩难懂的专业理论变得易于被学生所接受。在布置作业环节中，导入设计主题，注重专业特点，培养学生准确表达设计思想的能力。在平面构成的表现手段上，推荐和采用了活泼多样的、简单的、充满情趣的手工技法以及电子计算机技术，摆脱了固有的、单一的平涂方式和学生们的厌学情绪，对学生未来的表现手段和风格都有着较好的引导作用，不会造成单一、平庸的负面影响。《艺术设计基础：平面构成》还添加了大师集锦，以扩充学生的知识面，大大提高其学习兴趣。
　　 　　《艺术设计基础：平面构成》收集了具有代表性特点的艺术大师的作品图片和许多优秀的学生作品，可供教师讲解和学生学习参考。《艺术设计基础：平面构成》更多地强调构成与各艺术设计专业之间的联系，其目标在于开发和培养学生们的创新思维，是高校艺术设计各专业必备的专业教材或教学参考用书。

目录

第一章 平面构成概述
第一节 平面构成的概念
第二节 平面构成的历史、现状与发展
第三节 平面构成的学习目的和意义与价值
第四节 平面构成的学习与指导方法
第二章 平面构成要素：点、线、面
第一节 平面构成的图像形态特征
第二节 平面构成要素之一：点
第三节 平面构成要素之二：线
第四节 平面构成要素之三：面
第五节 善用平面构成要素的大师
第三章 平面构成的基本形式
第一节 基本形与形态间的构成方式
第二节 形式美的法则
第三节 构成基本形式与构成骨骼
第四节 平面构成大师及作品
第四章 平面构成的创造方法
第一节 图与底
第二节 分割构成法
第三节 群化组合
第四节 图与底的造型大师
第五章 矛盾空间
第一节 视错觉与矛盾空间的概念
第二节 平面上形成空间的因素
第三节 矛盾空间的构成方法
第四节 矛盾空间大师
第六章 平面构成计算机方法探析
第一节 平面构成与电脑技术的关系
第二节 平面构成与电脑技术
第七章　平面构成设计应用及综合训练
参考文献

