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贺更生 著

图书标签:

• 山水画
• 中国画
• 绘画技法
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• 艺术
• 美术
• 国画
• 技法
• 临摹
• 写意

出版社： 山西科学技术出版社

ISBN：9787537741224

版次：1

商品编码：11194232

出版时间：2012-07-01

内容简介

　　《中国山水画技法》主要介绍了中国山水画的作画工具、画法、墨法、笔法等，内容详实、图文并茂。

前言/序言

水墨风骨：山川意境的东方韵致 中国山水画，以其独特的笔墨精神、深邃的哲学意涵与壮丽的自然景观，在中国艺术史上占据着不可动摇的地位。它并非对景物的简单摹写，而是艺术家心灵与自然的深度对话，是胸中丘壑的淋漓挥洒。本书《水墨风骨：山川意境的东方韵致》旨在带领读者深入探寻中国山水画的灵魂，领略其独特的美学追求与艺术魅力。 一、 溯源与传承：千年丹青的流变 中国山水画的萌芽可以追溯至魏晋南北朝时期，那时，山水画尚属人物画的陪衬，但已显露出独立发展的端倪。东晋顾恺之的《洛神赋图》虽以人物为主，其中已融入了对自然景物的勾勒，展现出早期山水画的雏形。随后的南北朝，山水画逐渐受到重视，如北齐杨子华的《徐杨图》，已能描绘出山峦叠嶂、云树掩映的景象。 唐代是中国山水画发展的一个重要里程碑。吴道子“吴带当风”的传神笔法，虽以人物闻名，但其笔下的山水亦有宏大之势。而李思训父子则开创了金碧山水一派，以青绿设色，富丽堂皇，描绘出皇家园林般的仙境。与此同时，王维则倡导“文人画”的理念，提出“画中有诗，诗中有画”，将诗情画意融于山水之中，开启了水墨写意山水的新篇章。他的作品如《山居图》，虽已不存，但其理论影响深远，强调笔墨的情感表达和意境的营造。 宋代是中国山水画的鼎盛时期。在经济繁荣、文化昌盛的背景下，山水画成为士大夫阶层寄托情怀、修身养性的重要方式。此时的山水画更加注重写实与意境的结合，出现了一系列伟大的山水画家。北宋的范宽以“笔酣墨饱，力扫千岩”著称，其《溪山行旅图》展现出巍峨壮丽的山势和磅礴的气势，成为后世学习的典范。郭熙在《林泉高致》中提出了“山水有四时，景有四时，可则以不同”等山水画理论，为山水画创作提供了系统的指导。他的作品如《早春图》，以细腻的笔触描绘出春意盎然的山间景色，充满了诗情画意。李唐则以“斧劈皴”的笔法，描绘出刚劲雄浑的山石，开启了南宋山水画的雄健之风。 南宋时期，由于政治格局的变化，山水画风格趋向于沉郁、孤寂，但也更加注重写意和抒情。马远、夏圭“马一角”、“夏半边”的称谓，反映了他们构图上的特点，善于运用留白，营造出虚实相生、意境深远的画面。他们的作品如马远的《寒江独钓图》，画面虽简，却意境无穷。 元代，随着文人阶层的地位变化，山水画更加强调个性的抒发和笔墨的运用。赵孟頫提倡“古意”，将书法笔法融入绘画，开创了元代文人山水画的新风。他的《鹊华秋色图》以简洁的笔墨描绘出北方秋天的景色，意境悠远。黄公望的《富春山居图》更是将写意山水推向极致，其用笔委婉含蓄，设色淡雅，充分展现了文人的闲适情怀。 明清时期，山水画在继承前代传统的基础上，呈现出多样化的发展。沈周、文徵明等吴门画派的代表人物，以秀丽温润的笔墨，描绘出江南水乡的婉约之美。董其昌则在理论上总结了山水画的发展脉络，提出了“南北宗论”，对后世绘画产生了深远影响。清代，山代画出现了“四王”等复古派，他们以摹古为主，注重笔墨的法度，也取得了一定的成就。与此同时，石涛、八大山人等画家则以其狂放不羁的笔墨和独特的个性，为山水画注入了新的活力。 二、 笔墨之韵：中国山水画的灵魂语言 中国山水画之所以能够超越对自然物象的形似，而达到“得意忘形”的艺术境界，关键在于其独特的笔墨运用。笔墨在中国山水画中，不仅仅是描绘物象的工具，更是承载情感、表达意境、体现艺术家精神的高度浓缩的语言。 1. 笔法的变化与表现力： 笔法是中国山水画的骨骼，是构成画面形态的基础。不同的笔法能够塑造出不同的质感、体量和力量感。 皴法： 皴法是中国山水画中最具特色和表现力的笔法之一，它是用来表现山石纹理、树木结构、土壤质感的独特技法。从北宋范宽的“雨点皴”和“豆瓣皴”，郭熙的“卷云皴”和“蟹爪皴”，到李唐的“斧劈皴”，再到元代画家如黄公望、王蒙等人发展出的“披麻皴”、“解索皴”，各种皴法各具特色，能够生动地表现出山石的坚硬、厚重、苍劲或秀润的特质。