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店铺： 天津古籍出版社官方旗舰店

出版社： 陕西人民美术出版社

ISBN：9787536821057

商品编码：11892626900

中国古代文学名著导读 本书旨在为读者提供一份全面而深入的中国古代文学经典作品导读。我们精选了自先秦至明清时期最具代表性的文学作品，涵盖诗歌、散文、小说、戏曲等主要体裁，力求展现中国古典文学的博大精深与独特魅力。 第一部分：先秦文学的源头活水 本部分聚焦于中国文学的滥觞时期，深入剖析《诗经》与《楚辞》这两部奠定中国文学基调的伟大作品。 《诗经》的社会图景与审美风骨： 我们不仅对《诗经》中的“风”、“雅”、“颂”进行分类解读，更着重探讨其现实主义精神。书中详细梳理了周代早期的社会风俗、婚恋观念以及战争场景，力求还原一个鲜活的周代生活画卷。对“赋、比、兴”的表现手法，我们进行了细致的辨析，指出其在中国诗歌传统中的不朽地位。例如，在解析“关雎”时，我们不满足于表层的求偶主题，而是深入挖掘其背后所蕴含的宗法礼制与道德教化意义。 《楚辞》的浪漫主义与屈原的个体悲歌： 《楚辞》的解读侧重于其浓郁的地域色彩和浪漫主义色彩。我们将重点分析屈原的生平与其创作心路历程的紧密联系，解析《离骚》中瑰丽奇特的想象世界，探讨其所寄托的“香草美人”的政治理想。同时，我们也会对宋玉的“赋”进行考察，分析楚文化的巫文化背景如何影响了这些作品的叙事方式和意象选择。 第二部分：汉魏六朝的文体演进与思潮碰撞 这一阶段是中国文学体裁大发展和思想多元化的关键时期。 汉代乐府的质朴与赋的铺陈： 我们将分别介绍汉乐府民歌的直白叙事与《史记》中司马迁散文的史诗气魄。重点剖析汉赋的结构特点，从贾谊的“寓言”到司马相如的“铺陈极写”，展现汉代帝国气象在文学上的投射。 建安风骨与正始之音： 对曹操、曹丕、曹植“三曹”的文学成就，本书侧重于分析“建安风骨”——那种面对乱世的慷慨悲凉与建功立业的雄心壮志。随后，我们将转向嵇康、阮籍等“竹林七贤”的思想与文学表达，探讨玄学清谈如何影响了他们对个体自由和生命哲学的思考，并如何通过诗歌流露出来。 山水田园诗的兴起与志怪小说的萌芽： 陶渊明是本阶段的焦点人物。我们深入探讨他如何通过“采菊东篱下”的意境，构建了一个超越世俗的理想精神家园，分析其诗歌中“真”与“隐”的辩证关系。同时，对志怪小说如《搜神记》的梳理，则展现了魏晋时期士人对超自然世界的探索欲。 第三部分：唐诗的辉煌与宋词的婉约 唐宋文学是中国古典文学的巅峰，本书将投入最大的篇幅进行细致讲解。 初唐至盛唐的变革与高峰： 我们将按照时间脉络梳理唐诗的发展：从初唐的宫廷气到盛唐的边塞与山水田园的并驾齐驱。李白是“诗仙”，其诗歌的浪漫主义如何根植于盛唐的自信与道家思想，有详尽的阐述。杜甫则是“诗圣”，其诗歌的社会批判性和对民间疾苦的深切关怀，构成了我们分析的重点。我们特别设立专题，分析“安史之乱”前后，诗歌题材和语汇的显著变化。 中晚唐的沉郁与变革： 白居易的新乐府运动，强调诗歌的社会教化功能。韩愈、柳宗元的古文运动，如何反思并试图革新六朝以来的文风，这些都将在本章被详细剖析。 宋词的格律与情志： 宋词作为新的文学主流，其“婉约”与“豪放”的流派之争是核心议题。我们对柳永的铺陈、李清照的清丽与苏轼的旷达进行了深入对比研究，着重分析宋词如何适应市民阶层的审美需求，以及词牌格律对诗人情感表达的制约与解放。 第四部分：元曲与明清小说的世俗化浪潮 元明清时期，文学重心下移，通俗文学大放异彩。 元曲的口语化与市井气息： 关汉卿、王实甫等人的杂剧，展现了元代社会各个阶层的生活百态。本书分析了杂剧的“四折一楔子”结构，以及其语言的生动、口语化特征，并探讨了这些作品对当时社会弊病的隐晦批判。 明清小说的四大奇书与“人情小说”： 我们将系统导读《三国演义》《水浒传》《西游记》和《金瓶梅》的艺术成就与思想内涵，分析它们如何奠定中国长篇章回小说的叙事范式。特别地，对吴敬梓《儒林外史》和曹雪芹《红楼梦》的解读，将聚焦于其对封建社会末世人情的深刻洞察、精妙的白描手法和复杂的人物群像塑造，特别是《红楼梦》中对女性命运与悲剧美学的探讨。 本书致力于提供一种跨越时空的阅读体验，帮助读者理解这些文学经典在特定历史条件下的生成逻辑，及其对后世产生的深远影响，而非仅仅停留在文本的表层赏析。每一部分都配有重要的术语解释和文本节选分析，以期达到“知人论世”的阅读境界。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书最深刻的印象是它在理论深度与普及性之间的微妙平衡。它一方面保持了高度的学术严谨性，很多概念的界定和流派的划分都有明确的史学依据，不像市面上一些浅尝辄止的读物。另一方面，它又非常照顾到非专业出身的读者，语言表达力求精准而不晦涩。举个例子，当它阐述“气韵生动”这一核心美学原则时，并不是简单地进行哲学思辨，而是结合了早期道家思想的阐释，然后立即对应到具体的人物画作中，让抽象的概念变得可以触摸和感知。这种将理论、历史与审美实践紧密结合的写法，极大地提升了阅读体验。它不仅教会你“是什么”，更重要的是让你理解“为什么会是这样”，从而真正培养起自己的艺术鉴赏力。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的体量着实不小，初次捧起时还真有点“劝退”的感觉。但一旦沉下心来，就会发现作者的叙事功力非常了得，完全没有那种传统教科书的生硬感。它更像是一位经验丰富的老教授，在你面前娓娓道来，将那些复杂的历史脉络梳理得井井有条。我尤其喜欢它在章节之间设置的“专题探讨”板块，比如某一特定时期对“神仙鬼怪”题材的处理差异，或者某位大家对前人技法的继承与超越，这些小切口往往能引出非常精彩的论述，让人在浩瀚的史料中找到有趣的锚点。阅读过程中，时不时会产生“原来如此”的顿悟感，这对于保持学习的积极性至关重要。对于想系统性建立中国美术史知识框架的读者来说，这本书的结构设计无疑是极其成功的。

