99博物艺术志：日本江户时代织物纹样 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[日] 高岛千春 著

图书标签:

• 日本艺术
• 江户时代
• 织物
• 纹样
• 博物志
• 传统工艺
• 文化
• 设计
• 历史
• 服饰

出版社： 人民文学出版社

ISBN：9787020126583

版次：1

商品编码：12353550

包装：精装

丛书名： 99博物艺术志

开本：16开

出版时间：2018-04-01

用纸：纯质纸

页数：124

编辑推荐

五十余幅古典服饰装饰纹样，展现出动植物的千姿百态，

色彩艳丽、变化多样，深刻反映了日本江户时代的风俗。

附色彩搭配方案。

内容简介

《日本江户时代织物纹样》是日本江户时代著名画家高岛千春的作品集。高岛千春深受中国传统技法的影响，在古代舞者服装的绘图和设计上独具匠心，造诣颇深。其绘制的图案，大多取材于动植物，千姿百态，变化丰富，在色调上也极具宫廷美艳风格，或鲜红，或明黄，而黑白图也着墨颇重，立于纸面，遒劲有力。本书收录的五十余幅服饰纹样，大多为布匹、锦缎上的装饰图案，尤其是日本古代舞者服装上的装饰纹样，深刻反映了日本江户时代的风俗。即使一百多年过去了，在今天看来，这些图案仍然精美绝伦，令人赞叹。

作者简介

高岛千春（Takashima Chiharu，1777―1859），日本江户时代著名画家，流传下来的作品，以《舞乐图》*为有名。他深受中国传统技法的影响，在古代舞者服装的绘图和设计上独具匠心，造诣颇深。

