具體描述
編輯推薦
在書中看盡美術館的前世與今生；在美術館中領悟藝術的錶與裏。讓一切與藝術有關的行為更有意思，更有意識，更有意味。
內容簡介
《美術館十講》是作者唐剋揚作為對現當代藝術理論頗有功底的建築設計師，在過去的數年中搜集大量有關中外美術館資料的基礎上，對美術館這一“文化實體”所進行的鞭闢入裏的解析。《美術館十講》可以作為當代美術館建築的一本入門讀物，它並非就美術館的建築作品本身泛泛而談，也不試圖定義美術館是什麼。相反，本書將視角對準作為一種文化意象美術館，提齣瞭十個與美術館相關的話題，細述其在當下中國語境、藝術史、現代城市文明乃至中西文化比較等題域中的獨特意涵。通過對美術館建築與城市文明的互動關係，切入現代藝術思想史的核心——個體創作與公共生活之間的關聯、藝術與自然的互動，時間與空間的交錯。本書將為美術館的策劃，建設與使用提供有益的參考。
作者簡介
唐剋揚，北京大學比較文學碩士，芝加哥大學獲藝術史碩士，哈佛大學設計學院獲設計學博士。他既從事策展和學術研究，也是一位建築設計師。主要展覽包括在故宮舉辦的的“典藏與文明之光”特展，2010年威尼斯建築雙年展中國館，以及在奧古斯都的夏宮舉辦的“活的中國園林”特展等。作為一位有著跨學科背景的實踐者，他的作品從展覽策劃、博物館空間設計到建築史和文學寫作，有著彆具一格的多樣性。他目前主持著中國美術館的建築與藝術研究項目，並在數所大學任教。已齣版《從廢園到燕園》《紐約變形記》等。目錄
緣起美術館之路
1 “潛影”
中國美術館的前生今世
2 從市場到廟堂
西方展齣空間小史
3 美術館的建築類型學
“高等建築”和大眾藝術的啼笑因緣
4 “看”的藝術
空間裏的美術和圖像
5 行動的藝術
心，眼，手，腿
6 當大師遇見大師
建築和藝術的遭遇戰
7 輕如泰山，重於鴻毛
展覽空間的物質性和非物質性
8 自然中的藝術，自然中的建築
是世界展覽瞭我們，還是我們展覽瞭世界
9 美術館和記憶
時光是無盡的展綫
10 去美術館吃早餐
城市中的特殊空間
尾聲
中國明天的美術館
前言/序言
緣起美術館之路
緣起：美術館之路
似乎任何和“文化”緊扣的事體，都免不瞭一方麵充滿魅惑，一方麵又需要冷靜的眼光和反思的頭腦，“美術館”這樣事物在二十世紀末中國的興起也是這樣。
人們總想賦予美術館明確的定義。可是，變成一個經意構造的文化場後，它不僅賦予人群某種共識，籍此也彰顯瞭他們分歧的世界觀——就像結晶的過程，一旦晶體從飽和溶液中析齣瞭，它看上去就和它的環境顯得如此的格格不入。當代中國藝術的理論聲稱讓文化植根於它生長的土壤，在實踐中卻時時將它帶離這個星球。在西文世界裏，“博物館”似乎並不是什麼瞭不起的事物，人們的心目中，“museum”和“fine art museum”也並沒有什麼特殊的區分，但是中國現下的“美術館”相係的確實是一類特殊的人群和特殊的風尚，就算是古代文物，一旦成為“美術”和“藝術”，放在“museum”裏麵陳列之後，它也斷然染上瞭彆樣的色彩。
在“藝術圈”的忙碌人群中是看不到美術館之外的世界的，因為他們的眼光免不瞭還是種孤芳自賞，套用那句大俗話，他們“不在美術館，就在通往美術館的路上”。
我在生平的第二十二個年頭纔有機會走在這樣的路上，那是在如此的文化方興未艾的時節。我還記得那是校尉鬍同的老中央美院，一個寒冷的鼕天，從北京大學所在的海澱區到王府井，需要搭乘公共汽車，轉換2號綫地鐵，然後再步行一段，纔能找到我所想要去的展廳。中央美術學院毗鄰美國傳教士在二十世紀初葉設計建成的協和醫院，由張開濟在三十多年後設計建成的校捨的風格與之類似，它摺衷中西的空間和美術展覽的功能似乎並不完全匹配，但是跨進展廳的那一瞬間，必須說，我著實感受到瞭後來我在各種“museum”中體驗到的東西。空間裏的氣氛是我不熟悉的：外省青年和優雅的藝術傢“女主人”的短暫目光交接，是好奇心和好奇心的碰撞，但是其中並沒有什麼交流的可能性，不時有路邊的過客掀開棉布簾子進來，卻很少有熟人間的對話，人們沉默地進入，又沉默地離開，我翻開展廳的留言簿，並沒有看到什麼針對作品本身的隻言片語。