例如，“披麻皴”以长短不一、粗细有别的线条，模仿麻绳搭挂的形态，能够表现出圆浑的山石，线条的疏密、干湿变化，更能传递出山石的年代感和历史沧桑。 线条的运用： 除了皴法，线条本身也承载着丰富的表现力。流畅的线条可以表现出水的灵动、云的飘逸；刚劲的线条可以表现出山石的棱角和力量；顿挫的线条则能表现出物体质地的粗糙感。中国画强调“写”的意境，线条的粗细、轻重、快慢，都蕴含着画家的情绪和节奏。 2. 墨法的层次与韵味： 墨法是中国山水画的血肉，是赋予画面生命力和感染力的关键。墨在中国绘画中，并非单一的黑色，而是包含了浓、淡、干、湿、焦等多种变化，形成了丰富的墨色层次。 墨色的浓淡干湿： “浓墨”能表现出物体 the dark, solid mass and strong presence；“淡墨”则能表现出朦胧、虚远的意境；“干墨”能表现出粗糙、苍劲的质感；“湿墨”则能表现出湿润、丰盈的感觉。这些墨色的变化，通过恰当的运用，能够使得画面既有立体感，又有呼吸感。 墨法的晕染与积墨： 晕染是中国画中常用的技法，通过墨色的叠加和晕开，能够使得画面过渡自然，色彩柔和，形成一种“墨分五色”的视觉效果。而“积墨”技法则通过反复叠加墨色，使得画面层次分明，质感厚重，尤其适合表现山石的雄浑和树木的苍劲。 3. 水与墨的交融： 在中国山水画中，水是不可或缺的媒介。水的作用不仅仅是调和墨色，更在于引导墨色的流动和晕染，从而产生出意想不到的艺术效果。干湿浓淡的墨色在水的晕染下，可以形成浑然天成的效果，例如，“破墨”技法便是利用未干的墨色，在其上再施以浓墨或淡墨，墨色互相渗透、融合，产生出奇妙的层次和韵味，这种效果往往是人力难以完全控制的，体现了对自然造化的尊重和顺应。 三、 意境的营造：山水之间的精神寄托 中国山水画之所以动人，更在于其所营造的深邃意境。意境是中国山水画的灵魂，是画面中情、景、理的有机统一，是艺术家主观情感与客观景物的完美结合。 1. “虚实相生”的构图哲学： 在中国山水画中，留白（虚）与着墨（实）的对比并非简单的空间分割，而是“虚实相生”的辩证关系。画家通过巧妙的留白，不仅能够突出主体，更能够引导观者的视线，激发观者的想象。留白之处，云雾缭绕，空灵澄澈，给画面留下了无限的想象空间，使得观者能够“观其形，思其意”，在“无”中感受“有”的深邃。例如，画面中一叶扁舟，或一人独坐，留白之处可以是浩渺的江面、连绵的山峦，观者在看到这些“虚”的画面时，便能感受到江河的辽阔、山川的壮丽，以及人物内心的孤寂或宁静。 2. “情景交融”的情感表达： 山水画是艺术家心灵的映射。画家在描绘山川景色的同时，也寄托了自己的情感。喜悦、忧伤、隐逸、豪迈，这些复杂的情感通过笔墨的挥洒，融于山水之中，使得景物不仅仅是自然的存在，更被赋予了生命和情感。例如，画家描绘雄浑的山峦，可能是抒发自己壮志凌云的情怀；描绘清幽的山谷，则可能是表达自己避世隐居的愿望。这种“情景交融”是山水画能够触动人心、引发共鸣的关键。 3. “气韵生动”的生命活力： “气韵生动”是中国画批评的重要标准，它强调画面所展现出的生命力和内在的精神气质。山水画中的“气”并非指具体的气体，而是指一种浑然天成的生命力，一种内在的活力和精神。这种“气”体现在山石的苍劲、树木的挺拔、云水的灵动，更体现在画面的整体气势和韵味之中。一个真正有气韵的山水画，能够让观者感受到山川的呼吸，仿佛置身其中，与自然融为一体。 四、 观照自然，体悟人生 中国山水画的创作，离不开对自然的深入观察和体悟。画家们并非简单地复制自然，而是通过对自然景物的反复描摹和感悟，捕捉其内在的生命力和精神特质。从巍峨的山峰到潺潺的溪流，从苍劲的古松到飘渺的云烟，每一处景致都蕴含着大自然的哲学。 通过学习山水画，我们不仅能够掌握笔墨技法，更能够培养对自然的敬畏之心，学会从宏大的山河之中体悟人生的渺小与伟大，学会从四季的更迭之中感悟生命的轮回与无常。山水画中所蕴含的“天人合一”的思想，鼓励我们回归自然，寻求内心的平静与和谐。 本书《水墨风骨：山川意境的东方韵致》，希望能成为您探索中国山水画艺术的向导，引领您穿越千年丹青的长河，领略水墨丹青所散发出的独特东方韵致，感受中国山水画那份磅礴的生命力与深邃的精神力量。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画技法》这本书，对于“意境”的探讨，简直是妙笔生花，让我受益匪浅。