内页插图

目录

1. 法隆寺上宫王御褥锦

2. 梅柳黄鸟唐锦

3. 河内国[1]上太子藏 新罗国[2]献幡

4. 法隆寺舞衣 建武年中之物

5. 云鹤锦

6. 云鹤绫

7. 南都东大寺 手向山八幡宫 御凤辇锦

8. 锦谱

9. 蜀红

10. 手向山八幡宫御凤辇内张绫

11. 锦谱

12. 小葵锦

13. ?花撵盖之绫

14. 小葵锦

15. 辔唐草古文

16. 高丽锦

17. 孔雀锦

18. 法隆寺 御褥缘锦

19. 女官衣 二重织物

20. 锦谱

21. 女官衣文

22. 狩衣纹

23. 唐锦

24. 青海波袍

25. 锦谱

26. 青海波下袭

27. 锦谱

28. 青海波半臂锦

29. 锦谱

30. 舞乐装束鸟兜金襕

31. 无名称

32. 舞乐半臂 右

33. 舞乐半臂 左

34. 法隆寺御褥里

35. 无名称

36. 舞乐装束袴

37. 蜀红锦

38. 静女舞衣 地紫 右

39. 静女舞衣 地紫 左

40.锦谱 右

41.锦谱 左

42. 锦谱 右

43.锦谱 左

44. 龙胆锦

45. 锦谱

46. 金纹纱

47. 云鹤锦

48. 海藻与雏菊

49. 雏菊襻

50. 无名称

51. 锦谱

52. 锦谱

53. 锦谱

54. 锦谱 右

55. 锦谱 左

56. 鹤菱

57. 菊立涌

58. 梅蛮绘松竹唐草锦

[1] 日本古代的令制国之一，现在大约相当于大阪府的东部。

[2] 今朝鲜半岛。

织绘千年：东亚古代纺织艺术的流光溢彩 一部探索东亚古代纺织艺术源流、技术演变与文化意蕴的学术专著 本书聚焦于中国、朝鲜半岛及周边文化圈内，从史前时期至明清鼎盛期，跨越数千年的纺织品发展史，深度剖析其背后的社会结构、审美变迁与技术革新。它并非局限于某一特定时期或地域的艺术风格展示，而是力图构建一个宏大、系统的东亚纺织文明图景。 第一部：丝土之源——早期纺织技术的萌芽与传播 本书开篇追溯至新石器时代的原始纤维利用，详细考证了麻、葛等本土植物纤维的早期驯化与加工技术。重点探讨了仰韶文化、河姆渡文化遗址出土的纺织遗迹，结合碳十四测年数据，推演出东亚地区手工纺织业的雏形。 随后，本书将目光投向青铜时代。通过对殷商墓葬中丝织品残片（如纺织品印痕）的微观分析，揭示了中国早期养蚕缫丝技术的成熟过程。在此部分，作者引入了考古学、植物学和材料科学的交叉研究方法，重建了古代染料的提取工艺——从天然矿物到植物根茎的复杂提炼过程，并比较了不同地域的天然染色特性。 技术侧重： 本章详细比较了早期的纺织工具，如骨针、陶纺轮、原始织机（包括提花装置的雏形）的形制演变，并阐述了这些工具如何受限于当时的生产力水平与社会组织结构。 第二部：帝国华章——汉唐宋元时期纺织品的制度化与艺术高峰 进入大一统王朝，纺织业被提升至国家战略高度。本书深入分析了汉代“丝绸之路”的开辟对纺织品贸易与技术交流的双向影响。通过对新疆吐鲁番、楼兰等地出土的汉晋时期织物进行比较研究，展示了中原技术向西域的辐射以及外来文化元素（如拜占庭风格、波斯纹饰）的吸收与本土化。 制度探析： 重点剖析了唐代官营纺织机构（如绫锦院、绮工署）的运作模式、工匠的阶级地位以及赋税制度中对丝织品的征收标准。这部分内容揭示了纺织品不仅是物质财富，更是政治权力的象征。 宋代是中国工艺美术的黄金时期之一。本书细致考察了宋代文人审美对纺织图案设计的影响。从李诫《营造法式》中对织物纹样的记录，到宋徽宗时期对“瘦金体”衍生纹饰的运用，展示了高度的艺术化和内敛化趋势。 跨文化交流： 元代，蒙古帝国的建立促进了空前绝后的东西方技术汇流。本书特别讨论了元代官营织染机构对中亚、波斯技术的引进，以及由此催生的精美、带有异域风情的缂丝（“克丝”）和贴金工艺的成熟。 第三部：地域风貌——朝鲜半岛与东亚次中心的发展路径 为提供更广阔的视角，本书专门辟出一章探讨了朝鲜半岛（新罗、高丽、朝鲜王朝）的纺织艺术。着重分析了朝鲜半岛在技术上如何承接中国先进技术，又如何结合本土的自然资源与宗教信仰（如佛教与萨满教）发展出独特的风格。 特色研究： 深入分析了高丽时期著名的“交文（Gyomun）”织物，探讨其独特的经纬线组织结构。并考察了朝鲜王朝时期对“屏风纺织画”的偏爱，以及其在服饰禁令下对平素布料（如苎麻、棉布）染色技术的精进。 本书还简要对比了日本奈良时代遣唐使带回的技术与纹样，及其在日本本土化的早期阶段，为读者理解东亚纺织艺术的区域性差异打下基础。 第四部：技艺之巅——明代纺织工艺的集成与创新 明代是中国古代纺织技术集大成的时代。本书将重点放在了南京、苏州、杭州三大织造中心的鼎盛时期。 核心技术解析： 详尽介绍并配图解说明代缂丝、宋锦、妆花锦的制作工艺。特别关注了多色纬线组织的技术难点，如“通经断纬”在缂丝中的应用，以及在图案的层次感和光泽度上的突破。这些技术细节的阐述，力求还原古代织工的非凡智慧。 纹样语汇： 深入剖析了明代皇家与士绅阶层流行的纹饰体系，如龙凤纹的规范化、吉祥符号（八宝、万字不到头）的系统性运用，以及“折枝花卉”在民间织物中的普及。本书认为，明代的纹样规范化，既是皇权强化的体现，也是成熟审美的标志。 结论：纺织的遗产与未来 本书的收尾部分，不再仅仅停留在历史梳理，而是探讨了古代纺织艺术对后世的持续影响，包括对清代宫廷织造的直接继承，以及对近现代中国传统手工艺保护与研究的启示。作者强调，纺织品作为最古老、最贴身的艺术形式，承载了东亚社会从生产力到审美哲学的完整信息。 本书特色： 1. 跨学科视角： 综合运用考古学、化学分析、纺织工程学、艺术史学等多重视角，提供立体化的研究。 2. 细致的图像分析： 包含大量来自海内外博物馆典藏的珍稀织物高清图例，辅以详细的纹样解构图。 3. 侧重技术本体： 区别于纯粹的图案赏析，本书对织机、经纬技术、染料配方等工艺细节的还原和分析，具有极高的专业性。 本书适合对象： 艺术史学者、服装设计与纺织工程专业学生、博物馆研究人员，以及对中国及东亚古代物质文化有浓厚兴趣的广大读者。

