大家山水画技法百图

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四川美术出版社 著
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出版社: 四川美术出版社
ISBN:9787541068300
版次:1
商品编码:12023863
包装:平装
开本:16开
出版时间:2016-09-01
用纸:铜版纸
页数:175
字数:80000

具体描述

内容简介

  该书选取了多位著名国画家的山水画作。该选题展示了画家们在作画时对画面布局、用色、用墨上的讲究,以图例展示了中国山水画的创作要领以及画面经营上的法门。该书的出版定将对广大的读者起到学习、借鉴作用。

内页插图

前言/序言


《锦绣山河:传统山水画意境与表现》 一、 绪论:山水画之魂——意境与情思的寄托 中国山水画,非止于摹写自然景致,其核心在于“意境”的营造。它是一种情感的投射,是画家胸中丘壑的挥洒,是宇宙精神与个体生命的交融。古人云:“画山水,非真山水也,得其神者。”此“神”便是画家对山川自然的深刻体悟,是物我两忘的审美品格,更是中华民族崇尚自然、寄情山水的精神写照。 《锦绣山河:传统山水画意境与表现》一书,正是致力于深入剖析中国传统山水画的这一精神内核。我们不追求罗列技法的繁多,更侧重于探究笔墨背后所蕴含的哲学思想、审美情趣以及画家是如何通过特定的艺术手段来传达这些内在的精神世界的。本书旨在引领读者跨越表象,触及山水画“以形写神”的深层奥秘,理解为何一幅山水画能够引发观者的共鸣,触动灵魂深处的情感,甚至在观赏过程中,仿佛能与古人对话,共享那份超然物外的山林之乐。 二、 精神溯源:天地人合一的哲学观照 中国山水画的意境,其根基深植于中国传统哲学思想之中,尤其是“天人合一”的宇宙观。道家强调“道法自然”,认为自然界是万物生成的本源,人类应效法自然的规律,回归淳朴。儒家虽重人伦,但也提倡君子“比德于山岳”,将山水的品格赋予人的道德修养。“五行”学说则将天地万物纳入一个相互关联、生生不息的整体。 本书将从哲学层面,梳理山水画与“道”、“气”、“韵”、“理”等概念的内在联系。我们将探讨“虚实相生”的辩证关系,理解画面中“留白”为何不是空无,而是蕴含着无限的想象空间,是画家刻意为观者留下的思考之地。通过对范宽《溪山行旅图》的“势”与“韵”,董源《夏山图》的“淡远”与“温润”,以及龚贤“墨气淋漓”的探索,来印证中国古人如何将深邃的哲学思想转化为具象的山水形象。理解了这一层,才能真正领会山水画为何能超越简单的风景描绘,升华为一种精神寄托和人生况味。 三、 意境营造:笔墨的诗意化表达 笔墨,是中国山水画的灵魂语言。它不仅仅是描绘物象的工具,更是画家情感、思想和格调的直接载体。“笔墨当随时代”,这句话揭示了笔墨的时代性与地域性,但也更强调了其作为艺术表现力核心的永恒价值。 本书将围绕“笔”与“墨”这两个核心元素,进行细致的解读。 笔法之韵: 我们将探讨中国山水画中丰富的笔法,从勾、皴、擦、点、染,到各种具体的皴法,如披麻皴、斧劈皴、米点皴、解索皴等等。但我们并非孤立地介绍技法,而是着重分析每一种笔法在表现不同山石、树木、云水时的独特效果。例如,披麻皴的柔和连绵如何适合表现江南的山峦,斧劈皴的刚劲有力如何刻画北方山石的坚硬。更重要的是,我们将阐释笔法的变化所蕴含的情感倾向,例如,顿挫的笔法可能传达出苍劲、沉雄之感,而流畅的笔法则可能带来秀丽、灵动之韵。我们将追溯这些笔法的演变,从早期线条的朴拙,到宋元时期对造型与笔意的精进,再到明清时期对笔墨趣味的极致追求。 墨法之妙: 墨,是中国山水画的“色”。“墨分五色”,并非指墨的五种颜色,而是指墨在运用中通过浓淡干湿的变化,所产生的丰富的视觉效果,如同色彩一般。本书将深入研究墨的运用之道,包括“积墨法”、“破墨法”、“宿墨法”等特殊技法,以及如何在画面中运用“焦、浓、淡、干、湿”这五种墨色状态来塑造形体、渲染层次、烘托氛围。我们将分析巨然《层岩丛树图》中墨色的湿润与浓重如何表现山林深邃的幽静,黄宾虹“黑、密、厚、重”的晚年风格又是如何将笔墨的厚度与空间的深度完美融合。我们也将讨论墨色的运用如何与“破染”技巧相结合,形成水墨淋漓、气象万千的艺术境界。 四、 景物刻画:山水之间的生命律动 山水画中的山、水、树、石、云、雾,并非死板的物象堆砌,而是被赋予了生命与情感的艺术形象。画家通过对这些自然元素的观察与提炼,将其转化为具有精神品格的艺术语言。 山之巍峨与灵秀: 山,是中国山水画的灵魂。