前言/序言

现代建筑的几何与光影：结构美学探索 本书简介 本书聚焦于现代建筑领域，深入剖析构成当代建筑形态与空间体验的核心要素——几何结构与光影运用。我们旨在提供一个系统且富有洞察力的视角，用以理解那些塑造我们城市天际线和日常生活环境的建筑作品。本书内容完全独立于“艺术设计基础：平面构成”一书所涵盖的二维平面构成原理，而是将焦点完全投射到三维空间、材料特性以及环境互动这一宏大命题之上。 第一部分：结构基石——几何形态的逻辑与演变 现代建筑的本质在于其对理性结构和几何纯粹性的追求。本部分将追溯自包豪斯以来的现代主义思潮，探讨几何形态如何从早期的严格的立方体、矩形体块，逐步演化为更复杂、更具动态的形态。 1. 纯粹几何的回归与批判： 我们将详细分析勒·柯布西耶的“新建筑五点”中对纯粹几何体块的运用，并对比密斯·凡德罗“少即是多”哲学指导下的网格体系。这并非对平面图纸上点、线、面的简单重复，而是探讨这些基本元素在三维尺度上如何构建承重系统、界定空间层次。重点讨论如何通过对体块的切割、堆叠和穿插，实现视觉上的平衡与张力，这与平面设计中关注的视觉平衡是两个维度的议题。 2. 复杂几何与参数化设计： 进入后现代及当代建筑阶段，技术的发展使得以往难以实现的复杂几何形态成为可能。本章将深入研究参数化设计（Parametric Design）在建筑结构中的应用，例如Zaha Hadid事务所或Grimshaw事务所的作品。我们讨论算法如何驱动曲面生成，如何将非线性几何逻辑融入到结构工程的约束条件之中，从而创造出既具雕塑感又符合结构力学的建筑形体。我们将分析这些复杂的曲面（如双曲面、扭转面）在采光、风荷载和材料成本上的实际考量，这些远超平面构成所能覆盖的范畴。 3. 拓扑学的空间叙事： 传统的建筑基于欧几里得几何，但当代建筑师越来越倾向于探索拓扑学概念，即空间连接性和连续性。本书将介绍如何运用拓扑学的思维来设计连续流动的空间，例如博物馆的参观流线或公共建筑的内部循环。这种设计方法关注的是空间之间的“可变形性”和“邻近关系”，而非仅仅是平面上的形状组合。我们会对比分析这种三维空间连续性与平面构成中对形状边缘界定和区域划分的根本区别。 第二部分：光影的建筑性——材料、时间与氛围的塑造 光线是建筑的“第二材料”。如果说几何结构定义了建筑的骨架，那么光影则赋予其生命、深度和情感体验。本书在光影分析上，聚焦于其在真实尺度和时间维度上的作用。 1. 自然光的定向与控制： 本部分将细致考察不同地理纬度和朝向对光照特性的影响。我们分析如何利用深挑檐、遮阳板（Brise Soleil）和格栅系统，精确地控制进入室内的光照强度和角度。这涉及热力学和建筑物理学的知识，而非简单的明暗对比练习。例如，分析如何设计天窗（Clerestory Windows）以引入漫射光，照亮核心筒，同时避免眩光。 2. 材料的“光反应”： 材料的选择直接决定了光线如何在表面被吸收、反射或折射。本书将对比分析混凝土、玻璃幕墙、金属板材与木材在不同光照条件下的表现。我们将探讨高性能玻璃（Low-E Glass）如何改变室内外光环境的交互方式，以及粗糙的砖石表面如何通过阴影的层次感来强调其肌理和厚度。这是一种对物质性的深度探究，远超平面设计中对色彩和纹理的二维模拟。 3. 时间的维度：光影的动态变化： 建筑体验是动态的。本书强调光影如何随一天中的时间、季节的变化而“雕刻”建筑空间。我们将通过案例研究，分析建筑师如何精心编排光影的序列——清晨的锐利光束、正午的强烈对比、黄昏的温暖色调——这些共同构成了建筑的时间叙事。这种动态的、四维的（包含时间）空间体验，是本书区别于静态平面构成的核心。 第三部分：光与形的交汇——案例深度解构 本书最后一部分将通过对一系列经典与当代建筑案例的分析，整合几何结构与光影运用的原理。 1. 博物馆与光线叙事： 以路易·康的萨克生物研究所或理查德·迈耶的作品为例，分析光如何被导向特定的功能区域，如何作为象征性的元素出现。探讨光如何强化空间的纪念性或亲密性。 2. 城市界面与体块的“阴影表达”： 研究高层建筑或综合体如何通过体块的错位和表皮的凹凸变化，来回应城市环境中的日照和视线要求，以及这些体块在城市尺度下投射出的巨大阴影如何成为城市景观的一部分。 3. 透明度与遮蔽的辩证法： 探讨玻璃幕墙的过度使用及其反思。分析当代建筑师如何重新引入“墙”的概念，通过精心设计的穿孔板、百叶或双层表皮，在保持通风和采光的同时，控制视觉的渗透性，创造出介于“开放”与“私密”之间的中间状态。 总结 本书致力于为读者提供一套理解现代建筑复杂性的工具箱，核心在于结构逻辑、空间维度以及光影对人类感知的深刻影响。我们关注的是在三维真实世界中，材料的重量、结构的张力和光线的流动如何共同创造出具有生命力的、可被感知的居住与工作环境。本书的深度和广度完全聚焦于建筑学的尺度、结构和环境交互，与平面构成中的视觉组织原则并无直接关联。

