中国画技法：人物 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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黄均著

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出版社：人民美术出版社

ISBN：9787102070551

版次：1

商品编码：11650012

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-12-01

用纸：胶版纸

页数：108

正文语种：中文

具体描述

内容简介

　　人物画在中国绘画中占有重要位置，许多艺术珍品，不仅帮助我们了解历史人物的活动、思想和愿望，那惟妙惟肖的形象刻画，内心情感的细致描写，艺术境界的追求，也给我们带来深刻的美地享受。《中国画技法：人物》从造型方法开始讲解，再介绍各种画法和笔墨技法，并融汇西方传入中国的解剖、透视等科学知识，遂使得人物画的技法更趋完善和丰富。《中国画技法：人物》加入了大量的人物画资料为提供美术爱好者了较好地学习资料。

内页插图

前言/序言

山水意境：中国画中的自然哲思中国的山水画，不仅仅是对自然景物的描摹，更是一种哲学思想、一种精神寄托的具象化表达。它超越了单纯的写实，将中国古代文人对宇宙、人生、道德的理解融入笔墨之中，传递出人与自然和谐相处的理想境界。山水意境的由来与发展山水画的萌芽可以追溯到汉代的墓室壁画，那时已经出现了初步的山水图案。到了魏晋南北朝时期，随着玄学和佛教的兴盛，人们对自然产生了更深沉的认识，山水画开始独立发展，顾恺之的《画论》中提出的“山水，有远近之随，有远近之趣”，为山水画的创作奠定了理论基础。唐代是山水画的第一个高峰，出现了吴道子、李思训、王维等大师。吴道子以“吴带当风”的人物画闻名，但他的山水也极具气势。李思训则开创了金碧山水，用石青、石绿等矿物颜料，描绘出富丽堂皇的山峦殿宇。而王维，这位“诗中有画，画中有诗”的文人画家，则将水墨山水推向了新的高度，他的作品充满了诗意和禅意，强调“意境”的营造。宋代是中国山水画的鼎盛时期，山水画成为独立的画科，并被赋予了重要的社会意义。北宋的“山水巨擘”如范宽、郭熙、李唐，他们笔下的山水雄伟壮丽，气势磅礴，充满了对自然敬畏之情。范宽的《溪山行旅图》以其高耸的山峰、蜿蜒的山路、渺小的人物，展现了自然伟力面前人类的谦卑。郭熙在《林泉高致》中提出的“山水有可行者，有可望者，有可游者，有可居者”，更是将山水画的观赏体验提升到了全新的境界。南宋时期，随着政治动荡，山水画的风格也发生了变化。马远、夏圭等人的作品，画面构图疏朗，意境萧疏，常常在局部取景，强调“边角之景”，营造出清逸冷峻的氛围，这也被称为“马一角”、“夏半边”。元代，虽然蒙古族入主中原，但文人画并未因此衰落，反而因为文人阶层的地位变化而更加注重抒发个人情怀。黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇等“元四家”，以其独特的笔墨和构图，展现了文人隐逸、寄情山水的志趣。黄公望的《富春山居图》被誉为“中国山水画的巅峰之作”，其笔墨浑厚，意境悠远。明清时期，山代画在继承前人的基础上，呈现出更加多元化的发展。沈周、文徵明等“吴门画派”的画家，继承了元四家的笔墨传统，注重文人情趣的表达。董其昌提出了“南北宗论”，对后世山水画的发展产生了深远影响。晚清的“海派”画家如虚谷、任伯年等，则在传统基础上融入了西方绘画的写实技巧，使得山水画的表現手法更加丰富。山水意境的构成要素中国山水画的意境，是通过多种要素相互融合、烘托而形成的，主要包括：笔墨：笔墨是中国画的灵魂。山水画的笔墨，讲究“笔笔有法，意在意先”。用笔讲究刚柔相济，点、线、面结合，通过墨色的浓淡干湿变化，塑造出山石的质感、树木的形态、云水的流动。不同的笔法，如皴法（如披麻皴、斧劈皴、解索皴等），能表现出山石的不同肌理和纹理，赋予山水生命力。墨色是中国画的色彩，通过“墨分五色”，表现出层次感、体积感和空间感。构图：构图是中国山水画的骨架。合理的构图能够引导观者的视线，突出画面的主题，营造出特定的氛围。中国山水画的构图，讲究“计白当黑”，留白之处常有妙境。