通往美術館的路是會是有前提的——這樣的造訪不太可能僅僅是偶然，在我們與它相約之前，我們必須問自己這樣的問題：美術館在哪兒？我們究竟要在美術館中看到什麼？大多數美術館並不“事先”存在，在它們匆忙地建成之前，或者在與它們不期而遇之前，大多數人對這類文化空間的功能並無太多心理預期——至少對於大多數非專業的觀眾而言，觀摩“原作”的現場並不如身臨“藝術”的現境更重要，因為很少“原作”的意象會在他們心中牢牢紮根，他們來到美術館其實是看人，而不是看作品。尤其是在當代中國，美術館已經成瞭一種混雜的主題公園樣式，或者，套用德斯濛德·莫裏斯（Desmond Morris）評論紐約的話說，在此美術館是一個圈養著人類的動物園。
對一個來到陌生城市的訪客而言，美術館首先是一個顯赫的地點，它占據著大多數西方城市的中心地位。20世紀，當中央公園在1817年紐約規劃中的密仄格柵中卓然自立的時候，這塊特殊的城市預留地裏唯一的大體量建築物就是大都會博物館；芝加哥有類似情況，“中環”（loop）湖濱的密歇根大道以東沒有任何建設，隻有芝加哥藝術學院的陳列館（芝加哥藝術館）。更不用說那些年代更為久遠的歐洲美術館，在柏林的老城城址上建成的老國傢畫廊得之於弗裏德裏希大帝的直接授意。建成較晚的美術館不一定能擠進寸土寸金的市中心，但即使如此，它們依然被當成都市復興或是縉紳化（urban gentrification）的重要手段：從一開始，由妹島和世設計的紐約新美術館就被當成改造嚮來破敝的包厘街（Bowery Street)地區的關鍵環節。
但是這個地點是一個模糊的地點，美術館隻有成為一種形象（image）之後纔能更清晰地在城市中存在，也方便訪客的識途。西方建築學之中，建築物的形象首先是指它的外部“立麵”（fa?ade）。這種外在的“形象”和我們在藝術史中所說的“具象”（figure）是有區彆的，建築和藝術——自然主義或非自然主義的藝術——的很大不同，在於它不以“相似”為意，對於凱文·林奇（Kevin Lynch）而言形象就是“個性，結構和意蘊”的綜閤體。形象，是因特定意涵的“觀看”纔從懵懵懂懂的環境之中脫離齣來的，由於某種“如畫”（picturesque）的品質和內涵使得觀看的主體和客體彼此脫離，城市不再均質。在這個意義上的美術館不僅和當代藝術也和古典藝術有關，後者更強烈地錶達瞭“框外”和“框內”的不同涵義，暗示瞭凝視（gaze）的文化根基所在。
自然，當代的美術館設計已經不拘於靜態的、二元的“觀看”瞭，比如瑞士建築師彼得·卒姆托的名作布列根茨美術館，在那裏建築被有意識地遮蔽，卻又並不完全封閉，由於半透的，濾鏡式的建築錶皮，它的形象現在是一種介於有和沒有之間的存在，雖然不能使你看到什麼卻的的確確改變瞭你的“看法”，這點和古典建築並無二緻。所以有形的“框景”（framing）之後緊隨著無處不在的“成像”（imaging），它們都是當代美術館的核心觀念。
由於這種確鑿無疑的形象的魅惑，美術館本身成為美術“作品”的一種形式——也許從此開始，我們應該更加考究我們的用詞瞭，除瞭“美術館”和“博物館”的區分，到底是“美術館”還是“藝術館”？每種錶述都有特定時空的前提，它們使得“看見”和“看到”成為不同的“看法”——對於一個造訪者而言，僅僅是“看見”是沒有意義的。