我们将探讨画家如何通过不同视点、不同尺幅来表现山的巍峨、雄浑、奇峻与秀丽。从全景式的“可行、可望、可游、可居”的宏大构图,到近景的突出细节,每一笔皴染都凝聚着画家对山川力量与形态的理解。我们将分析郭熙《早春图》中“山舞海翔”的气势,以及李唐《万壑松风图》中笔法的苍劲如何体现山峦的刚毅。 水之流动与无常: “水”在中国画中,被赋予了阴柔、灵动、变化无穷的特质。本书将解析画家如何通过不同的笔法来表现水的形态,如飞流直下的瀑布、蜿蜒曲折的溪流、浩渺无垠的江海、甚至是朦胧的水汽。我们将探讨水在画面中的象征意义,它既是自然的生命之源,也是情感的流动载体。 树木的姿态与象征: 树木,是山水画中不可或缺的生命元素。我们将分析不同树种的描绘特点,如松的苍劲、柏的挺拔、柳的婀娜、竹的虚心。画家通过对树木姿态的描绘,如“盘屈”、“斜出”、“疏密”等,来传递不同的情态与寓意,有时它们象征着坚韧不拔的品格,有时则烘托出隐逸闲适的生活氛围。 云雾的虚实与意境: 云雾,是中国山水画中塑造意境的重要元素。它能够有效地模糊物象的界限,增强画面的空间感和神秘感。本书将探讨云雾的多种表现手法,如“烘染”、“留白”、“积墨”等,以及它们如何营造出“空濛”、“迷离”、“飘渺”等不同的意境。云雾的运用,也常常象征着哲学的“虚无”与“存在”的辩证统一。 五、 构图之法:画外之意与空间之趣 构图,是画面的骨架,更是意境表达的关键。中国山水画的构图,并非简单地将景物放置在画布上,而是通过对景物的取舍、组合与经营,来营造出独特的空间感和视觉节奏,从而引导观者的视线,引发观者的联想。 本书将重点解析中国山水画的构图原则与创新。 “计白当黑”: 我们将深入探讨“留白”在中国山水画中的重要作用。留白并非空无,而是“有”的延伸,是画家刻意为观者留下的想象空间。它能使画面显得更加开阔、宁静,并赋予画面呼吸与生命。我们将分析不同留白方式所产生的效果,如“云雾留白”、“水面留白”、“天空留白”,以及它们如何影响画面的整体意境。 “三远法”与空间拓展: “高远”、“深远”、“平远”是中国山水画中经典的构图法则,它们分别从不同的角度展现了山水的空间关系,给予观者身临其境的感受。本书将详细解读这三种构图方法的特点及其在实际创作中的运用,并探讨如何将它们融会贯通,创造出更加丰富多变的画面空间。 “移步换景”与叙事性: 中国山水画常常体现出“移步换景”的视觉叙事特点,仿佛带领观者在画中进行一次虚拟的游览。我们将分析画家如何通过构图的巧妙安排,引导观者的视线在画面中游走,从远景到近景,从高处到低处,层层推进,如同讲故事一般,让观者在欣赏画面中获得丰富的体验。 “骨法用笔”与“经营位置”: “骨法用笔”强调了线条的力量与造型的准确,而“经营位置”则侧重于画面的整体布局与景物的安排。本书将探讨这两者在中国山水画构图中的相辅相成关系,理解为何一个优秀的构图既要有严谨的造型基础,又要有浑然天成的整体感。 六、 意境的升华:情与景的共鸣 最终,山水画的艺术价值,体现在其能否引发观者与画作之间、与自然之间、与画家之间产生深刻的情感共鸣。意境,正是连接这一切的桥梁。 本书将通过对一系列经典山水画作的深入解读,来展现意境是如何在笔墨、构图、物象刻画的共同作用下,最终得以升华。我们将探讨画家如何将个人情感,如孤独、寂寥、喜悦、激昂,寄托于山水之间,从而使得画面超越了单纯的自然风光,成为一种精神的象征。 隐逸情怀与避世理想: 许多山水画作都蕴含着画家对隐逸生活的向往,对官场名利的疏离。我们将分析画面中表现出的幽静的山林、孤高的茅屋、悠然的归隐之人,如何共同营造出一种超然物外、返璞归真的意境。 家国情怀与山河壮丽: 同样,一些山水画作也表现出对祖国壮丽山河的热爱与赞美。我们将探讨画家如何通过宏大的构图、雄浑的笔墨,来歌颂祖国的山川之美,传递一种深沉的家国情怀。 哲学思考与人生感悟: 山水画的意境,有时也蕴含着画家对人生、对宇宙的深刻思考。画面中的苍劲古木、嶙峋怪石,可能象征着人生的沧桑与坚韧;而云海翻腾、烟波浩渺,则可能引发观者对宇宙的无限遐想。 七、 结语:探寻“大家”之道 《锦绣山河:传统山水画意境与表现》一书,并非为传授一种程式化的绘画技法,而是旨在为有志于深入理解和创作中国山水画的读者,提供一条精神探索的路径。我们相信,真正的山水画创作,源于对自然的热爱,源于对生活的热情,源于对传统的深刻理解,更源于画家自身胸中丘壑的不断充实。 希望通过本书的引领,读者能够跳出对具体笔墨技巧的执着,而能够真正领会山水画的“神”与“韵”,在笔墨挥洒之间,体悟到中国传统文化中深沉的精神力量,并在自己的艺术实践中,创造出属于自己的“锦绣山河”。