常见的构图方式有“高远”、“平远”、“深远”等，不同的视点能带来不同的视觉感受。中国画的构图也常常打破西方绘画的固定焦点，采用散点透视，使得画面空间更加灵活开阔。色彩：虽然水墨山水是主流，但设色山水也占有重要地位。中国画的色彩，讲究“随类赋彩”，但也强调“以墨为主，以色为辅”。矿物颜料的厚重感和植物颜料的清雅感，都能为画面增添不同的意趣。色彩的运用，能够强化画面的情感表达，营造出四季的变化，烘托出画面的氛围。意象：意象是中国山水画的灵魂所在。画家在描绘自然景物的同时，更注重注入自己的情感、思想和对人生的感悟。山水景物成为寄托情怀的载体。“山”常象征着坚韧、永恒，“水”象征着变化、流动，“云”象征着飘逸、超脱，“松”象征着不屈、长寿，“瀑布”象征着生命力。通过对这些意象的组合和表现，画家得以传达出“天人合一”的哲学思想。留白（虚）：中国山水画中的留白，不仅仅是画面的空白，更是意境的无限延伸。留白之处，往往是云雾缭绕的山谷，是浩渺的烟波，是思绪的空间。观者可以在留白之处自由想象，将自己的情感和联想融入其中，从而获得更深的艺术体验。它打破了画面形式的限制，将观者带入一个更广阔的思维空间。题跋：题跋是中国山水画的重要组成部分。文人画家常常在画作上题诗、题款，以文字的形式补充画面的意境，点明创作的缘由，抒发个人的情怀。诗文与画面的相互映衬，能够进一步深化作品的思想内涵，让观者在视觉和文字的双重感受中，获得更丰富的艺术享受。山水意境的哲学内涵中国山水画的意境，深刻地体现了中国古代的哲学思想：道家思想： “道法自然”是道家思想的核心，山水画正是对这一思想的艺术化阐释。画家通过对自然的细致观察和深刻体悟，力图捕捉自然界的“道”，并将之呈现在画面中。山水画中所体现的静谧、悠远、超脱的意境，正是对“道”的追求。儒家思想：儒家提倡“天人合一”，强调人与自然的和谐统一。山水画中，渺小的人类置身于壮丽的自然之中，体现了人类对自然的敬畏，同时也寄托了人与自然和谐相处的理想。山水画中常常出现的亭台楼阁、隐士居所，也反映了儒家对隐逸生活和修身养性的推崇。禅宗思想：禅宗的“顿悟”、“空”等观念，也对山水画产生了重要影响。水墨的晕染，留白的意境，都带有一种禅的空灵和静穆。通过对山水的描绘，画家试图引导观者进入一种冥想的状态，体悟生命的本真。山水意境的艺术价值中国山水画的意境，使其不仅仅是一种视觉艺术，更是一种精神的寄托和文化的传承。审美价值：山水画以其独特的笔墨、构图和意境，创造出一种高雅的审美情趣，满足了人们对美的追求。它提供了一种远离尘嚣、回归自然的审美体验，使人身心得到净化和升华。哲学价值：山水画是中国哲学思想的生动载体，它通过具象的艺术形式，展现了中国古代文人对宇宙、人生、社会的深刻思考。观赏山水画，也是一次对中国传统文化的学习和体验。文化价值：山水画是中国传统文化的重要组成部分，它承载着民族的历史记忆、审美观念和精神气质。通过对山水画的传承和发展，能够有效地弘扬和传播中华民族优秀的传统文化。结语中国山水画的意境，是一种难以言喻的美，是画家情感、哲学思考与自然景物融为一体的产物。它不是简单的模仿，而是“外师造化，中得心源”的升华。一幅好的山水画，能够让观者“游于艺”，仿佛身临其境，感受到大自然的鬼斧神工，体悟人生哲理，获得心灵的宁静与启迪。它以其独特的东方神韵，在全球艺术领域独树一帜，散发着永恒的魅力。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书对我来说，最大的价值在于它让我“看到”了中国画人物的“灵魂”。我一直觉得，中国画人物不只是画出一个人形，更重要的是要画出他的“神”。而《中国画技法：人物》在这方面做得尤为出色。它并非仅仅教授如何用笔用墨，而是深入探讨了“传神”的奥秘。书中会用很多篇幅来分析不同人物的性格特点，以及如何通过造型、神态、色彩等多种元素来共同塑造人物的精神气质。我记得书中有一章专门讲解“神态的捕捉”，它会分析如何通过眼睛、眉毛、嘴巴的细微变化来传递人物内心的情感。例如，它会解释同样是“笑”，可以是开心的笑，也可以是狡黠的笑，而这两种笑在笔触和线条的运用上会有怎样的不同。我通过学习书中案例，开始尝试着去观察生活中的人物，去感受他们的喜怒哀乐，并尝试用画笔去捕捉这些瞬间。这种从“形似”到“神似”的转变，是这本书带给我的最宝贵的财富。它让我明白，中国画人物不仅是技巧的展现，更是艺术家对生命和情感的深刻体悟。

