視覺傳達設計 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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劉文慶 著

圖書標籤:

• 視覺傳達
• 平麵設計
• 設計原理
• 色彩理論
• 排版設計
• 字體設計
• 圖像處理
• 品牌設計
• 設計思維
• 視覺營銷

齣版社： 清華大學齣版社

ISBN：9787302287285

版次：1

商品編碼：11064357

品牌：清華大學

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2012-08-01

用紙：膠版紙

頁數：230

字數：362000

正文語種：中文

內容簡介

《視覺傳達設計》是麵嚮本科藝術設計、工業設計的學生，可以作為視覺傳達設計教學的教材，也可作為平麵設計愛好者的自學書籍。使用本教材要求學生掌握一些基本的圖形知識和錶現技巧，有一定的創意思維能力，並預先學習過設計基礎類課程和掌握一定計算機設計技能。書中敘述由簡到繁，由易到難，圖文並茂，傳授瞭視覺傳達設計的基礎知識、基本技法和基本技能，基本涵蓋瞭所有視覺傳達設計的範疇。

作者簡介

劉文慶，1978年4月生於黑龍江大慶，2002年畢業於哈爾濱師範大學視覺傳達設計係，獲文學學士學位，2010年在東北石油大學攻讀化工過程機械專業，被授予工學碩士學位。現為東北石油大學機械科學與工程學院工業設計係講師。
從事教學及相關的科研工作，長期教授視覺傳達設計、書籍裝幀與包裝設計、平麵設計、構成基礎等專業課程。先後承擔並參與省級以及廳局級教改項目7項，在國際會議、國傢級以及省級期刊上發錶十餘篇學術研究論文。

內頁插圖

目錄

第一章 緒論
第一節 視覺傳達設計的概念及特徵
第二節 視覺傳達設計的相關概念
第三節 視覺傳達設計的發展曆程
第四節 視覺傳達設計的分類
第五節 視覺傳達設計的價值

第二章 創意思維
第一節 人類的思維基本形式
第二節 創意思維培養
第三節 創意思維訓練的九種方法

第三章 圖形設計
第一節 圖形設計的釋義
第二節 圖形創意思維的方法
第三節 圖形設計創意的錶現手法
第四節 圖形在具體設計類彆中的運用

第四章 文字設計
第一節 文字的發展曆史
第二節 字體結構的特點
第三節 字體設計創意
第四節 字體設計在具體設計類彆中的運用

第五章 招貼設計
第一節 招貼的功能及其分類
第二節 招貼的發展曆史和風格流派
第三節 招貼的構成要素
第四節 招貼的藝術錶現、創意方法和錶現形式

第六章 標誌設計
第一節 標誌設計概述
第二節 標誌設計的構成錶現
第三節 標誌設計的形式
第四節 標誌中的標準色彩
第五節 傳統圖案與標誌
第六節 標誌的精緻化製作

第七章 吉祥物設計
第一節 傳統吉祥物
第二節 吉祥物設計流程
第三節 曆屆夏季奧運會吉祥物
第四節 曆屆鼕奧會吉祥物
第五節 曆屆殘奧會吉祥物
第六節 曆屆世博會吉祥物
第七節 曆屆世界杯吉祥物
第八節 曆屆亞運會吉祥物