在中國，隻是最近人們纔更多地提到“藝術”（art）而不僅僅是“美”術（fine art）。就像英文裏博物館不易和美術館區分一樣，“美術”領先“藝術”率先齣場，反映齣中國美術館內嚮、遠離的原初語境。現代教育傢蔡元培主張“以美育代宗教”，在解說瞭“美育”比“美術”更宏闊的基礎上，他提到起教化作用的美育“使參與的人有超齣塵世的感想”——就像反對此說的呂澂所言，如此的“美術”觀是“人生的反麵”，是現世中的孤島；相信“美術是上流社會的宗教”（王國維）的人們，一開始就讓美術館中的公共性有些匱乏。於是，中國的“美術館”聽起來就是演奏室內樂的音樂廳，而不是奧林匹斯神廟露天的半圓形劇場；更有甚者，由於中國傳統建築和城市特點的習染，它既缺乏清晰可見的“立麵”，也沒有內部的空間層次而導緻的截然的“透明性”。在不知當代藝術為何的前提下，大多數中國建築師筆下的當代美術館是孤懸於城市中的封閉的堡壘。
現代城市中的美術館不再是獨立的飛地，它和城市的聯係值得細究。首先，“城市”是復數的係統，美術館輻射周邊區域，它們既是人心的海洋中的離島，也是城市文化交通中的經停站。不用說華盛頓的mall，柏林的博物館島，即使在紐約這樣的私人城市，大都會博物館的周邊也有星羅棋布的畫廊。這也就是為何藝術總喜歡在“藝術區”中存在，強調個性的藝術傢們卻總愛“一起孤獨”——除瞭“城市中的美術館”也可能是“美術館即城市”，除瞭由眾多單體湊成的大型“係統”（SoHo，798），在自身規模也日益膨脹的當代城市中新建的大型“藝術綜閤體”也越來越多瞭，按照庫哈斯的說法，當代空間中的“大”（bigness）既是必要的也是必然的，在其中藝術展示並不一定是唯一的、最主要的功能。對於我們篇首所提到的那種“人工文化”而言，傳統歐洲城市的小型城市組織已經不敷使用瞭，新的“大”並不追求和它的環境協同，因為它自身就構成瞭自身的情境。隻要自身的規模容量足夠，美術館成為“析齣的晶體”並不是什麼壞事，它的形象越飽滿鮮明，它對於城市的貢獻就越大。
如此，在大都會的茫茫九衢中，一個來訪者找到這樣的美術館也許並不算難，難在如何得其門而“進入”。無論如何，對於每個個體而言，美術館不僅是一個地點，一種公共形象，一個場域——以上都是以“集體”的麵貌齣現的——也是一個具體的“終極的空間”，而且是一類“私人空間”，需要落實到單數的眼睛和心靈。這樣的空間並不排斥其它的屬性，例如它也自有它的“形象”，也許是某種隱約其辭的“私人形象”——但是“私人形象”這個說法聽起來又是不易成立的。它揭示著美術館與生俱來的自我矛盾性，甚至大多數人所鼓吹的“公共性”的滋生也莫過於此：公共性恰恰産生於當代社會對於個性的承認，但是藝術對人們心智的係統催化卻又不能不籍由某種體製化的方式來完成。由集體和個性之間的搖擺，當代美術館既是大街上的響亮宣言，也是一個陶冶性情、沁潤其中的容器，它最終的包容性難免隱藏瞭它著力揭示的社會矛盾和衝突。
除瞭它顯見的莊嚴和喧囂，美術館的深處其實有個不可見的虛空，那是一類靜默的、思考的空間，這是不太引人注目的方麵。從初次跨進校尉鬍同的老美院展廳的那刻，我就發現瞭這個秘密；錶麵上“公共”的當代藝術，其實又立即是羞澀的和“私人”的，在藝術和觀眾之間有些話未便當麵提起，需要轉過頭去交代。
於是，美術館自身也是一條引領人們心智的道路——我們談到的“道路”不僅僅關於長途跋涉到它門前的那條。在傳統的想象中美術館是一座萬水韆山外的聖殿，貝聿銘設計的美秀美術館，需要換乘好幾種交通工具纔能到達，最終還隻能步行進入，它便是如此聖殿的典型事例；可是，在當代城市中，為瞭打破靜態的展示和動態的生活之間的壁壘，人們不能不時刻“穿行”在美術館所創造的思想領域之中，不光是專程去那裏朝聖。這種貌似不可思議的“穿行”有那麼幾個辦法：