它并没有直接给出“如何画出意境”的公式，而是通过解读历代山水画的经典作品，来引导读者去体会和感悟。书中多次引用了“意境”这个词，并且从不同的角度去解释它。比如，它认为意境是画家内在情感与外在景物的交融，是“象外之象，景外之景”。作者分析了诸如范宽的《溪山行旅图》中的那种雄浑壮阔，以及马远的《寒江独钓图》中的那种孤寂萧索，让我看到了意境是如何通过画面中的构图、笔墨、色彩甚至留白来传达的。书中还强调了“气韵生动”的重要性，认为这是中国画的最高境界。它阐述了如何通过笔墨的灵动，赋予画面以生命力，让观者能够感受到“呼吸”和“生命”。我过去画的山水，总是停留在“形似”的层面，缺乏一种“神似”的韵味。这本书让我明白，画山水，最重要的是要传达一种情感，一种对自然的敬畏，对生命的感悟。它让我在创作时，开始注重内心的表达，而不是仅仅停留在对景物的描摹上。这本书，就像一位智者，循循善诱，让我一步步走向了对山水画更高层面的理解。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画技法》这本书，在“画面节奏”和“韵律感”的营造方面，给我带来了非常大的启发。它不仅仅是在讲解具体的技法，更是在引导读者去感受画面的整体“气息”。书中多次提到了“虚实相生”的原则，强调画面中留白的重要性，以及如何通过虚实对比来增强画面的空间感和纵深感。作者还讲解了如何通过笔墨的疏密、浓淡、干湿来形成画面的节奏感，让观者在欣赏画面的过程中，能够感受到一种跌宕起伏的韵律。我过去画的山水，常常显得有些“死板”，缺乏一种流畅的“气势”。这本书让我意识到，画面的节奏和韵律，是让山水画“活”起来的关键。它就像音乐一样，有起伏，有停顿，有强弱，才能让人沉醉其中。书中还提到了“移步换景”的构图方式，也就是让观者的视线在画面中不断移动，从而产生一种“游历”的感觉。我尝试着在构图时，有意识地去安排景物的疏密和远近，让画面中的空间层次更加分明，也更加富有动感。这本书让我明白，山水画的美，不仅仅在于描绘的对象，更在于它所传达的那种“气韵”，那种“生命力”，而画面的节奏和韵律，是传达这种“气韵”的重要手段。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画技法》这本书，它在“渲染”和“色彩”的运用上，给我带来了不少启发。虽然中国山水画以水墨为主，但并非完全排斥色彩，而是讲究“随类赋彩”，即根据物体的自然色彩来施加颜色，并且讲究“以墨为主，以色为辅”。书中详细讲解了如何使用“花青”、“赭石”、“藤黄”等传统矿物和植物颜料，以及如何调配出各种不同的色彩。我特别喜欢书中关于“烘染”的讲解，如何用淡墨或淡彩来烘染山石的背光面，如何用色彩来表现树叶的季相变化。这让我的画面不再是单一的墨色，而是多了几分生动和色彩的魅力。书中还介绍了一些“没骨法”的技法，也就是不勾勒轮廓，直接用墨或色来写意，这种画法显得更加自由奔放，充满了生命的张力。我尝试着在临摹的作品中加入一些淡彩的烘染，发现原本有些生硬的山石变得更加柔和，树木也显得更加生机勃勃。这本书让我明白了，色彩在山水画中的运用，不仅仅是为了好看，更是为了增强画面的表现力和感染力，让观者能够感受到自然四季的变化和生命的活力。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个已经学习中国山水画多年的人来说，《中国山水画技法》这本书无疑是一本难得的进阶读物。它在对于“用墨”的探讨上，提供了非常深入的层次。书中有专门的章节来讲解“焦墨、浓墨、淡墨、湿墨”的不同运用效果，以及如何在画面中通过墨色的晕染和提按来表现物体的质感和体积感。我尤其对书中关于“积墨法”的讲解印象深刻，作者通过实例展示了如何通过多次叠加墨色，层层深入，最终达到深邃厚重的画面效果。这对于我过去在墨色运用上常常显得单薄的问题，是一个很好的纠正。书中还提到了“破墨法”的应用，也就是在未干的墨色上再次施墨，产生奇妙的晕染效果，极大地增加了画面的层次感和丰富性。我尝试着按照书中的方法去练习，发现在画面中运用不同墨色和技法，真的能让山水景物呈现出截然不同的视觉感受。一幅画面，同样的山石，用焦墨表现，显得刚毅；用淡墨表现，则显得柔和。这本书让我对墨色的表现力有了全新的认识，也让我明白了，用墨的丰富性，是山水画魅力的重要来源之一。