评分☆☆☆☆☆

作为一个喜欢沉浸在书本细节里的读者，我发现《中国画技法：人物》在细节处理上做得极其到位，令人叹为观止。这本书的编排结构非常巧妙，它不是一开始就抛出复杂的构图和人物动态，而是从最基础的“神情”入手。它会详细分析如何通过眉眼的细微变化来传递人物的喜怒哀乐，如何通过嘴角的一抹弧度来暗示人物的性格。书中提供的案例，无论是慈祥的老者，还是活泼的孩童，他们的眼神都仿佛有了生命，仿佛能与我进行无声的交流。我花了大量的时间去揣摩书中的眉眼画法，反复练习，直到我画出的线条能够捕捉到人物内心的情感波动。更让我惊喜的是，这本书在讲解人物五官时，并没有局限于单一的风格，而是提供了多种表现手法。比如，在描绘鼻子时，它会介绍如何用简练的几笔勾勒出鼻梁的挺拔，如何用墨色的浓淡变化来区分鼻子的立体感，甚至还会探讨不同朝代、不同地域人物面部特征的细微差异，这让我意识到中国画人物并非千篇一律，而是有着丰富的地域性和时代感。这种对细节的极致追求，让这本书不仅仅是一本技法书，更像是一部关于中国人物形象的百科全书，让我沉醉其中，流连忘返。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我欣喜的一点是，它没有将中国画人物的创作过程神化，而是将其分解为一个个可以掌握的步骤，让像我这样的新手也能有信心去尝试。我曾经尝试过很多“高深”的画论，结果往往是看了半天也无从下手。但《中国画技法：人物》则非常务实，它从最基本的“勾线”开始，然后循序渐进地讲解“渲染”、“皴法”、“设色”等一系列技法。尤其让我印象深刻的是关于“渲染”的部分，它详细介绍了如何运用不同浓淡的墨和色来表现人物皮肤的质感和光泽，以及如何通过渲染来增强人物的立体感。书中提供了非常多的示范图，从最初的淡墨勾勒，到一步步的深入渲染，让我能够清晰地看到整个过程的变化。我按照书中的步骤，认真练习，现在我画出的人物，不再是扁平的，而是有了一定的体积感和质感，这对我来说是一个巨大的进步。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国画技法：人物》简直是我近期最惊喜的发现！作为一名多年来一直对中国传统绘画抱有浓厚兴趣，但苦于没有得法入门的初学者，我尝试过各种网课、视频教程，也购买过零散的画册，但总觉得难以窥见其中的精髓。直到我翻开这本书，那感觉就像是拨开了层层迷雾，豁然开朗。它并非简单地罗列技法名词，而是以一种循序渐进、深入浅出的方式，将复杂的中国画人物绘画过程分解成一个个易于理解的步骤。我尤其欣赏书中对“骨法用笔”的讲解。以往我总觉得中国画的线条飘忽不定，难以掌握，但这本书从最基础的执笔姿势、运笔力度，到如何通过线条的粗细、曲直、顿挫来表现人物的骨骼结构、肌肉纹理，都讲解得极为细致。它不是告诉你“要画得像”，而是告诉你“如何去画”，让你明白每一笔下去背后的逻辑和目的。比如，书中在描绘人物颈部时，会详细解释如何用虚实结合的线条勾勒出脖颈的转折和肌肉的起伏，以及如何运用淡墨晕染来表现皮肤的质感。这种由表及里、由骨到肉的讲解方式，让我第一次真正理解了“笔墨”的魅力，不再是机械地模仿，而是能够主动地去运用和创造。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对古代文化颇感兴趣的人，我一直觉得中国画人物是了解古代社会生活和人物风貌的一个窗口。《中国画技法：人物》这本书，在这方面为我打开了新的视野。它在教授绘画技法的同时，也融入了大量的历史文化背景知识，让我能更深入地理解作品所要传达的内涵。书中在讲解不同朝代人物服饰的画法时，会详细介绍当时流行的服饰款式、材质和穿着礼仪，这让我不仅学会了如何画出准确的服饰，也对当时的社会文化有了更深的认识。例如，在描绘唐代仕女图时，书中会详细讲解唐代女性的妆容、发髻和服装特点，以及如何通过这些细节来表现唐代女性的丰腴之美和雍容华贵。这种将绘画技法与历史文化相结合的方式，让学习过程充满了趣味性和知识性，让我觉得不仅仅是在学画画，更是在进行一次穿越时空的文化体验。