评分☆☆☆☆☆

购买这本书的一个重要原因是听说它是增订本，希望能看到最新的研究成果。实际翻阅下来，确实感受到了内容的迭代和更新。尤其是在对近现代美术思潮的梳理部分，新增了不少对“走出古典”过程中，西方艺术思潮如何与本土传统发生碰撞与融合的案例分析，这部分内容对我启发很大。它不再将中国美术史视为一个封闭的系统，而是将其置于全球艺术史的宏大叙事中去考察。这种开阔的视野，让原本略显沉闷的晚期历史研究变得鲜活起来。此外，修订后的索引和参考文献列表也更加详尽，为后续的深度研究提供了极大的便利。总而言之，这是一本兼具权威性、系统性与时代前沿性的艺术史力作，值得反复研读。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种深沉的墨绿色调，配上烫金的标题字体，一下子就散发出一种专业和厚重的历史感。我本来还担心这种严肃的学术著作读起来会枯燥乏味，但翻开内页后，发现排版非常讲究，图文并茂的比例拿捏得恰到好处。尤其是那些古代壁画和名家作品的插图，色彩还原度极高，细节清晰可见，这对于我们这些想要深入研究图像学的人来说，简直是福音。它不像一些教材那样只是简单罗列年代和事件，而是将艺术作品置于当时的社会文化背景下去解读，比如对魏晋时期士人阶层审美趣味的剖析，就写得鞭辟入里，让我对那个时代的艺术精神有了更深一层的体悟。而且，书中所引用的文献资料非常扎实，看得出作者在史料梳理上下了极大的功夫，很多地方的注释都指向了非常前沿的研究成果，让人感觉这本书的学术价值是非常高的，绝对是案头必备的参考书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名绘画爱好者，我最看重的还是那些关于技法和审美理论的阐述部分。这本书在这方面展现出了极强的可操作性和启发性。它没有陷入那种空泛的“意境”描述，而是非常具体地分析了不同历史时期绘画在构图、线条运用乃至用色习惯上的核心特征。比如，它对宋代院体画中“界画”精度的讲解，结合了对当时建筑规范的理解，非常直观。更让我受益匪浅的是它对“人物绘画教程”这块内容的拓展，它不仅仅教你如何画人体结构，更引导你去思考，在不同历史时期，理想化的“人”是如何被视觉化呈现的。这套理论体系构建得非常完整，从最基础的造型训练，到高级的风格辨识，层层递进，逻辑清晰，读起来让人茅塞顿开，感觉自己的笔触下似乎也多了几分历史的厚重感。