舒伯特声乐套曲的演唱和伴奏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[英] 穆尔·杰拉尔德 著，陈复君 译

图书标签:

• 舒伯特
• 声乐套曲
• 艺术歌曲
• 古典音乐
• 演唱技巧
• 伴奏技巧
• 音乐表演
• 音乐教育
• 声乐
• 德奥音乐

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810964685

版次：1

商品编码：11349622

包装：平装

开本：大16开

出版时间：2013-06-01

用纸：胶版纸

页数：128

正文语种：中文

内容简介

　　这个小小的音型大概不能当作套曲的“脐带”，但它指明了个别歌曲之间的相互关系。
　　在两部套曲的歌曲中，不能把任何一首分割开来看，不能把它和其他歌曲分隔开来评价。因为每一首歌曲都是宏伟的、不朽的结构生动的一环，它是比各乐章简单总和更重要得多的某种东西。
　　而《天鹅之歌》，人们认为只是为了方便而称它为套曲，因为它是由出版者命名的，他把所有14首歌曲用一个封面出版，而这些作品在作曲家去世时还未问世。虽然缺乏把它们连为统一体的线条，但海涅的四首诗歌和列露斯塔普塞的大部分诗歌是献给同一个主题——思恋的主题（Sehnsucht）的，塞得尔动人的诗歌《传信鸽》也和这些诗歌组合在一起，它的确被看作是舒伯特本人的“天鹅之歌”。
　　对列露斯塔普塞来说，在这部套曲中与海涅并列在一起并不是很有利，但是以列露斯塔普塞的诗歌写作的一些歌曲，仍然愉悦了每一个舒伯特迷的心：动人心弦的《爱的喜悦》和《别离》，非栖身之地的《我的家》，当然还有充满柔情和美好的《小夜曲》（是的，这后一首歌由于它不可思议的过分流行而被演俗了也遭到非议）。其他三首不是很重要，比较平淡。
　　舒伯特在自己生命的最后的八月，他以海涅的诗歌写了六首歌曲。它的曲式构成成为歌曲作品的范例。死亡已矗立在面前，生命留给他的只有三个月。但是大师铺设了新的道路，虽然他了解这非同寻常的道路的每一寸土地；他排除了所有非必要的装饰，只留下了一个主要之点——真实。时而崇高，时而无法容忍，但总是能以它的纯真而震撼心灵。
　　马丁·库贝尔（英国音乐评论家）关于这三部套曲的评价很中肯：“舒伯特无可比拟的天才在这最后的创作中把德国的Lieder提升到不可企及的高度。作曲家所达到的感情深度，使这一体裁的追随者没有一人能超过他。”
　　我要为经常运用forte，pian0，rallentand0，accelerand0等等这些表情符号而恳请原谅，但是你们会同意，任何试图找到代替它们的做法只会导致混乱。某些指挥在排练中的做法会有助于乐手得出这样的结论。他会在同一个地方让乐队停下来，并且大喊道：“不对，不对，这里应当表现出心的跳动！”“他想要什么？”一位乐手不安地问。“他要我们奏pianissim0。”他回答他的同事。

目录

前言
套曲《美丽的磨坊姑娘》
套曲《冬之旅》
套曲《天鹅之歌》
附录 穆尔的回忆
伊丽莎白·施瓦茨科普甫
维克多丽亚·德·洛斯·安捷丽斯
迪特里赫·费舍尔一迪斯考
告别音乐会
译后语

