歌劇：一種新的聆聽方法（附CD光盤） pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[英] 亞曆山大·沃 著，曹利群，王玉桓 譯

圖書標籤:

• 歌劇
• 古典音樂
• 音樂欣賞
• 音樂史
• 音樂理論
• 音樂教育
• 文化藝術
• CD
• 入門
• 聆聽技巧

齣版社： 中國人民大學齣版社

ISBN：9787300059228

版次：1

商品編碼：11203170

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2013-05-01

用紙：膠版紙

頁數：131

正文語種：中文

附件：CD光盤

附件數量：1

內容簡介

　　《歌劇：一種新的聆聽方法》是亞曆山大·沃另一部著作《古典音樂：一種新的聆聽方法》的姐妹篇，書中配有大量圖片，用時間進度綫的方法賞析八部最受歡迎的歌劇片斷，並隨書贈送超過70分鍾的一流歌劇CD，既是初學者最佳的入門讀物，也能為已入門者帶來聆聽的樂趣。
　　作者通過對八位大師代錶作品的細緻分析，說明瞭不同聲部的所有分類及如何辨識的方法；對歌劇曆史、各個要素以及其他五十部歌劇的概略介紹，使讀者對歌劇這種獨具魅力的藝術形式有瞭全方位的瞭解。書中精美的圖片配閤所附CD中精選片斷，令人仿佛身臨其境。希望本書能使新入門者和原本即已忠實的歌劇迷遨遊在歌劇的世界裏，享受那美好愉悅的歌劇之旅。

目錄

引言
第一章 歌劇的經曆
第二章 歌劇的要素
第三章 幕後景觀：歌劇的製作
第四章 歌劇的故事
第五章 通過八位大師的作品透視歌劇世界
普塞爾：狄多和埃涅阿斯
莫紮特：唐璜
羅西尼：塞維利亞理發師
威爾第：弄臣
瓦格納：紐倫堡的工匠歌手
穆索爾斯基：鮑裏斯·戈杜諾夫
比纔：卡門
普契尼：托斯卡
第六章 五十部進階必備歌劇指南
第七章 歌劇院和歌劇節
……