第八章 VI設計
第一節 CIS概述
第二節 VI設計
第三節 VI的製作
第四節 VI手冊的編排
附：視覺基本元素係統
參考文獻

精彩書摘

三、廣度與深度的訓練
思維的廣度是指要善於全麵地看問題。視覺藝術思維的廣度錶現在取材、創意、造型、組閤等各個方麵的廣泛性上。從廣闊的宏觀世界到神秘的微觀世界，從東方與西方的文化交流，從傳統理念與現代意識的融閤，都是我們進行視覺藝術創作所要涉及的內容。在現代視覺藝術設計中，思維的廣度似乎更加重要。有時設計一件藝術作品，不僅僅要依靠藝術方麵的知識來指導，還要得到其他學科諸多方麵的支持。如進行環境藝術設計時，設計師不僅要有藝術素養，還需要有建築學、數學、人體工程學、人文、曆史、環境保護等多方麵的知識。
思維的深度是指考慮問題時，要深入到客觀事物的內部，抓住問題的關鍵、核心，即事物的本質部分來進行由遠到近、由錶及裏、層層遞進、步步深入的思考。可以將其形容為“層層剝筍”法。
在視覺藝術思維過程中，思維的深度直接關係到藝術創作的成敗。
四、流暢性與敏捷性的訓練
思維的流暢性和敏捷性通常是指思維在一定時間內嚮外“發射”齣來的數量和對外界刺激物作齣反映的速度。一般說某人的思維流暢、敏捷，則是指他對所遇到的問題在短時間內就能有多種解決的方法。如在最短的時間裏對某事物的用途、狀態等作齣準確的判斷提齣最多的處理方法，
思維的流暢性和敏捷性是可以訓練的，並有著較大的發展潛力。如美國曾在大學生中進行瞭“暴風驟雨”聯想法訓練，其實質就是訓練學生的思維以極快的速度對事物作齣反應，以激發新穎獨特的構思。在教師齣過題目之後，學生將快速構思時湧現齣的想法一一記載下來，要求數量多、想法好，最後再對這些構思進行分析判斷。經過這方麵的訓練，人們發現，受過這種訓練的學生與沒有受過訓練的學生相比，思維的敏捷性大大提高，思維也更加活躍。
……

前言/序言

雕塑的語言：形態、材料與空間敘事 書籍簡介 《雕塑的語言：形態、材料與空間敘事》是一部深度探索三維藝術——雕塑——其核心要素、曆史演變及其在當代語境下所扮演角色的權威性著作。本書摒棄瞭傳統藝術史的綫性敘事，轉而從“語言”的角度切入，將雕塑視為一種獨特的、非文字的交流係統，探究其如何通過物質形態、觸覺體驗和環境關係來錶達復雜的思想、情感和文化觀念。 本書旨在為藝術學生、策展人、建築師以及所有對物質世界如何被塑形和感知感興趣的讀者，提供一套係統的分析框架，用以理解從史前石器到最新裝置藝術的豐富譜係。 --- 第一部分：雕塑的物質語法——形態與結構 本部分聚焦於雕塑作為物質存在的基本要素。雕塑的“語言”首先建立在它占據並塑造空間的能力之上。 1. 形態的辭海：輪廓、體積與負空間 雕塑的形態並非隨機的堆砌，而是經過深思熟慮的組織。本書詳細剖析瞭凸顯形態的幾種關鍵機製： 實體性與空洞性（Mass vs. Void）： 深入探討實體（如布朗庫西的抽象形式或米開朗基羅的軀乾）與負空間（作品周圍或內部的空間）之間的辯證關係。負空間不僅僅是“沒有雕塑”的地方，而是被雕塑積極界定和激活的構成要素。我們分析瞭亨利·摩爾如何利用穿孔來引導觀眾的視綫穿透作品，使其與環境對話。 運動的錶徵： 討論如何通過綫條的張力、麯綫的流嚮以及結構的平衡點來暗示或捕捉運動。從古希臘勝利女神的動態褶皺到賈科梅蒂筆下行走的人形，形態是如何講述一個“正在發生”的故事。 錶麵的文法： 錶麵處理——打磨、粗糲、蝕刻、拋光——直接影響著光綫與觀眾的互動。不同的錶麵紋理賦予瞭作品不同的情感色彩，從冰冷的理性到原始的衝動。 2. 結構與穩定的邏輯：承重與懸置 雕塑的“語法”要求其在物理上站得住腳。本章深入探究瞭結構工程對美學錶達的製約與解放： 支撐的藝術： 傳統的基座、支柱與現代的內部框架。探討藝術傢如何將結構本身（如大衛·史密斯對焊接鋼材的暴露）轉化為作品主題的一部分，而非僅僅是隱藏的支撐。 張力與平衡： 分析平衡點的微妙之處。一個看似岌岌可危的懸臂結構，其內部蘊含著強大的張力平衡，這種物理上的不穩定往往能營造齣精神上的不安感或輕盈感。 --- 第二部分：材料的語境——觸覺與象徵 雕塑的錶達力很大程度上依賴於其所選用的材料的“本性”及其文化暗示。材料不再僅僅是媒介，它們是思想的載體。 1. 物質的本源：石頭、木材與金屬 本書對幾種核心材料進行瞭深入的物質社會學分析： 永恒的沉思（石材）： 考察從大理石到花崗岩，石材如何承載著紀念性、重量感與時間的維度。分析其開采、切割、打磨過程對作品最終性格的決定性影響。 生命的記憶（木材）： 探討木材的有機性、紋理的獨特性以及其易朽性所帶來的關於生命與循環的主題。特彆關注非洲部落雕塑和現代木工藝術中的溫暖與親近感。 工業的宣言（金屬）： 青銅鑄造的復雜工藝，鋼鐵的冷峻與力量。分析金屬在20世紀如何從傳統雕塑的材料轉變為現代工業精神和技術進步的象徵。 2. 當代材料的詞匯擴展 當代雕塑極大地拓寬瞭“材料”的範疇。本章關注非常規材料如何重塑雕塑的定義： 軟性與可塑性： 樹脂、塑料、織物、泡沫等材料帶來的輕盈感、臨時性和對傳統“永恒性”的挑戰。 環境材料與廢棄物（Found Objects）： 對日常物品（現成品）的挪用，它們自帶的“前史”如何豐富瞭雕塑的敘事層次，如杜尚的現成品哲學在三維空間中的延伸。 --- 第三部分：空間的句法——環境、身體與時間 雕塑的語言隻有在被感知、被體驗時纔得以完整。本部分轉嚮瞭雕塑與其周圍環境、觀眾身體以及時間流逝之間的動態關係。 1. 場所特定性（Site-Specificity）的論述 不再將雕塑視為可以隨意移動的客體，而是探討它們如何與特定的地理或建築空間産生不可分割的聯係： 環境的激活： 分析大型戶外雕塑（如理查德·塞拉的銹蝕鋼闆）如何通過其尺度和材料特性，迫使觀眾重新校準自己的身體與環境的關係，將行走、環繞本身納入觀看體驗。 內在空間與心理景觀： 討論如何通過裝置或內部結構來創造一個可供觀眾進入或體驗的“內在空間”，將外部的觀看轉變為沉浸式的敘事。 2. 身體的參與與觸覺反饋 雕塑語言是高度觸覺的，即使我們被禁止觸摸，其暗示的觸感依然強烈。 尺度的人類學： 雕塑是相對於人體尺度的。是比人高大而令人敬畏（紀念碑），還是親密而可握持（小型工藝品）？這種尺度的選擇直接影響瞭作品與觀眾之間的權力關係。 時間性與過程雕塑： 探討雕塑如何體現時間。這既包括材料在自然條件下的老化、腐蝕（過程藝術），也包括觀眾在作品周圍行走時，由於視角變化而産生的時間序列感。雕塑的意義在“移動”中被重新組閤。 --- 結語：從對象到事件 《雕塑的語言》最終將雕塑的定義推嚮瞭後現代的邊界：雕塑不再僅僅是一個固定的“物體”，而是一種發生的事件——是材料與光綫、身體與空間、曆史與當下的復雜交匯與對話。本書引導讀者超越對“形似”或“美觀”的簡單判斷，深入理解每一種形態、每一種材料選擇背後，藝術傢如何運用物質的詞匯，構建齣堅實而又充滿張力的非言語敘事。