评分☆☆☆☆☆

我向来不太喜欢那些空泛的理论，更看重实际操作的可能性，而《中国画技法：人物》恰恰满足了我这一需求。这本书的实用性简直是无与伦比的。它不会用大段大段的哲学思辨来“吓唬”你，而是直接将最核心的技法拆解成一个个可执行的步骤，让你拿到笔就能开始画。我最喜欢的是书中关于“衣纹”的讲解。以往我画人物，衣服总是显得呆板，没有垂坠感，更谈不上表现衣料的质地。但这本书里，它会细致地分析不同材质的衣料（比如丝绸、麻布、棉布）在光线下会有怎样的褶皱，如何在人物身体的起伏中自然地形成衣纹的走向。它还会教授如何运用“写意”和“工笔”两种截然不同的手法来表现衣纹。对于初学者来说，这两种手法听起来可能有些遥远，但书中通过大量的图例和详细的步骤解析，让你能够清晰地看到两种手法的区别和共通之处。我尤其喜欢它对于“飞白”在表现衣纹中的运用，那种若隐若现的笔触，让衣物仿佛有了空气的流动感，显得生动而有力量。我跟着书中的示范，反复练习，现在我画出的衣纹，终于不再是生硬的线条堆砌，而是有了生命力，能够更好地衬托人物的体态和气质。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，一本好的绘画教材，应该能够激发读者的创作灵感，而《中国画技法：人物》在这方面做得非常出色。它不仅仅是枯燥的技法讲解，而是充满了艺术的感染力。书中收录了大量的优秀作品，这些作品的风格各异，涵盖了从古代到现代的各种人物画风格，让我大开眼界。我常常会对着这些作品长时间地欣赏，去揣摩作者是如何运用笔墨来表现人物的，是如何通过构图来烘托气氛的。更重要的是，这本书不仅仅是展示作品，还会对作品进行深入的解读。它会分析作品的构图、用笔、用墨、设色等各个方面，并结合前面讲解的技法，让你看到理论是如何在实践中得到运用的。例如，在分析一幅描绘历史人物的作品时，它会讲解作者是如何通过人物的服装、道具来还原历史背景，如何通过人物的神态来表现人物的性格和命运。这种解读方式，让我能够从优秀的作品中汲取养分，同时也能反思自己的不足，从而不断进步。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，一本优秀的绘画教程，应该能够让读者在掌握基本技法的同时，也能培养出自己的独立思考和创作能力。《中国画技法：人物》这本书，在这方面做得非常出色。它在教授具体技法的同时，也给了我很多启发，让我能够触类旁通，举一反三。书中在讲解“构图”时，不仅仅是给出几种固定的构图模式，而是详细地分析了构图的原则和规律，比如如何通过空间的疏密、虚实的对比来组织画面，如何通过线条的走向来引导观者的视线。同时，它还会鼓励读者根据自己的理解和创意，去尝试不同的构图方式。我通过学习书中讲解的构图原理，开始尝试着自己去设计人物的组合和场景的安排，而不是仅仅模仿书中的范例。这种从“模仿”到“创造”的转变，让我觉得这本书不仅仅是一本教材，更是一个引导我走上艺术创作道路的引路人。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，中国画人物最难的部分在于把握人物的“精气神”，如何让画中的人物“活”起来，是每个学习者都要面对的挑战。