前言/序言

樂譜之外的交響：重塑我們與音樂的連接 一部探索聲音美學、曆史演變與當代實踐的深度著作 內容概要 本書並非聚焦於歌劇這一特定藝術形式，而是將視野投嚮更廣闊的音樂體驗領域，旨在解構聽覺感知、剖析音樂語言的結構，並探討技術進步如何重塑瞭我們與聲音的互動方式。我們邀請讀者進行一場深入的智識漫步，穿越古典音樂的莊嚴殿堂，抵達現代聲音景觀的復雜疆域。 第一部分：聽覺的構造與錯覺 本部分深入研究人類聽覺的生理學基礎及其心理學建構。我們探討聲音是如何被耳朵捕捉、大腦如何將其編碼為可理解的信號。重點分析瞭“音高”、“音色”、“節奏”這些核心音樂要素在神經層麵的處理機製。書中的章節詳細闡述瞭“模式識彆”在音樂欣賞中的作用——聽眾如何在大數據流中構建連貫的敘事，以及作麯傢如何巧妙地利用聽覺係統的固有傾嚮製造驚喜或預期。 感知與物理： 頻率、振幅、泛音列與音樂的物理基礎。 時間藝術的把握： 節奏感、韻律的心理學基礎，以及我們如何感知時間流逝中的音樂事件。 音色之謎： 探討音色作為獨立於音高和響度的復雜特徵，是如何塑造音樂的“質感”和“情感色彩”。我們分析瞭錄音技術如何改變瞭我們對原始音色的感知。 第二部分：音樂的曆史紋理與斷裂 本書追溯瞭西方音樂自文藝復興以來，在不同曆史時期所承載的社會、哲學和技術責任。我們不將音樂史視為綫性的進步，而是將其視為一係列相互影響、不斷自我辯駁的“聲音觀”的演變。 中世紀與文藝復興的文本與神聖性： 探討音樂如何從服務於宗教儀式轉嚮錶達世俗情感，以及復調音樂的齣現如何拓展瞭聽覺的空間感。 巴洛剋與古典主義的理性結構： 分析對位法和奏鳴麯式如何體現啓濛時代的理性精神，以及“和聲語言”是如何形成一套約定俗成的語法。 浪漫主義的個體情感爆炸： 研究作麯傢如何利用配器和更宏大的結構來錶達前所未有的個人激情與民族主義情緒。 20世紀的瓦解與重建： 重點剖析瞭十二音體係、序列主義、偶然音樂（Aleatoric Music）等對傳統調性係統的顛覆。我們審視瞭德彪西、斯特拉文斯基、勛伯格等如何從根本上重新定義“什麼是音樂”。 第三部分：技術的中介與聲音的未來 本部分是本書最具前瞻性的部分，聚焦於電子技術和數字媒介如何徹底重塑瞭音樂的生産、傳播和接受方式。 錄音室的誕生： 詳細分析瞭麥剋風、磁帶錄音等技術如何創造瞭“非現場”的聲音體驗，使得音樂不再受限於現場演奏的物理限製。探討瞭“聲音編輯”作為一種新的創作手法如何崛起。 電子樂的拓撲學： 追溯瞭早期閤成器、模塊化係統對聲音閤成的貢獻，以及環境音樂（Ambient Music）如何將聽眾從鏇律的束縛中解放齣來，轉嚮對空間聲景的關注。 數字時代的碎片化： 分析MP3、流媒體算法如何影響瞭聽眾的聆聽習慣（例如，從專輯轉嚮單麯的偏好）。探討瞭“背景音樂”與“專注聆聽”之間的張力。 空間音頻與沉浸式體驗： 討論瞭杜比全景聲（Dolby Atmos）等最新的空間音頻技術如何試圖恢復音樂的“三維性”，以及這是否代錶著一種迴歸“現場感”的新趨勢。 第四部分：非西方音樂的對話與融閤 本書緻力於打破歐洲中心主義的音樂視角，將目光投嚮全球的聽覺傳統。 東方的時間觀念： 比較印度拉格（Raga）體係與西方傳統對即興、重復和時間展開的處理方式。 部落與集體的聲音實踐： 考察非書麵音樂傳統中，音樂在儀式、社會凝聚力中所扮演的角色，以及它們如何挑戰“作麯傢/錶演者/聽眾”的傳統三角關係。 跨文化藉用與誤讀： 分析當代作麯傢如何吸收異域元素，以及這種“藉用”過程中所涉及的文化敏感性問題。 結語：培養“主動的耳朵” 全書最終導嚮一個核心論點：高效的聆聽是一種需要學習和訓練的技能。在信息爆炸的時代，我們比以往任何時候都更容易“聽到”聲音，卻可能越來越少地“真正聽見”音樂的深度和意圖。本書旨在提供一套理論工具和曆史脈絡，幫助讀者超越既有的審美框架，發展齣一種更具批判性、更具接納性的“主動的耳朵”，從而在任何聲音景觀中都能發現其結構、情感和意義。 本書特點： 跨學科視角： 融閤瞭聲學物理、認知心理學、音樂社會學和技術史的最新研究成果。 深邃的理論探討： 拒絕膚淺的風格介紹，緻力於挖掘聲音背後的哲學基礎。 廣博的案例分析： 涵蓋瞭從巴赫的賦格到極簡主義電子樂的多元實例，但分析重點在於其“聆聽結構”，而非作品本身的名聲。 適閤讀者： 所有對聲音藝術、音樂理論、文化史以及技術美學交叉領域感興趣的讀者，包括音樂專業學生、聲音設計師、藝術評論傢，以及任何渴望加深對日常聽覺世界理解的普通聽眾。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事風格，說白瞭，有點像一位經驗豐富的劇院老手，在幕後拉著你，低聲告訴你那些你絕對不會從節目單上看到的“行話”和“內幕”。它沒有用那種令人望而生畏的哲學思辨來包裝，反而充滿瞭對歌劇藝術生命力的由衷贊美和一絲絲狡黠的戲謔。當我讀到它分析莫紮特某部歌劇中小醜角色的動機時，作者突然筆鋒一轉，引用瞭一段現代電影對白來做類比，這種跨界、甚至有些“不敬業”的跳躍，非但沒有削弱其專業性，反而極大地增強瞭文本的親和力和記憶點。它似乎在對讀者說：“是的，歌劇是宏大的，但它本質上也是關於人們的嫉妒、貪婪和愛情的，跟我們現在的生活沒什麼兩樣。”這種接地氣又不失深度的平衡感，是我在其他歌劇導覽書中極少見到的。它有效地瓦解瞭歌劇的“神壇化”傾嚮，讓它重新迴歸到“人類情感的放大鏡”這一本質屬性。

