设计传奇：仓俣史朗的设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[日] 村下直 著

图书标签:

• 设计
• 仓俣史朗
• 日本设计
• 现代设计
• 工业设计
• 家具设计
• 室内设计
• 设计史
• 设计师
• 极简主义

出版社： 山东画报出版社

ISBN：9787547406670

版次：1

商品编码：11055228

包装：平装

开本：32开

出版时间：2012-08-01

用纸：胶版纸

页数：99

字数：50000

正文语种：中文

内容简介

《设计传奇：仓俣史朗的设计》是对仓俣史朗设计作品的评论和解析。读者可以从中深刻领略到，仓俣史朗的作品非常巧妙，简单而不简陋，虽有后现代走向却不需要后现代的繁杂形式和色彩，有时候是单纯依靠结构而已，有时候则是空间胜于实体。他设计的作品和家具非常轻盈，似乎能漂浮在空气中与光线嬉戏。他使用了各种材料来让自己的作品摆脱重力作用：玻璃、铝，钢丝……

作者简介

村下直，设计师，报刊评论人。

内页插图

目录

前言
月亮有多高
布兰奇椅子
占
素材
坐·椅子
光架子
抽屉
伞架
橱柜
深夜中的厨房
时钟
丘比特娃娃
透明玻璃

精彩书摘

对仓俣来说，就像把老鼠画在素描中一样，像鸟笼和笼子一样的东西只是一个沙发的形态而已。确实，间奏是一个被围起来的空间，但也能感觉到将混沌的力压回内部和外部的那种秩序性。明明是沙发的形态，却是一种似有痛感的金属存在，这种存在性和“混乱=混沌+宇宙”这一存在相关联。
克利·保罗的造形论也已经指出了这种洞察。克利·保罗用“灰色的点”来表达。
即使没有点这个次元，并且也不可能判断位置所在的混沌，同时也能够通过命名为“灰色的点”来获得次元空间，尝试远心力优胜于重力这样的表现。虽然吉尔-德勒兹和加塔利很赞赏这一点，但中村雄二郎却指出这个解释缺乏说服力。中村指出加上灰色的性格应该说是在三原色（三声音）的循环（轮唱）这一前提下进行的。
因此，仓俣应该不是摸索到吉尔·德勒兹和加塔利的间奏论后设计“How High The Moont”的。
仓俣是这样一个设计师，通常使占有空间的存在漂浮起来、再脱离它、消除它，最后再使其消亡，但又不去除对“存在化”的欲望。
最初，是扩展金属这一素材出现在眼前了呢，还是通过设计想把沙发这一物体解体了呢？到底是哪一个呢？
我想着也就只有这两个线索了。
这只能是作为设计师的直观。
理论上造形可能已经诞生了，但基本上只是达到了宇宙的形态化，而能够给予感动的物品并没有将其具体化。比如，题名非常地风趣幽默，但是能使这个题名充分起来的存在感还没有出现。
……

