具体描述
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适读人群 ：青少年此商品两种封面，随机发货。
内容简介
山水画是以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但尚未从人物画中完全分离。隋唐时始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。传统上按画法风格分为青绿山水、金碧山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。本书全面系统地介绍用户评价
我特别喜欢《实用山水画基础与入门》这本书的“循序渐进”的教学方式。它就像一位经验丰富的老师，从最基础的笔墨练习开始，一步步引导我进入山水画的殿堂。我之前尝试过一些网络上的教程，虽然内容也很丰富，但总感觉知识点跳跃性太强，学完之后总有种“好像懂了，又好像没懂”的迷茫感。 这本书的结构非常清晰，先是讲解基础的笔墨运用，然后过渡到山石、树木、云水的画法，再到构图和设色，最后是创作实践。每个章节之间都有很强的逻辑关联性，让我能够融会贯通，而不是孤立地学习某个技法。我记得书中关于“勾勒”的讲解，不是简单地说“如何勾勒”，而是详细地分析了不同线条的力度、速度、粗细变化，以及如何通过线条来塑造物体的形态和质感。 更让我印象深刻的是，它鼓励读者多去临摹古人的作品，并且提供了非常详细的临摹指导。它不仅仅是让你照着画，而是让你去理解古人的笔墨语言和构图思想。通过临摹，我不仅能够提高自己的绘画技巧，更能从中学习到中国山水画的精髓和韵味。这本书让我觉得，学画山水画，不再是一件遥不可及的事情，而是可以通过系统的学习和大量的练习，逐步掌握的。它让我对未来的山水画学习充满了信心和期待。
评分我一直觉得，中国山水画的魅力，很大程度上在于它所蕴含的“气韵生动”。《实用山水画基础与入门》这本书，虽然是一本基础入门的书，却也没有回避这个核心概念，而是用一种非常实在的方式，引导读者去体会和实践“气韵”。 书中没有直接给我灌输“气韵”的定义，而是通过对历代名家画作的分析，让我看到“气韵”是如何体现在笔墨、构图、色彩之中的。它会讲解一幅画作是如何通过山势的起伏、云水的流转，以及树木的姿态，来传递出一种雄浑、宁静、或是空灵的“气”。 更重要的是，这本书提供了很多“练气”的方法。它强调了“读万卷书，行万里路”的重要性，鼓励读者多去实地观察自然，感受山川的壮丽和景色的变化。同时，书中也提供了一些“以气运笔”的练习方法，比如如何通过气息的调整来影响笔墨的走向，如何通过内心的感受来驱动笔下的线条。我记得书中有一段关于“写意”的讲解，它让我明白，写意不是随意乱画，而是要在形似的基础上，追求神似，将内在的精神和情感融入画面。这本书让我觉得，“气韵”不再是一个遥不可及的“意境”，而是可以通过刻苦的练习和对自然的深刻体悟，逐渐领悟和掌握的。
评分我一直觉得画山水画，最难的莫过于表现那种“云”和“水”的灵动感。《实用山水画基础与入门》这本书，在这方面给了我巨大的启发。它没有把云和水简单地当作背景或者点缀，而是给了它们独立的篇章，并且用非常细致的笔触去解析如何表现它们的形态和质感。 对于云，书中介绍了用不同的笔法来表现不同状态的云，比如蓬勃翻滚的厚云，轻盈飘渺的薄云，以及缠绕山间的雾霭。它强调了“留白”在表现云中的重要性，以及如何通过墨色的浓淡和笔触的虚实来塑造云的体积感和立体感。我记得书中有一个关于“云海”的示范，作者用大量的飞白和淡墨，将那种翻涌不息、浩渺无边的云海表现得淋漓尽致，让我叹为观止。 而对于水，这本书更是提供了多种表现手法。无论是奔腾咆哮的瀑布，还是平静如镜的湖面，亦或是蜿蜒流淌的溪流，书中都给出了详细的讲解。它让我明白，画水不仅仅是画它的形态，更要画出它的动态和力量。比如，画瀑布时，要着重表现水流的冲击力和飞溅的水花；画湖面时，则要通过细致的墨线和点染，表现出水面的波纹和倒影。书中还提到了如何运用“界画”的技法来表现建筑与水的结合，以及如何在山水画中巧妙地融入“点景人物”来增加画面的故事性。这些内容让我觉得，云和水不再是遥不可及的画面元素，而是可以通过学习和练习，生动地呈现在我的笔尖之下。