评分☆☆☆☆☆

评价一：对艺术史爱好者来说，这本书简直是打开了一扇通往日本文化深处的大门。 这本书的装帧设计本身就透露出一种典雅的韵味，纸张的质感和印刷的清晰度都非常到位，让人爱不释手。我特别欣赏作者在梳理江户时代社会背景与艺术风格变迁上的细腻笔触。它不仅仅是一本图鉴，更像是一部微型的文化史。作者巧妙地将当时的政治气候、社会阶层变动，乃至对茶道、歌舞伎等生活美学的追求，融入到对织物纹样的解析之中。比如，对“友禅染”从奢华走向市民化的过程描述得尤为生动，让我深刻理解了艺术如何在时代洪流中自我调整，以适应更广泛的受众。书中的插图选择极具匠心，那些看似重复的图案背后，隐藏着复杂的象征意义和匠人的心血，读完后，再看任何关于江户时期的艺术品，都会多一层理解的深度。这对于想深入了解日本美学核心的读者来说，是不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

评价二：这是一本教科书级别的视觉盛宴，但对初学者可能略显门槛。 坦白说，这本书的学术性相当强，如果你是抱着随便翻翻的心态来期待一本轻松的画册，可能会有些失望。它对纹样分类的严谨程度，以及对不同染色技术（如绞染、型染）的专业术语运用，显示出作者扎实的专业功底。我特别喜欢它在介绍特定家族或藩属地纹样时的那种“考古”式的挖掘，揭示了地方特色如何在中央集权的体制下被保留并发展。然而，对于完全不了解日本历史或纺织工艺的读者，一开始可能会感到信息量过载，需要查阅一些背景资料才能完全消化这些内容。但一旦进入状态，你会发现作者的逻辑性极强，脉络清晰，是进行深入研究的绝佳参考资料。

评分☆☆☆☆☆

评价五：对于现代平面设计师和品牌策划者来说，这本书提供了源源不断的灵感宝库。 我买这本书的初衷，其实是希望从中汲取一些原创性的视觉元素。这本书在这方面表现得极其出色。它展示的纹样设计，其复杂度和美感，即使放到今天的T台或者UI设计中也毫不逊色。特别是对几何图案和自然界抽象化的处理方式，完全打破了现代人对“传统”的刻板印象。作者将“写实”与“意境”的平衡拿捏得恰到好处，这对于需要在有限空间内表达丰富信息的现代设计工作者来说，是最好的范本。我反复翻阅那些关于“青海波”、“七宝”等基础纹样的变体部分，光是研究它们如何通过线条粗细和留白来改变整体感觉，就已经收获颇丰。这是一部兼具历史厚重感与现代实用价值的视觉辞海。

评分☆☆☆☆☆

评价四：结构严谨，但某些主题的深度挖掘略显不足，适合作为入门后的进阶参考。 从整体结构来看，本书在时间线索的梳理上做得很不错，覆盖了从初期到幕末的演变过程。然而，当我试图寻找一些特定主题的深入探讨时，比如特定时期下女性对纹样选择的社会心理学分析，或者不同流派的匠人之间在技术创新上的具体交锋，感觉内容稍微有些点到为止。有些纹样的文化含义介绍得比较直观，但缺乏更深层次的符号学解读。这使得它更像是一本优秀的基础读物，为后续更专业的研究打下了坚实的基础，但若想找到关于某一极细分领域（比如某个偏远地区独特的“絣”织法）的详尽论述，可能还需要翻阅其他更专业的论文集。总体来说，是一本值得拥有的优秀导览手册。

评分☆☆☆☆☆

评价三：气韵生动，感觉我都能闻到那些丝绸和染料的味道！ 这本书最让我惊喜的是它传达出的那种“生命力”。很多图录往往将文物拍得冰冷，但这里的每一张照片都仿佛能触摸到江户时代人们的生活气息。我尤其被其中关于“町人文化”的章节所吸引，那些充满活力、略带诙谐的图案，完美地展现了江户市民阶层那种既想张扬个性又受限于礼法的微妙心态。它不是高高在上的艺术品陈列，而是实实在在印刻在和服、屏风上的日常对话。作者对色彩的描述也极为考究，如何用有限的天然染料，创造出令人惊叹的层次感和光泽，简直是技术与艺术的完美结合。读这本书，就像进行了一次沉浸式的时空旅行，让人对那个时代的精致生活充满了向往。