前言/序言

好的，这是一份关于其他主题的图书简介，旨在提供丰富详实的内容，且不涉及“舒伯特声乐套曲的演唱和伴奏”这一特定主题。 --- 《文艺复兴时期欧洲小型键盘乐器的发展与演奏实践》 第一部分：背景与器乐形态的演变 本书深入探究了15世纪至17世纪欧洲大陆上，小型键盘乐器——特别是维吉纳琴（Virginal）、克拉维琴（Clavichord）以及早期管风琴——在结构、音色以及演奏技法上所经历的深刻变革。文艺复兴时期是音乐美学从复调转向单音主导，并最终孕育出巴洛克早期风格的关键过渡期。在此背景下，家庭音乐制作与贵族沙龙的兴盛，极大地推动了便携、精致且适合室内演奏的键盘乐器制造工艺的进步。 第一章首先考察了中世纪晚期手摇风琴（Portative Organ）向早期的“箱式”或“立式”维吉纳琴的转变过程。重点分析了音栓机制的简化、弦轴的材料选择（如使用金属弦代替肠弦的可能性）以及琴体装饰艺术的演变。早期的维吉纳琴多为小型、带有固定音域的乐器，其音色清脆、颗粒感强，非常适合演奏当时流行的舞曲和幻想曲（Fantasia）。 第二章则聚焦于克拉维琴的黎明。虽然克拉维琴在17世纪晚期才达到成熟，但其雏形在16世纪已现端倪。克拉维琴的独特性在于其通过弦槌轻击琴弦发声，赋予了演奏者细微的力度控制和触键表达的潜力，这与拨片发声的维吉纳琴形成了鲜明的对比。本章详细比较了不同地域（如意大利与德意志）早期克拉维琴构造的差异，特别是对音色衰减和延音效果的技术性分析。 第二部分：技法、曲目与风格解析 本书的第二部分将焦点转移到这些乐器上的实际演奏实践以及由此产生的独特音乐语汇。文艺复兴时期的键盘音乐，虽然在宏大叙事上不如后来的巴赫或亨德尔作品，却在织体精细度和技巧的独创性上达到了令人惊叹的高度。 第三章深入探讨了英国“维吉纳学派”的特殊性。约翰·布洛（John Bull）、威廉·伯德（William Byrd）等作曲家为维吉纳琴创作的音乐，以其密集的装饰音、快速的琶音跑动和复杂的对位手法著称。本章详细解析了“指法”（Fingering）在这一时期如何被视为一种高度专业化的技能，并分析了当时的指法记谱法（如鲁特琴谱向键盘谱的过渡）。重点研究了“点对点”（Point-making）的演奏技术，即如何通过清晰分离的声部线条来体现复调结构，而不是依赖音色的整体融合。 第四章转向欧洲大陆的演奏风格，特别是意大利和西班牙的里切尔卡（Ricercar）和托卡塔（Toccata）。与英国的织体密集型作品不同，这些作品往往更注重即兴的灵活性和声部间的对话感。我们考察了安德烈亚·加布里埃利（Andrea Gabrieli）等人在威尼斯乐派中如何利用键盘乐器模拟多合唱团的音响效果。此处，早期管风琴的作用开始凸显，它作为连接室内乐与教堂音乐的桥梁，其音栓的配置直接影响了作品的演绎方式。 第三部分：乐谱的流传与保存 第五章和第六章致力于文献学和乐谱学研究。键盘音乐的保存，很大程度上依赖于私人收藏的手抄本（Manuscripts）和早期印刷品的质量。本书梳理了诸如《道南手稿》（Dowan Manuscript）和《帕梅拉古集》（Padua Manuscript）等核心文献的来源与可靠性。通过对这些手稿的细致比对，揭示了不同抄写者在处理速度标记、装饰音的添加与省略方面的习惯差异，这对于现代演奏者重建历史上的演奏实践至关重要。 第六章着重讨论了“即兴演奏”在文艺复兴键盘音乐中的核心地位。在许多场合，作曲家提供的乐谱仅是骨架，演奏者被期望在托卡塔或幻想曲中加入大量的个人化装饰和发展。通过分析巴赫早期导师（如布克斯特胡德的先驱者）留下的关于“即兴结构”的教学片段，读者可以理解当时音乐家是如何在既定框架内实现高度的个人化表达。 结语：从模仿到个性化 本书最终总结了文艺复兴键盘音乐如何从对声乐模仿（如对位模仿）中解放出来，最终形成了独立、成熟的器乐语言，并为巴洛克时期键盘音乐的辉煌奠定了坚实的技术与美学基础。它不仅是一部乐器发展史，更是一部关于早期音乐家如何在其受限的工具上，以惊人的创造力拓展音乐表现力边界的实践指南。 ---

评分☆☆☆☆☆

我对舒伯特声乐套曲的热爱，始于那些充满叙事性的旋律。这本书的书名《舒伯特声乐套曲的演唱和伴奏》让我立刻联想到了故事的讲述者和故事的背景。我非常好奇，书中会如何解构这些套曲的叙事结构，以及演唱者和伴奏者如何协同工作，将这些看似独立的歌曲串联成一个完整而引人入胜的故事。 我特别想了解，在《冬之旅》这样的套曲中，歌者是如何通过声音的色彩和动态来展现主人公从希望到绝望的心路历程？例如，在《晚安》中那种略带忧伤的告别，以及在《枯叶》中那种无尽的悲凉，歌手的声音是否会有明显的变化？而伴奏的钢琴，又扮演了怎样的角色？它是否仅仅是简单地跟随着旋律，还是在其中扮演了环境的描绘者，比如寒风的呼啸，冰雪的覆盖，或是内心的回响？我期待书中能够提供一些具体的演唱技巧和伴奏织体的分析，让我能够理解，舒伯特是如何将文学的魅力与音乐的表现力完美结合，而演唱和伴奏又是如何将这种结合推向极致，让听众能够身临其境地体验主人公的旅程。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我对舒伯特那如泉水般清澈而又深邃的声乐艺术情有独钟。这本书的名字，一开始就深深吸引了我——《舒伯特声乐套曲的演唱和伴奏》。我脑海中立刻浮现出那些在昏黄灯光下，钢琴轻柔地流淌出歌声的画面，以及歌者情感的起伏跌宕。我期待着书中能够揭示舒伯特那些动人心魄的套曲背后，演唱者是如何捕捉并演绎出每一个细微的情感变化，每一个微妙的语境转折。我渴望了解，那些看似不经意流淌出的旋律，在伴奏的烘托下，是如何与人声融为一体，共同构建出那令人心碎或欣喜的音乐世界。 我想知道，书中是否会深入剖析《美丽的磨坊女》、《冬之旅》、《天鹅之歌》这些经典套曲中，不同歌曲的演唱技法上的侧重点。比如，在《菩提树》中，那种对家乡的思念与孤独，演唱者是如何用声音去“描绘”那随风摇曳的树叶和低语的溪流？而在《魔王》中，又是如何通过声音的转换，将叙述者、父亲、孩子和魔王这几个截然不同的角色刻画得栩栩如生？伴奏方面，书中又会如何讲解舒伯特那精妙绝伦的钢琴声部，是如何与声乐线条进行对话，时而呼应，时而独立，又时而形成戏剧性的张力？我期待的是那种细致入微的分析，能够让我站在演唱者和伴奏者的角度，去更深入地理解这些作品的艺术魅力，仿佛亲临排练现场，感受创作的火花。

