中国京剧经典剧目汇编 基本剧目卷（四） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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北京戏曲评论学会 编

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出版社： 中国文史出版社

ISBN：9787503486616

版次：1

商品编码：12127940

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-01-01

用纸：胶版纸

页数：430

字数：408000

正文语种：中文

内容简介

　　《中国京剧经典剧目汇编 基本剧目卷（四）》是一部京剧经典剧目汇编，包括基本剧目卷、流派剧目卷和剧目赏析等。本卷是基本剧目的第四卷，其中收录《黄金台》《清风亭》《梅玉配》《游龙戏凤》《鼎盛春秋》《搜孤救孤》《渭水河》《群英会·借东风·华容道》《御碑亭》《辕门射戟》《辕门斩子》《摘缨会》等十二部经典剧本。剧本后附有相关鉴赏点评文字，帮助读者了解欣赏京剧之美。

目录

黄金台
清风亭
梅玉配
游龙戏凤
鼎盛春秋
搜孤救孤
渭水河
群英会。借东风。华容道
御碑亭
辕门射戟
辕门斩子
摘缨会
编后记

好的，以下是一份不包含《中国京剧经典剧目汇编 基本剧目卷（四）》内容的图书简介，内容详尽，力求自然流畅，不露痕迹： --- 《梨园春秋：中国戏曲史论稿集》 内容简介 本书并非一部剧目汇编或操作指南，而是一部深度探究中国戏曲发展脉络与艺术哲思的理论专著。它聚焦于戏曲艺术自萌芽至鼎盛各个历史阶段的社会背景、美学嬗变、流派形成及其核心精神的梳理与批判性思考。全书结构严谨，分为“源流溯源”、“程式解构”、“流派纷呈”与“当代回响”四大板块，旨在为研究者、专业戏曲工作者以及对传统文化怀有深厚兴趣的读者，提供一个全面、深入且富有洞察力的理论视野。 第一部：源流溯源——从傩祭到宋杂剧的学术审视 本部分着重于中国戏曲艺术的古典根源。我们摒弃了传统叙事中对早期戏剧形式的简单罗列，转而采取一种社会文化史的视角，审视原始祭祀仪式（如傩戏）如何逐渐演化为具有叙事性和表演性的早期剧种。重点探讨了汉代百戏、唐代参军戏在塑造早期戏曲基本要素——“角色”、“科段”与“滑稽”——中的关键作用。 尤其深入分析了宋代“杂剧”的兴盛及其对后世戏曲结构产生的决定性影响。书中不只是简单介绍《东京梦华录》中的记载，而是细致剖析了宋金时期“瓦舍勾栏”的城市化环境如何催生了专业化的表演群体和更为成熟的剧本创作模式。我们对早期“杂剧”的音乐体系、舞台调度以及文人参与的程度进行了细致的文献考证和比较研究，试图描摹出中国戏曲走向成熟前的关键性过渡形态。 第二部：程式解构——板式、腔调与虚拟空间的建构 本卷的核心在于对戏曲艺术“形”与“神”的理论剖析，特别是其独有的舞台美学——“程式化”。本书认为，戏曲的程式并非僵化的教条，而是特定历史阶段审美观念的凝练体现。我们从音乐理论的角度切入，详细解析了板式结构的变化及其在叙事推进和人物情感表达中的功能性。不同于着重介绍具体剧目唱腔的音乐教材，本书着力于探讨“板式”如何作为一种时间组织逻辑，在舞台上实现对现实时间的压缩、拉伸与循环。 在“虚拟空间”的探讨上，本书引入空间哲学概念，分析了“一桌二椅”如何超越其物质形态，成为一个无限的舞台。书中通过对“走边”、“马鞭”、“日月开合”等经典程式动作的符号学解读，揭示了这些动作背后蕴含的文化代码与观众的集体心理解读机制。我们试图说明，戏曲的“虚拟性”并非是对现实的逃避，而是一种高度提炼的、更高维度的现实表达。 第三部：流派纷呈——美学探索与权力结构中的艺术变迁 戏曲艺术的发展，历来与特定地域的文化生态、士大夫阶层的趣味导向以及宫廷艺术政策紧密相连。本部分系统梳理了明清以来，特别是清代乾嘉道年间，主要地方戏曲体系（如徽班的崛起）如何通过对前代艺术的继承、融合与创新，最终塑造成型。 本书对不同流派的形成背景、核心人物的美学主张，以及他们在声腔、表演技巧上的具体革新进行了比较研究。例如，对某个特定流派的导师如何通过对某一类“做功”的强化，来适应特定观众群的审美需求，并最终形成具有地域辨识度的风格体系，进行了深入的个案分析。这部分内容强调的是流派背后的“艺术哲学差异”，而非简单的技艺传授，旨在探究艺术风格是如何在特定的社会权力与市场机制的交织中被塑造和传播的。 第四部：当代回响——传承、创新与身份认同的重塑 在现代社会，传统戏曲面临着观众流失、媒介冲击和文化身份认同等诸多挑战。