电影摄影速成：《公民凯恩》开拍前奥逊·威尔斯的虚拟摄影课 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] David Worth 著

图书标签:

• 电影摄影
• 奥逊·威尔斯
• 公民凯恩
• 电影制作
• 摄影技巧
• 电影教学
• 电影史
• 经典电影
• 视听语言
• 电影理论

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115282774

版次：1

商品编码：11051497

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-06-01

用纸：胶版纸

页数：144

字数：200000

产品特色

内容简介

《电影摄影速成：开拍前奥逊·威尔斯的虚拟摄影课》别出心裁地虚拟了传奇电影摄影师格雷格·托兰给一个名叫奥逊·威尔斯的年轻人开速成班，并在某个周末教授他关于电影摄影的基本知识。
全书图文并茂地揭开了电影摄影幕后工作的神秘面纱，就像奥逊·威尔斯筹拍《公民凯恩》前的幻想曲。大卫·沃斯让自己所从事的电影摄影工作不再神秘，使电影摄影对于学生和非专业人士来说都通俗易懂。《电影摄影速成：开拍前奥逊·威尔斯的虚拟摄影课》就像在偷听电影界神童奥逊·威尔斯和著名电影摄影师格雷格·托兰的谈话。
寓教于乐的行文方式使本书值得一读，活泼、有趣、滑稽、冒险是本书的特点。这是一本很有趣的关于电影摄影艺术基础的书籍，推荐电影相关专业学生、电影爱好者及从业人员阅读。
《电影摄影速成：开拍前奥逊·威尔斯的虚拟摄影课》作者大卫·沃斯作为导演和摄影指导，拍摄了30多部故事片。曾与克林特·伊斯特伍德、谢利·温特斯、尚格·云顿、丹尼斯·霍珀和布鲁斯·坎贝尔等著名电影人合作。大卫目前依然坚持参与国际合作制片，同时编写剧本并在查普曼大学道奇电影和媒体艺术学院任教。此外，他还在南加州大学电影学院和加州大学洛杉矶分校戏剧影视系授课。

内页插图

目录

第一幕 上帝的眷顾
第二幕 景别
第三幕 布光
第四幕 静止及运动物体
第五幕 坦白说，奥逊，我不在乎
第六幕 附录
电影摄影：Cin-e-ma-TOG-ra-phy
电影摄影的外语术语
摄影和早期电影
镜头光圈（Lens Aperture）/F制光圈
个人小传：奥逊·威尔斯
奥逊·威尔斯语录
片目（奥逊·威尔斯主演及导演作品）
个人小传：格雷格·托兰
格雷格·托兰作品表
其他资料来源
特别鸣谢
黑白电影摄影中白天外景彩色滤光镜的选择
F制光圈对摄影机速度的补偿
24帧/秒－35毫米胶片表
入射光/T制光圈
英文索引
作者简介
插图作者简介
译者后记
译者简介
吴荣生简介