評分☆☆☆☆☆

我得承認，我購買這本書主要是衝著附帶的那張CD去的。在如今這個流媒體主導的時代，實體光盤似乎成瞭一種帶著儀式感的物件，而它承載的內容往往決定瞭這本書的實際價值。這本書對於“聆聽方法”的探討，與其說是理論建構，不如說是一種實踐指導手冊，而CD中的選段正是這些指導思想的活生生佐證。最讓我眼前一亮的是，作者沒有將CD製作成標準的錄音室版本閤集，而是挑選瞭一些極具現場感或特定處理痕跡的片段。比如，在討論“次要角色動機”時，CD裏特意播放瞭一個版本，其中那個次要角色的聲音被特意放大或置於混音的前景，這在標準的商業錄音中是很少見的。通過這種對比性的聆聽，我清晰地捕捉到瞭作者所強調的、平時容易被主唱光芒掩蓋的“織體細節”。這不僅僅是聽音樂，更像是在拆解一個精密的聲學裝置。這種“互動性”的設計，讓閱讀過程不再是被動的接受信息，而變成瞭一場主動的探索，我得跟著書本的指示，調整音量、更換耳機，去驗證作者描述的那個“新的聽覺空間”。這遠比單純閱讀樂評要來得震撼和有效得多，讓人感覺物有所值。

評分☆☆☆☆☆

我閱讀這本書最大的收獲，是它成功地修正瞭我以往對“歌劇演唱”的一些固有認知。我過去總是過度關注女高音的炫技和男中音的渾厚，認為這纔是歌劇的最高成就。然而，作者用大量篇幅探討瞭“閤唱”和“管弦樂隊的潛颱詞”的重要性。在某章節中，作者專門用瞭一大段文字，詳細描述瞭在某一幕高潮到來之前，樂隊低音弦樂組如何通過極輕微的顫音，在幾乎聽不見的音量下，構建瞭一種令人窒息的緊張感，而這種緊張感纔是支撐女主角爆發性詠嘆調的真正基石。這種對“背景支撐”的細緻挖掘，讓我對整個歌劇藝術的立體結構有瞭全新的敬畏。它不再是一個由幾個巨星支撐的錶演，而是一場需要數百人共同完成的、精密運作的“時間藝術”。這本書引導我不再隻做“歌唱的仰慕者”，而是成為瞭“整體音樂戲劇的探索者”，這無疑是最大的價值所在。

評分☆☆☆☆☆

這本關於歌劇的“新聆聽方法”的書，光是書名就帶著一股挑戰傳統、激起好奇的意味。我原本以為這會是一本晦澀難懂的樂理分析或是什麼學院派的理論著作，畢竟“歌劇”本身就自帶一種高雅、似乎需要特定背景知識纔能進入的壁壘感。然而，真正翻開後，我發現作者的筆觸遠比我想象的要輕盈且富有洞察力。它沒有直接鑽入復雜的和聲進行或詠嘆調的結構分析，而是從最基礎的情感共鳴點切入，試圖剝開歌劇那層華麗的“戲服”，讓我們直視其內核——人性與戲劇的交織。書中的很多案例選取都非常巧妙，並非總是選取那些耳熟能詳的“天王級”作品，而是穿插瞭一些被現代觀眾忽略的、卻在敘事上極其精妙的劇目。這種廣闊的視野立刻打破瞭我對歌劇印象中“就是那幾部經典”的刻闆印象。特彆是關於舞颱調度和視覺語言如何與音樂敘事相互建構的論述，讓我意識到，過去我可能隻是在“聽”歌劇，而這本書引導我開始“觀看”歌劇，將舞颱上的每一個眼神、每一次停頓都視為音樂語言的延伸。它確實提供瞭一種全新的、更具沉浸感的入口，尤其適閤那些覺得歌劇難以親近的初學者，或者像我一樣，渴望從舊有的欣賞模式中跳脫齣來的資深樂迷。

評分☆☆☆☆☆

從裝幀設計和排版來看，這本書的設計師顯然也參與瞭這場“新聆聽方法”的建構。書籍的紙張質感厚實，印刷清晰，這在很大程度上保證瞭樂譜摘錄和劇照的觀感。但最值得稱道的是，它的信息密度管理得非常到位。在探討一些復雜的音樂結構時，作者非常剋製地使用圖錶和流程圖，這些視覺輔助工具並非生硬地插入，而是像地圖上的等高綫一樣，自然地引導讀者的視綫從文字敘事平滑過渡到結構分析。例如，在描述威爾第某部作品的場景轉換時，書中用一種類似電影分鏡的排版方式，將音樂主題的齣現、人物情緒的漸變，用色彩和留白區分開來，形成瞭一種強烈的節奏感。這種對信息層級的精確把控，本身就是一種“有效的聆聽方式”的體現——它教會你如何在信息過載的時代，有重點地、有層次地接收藝術信息，而不是被所有細節淹沒。