《中国画技法：人物》这本书，在这方面给了我非常大的启发。它不仅仅是教授技巧，更重要的是引导我从“心”出发去理解人物。书中在分析人物造型时，会强调要从人物的内心出发，去理解人物的性格、情绪，然后再将其转化为笔墨。例如，在描绘一个沉思的人物时，书中会分析如何通过人物的眼神、眉头的微蹙、身体的微微前倾来表现人物内心的思绪。它会引导我去思考，这个人物为什么会沉思？他可能在想些什么？只有真正理解了人物，才能画出有灵魂的人物。我跟着书中的引导，开始尝试去观察和体验生活中的人物，去感受他们的情绪，并尝试用画笔去表达。这种从“形”到““神的转变，是我在这本书中最大的收获。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，中国画的魅力在于其“写意”的境界，如何在寥寥数笔之间，勾勒出人物的神韵和意境。《中国画技法：人物》这本书，恰恰在这一点上给了我深刻的体验。它在教授人物画技法时，并没有一味地强调工笔细描，而是巧妙地融入了“写意”的笔法和理念。书中在讲解“勾线”时，会详细介绍如何运用顿挫、转折、提按等多种笔法来表现人物的骨骼结构和肌肉纹理，以及如何通过线条的粗细、疏密来表现人物的质感和动态。我尤其喜欢书中关于“飞白”的运用，那种若隐若现的笔触，让人物的衣物仿佛有了空气的流动感，显得生动而有力量。我跟着书中的示范，反复练习，现在我画出的衣纹，终于不再是生硬的线条堆砌，而是有了生命力，能够更好地衬托人物的体态和气质。这种将“写意”的笔墨韵味融入人物画的讲解方式，让我感受到了中国画的独特魅力，也激励我不断探索和追求更高的艺术境界。

评分☆☆☆☆☆

（九）书眉。连环画书页的上端。

评分☆☆☆☆☆

（一）封面。是印着书名和带有书中主人公形象的彩色画面的一页，也叫封一，俗称书皮，是用纸质较好的厚纸做成，是连环画装帧的主要部分。连环画的封面是连环画的脸面，大都绘画精美，色彩醒目，是全册画面中最精形、最有代表性的一幅。

评分☆☆☆☆☆

（六）封底。是连环画最底部的一页，也叫封四，俗称书皮。多数版权印在封底，不印版权的封底，一般印有统一书号，定价和出版社标记、责任编辑者等。

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（二）扉页。是封面后、画页前印有书名、出版社名称和原著者，改编者，绘画者的一页。封面后和封底前同书皮一体相连的空白页也称扉页。

评分☆☆☆☆☆

（四）画页。也称画幅，是指图文相结合、相对应的连环画主体部分。每一册连环画都是由几十或几百幅连续起来带有画面、文宇的画页所构成的。一般连环画都是一页一幅画一段文，少数大开本连环画也有一页两幅或四幅画及相应文字的。还有的在对开的两页中，一页是画面，另一页是文字的。

评分☆☆☆☆☆

象人美，辽美，天津人美，河北人美等出版社由于文革的破坏，名家连环画的手稿大多散失殆尽，随着时光的流逝，完好的老版本将越来越少，连环画老版本的版本价值，艺术价值，史料价值，资料价值，还有其它潜在的巨大价值是不言而喻的。