评分☆☆☆☆☆

购买《中国山水画技法》纯属偶然，当时只是在书店里随手翻看，没想到却被其中对于“物象”描绘的细致入微所吸引。这本书不仅仅是讲山水，还深入剖析了如何描绘山石、树木、云水等具体的自然元素。比如，在描绘山石时，它详细讲解了如何根据山石的质地选择不同的皴法，如“斧劈皴”适合表现坚硬的山岩，“折带皴”则适合表现圆润的山峦。对于树木的描绘，作者也给出了非常实用的指导，如何表现树干的苍劲，如何勾勒出树叶的层次感，甚至是如何通过枝干的穿插来表现树木的生命力。我印象最深刻的是其中关于“墨竹”的部分，虽然这是山水画中的一个分支，但作者依然给予了足够的重视。从竹竿的挺拔，到竹叶的飘逸，都做了细致的讲解。我尝试着去临摹书中关于“老树”的画法，那种沧桑感和历史感，通过层层叠加的墨色和飞白的运用，被表现得淋漓尽致。这本书给我最大的启发是，要画好山水，就必须对构成山水的每一个元素都有深入的观察和理解，并且掌握相应的表现技法。它让我意识到，细节决定成败，而这本书恰恰提供了这些宝贵的细节。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画技法》这本书，虽然名字听起来很技术化，但实际阅读起来，却能感受到作者深厚的人文情怀。它不仅仅是一本技法手册，更像是一次与中国传统美学精神的对话。书中在讲解笔墨技法的同时，常常会穿插一些关于历代名家名作的赏析，以及古代文人对山水画的理解和感悟。比如，在讲到“云水”的画法时，作者会引用王维的诗句，或者苏轼的评论，来阐述云水的变化万千以及它们在中国文人心目中的象征意义。这种将艺术技法与文化内涵相结合的讲解方式，让我觉得非常有深度，也更容易激发起我对绘画的兴趣。我曾经对“写意”的概念一直很模糊，总觉得它难以捉摸。但通过这本书，我开始理解，“写意”不仅仅是笔墨的挥洒，更是情感的抒发，是胸中丘壑的表达。作者通过解读几位大师的作品，让我看到了他们如何在画面中融入自己的情怀，如何将自然之美与心灵之境融为一体。这本书让我明白，画好山水，需要的是一颗热爱自然、热爱生活、热爱传统文化的心。它不仅仅是技能的传授，更是精神的引领。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画技法》这本书，我必须说，它在画面构图方面提供了一些非常独到的见解。不同于市面上许多只强调技法堆砌的教材，这本书非常注重“意在笔先”，也就是在动笔之前，就应该有一个清晰的画面构思。作者花了很多篇幅去讲解如何通过 S 形构图、金字塔式构图等经典构图方式来营造画面的纵深感和稳定感。我特别关注了其中关于“三远法”的阐释，从“高远”、“深远”到“平远”，作者不仅用文字描述，还配以大量的范图，通过对比和分析，让我对如何运用透视原理来表现山峦的起伏和空间的层次有了更深刻的理解。这一点对于我这个初学者来说，是非常宝贵的。我过去画的山水画，常常显得平淡，缺乏生气，很可能就是因为构图上的问题。这本书教会我，画山水，不仅是画山和水，更是画一种空间的体验，一种意境的营造。我曾经尝试着按照书中关于“留白”的原则来安排画面，发现即使是少量的留白，也能极大地增强画面的呼吸感和通透感，让景物显得更加灵动。这本书的价值，就在于它能够引导读者从更宏观的层面去理解山水画的创作，而不仅仅是停留在笔墨技巧的层面。