用户评价

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老实说,我对中国画的了解算不上深厚,平时也只是偶尔翻翻画册,看看电视上介绍的国画大师的作品,总觉得意境深远,却难以窥其门径。《大家山水画技法百图》的出现,彻底改变了我的看法。这本书,就像一位循循善诱的老师,把我从一个懵懂的看客,引向了艺术创作的殿堂。 最让我印象深刻的是,书中对于“意境”的营造,有着独到的见解。它不只是教你如何勾勒山峦叠嶂,如何渲染云烟缥缈,更重要的是,它教会你如何用笔墨去表达一种情感,一种精神。比如,在讲解“留白”的运用时,书中引用了大量的范例,并详细说明了留白如何制造出画面的呼吸感,如何引导观者的视线,如何暗示山外的天地。这种对“无”的极致追求,恰恰是中国山水画最迷人的地方。我一直觉得,中国画的魅力在于“画中有诗,诗中有画”,而这本书,正是帮助我理解和体会这份诗意的关键。它让我明白,山水画不仅仅是对自然景物的描摹,更是对心灵世界的映照。我开始尝试在自己的练习中,加入一些自己的思考和情感,即使只是简单的一棵树,一弯流水,也试图赋予它生命和故事。

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我一直觉得,中国山水画有一种难以言喻的东方韵味,但总是停留在“看”的层面,真正想要“画”,却无从下手。《大家山水画技法百图》这本书,给我打开了一扇通往山水画艺术的大门。 这本书最打动我的是,它不仅仅是罗列技法,更是在传授一种“画山水”的思维方式。比如,在讲解如何表现“水”的时候,它不只是告诉你用哪些笔触来表现波纹,而是从水的形态、声音、甚至情感去解读,然后告诉你如何将这些感受转化为笔墨。它让我明白,画山水,不仅仅是画山和水,更是画出山水的“魂”。书中的“写意”部分,尤其让我着迷。它教你如何用寥寥几笔,就能勾勒出山峦的气势,云水的灵动,以及万物生长的生机。我一直觉得,写意画最能体现中国画的精髓,那种“传神阿堵”的境界,不是靠精雕细琢,而是靠胸中丘壑,意在笔先。这本书,正是引导我走向这条写意之路的引路人。