前言/序言

电影摄影速成：《公民凯恩》开拍前奥逊·威尔斯的虚拟摄影课 一部穿越时空的摄影教程，带你领略电影史上最伟大作品诞生的幕后秘密。 本书并非直接剖析《公民凯恩》的最终成片，而是聚焦于一个更具启发性的切入点：如果电影史上最富革命性的导演之一——奥逊·威尔斯，在正式开机前，为他的摄影师格雷格·托兰德（Gregg Toland）乃至整个剧组进行了一场深入的、关于视觉语言构建的“虚拟培训课”，那会是怎样一番场景？ 这本书将带领读者进入一个思想实验的殿堂，重构二十世纪四十年代初，年轻的威尔斯如何将他前卫的戏剧理论、对先锋艺术的理解，以及对电影语言的深刻洞察，转化为具体、可操作的摄影指导和视觉概念。我们不着眼于对已完成作品的分解，而是致力于重现“创作过程中的思维模型”。 第一部分：光影的哲学与空间的重塑 第一章：室内世界的革命——打破传统布光模式 我们首先将探讨威尔斯和托兰德在《公民凯恩》之前对传统好莱坞“清晰、柔和”布光哲学的颠覆性设想。本书将详细阐述他们如何规划使用“高调的黑暗”（High-Key Darkness）——一种并非完全黑暗，而是通过精确控制光源，使阴影成为叙事核心的布光理念。我们将模拟威尔斯对“自然光”的极端追求，即便是在棚内场景，也要营造出那种如同自然穿透窗户、切割空间的真实感。 案例模拟（虚拟）： 深入分析“没有灯光的灯光”——如何利用大型遮光板、反射板和高功率聚光灯的交叉作用，创造出那种深邃、富有层次感的布景，而不是依赖于柔和的散射光。 焦点训练： 威尔斯对“背景照明”的执着。探讨他们如何预设背景光，确保即使前景人物处于阴影中，背景空间依然清晰可见，从而实现对景深前所未有的控制。 第二章：景深的前瞻性运用——“全景深”的理论基础构建 本书将从理论层面而非技术成品来审视“深焦摄影”（Deep Focus）这一概念的诞生。我们不会分析最终画面中前景人物和背景动作的清晰度，而是深入研究威尔斯在剧本撰写之初，就如何在脑海中构建多层次的空间叙事。 空间构图的“剧场化”： 模拟威尔斯如何要求托兰德重新思考镜头不再仅仅是“框取”动作，而是要成为一个“观察室”。重点阐述如何通过景深的变化（或保持不变），引导观众的注意力，赋予他们主动选择观看焦点的权力。 镜头语言的语法： 探讨他们如何预先设定一套镜头语言规则，例如，何时使用广角以夸张地面部特征和空间透视，以及何时通过浅景深来孤立人物的情绪。这种设定并非为了最终效果，而是为了在拍摄现场确保摄影师与导演的视觉意图高度一致。 第二部分：视角与叙事的交织 第三章：仰角与俯视的心理学——重建人类的尺度感 在威尔斯“虚拟课堂”中，一个重要的环节必然是对视角心理学的深度探讨。本书将详细拆解他们如何在拍摄前夕，确定不同场景中“谁在看谁”的权力关系，并将其转化为具体的摄影机高度和角度选择。 “巨人凯恩”的视觉锚点： 探讨为何需要将镜头（摄像机）放置在异常低的角度，并非仅仅为了让人物显得高大，而是为了模拟角色在特定情境下的主观感受和压迫感。我们侧重于讨论这种仰角如何服务于叙事的特定情绪转折点。 俯视的疏离： 模拟俯视镜头的使用原则——在威尔斯构思中，俯视不只是俯视，它代表着一种上帝视角、一种抽离，或是对个体命运的审判。书中将阐述这种镜头如何被精确地部署到需要表达主题性结论的场景之前。 第四章：动态构图的预演——移动镜头的潜能与限制 虽然《公民凯恩》以其复杂的运镜著称，本书将聚焦于威尔斯在构思阶段，对“移动”本身的定义。他们如何预想摄像机的运动来增强场景的内在张力，而非仅仅是跟拍。 “无缝剪辑”的思维模型： 虚拟模拟如何规划复杂的长镜头段落，重点在于如何通过摄像机（而不是剪辑点）来控制信息流的速度和密度。这涉及到对轨道、摇臂以及手持摄影（在早期实践中的设想）的精确功能定位。 构图的流动性： 如何在镜头移动过程中，保持画面中元素之间的动态平衡，确保观众的目光不会因运动而迷失方向，而是被引导至下一个关键的叙事点。 第三部分：摄影指导的实践蓝图 第五章：摄影机的选择与镜头语言的“非标准”设定 在开拍前，摄影师与导演必须就所使用的器材达成共识。本书将推演威尔斯和托兰德在那个时代背景下，对现有器材的“越界”要求。 广角镜头的“侵略性”： 深入讨论他们如何选择和定义广角镜头的使用范围，如何将其从传统的“远景工具”转变为“心理放大器”，用以扭曲现实感和增强人物内心的焦虑。 曝光表的挑战： 探讨他们如何在没有现代数字测光系统的时代，建立一套基于经验和艺术判断的曝光基准，以确保能够在同一景深内，既能捕捉到环境光线的细微差别，又能保证人物的清晰度。 第六章：故事板之外的“视觉笔记”——导演与摄影师的沟通密语 本书的最后部分，旨在揭示两位大师之间如何进行超越传统剧本和故事板的、更抽象的视觉沟通。 情绪地图的绘制： 模拟他们如何使用非语言的图示、对其他艺术作品（如绘画、戏剧舞台设计）的引用，来传达“氛围”和“质感”，而不是仅仅勾勒镜头位置。 声音与画面的共振预设： 讨论在无声的“虚拟课堂”中，威尔斯如何要求摄影师预留视觉空间给特定的声音元素（例如，通过空旷的画面来衬托远处的低语），从而构建声音与图像融合的叙事框架。 结论： 本书不提供《公民凯恩》的“答案”，而是提供了一套构建革命性视觉语言的“问题清单”和“思维框架”。通过对开拍前夕的假设性重构，我们得以领略到，伟大的电影语言并非一蹴而就，而是一系列大胆、前瞻性的视觉决策和哲学坚持的产物。读者将掌握的，是如何像威尔斯那样思考——如何将一个抽象的叙事目标，转化为具体的、具有颠覆性的光影和空间法则。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大震撼，在于它对“声音设计”与“摄影”之间关系的探讨，这往往是其他书籍容易忽视的交叉地带。作者没有将摄影孤立出来，而是将其置于整个电影声画构图中去考察。例如，书中对夜戏和室内戏中，光影是如何与环境音、对白的位置相互作用，从而共同塑造出凯恩的孤独感和压迫感时，那种精细的分析令人叹为观止。它不再是将摄影视为单纯的视觉记录工具，而是将其提升到了与剪辑、音效并驾齐驱的“叙事主体”地位。对于我们这些试图在现代独立电影制作中寻找突破口的人来说，这种跨学科的视野至关重要。它提醒我们，真正的创新往往发生在不同艺术形式的交界处。我特别留意了书中对于“照明即情绪”的阐述，那种将灯光比作人物内心活动的隐喻手法，着实让人眼前一亮，仿佛突然领悟了摄影师的真正使命——不是照亮，而是揭示。