本书的收尾部分，将焦点投向近百年来的戏曲艺术的自我调适与突围。我们关注的不是某一出新编历史剧的成功或失败，而是艺术本体在面对现代性时的理论困境。 本部分探讨了如何理解和运用“复古”与“创新”之间的辩证关系。是简单地恢复旧制，还是进行颠覆性的实验？书中分析了当代剧作家和导演在处理经典文本时，所采用的不同诠释策略，以及这些策略对传统戏曲核心精神的冲击与强化。同时，本书也审视了戏曲艺术在国际传播中的文化翻译难题，即如何在一个全球化的语境下，保持其作为中国民族艺术的独特身份和艺术魅力。 结语 《梨园春秋：中国戏曲史论稿集》力求超越对具体“剧目”的侧重，聚焦于构成戏曲艺术的底层逻辑、美学基因以及历史演进的驱动力。它是一次对中国戏曲本体论的深入挖掘，旨在提供一个清晰的理论框架，帮助读者从宏观的文化史角度，理解这门古老艺术的复杂性、深刻性与不朽的生命力。本书的价值在于其思辨性与批判性，而非仅仅是对既有成就的赞颂或记录。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的体量着实让人敬畏，看得出编纂者在搜集资料上付出了惊人的努力，这毋庸置疑。但作为一名追求效率的现代读者，我总觉得在信息呈现方式上可以更灵活一些。我设想中这本书应该包含一些多媒体的元素，比如配套的二维码，扫进去就能听到该剧目最经典的一段唱腔，或者看到哪个大师的哪个历史性镜头。这不仅能极大地增强阅读的沉浸感，也能让抽象的文字描述变得具象化。当我看到一长串的唱词时，我的脑海中需要花费额外的精力去“脑补”那个韵味和腔调，这对于提升阅读兴趣是个不小的挑战。当然，纯文字的记录有其不可替代的价值，它保证了文本的稳定性和权威性，这点我承认。只是，在这样一个信息爆炸的时代，如果不能在呈现方式上做出创新，单纯的“搬运”和“堆砌”，很容易让很多对京剧有兴趣但缺乏耐心的年轻人望而却步。我希望看到的是一座桥梁，能架设在传统艺术和现代审美之间，而不是一座只对少数精英开放的象牙塔。希望未来的增补版能够考虑加入一些对不同版本演绎的简要对比分析，那将是锦上添花。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本厚厚的书册，首先感受到的是一种扑面而来的“大部头”气息，它传递出的信号是：这里面装的是干货，是需要你沉下心来细细品味的精华。我本来是冲着“汇编”二字来的，想着能一网打尽那些平日里难以听全或看不到全本的精彩片段。我特别希望看到的是对某些“绝版”或极少上演的剧目能够有较为详尽的文字描述，哪怕没有配乐谱，光是把那些精彩的唱词和道白完整地呈现出来，就已经很有价值了。但阅读之后发现，内容排版非常紧凑，似乎是为了最大化地利用篇幅，导致视觉上略显拥挤。我个人更偏爱那种留白多一些，读起来更从容的排版方式，毕竟京剧的韵味讲究的是“慢”，阅读体验也应该有相应的节奏感。此外，我对这套书的“卷”的划分逻辑感到不解。为什么是“基本剧目卷（四）”？这意味着前面三卷的内容是什么？是按照年代划分，还是按照流派划分？这种结构上的信息缺失，让作为一个新入坑的读者感到有些迷茫，我不知道该从哪里开始构建我的知识体系。我期待的是一本更具导览性质的书，能像一个老先生带着你走过一条艺术长廊，而这本书更像是把所有展品都堆在了你面前，等待你自己去整理和欣赏。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国京剧经典剧目汇编 基本剧目卷（四）》的装帧设计倒是挺讲究的，封面用了那种传统的宣纸质感，配上手绘的水墨风格图案，一看就知道是下了心思的。我本来对京剧的了解不算特别深入，也就是听过几出最著名的段子，但拿起这本书，那种扑面而来的文化气息还是很吸引人的。我原本期待的是能看到一些关于这些经典剧目背后故事的深入挖掘，比如某一个身段的由来，或者某个流派对该剧的演绎差异，甚至是一些鲜为人知的演出轶事。然而，当我翻开目录，发现里面的内容似乎更侧重于剧本的整理和记录，这当然是严谨的学术做法，但对于一个想“了解”京剧的普通爱好者来说，多少有点枯燥。我希望能看到一些更生动的元素，比如当年那些名家表演时的照片扫描件，哪怕是模糊一些也行，那份历史的温度是文字难以替代的。说实在的，我对剧目本身的挑选标准也有些好奇，这“基本剧目”的界定标准是什么？是演出频率最高的，还是艺术成就最高的？如果能有一篇前言对此进行详细的阐释，想必能让读者更好地进入这个“卷”的世界。这本书的纸张质量不错，阅读起来还算舒适，但如果能增加一些便于携带和快速查阅的索引设计，那就更完美了。总体来说，它更像是一套供研究者和资深戏迷使用的工具书，而非大众普及读物，这使得我的初步期待产生了一些落差。