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我并非专业画家,但对中国山水画一直怀有浓厚的兴趣,只是苦于没有名师指点,《大家山水画技法百图》这本书,正好弥补了我的这一遗憾。 书中的“色彩运用”章节,让我大开眼界。我一直以为山水画是以墨为主,色彩只是点缀,看了这本书才知道,色彩在山水画中扮演着如此重要的角色。书中详细讲解了如何根据季节、时间、气候来选择和搭配色彩,如何用色彩来表现山石的层次感、树木的季节变化,以及云雾的空灵感。我尤其喜欢书中关于“青绿山水”和“浅绛山水”的讲解,那些细腻的色彩变化,如同大自然的调色盘,被巧妙地运用在纸上,呈现出令人心醉的美景。这本书让我明白,色彩不仅仅是视觉上的享受,更是情感的表达,是意境的营造。我开始尝试在我的练习中,大胆地运用色彩,不再拘泥于墨色的变化,而是去感受色彩本身所带来的冲击力和感染力。

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作为一名从小就喜欢涂涂抹抹,却从未接受过专业指导的爱好者,《大家山水画技法百图》这本书,可以说是为我量身打造的“启蒙宝典”。 书中对于“构图”的讲解,让我受益匪浅。我之前画画,总是凭感觉来,画出来的东西总感觉有些“散”,缺乏主次,缺乏重心。这本书则系统地讲解了多种构图法则,比如“黄金分割”、“S形构图”、“三角形构图”等等,并且都配有非常直观的图示。它告诉我,如何通过对景物的取舍、安排,来引导观者的视线,营造画面的平衡感和空间感。我记得其中一章讲到“虚实相生”,通过对留白的处理,以及景物本身的虚实对比,来达到画面的意境深远。这让我恍然大悟,原来画面中的“空”也是有生命的,也需要精心设计。我尝试着按照书中的构图原则来练习,发现画出来的东西,一下子就“活”了起来,有了灵气。不再是简单的堆砌,而是有了呼吸,有了生命。

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我一直对中国传统文化充满向往,山水画更是其中的一颗璀璨明珠。然而,对于我这样一个初学者来说,如何入门却一直是个难题,《大家山水画技法百图》这本书,就像一位循循善诱的引路人,为我打开了山水画的殿堂之门。 书中的“山石的画法”部分,让我叹为观止。它不仅仅是教你如何描摹山峦的轮廓,而是深入到山石的肌理、质感、体积感等各个层面,进行了细致入微的讲解。从各种皴法的运用,到墨色的浓淡干湿变化,再到如何用笔触来表现山石的坚硬与柔软,书中都给出了详尽的示范和解释。我尤其喜欢书中关于“皴法”的讲解,它让我明白了,不同的皴法,不仅能表现出山石的不同形态,更能传达出不同的情感和意境。例如,披麻皴的连绵,斧劈皴的硬朗,雨点皴的密集,都各有其妙用。这本书让我明白,山石是山水画的骨架,而皴法则赋予了它生命和灵魂。

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一直以来,我都在寻找一本能够真正带领我领略中国山水画精髓的书籍,《大家山水画技法百图》的出现,可以说圆了我多年的心愿。 这本书在讲解技法时,非常注重“意境”的营造。它不只是告诉你如何画山、如何画水、如何画云,更是教你如何通过这些元素,去传达一种情感,一种氛围。例如,在讲解“云水”的画法时,书中不仅示范了如何用笔墨来表现云的虚实、水的流动,更强调了如何通过云水的组合,来烘托山峦的伟岸,以及画面的空灵感。它让我明白,山水画的魅力,不仅仅在于“形”,更在于“神”。那些看似简单的笔墨,却蕴含着深邃的哲理和丰富的情感。我开始尝试着将书中的技法运用到自己的练习中,即使只是寥寥几笔,也能感受到画面中流淌出的生命力,仿佛置身于真实的自然之中。