评分☆☆☆☆☆

这部书的封面设计就带着一种奇特的复古感，仿佛真的能从指尖触摸到那个时代的胶片质感。我原本以为这又是一本老生常谈的电影史梳理，但翻开后才发现，作者的切入角度实在是太巧妙了——完全沉浸在《公民凯恩》开拍前的那个时间点，以一种“虚拟教学”的形式，让读者直接代入到奥逊·威尔斯的课堂中。这与其说是理论探讨，不如说是一次精心构建的“穿越体验”。书里对光影的描述，那种对阴影和高光边界的执着，读起来简直就像亲眼目睹了格雷格·托兰德是如何思考他的每一个景深镜头的。作者没有停留在表面的技术复述，而是深入挖掘了威尔斯那种打破一切既有规则的叛逆精神是如何转化为具体的镜头语言的。例如，书中对低角度镜头的运用动机的剖析，绝不是简单地说“为了显得人物高大”，而是结合了当时好莱坞制片厂体系的束缚，解析了威尔斯如何利用这些技术手段，从视觉上就完成对传统叙事权威的颠覆。这种结合了历史背景、心理分析和技术细节的叙述方式，让原本枯燥的摄影技术变得鲜活起来，充满了戏剧张力。读完之后，我感觉自己不仅仅是理解了《凯恩》，更是理解了那个时代电影语言革新的内在驱动力。

评分☆☆☆☆☆

我通常对专注于单一影片的解析书籍持保留态度，因为很多时候它们会陷入细节的泥淖而失去宏观视野。但这部作品的叙事结构非常巧妙，它以“开拍前”为锚点，通过对威尔斯在剧本和筹备阶段的构思进行反向工程式的推演，成功地搭建起了一座连接理论与实践的桥梁。它讨论的不是“我们该如何拍出像《凯恩》一样的画面”，而是“为什么威尔斯必须那样拍才能实现他的意图”。这种对“必然性”的追溯，比单纯的“如何做”要深刻得多。特别是书中对于早期胶片化学反应和镜头畸变的讨论，其专业程度令人印象深刻，但叙述方式却保持了极高的可读性，丝毫没有让人感到枯燥。它就像是一堂为你量身定制的、充满启发性的大师课，不仅让你学会了如何看电影，更重要的是，让你学会了如何思考电影制作背后的驱动力。这种读完后意犹未尽，并立刻想拿起相机重新审视自己拍摄对象的体验，是很多电影书籍无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己的“视觉词汇量”得到了极大的拓展。它不像那些堆砌术语的指南，更像是跟随一位深谙光影哲学的导师进行的高强度训练。作者似乎有一种魔力，能够将最复杂的摄影概念，通过与《凯恩》具体场景的对应，变得直观易懂，同时又保留了其深奥的美学价值。书中对“场面调度”的解读，与我们通常理解的仅仅是演员走位不同，它将摄影机的位置、镜头的光轴、以及景深的变化，都视为场面调度不可分割的一部分。这种整体性的视角，对我以往看待和分析电影的方式产生了根本性的冲击。我开始留意那些看似不经意的镜头运动——它们是如何引导我的目光，又是如何无声地传递信息和情感的。更重要的是，书中对威尔斯那种“想做什么就必须做到”的绝对控制欲的描绘，让读者真切感受到，伟大的艺术创作，往往是理想主义与技术执行力之间激烈碰撞的产物。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对经典电影有着近乎偏执热爱的业余爱好者，阅读过市面上所有主流的电影制作解析书籍，坦白说，大部分书籍都陷入了“如何模仿”的窠臼，要么是纯粹的技术手册，要么是空泛的艺术赞美。然而，这部作品的独特之处在于，它拒绝给出标准答案。它更像是一份邀请函，邀请你与威尔斯一起，在那个充满未知与可能性的创作前夜，去共同“发明”电影语言。书中对于“深焦镜头”的讨论，不是简单地介绍光圈和景深的关系，而是将其提升到哲学层面——它如何改变了观众的凝视方式，迫使观众在同一画面内完成主动的选择与解读？作者似乎在引导我们思考，在那个特定时刻，为什么只有“深焦”才能承载威尔斯对“全景式人生”的野心。我特别欣赏作者在描述场景调度时所采用的散文诗般的笔法，那种对画面构图的精妙拆解，读起来有一种强烈的画面感，甚至不需要配合影片就能在脑海中构建出那个标志性的布景。它成功地避开了学院派的刻板说教，用一种近乎私密的、充满激情的语气，讲述了创作的痛苦与狂喜。

评分☆☆☆☆☆

值得一看的书。比较有意思。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

朋友推荐的,,还在看中

评分☆☆☆☆☆

值得一看的书。比较有意思。

评分☆☆☆☆☆

在这里预定的！！！！！！！

评分☆☆☆☆☆

将就看吧,没有介绍的好

评分☆☆☆☆☆

不错的书，是正版的

评分☆☆☆☆☆

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