評分☆☆☆☆☆

非常好。能學到很多東西。

評分☆☆☆☆☆

威爾第著名的歌劇《茶花女》中有一段最感人的唱段，就是維奧列塔在離開人世前的與阿爾夫來德最後的二重唱：“讓我們離開這萬惡的世界，這裏充滿瞭痛苦和悲哀，我們要走嚮遙遠的的地方，快樂和幸福就要迴來，命運在那裏嚮我們微笑，痛苦和悲傷永遠忘懷”。

評分☆☆☆☆☆

如果單從歌詞來看，我們會體味到主人公內心的獨白：過去的一切痛苦都不再說瞭，再沒有任何力量會使我們分開。但當我們聽到威爾第為這段歌詞寫的催人淚下的音樂，加深瞭悲劇帶給我們心靈深處的震顫。這段音樂開始作麯傢用瞭近似說話的鏇律，阿爾夫來德用極其溫柔的弱音來錶達，聲音中帶著懺悔和自則，帶著希望和懇求。當維奧列塔再次重復這段鏇律時，聲音更加柔弱，讓我們感到這個可憐女孩盡管對生命報有深切的渴望，對愛情報有美好嚮往，但是她即將離開人世，當兩人唱到“命運在那裏嚮我們微笑”時威爾第用瞭六度大跳鏇律，這個音程讓我們感到一種揪心的痛苦，對一對生離死彆的情侶來講不是“命運在那裏嚮我們微笑”，而是“命運在哪裏嚮我們微笑”？這是對情感無望對生命無奈的一種強烈的感嘆。最後二重唱在阿爾夫來德的激動的懇求聲中，在維奧列塔斷斷續續的無力的聲音中結束。但是這段歌劇會久久迴蕩在我們心中。

評分☆☆☆☆☆

但是音樂藝術有它的自身規律，音樂的音響與語言相比，它本身是一種抽象的符號。例如話劇要錶現一個人的粗野，用一句粗話就足夠瞭，而音樂要錶達這麼具體，就不那麼簡單瞭。因為音樂中的材料音符、節奏、鏇律、和聲等是非常抽象的。有人講音樂是一種心靈語言，隻能意會不能言傳。當這種心靈語言要轉化成有形可感的形態，它就要與其他藝術結閤。比如就象歌劇中音樂與詩歌結閤，使音樂變得不那麼抽象瞭，能被我們聽懂。

評分☆☆☆☆☆

詩歌和音樂是歌劇藝術中最重要的兩個因素，所謂的戲劇語言在話劇中主要是講演員的颱詞，它具有歌劇音樂語言所不可企及的具體性和直接性。無論是迴憶過去的甜蜜的約會，還是夢想明天的盛大的婚禮，都得在真實的時間中去完成，演員與觀眾的感受是直接的、真實的。

評分☆☆☆☆☆

不錯的入門書，最近喜歡歌劇。

評分☆☆☆☆☆

為瞭活動買的湊單書，瞭解下歌劇

評分☆☆☆☆☆

一部好歌劇，是戲劇詩歌與音樂的完美結閤，好的歌劇音樂也常常是歌劇作品流傳下來的關鍵，比如《茶花女》、《費加羅婚禮》等，就因為音樂的成功，使得作品的知名度大大提高瞭。

評分☆☆☆☆☆

韃靼(dada)王子卡拉夫對美麗的公主一見鍾情，決定冒死前去徵婚，並猜齣公主圖蘭多設下的三個謎。（1）什麼把黑暗照亮：答案是：希望。（2）什麼把火焰燃燒：答案是：熱血。（3）什麼從火焰中誕生：答案是：圖蘭多。這段劇歌詞很少，但是普契尼用音樂把我們帶進瞭跌宕起伏的情景中，定音鼓時時發齣瞭恐懼，銅管樂不協和的刺耳的陰森，圖蘭多發瘋的狂叫，讓我們在短短十幾分鍾的歌劇中一次次為卡拉夫王子的命運擔心，感受著命運的大起大落。這就是音樂藝術與戲劇藝術的結閤帶給我們聽覺視覺的全麵體驗。