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我一直对中国画的“气韵生动”四个字深感好奇,却始终无法参透其中的奥秘。《大家山水画技法百图》这本书,让我窥见了“气韵”的一角,也给了我前进的方向。 书中对于“笔墨”的讲解,简直是深入骨髓。它不只是教你如何握笔,如何运腕,如何落笔,更是教你如何通过笔墨的变化,来传递画面的情感和生命力。从“飞白”的苍劲,到“润含春雨”的细腻,从“焦墨”的雄浑,到“淡墨”的清雅,每一种笔墨的运用,都仿佛在诉说着一种故事。书中还特别强调了“笔随心走”,以及“意在笔先”的理念,让我明白,真正的山水画,不仅仅是技巧的堆砌,更是内心情感的抒发。我一直觉得,中国画最迷人的地方,就是那种“写意”的境界,用最少的笔墨,却能表达最丰富的情感。这本书,正是为我打开了这扇写意之门,让我看到了如何通过对笔墨的深刻理解和运用,去创造出富有生命力的山水画。

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我从小就喜欢看山水画,总觉得那是一种非常高雅的艺术。但是,直到我拿到《大家山水画技法百图》这本书,我才真正明白,原来学山水画,并非高不可攀,而是可以通过系统地学习技法,一步步实现的。 书中对于“树木的画法”的讲解,让我印象特别深刻。一直以来,我都觉得画树是最基础也是最难的。如何画出树的姿态,树的纹理,以及树叶的茂密和疏朗,都让我头疼。这本书则将各种树木的画法进行了详细的分类和讲解,从松、竹、梅、兰等传统题材,到各种形态的杂树,都配有清晰的步骤图和示范。它不仅教我如何画出树的“形”,更教我如何画出树的“神”,如何通过树的形态来表现季节的变化,以及画面的生命力。我尤其喜欢书中关于“笔触”的讲解,不同的笔触,画出来的树,感觉也完全不一样。有的苍劲有力,有的轻盈灵动。这本书让我明白,即使是画一棵树,也可以有如此丰富的变化和表现力。

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我一直认为,学画画需要天赋,需要灵感,而《大家山水画技法百图》这本书,让我意识到,技法才是通往艺术殿堂最坚实的桥梁。 书中的“技法百图”,并非简单的图解,而是每一个技法都经过了精心提炼和归纳。例如,在讲到“点”的运用时,它并没有止步于告诉你点可以用来表现苔点、草叶、石上的纹理,而是深入分析了不同形状、大小、疏密、方向的点,所能传达出的不同视觉效果和情感色彩。有的是坚毅如石,有的是柔软如草,有的是动态如雨,有的是静态如露。更妙的是,书中还结合了大量不同风格的范画,让你直观地看到这些点是如何融入到整体画面中的,是如何与线、面、墨、色相互辉映,共同营造出画面的丰富层次和生命力的。我尤其喜欢书中关于“墨法”的讲解,从浓淡干湿的变化,到干裂秋风、润含春雨的描写,每一个词汇都精准地描绘出笔墨在纸上产生的独特美感。我甚至能想象到,当笔尖蘸满墨汁,在纸上游走的那一刻,便是生命力的释放。

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我一直对中国山水画情有独钟,但苦于没有门路,一直停留在欣赏的层面。偶然间看到了《大家山水画技法百图》,说实话,一开始只是被书名吸引,觉得“大家”二字自带光环,内容应该不会差。拿到书后,我简直欣喜若狂,这哪里是一本简单的技法书,简直是一部山水画的百科全书! 书中收录的技法之全面,让我叹为观止。从皴法的讲解,到墨法的运用,再到色彩的搭配,几乎涵盖了山水画创作的方方面面。每一个技法都配有详尽的图文解析,不仅仅是告诉你“怎么做”,更重要的是告诉你“为什么这么做”,以及背后的原理和美学考量。例如,在讲到披麻皴时,书中不仅示范了线条的粗细、疏密、曲直变化,还深入剖析了这种皴法如何表现出山石的质感、体积感和连绵起伏的形态。更让我惊喜的是,书中还穿插了许多古代山水画大师的作品赏析,将技法运用与经典范作相结合,让我在学习技法的过程中,也能领略到古人的画理和意境。这种“理论与实践”并重的教学方式,对于我这样的初学者来说,简直是福音。我迫不及待地想尝试书中的每一个技法,哪怕是简单的几笔勾勒,也能感受到笔墨在纸上流淌的乐趣。

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印刷很好!内容不太喜欢!

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内容丰富,可以作参考,我非常喜欢。

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不太好

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印刷清晰,一版一印,是很好的学习范本。

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不太好

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不是入门教

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东西很不错,我买给爷爷的,爷爷很喜欢

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不是入门教

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