评分☆☆☆☆☆

我一直对舒伯特声乐作品中那份独特的、触及灵魂的忧郁和浪漫情怀着迷。这本书的书名，简洁而有力：《舒伯特声乐套曲的演唱和伴奏》，立即勾起了我的好奇心。我渴望了解，在演绎这些经典作品时，演唱者是如何通过声音的细微之处，去捕捉那些转瞬即逝的情感，例如，微小的颤音所传递的脆弱，或是渐弱的处理所暗示的无奈。 我也同样期待书中能深入探讨钢琴伴奏的作用。舒伯特的钢琴声部，有时就像是歌曲的灵魂伴侣，有时又像是故事的旁白。它是否会详细分析，钢琴的某些织体，比如分解和弦的流动，是如何描绘出流水潺潺，或者寥寥几个强音，如何勾勒出内心的震动？我希望这本书能够提供一些独特的视角，让我能够更加细致地聆听，并且欣赏演唱者和钢琴家是如何共同努力，将舒伯特那些充满诗意和哲思的歌曲，变成一幅幅生动的音乐画卷，让听者在其中感受到深刻的情感共鸣和艺术的熏陶。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本书，期待的并非是枯燥的乐理分析，而是希望能够领略到舒伯特声乐艺术中那份独特的、渗透到骨子里的“德意志灵魂”。这本书的名字《舒伯特声乐套曲的演唱和伴奏》恰恰击中了我的好奇点。我特别想知道，那些歌词背后所蕴含的诗意，那些对自然、对爱情、对生命终极意义的探索，是如何通过演唱者富有感染力的声音和伴奏者富有想象力的钢琴来得以升华的。 我设想着，书中会不会提供一些关于著名歌唱家和钢琴家是如何诠释这些作品的案例分析？比如，某个版本中，某句歌词的处理是如何超越了字面意义，赋予了歌曲更深沉的情感内涵？又或者，伴奏声部中的某个和弦进行，是如何巧妙地暗示了人物内心的矛盾和挣扎？我希望这本书能像一位经验丰富的音乐向导，带领我穿梭于舒伯特那些充满情感张力的音乐场景中，去感受那些被誉为“歌曲之王”的作品，究竟是如何在演唱和伴奏的默契配合下，触动我们内心最柔软的角落，让我们在音乐中找到共鸣，甚至是一种心灵的慰藉。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都在寻找能够更深入理解声乐作品演唱和伴奏之间微妙关系的途径。这本书的书名《舒伯特声乐套曲的演唱和伴奏》恰好点明了这一点。我迫切地想知道，书中是否会提供一些理论性的指导，解释在演唱舒伯特的作品时，声音的支撑、共鸣、气息控制等方面需要注意什么，以达到那种自然而又富有表现力的效果。 同时，我也非常关注伴奏的部分。舒伯特的钢琴伴奏常常被誉为“第二声部”，它不仅仅是烘托，更是与声乐声部进行着深刻的对话。书中是否会分析，在不同的套曲、不同的歌曲中，钢琴伴奏是如何通过和声、节奏、音色等手段来增强歌曲的戏剧性，或者表达出歌词中更为隐晦的情感？我希望这本书能够提供一些具体的指导，比如，当演唱者在某一句演唱上使用了某种特殊的技巧时，伴奏的钢琴应该如何做出反应，才能达到最佳的艺术效果。我希望能从中学习到，如何才能在演唱和伴奏之间找到那种理想的平衡点，让它们共同创造出令人难忘的音乐体验。