评分☆☆☆☆☆

读《中国山水画技法》，最让我感到惊喜的是，它对于“写生”和“创作”之间的关系，有非常独到和深刻的阐述。书中有不少篇幅是关于如何从写生稿提炼素材，以及如何将写生与古人的经典画法相结合，最终形成自己独特的创作风格。作者强调，写生不是简单的描摹，而是对自然的观察、体验和感悟，是将自然之美转化为笔墨语言的过程。书中列举了许多历代大师的写生作品和创作过程的对比，让我看到了他们如何在写生中汲取灵感，又如何在创作中融入自己的思想和情感。我过去常常觉得，写生出来的东西总是“不像”，或者缺乏“意境”。这本书教会我，写生是为了“取神”，而不是“取形”。要抓住景物的神韵，捕捉最能代表景物特征的笔墨符号，而不是一味地去复制。而创作，则是在写生的基础上，进行提炼、概括、重组，甚至是虚构，最终达到“胸有成竹”的境界。这本书让我明白，写生是基础，创作是升华，两者相辅相成，缺一不可。它让我在面对自然时，有了更明确的观察方向和创作思路。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画技法》这本书，对于“笔法”的精细讲解，是我前所未见的。书中将中国画的“十八描”进行了非常详细的阐述和示范，并且将这些描法与具体的物象相结合，比如“钉头鼠尾描”适合表现苍劲的树皮，“游丝描”适合表现飘逸的衣带。我印象最深的是关于“侧锋”和“中锋”的运用。作者通过大量的对比图，让我看到了侧锋运笔能够带来怎样的苍茫感和厚重感，而中锋运笔则能表现出怎样的圆润和挺拔。书中的“勾勒”技法讲解也非常细致，从起笔、行笔到收笔，每一个环节都做了详细的指导，并且强调了“提按顿挫”在勾勒中的重要性。我过去画的人物，总显得有些僵硬，很可能就是因为笔法上的问题。这本书让我明白了，每一笔的走向、力度和速度，都蕴含着丰富的表现力，都能赋予画面不同的生命力。我尝试着在临摹过程中，有意识地去体会和运用这些不同的笔法，发现即使是简单的线条，也能因为笔法的不同而产生截然不同的视觉效果。这本书，让我对“用笔”这个概念有了更深刻的理解，也让我明白了，中国画的魅力，很大程度上体现在对笔墨的精妙运用上。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国山水画技法》我拿到手已经有一段时间了，说实话，一开始我是抱着一种学习的心态来翻阅的，毕竟中国山水画的博大精深，单凭书本就能完全掌握，那是不现实的，但这本画册还是给了我不少启发。它的装帧设计很典雅，纸张的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，有一种厚重感，这本身就是一种很好的阅读体验。书中对于笔墨的运用，从皴法到染法，都有比较细致的讲解。我尤其喜欢其中关于“披麻皴”和“雨点皴”的示范，作者通过一步步的分解，让我对这些基本技法有了更清晰的认识。不仅仅是技法的介绍，书中还穿插了一些关于山水画意境的阐述，比如“气韵生动”的内涵，以及如何在画面中表现出“可游可居”的理想境界。我尝试着按照书中的方法去临摹几幅小品，虽然效果不敢恭维，但在这个过程中，我确实感受到自己对笔墨的控制力有所提升，也更能体会到古人在创作时的那种心境。它不是那种枯燥乏味的教程，而是充满了艺术的感染力，让我愿意花时间去揣摩，去感受。我还会继续深入研习，相信它能帮助我走得更远。