——美術館不僅是一個抽象的地點（locale）也可以是一個有其廣度的場域（field）（如此就可以把“點”和“麵”閤為一體）；
——美術館的“形象”不僅是外在的也可以是內在的（如此就打破瞭集體和個人之間的樊籬）；
——美術館不僅是一種特彆的文化空間，也是一種文化事件的統稱（如此，既可以在美術館，也可以同時在去美術館的路上）
大眾心目中的美術館似乎和“畫”綁定，它本身的建築類型甚至被稱為“畫廊”（gallery，準確地說，英文的“galleria”，暫且翻譯成“藝廊”，並沒有“畫”這個字麵含義，把它和“畫”拉上關係又體現瞭中文的情境），可是，和通常想象的類型學不同，“畫廊”其實並不能導緻一種“畫”的至上地位，當代的美術館不再是一種“靜觀”，觀眾觀看的方嚮和行進的方嚮總是互相垂直，使得傳統的自然主義藝術的幻覺性再現失效。美術館不再是一座“私人的萬神廟”，一座充滿而盈溢的容器，不斷麯摺導引的道路，讓這容器的意義齣漏瞭。
“路”可能是藝術史最青睞的題材之一，羅馬人的早期壁畫或是達芬奇的明暗風景裏通常畫不齣清晰連貫的小徑，當“空間”在“運動”中浮現時，古典繪畫的主題就為觀眾可以追隨的幻覺性道路所鎖定——無論是霍貝瑪的《楊樹林蔭道》 列維坦的《弗拉基米爾之路》還是我們熟悉的《毛主席去安源》。可是恰恰是展示這些作品的“畫廊”把觀眾的身心拖離瞭這些道路——兩條路，一條是眼前，還有一條是現實中的，一條是冥思之路，另一條則是不得不麵對的當代文化的事實：人工的“藝術”所營就的特殊的儀式性場所，已經和世俗性的人生走嚮分離瞭——隨性而聚，亦隨風而散。
這就是篇首我們提到的那種情形的意義，人們並不是因為走嚮美術館纔變得“文藝”，在開始這條追尋之路之前，他們的生活已為另一種更大的情境所鎖定，你可以說這種情境是“非”美術館的部分，但你也可以說，美術館之路從那裏就已經開始。
除瞭展覽之外，一個大型美術館的功能至少包括以下的部分：沉思（最“高級”的選項），教諭（最“民主”的美術館也不會去除這一項），教育（平等的“教育”和“教諭”往往相反），交流——最後這一項被看做當代美術館的最新發展。就在可見的將來，或許會有和今天完全不一樣的風尚，在美術館吃個“知性的晚餐”和“在蒂芬妮吃早餐”一樣通俗。用不著特彆驚奇，這些“逛美術館者”（museum goer）根本用不著去“看展覽”。
對大多數走進美術館的人們而言，他們隻是不停地走過某些作品，最終將它們統統遺忘。
用戶評價
我是一個習慣於快速獲取信息，但又追求深度理解的讀者，這本書的閱讀體驗恰恰滿足瞭我這種矛盾的需求。它的語言風格在保持學術嚴謹性的同時，做到瞭驚人的流暢和易懂。很多關於美學理論的書籍，往往會在深入探討“形式美學”或“現象學闡釋”時，用上大量的哲學術語，讓人讀得氣喘籲籲。然而，這本書的作者似乎有一套獨到的“翻譯”能力，他能用最樸素的語言，精準地傳達齣那些復雜的藝術理論內核。比如，當他談及“非物質性”在抽象錶現主義中的體現時，他沒有陷入無休止的定義之中，而是通過描述觀眾麵對一幅巨大畫布時産生的身體感受和心理反應，讓“非物質”的概念變得可觸可感。這種將抽象概念具象化的能力，極大地降低瞭閱讀門檻，讓更多對高深理論望而卻步的人也能從中獲益，真正實現瞭知識的普及與升華的統一。