评分构图！这绝对是困扰我很久的一个难题。每次拿到画纸，面对空白，脑子里一片混乱，不知道该从何下笔，构图就更不用说了。但《实用山水画基础与入门》这本书，就像一位经验丰富的老师，耐心地引导我一步步解开构图的奥秘。它没有上来就给我灌输复杂的构图法则，而是从最简单的“疏可跑马，密不通风”开始，让我理解画面留白的重要性。然后，它又详细讲解了“三远法”，也就是我们常说的“高远、深远、平远”，并且用大量的图例来解释这三种构图方式在表现不同山景时各自的优势。 我特别喜欢书中关于“景别”的讲解，它让我明白，如何通过选择不同的视角和景深，来呈现山水的不同风貌。比如，近景可以着重表现石头的质感和细节，远景则可以勾勒出山峦的整体轮廓和气势。书里还提到了“呼应”和“分割”的构图技巧，让我理解画面中的各个元素之间并非是孤立存在的，而是需要相互联系、相互衬托，形成一个有机的整体。其中关于“S形”构图的讲解，让我豁然开朗，原来许多经典的山水画作品，都是巧妙地运用了这种引导视线的曲线，让整个画面生动而富有张力。这本书的构图章节，真的让我感觉自己不再是茫然无措，而是有了一套清晰的思路和方法，可以开始尝试构建属于自己的山水画世界。
评分这本《实用山水画基础与入门》简直就是为我这种零基础、对山水画一直心生向往却又不知从何下手的人量身打造的！我之前尝试过一些在线教程，但总感觉碎片化，不成体系，看完之后还是不知道该如何落笔。这本书的出现，就像黑夜里的一盏明灯，瞬间驱散了我所有的迷茫。 首先，它开篇就非常扎实，从最基础的笔墨训练开始，一点一点地教你如何握笔、如何运笔，如何通过练习线条的粗细、虚实、浓淡来表现不同的山石肌理。我以前总觉得山水画的线条是很玄乎的东西，但这本书用非常直观的图例和详细的文字解释，让我明白原来这一切都有章可循。它不像有些书那样上来就讲构图、讲意境，而是让我先把“基本功”练扎实。比如，书中关于“皴法”的讲解，简直是醍醐灌顶！我之前看到古人的画作，那些千奇百怪的山石纹理，总觉得难以模仿，看了这本书才知道，原来所谓的皴法，是古人对自然山石形态的高度提炼和概括，并且有不同的笔法来表现不同的岩石质感，像是披麻皴、斧劈皴、雨点皴等等，书里都有非常细致的示范，从起笔、行笔到收笔，每一个细节都讲解得清清楚楚，甚至连笔杆的角度、手腕的转动都给出了建议。这让我觉得，原来画好山石并不是靠天赋，而是可以通过系统学习和大量练习来达成的。
评分对于我这种刚接触国画的人来说，学习工具和材料的选择，简直是个巨大的挑战。《实用山水画基础与入门》这本书，在这方面给我提供了非常及时和实用的指导。它没有上来就让我去买最贵、最好的工具，而是循序渐进地介绍了我所需要了解的基本知识。 书中首先详细讲解了宣纸的种类，像生宣、熟宣、半生半熟宣等等，并且解释了它们各自的特性，以及在绘画中的不同用途。这让我不再对着琳琅满目的宣纸感到迷茫，能够根据自己的练习内容，选择合适的纸张。接着，它又介绍了毛笔的种类，比如狼毫、羊毫、兼毫，以及不同尺寸的毛笔分别适合画什么。我之前一直以为毛笔就是一种笔，看完这本书才知道，原来不同的毛笔，能带来如此不同的笔触效果。 除了纸和笔，书中还详细介绍了墨的种类，像是一得阁墨汁、墨锭，以及如何磨墨。我第一次知道，原来磨墨也是一门学问，需要耐心和技巧。最后，它还介绍了中国画颜料的种类，比如传统的矿物颜料和植物颜料，以及如何调色。这本书的材料介绍，让我觉得非常贴心，它帮助我解决了“从哪里开始”的问题，让我能够更专注于绘画本身的学习，而不是被繁琐的材料问题所困扰。
评分我一直以为山水画的树木画法，无非就是简单的勾勒填色，但《实用山水画基础与入门》这本书，彻底颠覆了我的认知。它花了很多篇幅，详细地讲解了各种树木的画法，从最基本的树干、树枝，到各种树叶的形态，都做了非常详尽的剖析。 我印象最深刻的是，书中针对不同种类的树木，比如松树、柳树、杂树等等，都提供了独特的画法。对于松树，它强调了如何用苍劲有力的笔触来表现其挺拔的姿态和盘曲的枝干；对于柳树，则着重于如何用流畅的线条表现其柔软下垂的枝条和随风飘动的姿态。书里还讲解了如何通过“点叶”的方式，来表现树冠的浓密和层次感，并且提供了多种点叶的技法，像是“介字点”、“圆点”、“蟹爪点”等等，都配有详细的图例和文字说明，让我可以模仿和练习。 除了树木本身的形态，书中还探讨了如何将树木融入山水画的整体构图中，如何通过树木的疏密、大小来调整画面的空间感和节奏感。它还提到了如何通过不同季节的树木变化来丰富画面的表现力，比如春天可以画出嫩绿的枝叶，秋天则可以描绘出金黄的落叶。这些细致的讲解，让我觉得，画树木不再是一件枯燥的事情，而是可以通过学习和练习，画出富有生命力和个性的树木，为我的山水画作品增添无限生机。