好的，这是一本关于其他设计领域大师的图书简介，重点突出其成就、设计理念与时代背景的交织，力求内容详实、风格自然： --- 光影流转的建筑史诗：密斯·凡德罗的“少即是多”与现代主义的永恒回响 导言：结构之诗与理性之光 本书带领读者深入探索二十世纪最具影响力的建筑巨匠之一——路德维希·密斯·凡德罗（Ludwig Mies van der Rohe）的恢弘世界。他不仅是一位建筑师，更是一位哲学家、一位将“少即是多”（Less is More）的信条演绎到极致的艺术大师。这部详尽的编年史和理论分析，旨在剥离时代与流派的标签，直抵密斯设计哲学的核心：对材料的尊重、对清晰结构的执着，以及对空间无限可能性的不懈追求。我们将追溯他从欧洲的包豪斯运动到移民美国后的职业生涯高峰，剖析他如何用钢铁与玻璃塑造了一个全新的、面向未来的建筑语言。 第一章：早期探索与包豪斯时代的淬炼（1886-1938） 密斯的早期经历，充满了对传统工艺的深刻理解与对新兴工业材料的强烈好奇。出生于德国亚琛一个石匠家庭，密斯很早就接触到建筑的实体构造与材料的本质。本章详细考察了他在柏林初期为彼得·贝伦斯（Peter Behrens）工作的经历，这段时期对他理解工业化生产与古典比例的融合至关重要。 我们重点分析了他在魏玛和德绍包豪斯任职期间的设计理念演变。从他早期对新古典主义的精妙提炼，如新古典主义风格的百货大楼设计，到他开始倡导的“皮肤与骨骼”（Skin and Bones）结构表现主义。特别是他对工业材料的“去装饰化”处理，例如利用清晰可见的钢结构框架来定义空间，而非仅仅作为承重构件。书中将细致比对他在包豪斯时期主导的图森（Tuschen）工厂扩建项目与巴塞罗那德国馆的早期草图，揭示其对透明度、流动性以及“自由平面”（Free Plan）概念的萌芽与深化。 第二章：巴塞罗那的沉思与现代空间的诞生 巴塞罗那世界博览会德国馆（1929）被公认为密斯现代主义的宣言之作。本章将以考古学般的细致，重构这座短暂却影响深远的建筑。我们探讨的不仅仅是其标志性的十字形钢柱和悬浮的平面，更关注其空间流动性（Spatial Flow）的实现。密斯如何通过精心挑选的昂贵材料——缟玛瑙、青金石、特拉弗丁大理石——来赋予极简结构以物质的重量感和精神的崇高感，创造出一种“流动”的、可供朝圣般的体验空间。 书中将深入分析“从未完成的建筑”（The Unbuilt）在密斯思想中的重要性。那些未建成的项目，如曼哈顿高层办公楼方案（1921-22），展示了他对纯粹体块、光影反射的早期痴迷，预示着后来的全玻璃幕墙时代的到来。 第三章：跨越大洋：美国时期的“第二自然”（1938-1969） 随着纳粹政权对现代艺术的压制，密斯远赴美国，在芝加哥的阿默尔学院（后改名为伊利诺伊理工学院，IIT）开启了其职业生涯的下半场。这一转变不仅是地理上的位移，也是设计语言的升华与适应。 本章聚焦于IIT校园的整体规划与标志性建筑。我们将深入剖析康登斯大楼（Crown Hall），这座被誉为“无柱大空间”的完美典范。书中将详细描述密斯如何将承重结构完全移至外部，并通过巨大的悬挑结构，创造出内部完全灵活、纯粹开放的“大厅”。这种结构语言与当时美国工业化建筑生产方式的完美契合，使得密斯的理论得以大规模落地。 第四章：玻璃帷幕与摩天楼的极限 密斯在美国最广为人知的成就，便是将钢结构与玻璃幕墙的结合推向了工业美学的顶峰。 范斯沃斯住宅（Farnsworth House）被视为住宅设计的终极简化。本章将探讨这座住宅背后的哲学矛盾：对环境的绝对开放性与对居住私密性的剥夺之间的张力。我们分析了其架空设计、极简的材料构成，以及它如何成为现代主义建筑与自然环境对话的永恒案例。 随后，我们将目光投向城市天际线。西格拉姆大厦（Seagram Building）的建造，标志着商业摩天楼设计的一个里程碑。书中详尽解读了密斯如何通过对青铜饰面、深凹的基座（Plaza）以及对垂直线条的强调，在标准化的高层建筑中注入古典的秩序感与材质的贵族气息。我们探讨了“表面装饰”与“结构表达”的微妙平衡，以及他如何坚持使用高质量的、非结构性的青铜I型梁作为建筑的“皮肤纹理”。 第五章：永恒的母题：结构、细节与普适性 本书的最后一部分，聚焦于密斯设计方法论中那些贯穿始终的母题。 1. 细节的哲学： 深入剖析密斯对连接件、螺栓、窗框收口的近乎偏执的关注。这些极小的“接缝”与“节点”，正是他“少即是多”哲学的物理体现，体现了他对工艺精确性的最高要求。 2. 普适性（Universality）： 密斯坚信好的建筑设计应当是超越地域、超越时间的。他的设计语言是抽象的、可复制的、可适应不同功能的。我们考察了他的“通用建筑”（Universal Space）理论，以及这种理念如何影响了后来的高技派建筑。 3. 光线的雕塑： 光线在密斯的建筑中不仅是照明，更是构成空间的要素。本书通过图纸分析，展示了光线如何在早期的格栅结构、后期的玻璃幕墙之间被捕捉、折射与渗透，最终定义出空间的情感氛围。 结语：一位大师的遗产 密斯·凡德罗留下的不仅仅是钢筋混凝土和玻璃构成的实体建筑，更是一种对清晰、理性、精确的现代生活方式的承诺。本书旨在为读者提供一个全面、深入的视角，理解这位巨人如何用最少的元素，构造了最丰富、最持久的建筑史诗。他的建筑，在经历了时间的冲刷后，依旧以其无可辩驳的纯粹性，向世人诉说着结构之诗的永恒力量。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构组织简直是反直觉的巧妙，它似乎故意打乱了时间线，将不同阶段的代表作并置展示，制造了一种跨越时空的对话感。这种非线性的编排方式，反而让我更容易捕捉到设计师思维中那些一以贯贯的“母题”——比如对透明度的迷恋，或是对几何形体如何承载情感的探索。我发现，即便隔了十几年完成的作品，它们之间依然存在着某种隐秘的线条和呼应，这本书成功地将这些“看不见的联系”具象化了。这种“织锦式”的结构，要求读者主动去建立联系，而不是被动接受既定的顺序。这种阅读体验，极大地提升了参与感，让我感觉自己不再是信息的接收者，而更像是一个初级侦探，在浩瀚的设计档案中寻找隐藏的关联。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品。封面那种低调的哑光质感，配上烫金的字体，拿在手里沉甸甸的，透露着一种沉静而有力的力量感。内页的纸张选择也很有讲究，那种微微泛黄的米白，让我想起老电影的胶片，特别适合去品味那些跨越时空的经典作品。而且，版式的排布极其考究，留白的处理恰到好处，让每一张作品的图片都有足够的呼吸空间，不会显得拥挤或杂乱。我常常只是翻阅这本书，就能感受到设计者对细节的极致追求，那不是简单的复制粘贴，而是经过深思熟虑的整体构图。这种对物质媒介的尊重，本身就是一种设计宣言，让人在触摸和翻阅的过程中，就能初步领略到设计大师对待材料和形式的敬畏之心。每一次翻开，都像是一次对美学典范的朝圣之旅，那种视觉上的愉悦感是其他印刷品难以比拟的。