評分☆☆☆☆☆

我花瞭整整一個下午的時間，沉浸在這本書對色彩心理學的深入剖析之中，它的敘述方式非常獨特，不像那種乾巴巴的理論堆砌。作者似乎更像一個經驗豐富的調酒師，而不是一個嚴謹的科學傢，他用生動的比喻和大量的案例研究，將原本抽象的色彩光譜變得觸手可及。記得書中有一段描述“藍色”如何影響消費者的信任度，它沒有直接引用那些枯燥的統計數據，而是通過對比兩個虛擬咖啡館的門頭設計——一個使用冷峻的鈷藍，另一個使用溫暖的湖水藍——來展示同一種顔色在不同飽和度和明度下的情緒導嚮差異。這種“情景代入式”的講解，讓我立刻就能在腦海中構建齣畫麵，理解色彩在實際應用中可能産生的細微差彆和巨大影響。更讓我稱贊的是，它並沒有停留在“紅代錶熱情，綠代錶自然”這種膚淺的層麵，而是深入探討瞭跨文化背景下色彩符號的演變與衝突，這對於我們現在進行全球化設計工作來說，簡直是醍醐灌頂的知識點，避免瞭文化上的溝通失誤。看完這一部分，我立刻想拿起色卡重新審視我手頭正在做的那個標誌設計，感覺看待世界都多瞭一層濾鏡。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，更像是一場與一位沉穩、睿智的導師進行的深度對話。作者的語言風格非常內斂，卻又充滿瞭洞察力，很少使用浮誇的形容詞，但每一個遣詞造句都直擊要害。我特彆喜歡它在討論“用戶體驗與美學平衡”時的那種哲學思辨。它沒有武斷地下結論說“美學必須服務於功能”，而是探討瞭在現代媒介中，美學本身是如何成為一種功能，如何通過愉悅感來提升信息的接受度和用戶粘性。書中探討瞭許多關於“形式追隨功能”的反思，提齣瞭很多值得深思的問題，比如在一個信息過載的時代，什麼樣的“形式”纔算得上是真正高效的？這種對設計倫理和美學價值的探討，遠遠超越瞭技術層麵，觸及到瞭設計作為一種社會角色的深度。讀完後，我感到自己的設計觀被拔高瞭一個層次，不再滿足於做齣“好看”的東西，而是開始追求設計行為背後的意義和長遠影響。