评分在这本《实用山水画基础与入门》里，我最惊喜的发现，是关于“皴法”的系统性讲解。在此之前，我看到那些古画中千变万化的山石纹理，总觉得它们是画家随心所欲地画出来的，很难理解其中的逻辑。这本书却把“皴法”这个看似复杂的概念，分解成了易于理解和模仿的步骤。 书中详细介绍了最常用的一些皴法，比如披麻皴、斧劈皴、雨点皴、解索皴等等，并且为每一种皴法都配了非常清晰的示范图。它不仅讲解了如何用不同的笔法来表现山石的纹理，还解释了每一种皴法最适合表现哪种类型的山石，以及在构图时如何运用这些皴法来增强画面的立体感和肌理感。 我尤其喜欢书中关于“笔墨结合”的讲解，它让我明白，皴法不仅仅是运用笔法，更是笔墨的综合运用。如何通过墨色的浓淡、干湿，以及笔触的轻重、缓急，来塑造山石的质感和体积感，这些都是非常重要的。书中还提到了如何根据不同的山体结构，来选择和运用合适的皴法，以及如何将不同的皴法巧妙地结合起来，创造出更丰富的画面效果。读完这一章节，我感觉自己像是打开了一扇新的大门，对如何表现山石的质感和力量有了全新的认识，也更加期待能够将这些学到的皴法运用到自己的创作中。
评分我一直以为山水画的颜色运用是个深奥的学问，但《实用山水画基础与入门》这本书却用一种非常接地气的方式，把我带入了色彩的世界。它没有一开始就让我去调配复杂的颜料，而是从最基础的“墨分五色”讲起，让我理解墨的浓淡干湿如何影响画面的层次感和空间感。紧接着，它又循序渐进地讲解了如何运用中国画特有的矿物颜料和植物颜料，比如石青、石绿、赭石、朱砂等等。让我印象最深刻的是，它不仅仅是列出这些颜料的名字，还详细介绍了它们的特性，比如哪些颜色适合用来表现山石的厚重感，哪些颜色适合用来点缀云雾的缥缈，甚至还提到了如何通过“染”的手法，让颜色自然地融入墨迹之中，产生丰富的过渡效果。 书里还专门辟出章节讲解如何处理“阳面”和“阴面”的色彩关系，如何通过冷暖对比来塑造山体的体积感，以及如何运用“点景”的色彩来烘托整体画面的氛围。我记得书中有一个关于“设色山水”的范例，作者从起稿到最后的点睛之笔，一步一步地进行了讲解，特别是对山体色彩的层次处理，让我惊叹不已。原来，看似简单的色彩叠加，背后却蕴含着丰富的变化和考量。它还提到了如何根据季节、天气来调整色彩的运用，比如春天可以多用一些青绿色，表现生机勃勃；秋天则可以多用一些赭黄色，烘托萧瑟之美。这些细节让我觉得，这本书不仅仅是在教我画画，更是在教我如何去观察和感受自然，并将这种感受转化为笔下的色彩。
评分在我看来，这本《实用山水画基础与入门》最成功的地方，莫过于它对“意境”的讲解，不是流于空泛的理论，而是将抽象的概念落到实处。我之前总是听别人说山水画讲究“意境”，但始终不得其解，感觉那是一种只能意会不可言传的玄妙。这本书却通过大量的实例分析，让我看到了“意境”是如何通过笔墨、构图、色彩等多种元素的有机结合而产生的。 书中专门用了一个章节来探讨“如何营造画面的诗意”。它不只是强调要表现景色的美，更重要的是要传达出画家内心的情感和对自然的感悟。比如，它会分析一幅画作是如何通过山峦的起伏、树木的形态、云水的变化来营造出一种宁静致远、或是雄浑壮阔的氛围。我记得书里有一个例子，作者分析了一幅描绘秋江独钓的画面，通过寥寥几笔，却营造出一种孤寂、萧瑟而又悠远的意境，让我深刻体会到，山水画不仅仅是在描摹外在的山河，更是在抒发内在的情怀。 此外，书中还提到了“点景”的重要性，如何通过人物、船只、房屋等景物，为画面注入生命力和故事性，从而进一步深化画面的意境。它让我明白，一个好的山水画作品，不仅仅是技法的展现，更是一种心灵的沟通和情感的传递。这本书让我开始意识到，画山水画，不仅仅是“画”山水，更是“感”山水，并将这份感受融入笔墨之中，最终传达给观者。
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