评分☆☆☆☆☆

从内容呈现上来看，这本书在细节图和功能剖析上的处理尤为精湛。它不会仅仅满足于展示最终的、光鲜亮丽的成品照片，而是穿插了大量的草图、模型照片，甚至是失败的原型。正是这些“不完美”的瞬间，才真正展现了设计过程的艰辛与反复打磨。比如，某件家具的某个连接处的放大图，能看出设计师在力学与美学之间进行了多么激烈的权衡。这种“去神秘化”的处理方式，非常鼓舞人心，因为它告诉我们，伟大的设计背后，是无数次推翻重来的汗水和对物理法则的精确计算。它将设计师塑造成了一个充满韧性和探索精神的实践者，而非一个凭空想象的艺术家，这让整个设计过程显得既神圣又无比“接地气”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事口吻非常独特，它没有采用那种教科书式的平铺直叙，而是更像一位资深策展人，带着你缓缓步入一个充满诗意与哲思的创作世界。作者似乎并不急于给出最终的结论，而是通过一系列精心挑选的案例和侧面的引述，引导读者自己去挖掘作品背后的深层含义。读起来，你会有一种被邀请进入一个私人工作室的错觉，能听到那些关于光影、关于材质、关于存在的低语。这种“留白叙事”的手法，反而激发了我无限的联想和探索欲。它强迫你停止快速阅读的习惯，慢下来，去感受那些被文字和图片有意无意间遮蔽住的“未完成”之处，而恰恰是这些“未完成”，构成了最引人入胜的悬念。我发现自己常常会合上书本，盯着天花板，回味某一句看似不经意的评论，那种回响是持久而耐人寻味的。

评分☆☆☆☆☆

虽然我个人对那个特定时代的设计背景了解有限，但这套书的编排逻辑成功地构建了一个完整的“语境场”。它不仅仅是关于“展示作品”，更是关于“理解时代精神如何被转化为实体物件”。我尤其欣赏它对材料革新的那种细致捕捉，比如对新材料早期应用所带来的观念冲击的描述，显得非常扎实和有洞察力。它没有停留在对“造型是否美观”的表面判断上，而是深入探讨了技术边界的拓展如何重塑了设计师的思考方式。这种对技术与美学交汇点的深入剖析，对我这个非专业人士来说，极大地拓宽了对设计本质的理解——设计远不止于表面的风格，它更是一种对时代脉搏的精确捕捉和对可能性边界的勇敢试探。读完后，我对“创新”二字有了更立体、更具历史厚度的认知。

评分☆☆☆☆☆

内容应该还不错，还没有细看 正版塑封有发票送货快

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凑单的

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近期才开始关注这位大师，关于他的书还比较少

评分☆☆☆☆☆

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凑单的

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性价比不错

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评分☆☆☆☆☆

找这本书很久了，很短的一本书，但给人很强的启发。

评分☆☆☆☆☆

小开本，很薄，纸张还可以，字很清楚图很少