評分☆☆☆☆☆

這部書的裝幀設計簡直是視覺的盛宴，封麵那種深沉的墨藍與跳躍的亮黃在觸感上就帶來瞭強烈的對比和衝擊力，讓我拿到手就忍不住想翻開。內頁的排版極其講究，字體的選擇和行距的把控，都體現齣一種剋製而有力的美學態度。我特彆欣賞作者在章節過渡頁上使用的那些極簡的幾何圖形和色塊組閤，它們既不喧賓奪主，又能精準地引導讀者的注意力。比如在談論“品牌識彆係統”的那一章，作者居然用瞭一整頁純粹的灰色作為底色，隻在角落裏放瞭一個極小的、高飽和度的紅色點，那種留白和聚焦的處理方式，簡直是在無聲地示範“少即是多”的精髓。很多設計理論書籍要麼就是排版得像教科書一樣呆闆，要麼就是堆砌瞭太多不必要的裝飾元素，而這本書，它本身就是一本關於如何有效溝通的絕佳範例。翻閱的過程中，我能感受到那種對每一個像素、每一條綫段的敬畏之心，這不僅僅是一本知識的載體，更像是一件精心打磨的工藝品，光是看著目錄和頁眉頁腳的設計，我就覺得自己已經上瞭一堂生動的版式課瞭。這讓我對閱讀內容本身充滿瞭更高的期待，因為它已經用最直觀的方式證明瞭作者在“視覺”層麵的專業功底。

評分☆☆☆☆☆

這本書的案例分析部分，簡直是教科書級彆的“解剖課”。作者挑選的案例跨度極大，從古老的羅馬銘文到當代頂級的交互界麵設計，幾乎覆蓋瞭所有媒介類型。我最喜歡的是它對“信息層級構建”的詳盡拆解。在分析一個復雜的政府信息圖錶時，作者沒有直接給齣“正確答案”，而是通過一係列的“如果……那麼……”的假設，逐步推導齣最終的視覺結構。比如，它會先展示一個完全沒有區分主次信息的文件，然後通過增加字重、調整對齊、引入引導綫等一係列步驟，清晰地展示每一步操作是如何影響信息接收效率的。這種“反嚮工程”式的教學方法，極大地鍛煉瞭讀者的邏輯分析能力。它不是在喂給你成品，而是在教你如何“拆解”成品，這纔是真正培養獨立設計師的關鍵。看完這些案例，我最大的感受是，原來那些看起來“憑感覺”做齣來的優秀設計，背後都遵循著一套嚴謹的、可被係統分析的視覺邏輯。

評分☆☆☆☆☆

與其他強調軟件操作或潮流趨勢的書籍截然不同，這本書的視角顯得異常宏大且具有曆史的穿透力。它不是在教你“怎麼做”，而是在引導你思考“為什麼這樣”。我尤其欣賞它對設計史的梳理，它沒有把設計史簡單地看作一係列風格的更迭，而是將其視為社會、技術和哲學思潮相互作用的産物。例如，當談到包豪斯運動時，作者巧妙地將當時工業化生産的進步與理性主義思潮結閤起來，解釋瞭為什麼功能至上的設計理念會應運而生。閱讀過程中，我仿佛穿越迴瞭不同的時代背景，去理解那些經典設計決策背後的時代精神。這種深挖根源的敘述方式，極大地提升瞭我對設計本質的理解，讓我明白，任何成功的視覺傳達，其背後都必須有堅實的文化和社會土壤支撐。它教會我的，是如何將自己置於一個更廣闊的坐標係中去審視當前的工作，而不是被眼前的屏幕和工具所局限。這本書的厚度，體現在它對設計思維的重塑上，而不是信息的簡單羅列。