评分☆☆☆☆☆

关于构图和空间感的探讨，这本书的见解达到了哲学的高度。它不像市面上那些只教你“三分法”、“黄金分割”的工具书，而是深入挖掘了人类感知世界的基本模式，解释了为什么某些布局会让人感到稳定、平衡，而另一些则产生动感或不安。我尤其欣赏作者对“负空间”处理的精妙阐述，这部分内容对我理解极简主义设计风格的精髓起到了决定性的作用。通过大量的对比图例，我开始意识到，设计中的“留白”并非空无一物，而是与主体同等重要的构成元素。这种对空间与实体之间辩证关系的探讨，极大地拓展了我作为设计师的思维边界，让我不再局限于画面的内容本身，而是开始思考画面的“呼吸感”和“节奏感”。

评分☆☆☆☆☆

从装帧工艺来看，这本书本身就是一件值得收藏的作品。纸张的质感、印刷的清晰度，都达到了顶级水准，这对于一本视觉导向的书籍来说至关重要，因为它直接影响到读者对书中呈现的作品的真实感知。触感上的愉悦是阅读体验中不可或缺的一环，而这本书在这方面做得非常出色。此外，作者在引用和致敬经典设计案例时所表现出的专业性，也让我深感信服。它不是简单地罗列作品，而是精准地指出了每一件作品中与基础原理相契合的关键点，使得理论与实践的连接变得无比顺畅自然。这本书不仅是知识的载体，更是一件带有温度和力量的实体，每次翻阅都能从中汲取到新的灵感和对设计的热情。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我大开眼界，尤其是它对色彩理论的深入剖析，简直是大师级的讲解。作者似乎拥有一种魔力，能将抽象的色彩关系变得如此直观易懂。我以前总觉得色彩搭配是靠感觉，但这本书提供了一套科学的、系统的框架，让我明白了为什么某些颜色组合能产生特定的情感冲击，而另一些则显得平淡无奇。它不仅教你“看”颜色，更教你如何“运用”颜色来讲述故事。书里那些案例分析，每一个都充满了匠心独运，展示了色彩在不同文化背景和设计语境下的巨大潜力。对于一个初学者来说，这本书无疑是一份宝藏，它打下了坚实的基础，让我在后续的学习中能够更自信地驾驭视觉语言。如果有人想在视觉传达领域有所建树，这本书的色彩部分绝对是必读的圣经，它教会我的远超一本书的价值。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的版式设计简直是教科书级别的典范，每一页的留白、字体的选择，乃至章节之间的过渡处理，都体现出一种极高的审美素养。读起来感觉就像是在欣赏一件精心制作的艺术品，而不是简单地吸收知识。特别值得称赞的是，作者在组织复杂信息时的逻辑清晰度，即使涉及到一些比较硬核的设计原理，也能通过巧妙的图示和排版安排，让人毫不费力地跟随思路。这种对“形式美”的极致追求，本身就为书的内容增色不少。它用行动证明了内容和形式的完美统一，这种潜移默化的影响，比任何说教都来得深刻。我甚至会特意去研究书中的字体对比和网格系统是如何工作的，这种体验是其他设计书籍很少能提供的，它引导我从整体布局的角度去审视一切视觉呈现。

评分☆☆☆☆☆

这本书在讲解基础元素（如点、线、面）时，展现出了一种近乎于“解构主义”的分析能力。它将平面设计最基本的构成要素拆解到极致，然后再展示如何通过这些看似简单的元素，通过运动、方向、重量等维度的控制，创造出无限的可能性。最让我惊喜的是，它并没有止步于理论层面，而是提供了大量极具创意的练习指南，这些练习并非简单的重复模仿，而是鼓励读者跳出固有的思维定势，去探索元素间的内在联系和张力。这种强调“主动建构”而非“被动接受”的教学方式，极大地激发了我的创造潜能，让我敢于尝试那些以前认为“不可能”的视觉组合。读完这部分，感觉自己对每一个像素点的排列都有了更深刻的敬畏之心。

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实用，好书。

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