評分這本書的裝幀設計著實讓人眼前一亮，那硬挺的布麵材質，帶著一種沉靜的曆史感，觸手可及的質感讓人愛不釋手。封麵那幅抽象的色彩構成，大膽而又和諧，初見時如同迷霧中的燈塔，引人深思。內頁的紙張選用也頗為考究，米白色的紙張不僅保護瞭視力，更襯托齣其中印刷的那些精美圖片，即便是最細微的筆觸也能清晰可見，這對於需要細緻觀察的藝術書籍來說，無疑是加分項。更值得稱贊的是，它的開本設計得恰到好處，既方便手持閱讀，又能在展開時提供足夠的空間來展示那些鴻篇巨製，那種將藝術品“請”進書頁的用心，可見一斑。我特意翻閱瞭它關於色彩理論的那幾個章節，作者似乎對不同時期畫傢對光影的處理有著獨到的見解，尤其對比瞭印象派和後印象派在捕捉瞬間光綫時的手法差異，文字間的張力似乎也模擬瞭畫麵本身的動感，讓人仿佛能透過文字感受到莫奈花園裏那濕潤的空氣和塞尚畫作中堅實的結構感。整體而言，它不僅僅是一本知識的載體，更像是一件經過精心打磨的藝術品，值得收藏和細品。
評分我是一個對藝術史抱有強烈好奇心，但又時常被晦澀的學術術語勸退的“僞門外漢”，這本書的敘事方式簡直是為我量身定做的解藥。作者的筆觸輕盈而富有洞察力，他並沒有將藝術史變成一個枯燥的年代事件串聯，而是將每一件重要的藝術作品視為一個獨立的“故事”來講述。例如，在描述文藝復興時期的人體解剖學進步時，他巧妙地融入瞭當時佛羅倫薩的社會風貌，解釋瞭為什麼“完美的人體”會成為藝術的中心主題，這種深挖背景的敘述，讓冰冷的雕塑和畫作瞬間有瞭溫度和呼吸感。特彆是對那些傳世名作的分析，作者總能提供一些非常規的解讀角度，而不是簡單地重復教科書上的標準答案。他會引導讀者去關注那些被忽略的細節——比如某幅宗教畫背景中一朵不起眼的花的象徵意義，或是畫傢如何通過調整透視綫來暗示人物的社會地位。讀起來，完全沒有那種“被教育”的感覺，更像是一位博學的、健談的朋友，帶著你漫步在曆史的長廊中，隨走隨聊，收獲頗豐。
評分這本書在處理不同文化背景下的藝術錶現時，展現齣瞭極高的包容性和對比性。我尤其欣賞它沒有將西方藝術史作為唯一的標準範本，而是穿插瞭大量關於東方，特彆是早期亞洲藝術的精彩論述。它在比較日本浮世繪對十九世紀歐洲版畫的影響時，不僅僅是簡單地指齣“藉用”，而是深入分析瞭浮世繪中那種獨特的“空氣感”和邊緣綫的使用，如何契閤瞭當時歐洲藝術傢對打破古典束縛的渴望。這種平視的、跨文化的視角，使得全書的視野變得極為開闊。在探討“象徵主義”的章節裏，作者將歐洲的象徵主義與中國文人畫中的“寫意”精神進行瞭巧妙的對接，指齣兩者在追求“言不盡意”這一共同美學目標上的殊途同歸。這種全球化的視野，讓閱讀不再局限於某一個地理區域的藝術演變，而是變成瞭一場關於人類共同美學追求的探索之旅，極大地豐富瞭我的認知地圖。
評分這本書的結構編排處理得非常精妙，它不像傳統藝術史那樣嚴格按照時間綫索死闆推進，而是采取瞭一種主題性的、流動的視角。我發現它在探討“空間與透視”時，將跨越瞭中世紀到現代的案例進行並置對比，這種跨越時空的對話，極大地拓寬瞭我對藝術語言演變的理解。比如，他如何將早期文藝復興的綫性透視法，與後來立體主義對二維平麵的迴歸進行對比，這種縱橫交錯的梳理，讓學習的脈絡更加清晰，避免瞭知識點的碎片化。更讓我驚喜的是，作者似乎非常注重藝術與科技發展的關聯性。他用一段篇幅詳盡地分析瞭油畫媒介的革新如何直接影響瞭巴洛剋時期光影的戲劇性處理，以及後來攝影術的誕生對寫實主義繪畫産生的顛覆性衝擊。這種宏觀與微觀結閤、藝術與技術相互作用的分析框架，使得整本書的論述體係異常堅實和具有啓發性，讀完後，你對藝術史的理解不再是孤立的，而是一個相互影響、不斷迭代的動態過程。
評分可以
評分入榜圖書，值得購買。
評分書不錯，但不喜歡京東的強製評價係統。
評分這麼薄的書標價38，作者腦子進水瞭，難怪沒任買！
評分印刷質量不錯，正品，給單位買閤適
評分這書看看對美術館會有基本瞭解，不錯
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