评分☆☆☆☆☆

对于这样一套宏大的汇编，读者的期待总是多维度的。我最初被它的名字所吸引，认为它会是一本囊括了京剧艺术全貌的百科全书式的作品，特别是关于“基本剧目”的定义，让人联想到的是京剧的“根基”和“血脉”。但阅读体验告诉我，它更像是一个极其详尽的、但缺乏注释的古籍版本。我一直在寻找那种能让我感受到历史沉淀和时代变迁的叙事线索。比如，书中收录的这些剧目，哪些是徽班进京时带来的“老戏”？哪些是晚清民国时期吸收融合的“新编戏”？如果能在每一出戏的篇首，用一两百字简要勾勒出它的历史沿革和艺术地位，那将极大地拓宽读者的历史视野，让阅读过程充满发现的乐趣。目前的内容，虽然扎实，却显得有些孤立，每一出戏都是一个静止的文本样本，缺乏与其他剧目、与其他历史阶段的内在联系。我期待的，是能通过这本书，窥见京剧艺术如何在不同的历史时期进行自我革新和发展的脉络，而不仅仅是得到一份静态的剧目清单。

评分☆☆☆☆☆

从学术角度来看，这套《汇编》无疑是一项重要的工程，它为后来的研究者提供了可靠的文本基础。然而，我从一个更侧重于“欣赏”而非“研究”的视角来看待它，总觉得少了那么一点“人情味”。京剧的精髓不仅仅在于剧本本身，更在于舞台上“一桌二椅”所能营造出的万千气象，在于演员脸上的那几笔油彩所承载的悲欢离合。这本书似乎过于专注于文本的还原，而对表演艺术的“活态”传承关注不足。比如，对于某些标志性的武功身段，是否有详细的图解或动作分解描述？对于某个行当的特定唱法，是否有音韵学上的标注或解释？这些细节，往往是区分普通爱好者和行家的关键。我翻阅了其中的几折戏，虽然文字严谨，但读起来总像是读一篇规范的剧本大纲，缺乏了舞台上那种“声腔之美，身段之妙”的感染力。如果能加入一些关于舞台调度和灯光设计的早期文字记录，哪怕是零星的笔记片段，我想会让这本书的层次感大大提升，让读者在脑海中构建出更完整的剧场体验。