具体描述
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适读人群 ：对中国传统书画感兴趣的读者；艺术类专业读者本书作者梅墨生多才多艺，现为中国国家画院研究员，国家一级美术师，中国美院、北大等高校客座教授，同时兼任多个协会职务。作者在《中国画艺术十二讲》一书中，品评了八大山人、戴本孝、虚谷、吴昌硕、齐白石、黄宾虹、林风眠、潘天寿、李可染、李苦禅、赖少其等十二位艺术大师的艺术风格和绘画技巧，进而解读中国传统书画艺术文化。
内容简介
梅墨生是书画通才，并在史论方面功夫很深，在此之外又涉猎多方面的专门知识，可谓“有所专”且“游于艺”。本书共收入文章12篇，其中对八大山人山水画研究的独特视角，对戴本孝山水精神的一种探寻挖掘，对海派虚谷艺术风格的评述分析，对吴昌硕的人与艺的演变评述，对齐白石的诗与画，黄宾虹的黑与白，以及对林风眠、潘天寿、李可染、李苦禅、赖少其等代表这个大的历史阶段的诸多大家的评介，都能发抒个见，不苟于他人之言。
作者简介
梅墨生，号觉公，斋号为一如堂。书画家、诗人、学者。中国国家画院研究员，国家一级美术师。中国美术学院、北京大学艺术学院、厦门大学艺术学院、中国书法院、台湾艺术大学、北京中医药大学等多所大学客座教授、研究员。中国画学会理事，中国文艺评论家协会理事、杭州黄宾虹学术研究会名誉会长等。
精彩书评
★梅墨生是书画通才，并在史论方面功夫很深，此外又涉猎多方面的专门知识，可谓“有所专”且“游干艺”。本书共收入文章12篇，其中对八大山人山水画研究的独特F角，对戴本孝山水精神的挖掘探寻，对海派虚谷艺术风格的评述分析，对吴昌硕的人与艺的演变评述，对齐白石的诗与画，黄宾虹的黑与白，以及对林风眠、潘天寿、李可柒、李苦禅、赖少其等代表这个大的历史阶段的诸多大家的评介，都能发抒己见，不苟同于他人之言。
——中国国家画院院长，杨晓阳
目录
目录：
序／１
八大山人山水窥奥／１
别构灵奇———谈戴本孝的山水丘壑／２３
虚谷艺术风格评述／３３
吴昌硕其人、交游与艺术演变／７７
读齐白石四题／１２５
大雅远去 斯文犹在———读齐白石、黄宾虹 “小品”札记／１５７
浑厚华滋 精神万古———黄宾虹说／１６９
“ 沤灭全归海 花开正满枝”———读林风眠山水画（ 风景） 五题／２ ０ ３
气结殷周雪———回视潘天寿艺术的人文精神／２２１
传统与现代———李可染之再认识／２５１
论齐门 “二李”／２８５
三论赖少其／３２１
后记／３３９
精彩书摘
《中国画艺术十二讲：从八大山人到赖少其》：虚谷的肖像写真可能是他最早饮誉的绘画门类。因为在他40岁左右就曾为湘军统帅曾国藩画过像，这至少表明，他当时的写真水平和名声已非一般，不然权倾一方的曾国藩不会请他画像。从《海上墨林》和《寒松阁谈艺琐录》、《上海县续志》的记载来看，他出家后很快就开始了“以书画自娱”的生活，似乎不久已“声誉极重”。现存最早的肖像作品是他1870年的《咏之五十岁肖像》（后由任伯年补景）。此作已显示出虚谷高超的画像水准。面部描绘细腻而写实，人物神态十分生动。相较于后来的肖像作品，此作衣纹勾线稍显平实严谨，用的是实线，而非后来的虚线颤笔，颇近任熊画风，还未出现放逸之画风。人物脸部结构十分结实、骨骼起伏凹凸感明显，主仆三人的主次向背处理得颇有情致。由此可见，此时虚谷的肖像画还比较求逼真，连衣饰也无过多的表现。
1875年，53岁的虚谷曾为沈麟元作《竹斋先生小景（影）》（即《葑山钓徒图轴》）。这件作品很有名，但我颇疑其伪（请参看后文）。不过，在这一年他为秦醉经所作《秦醉经四十九岁小像》却是十分可信的一件作品。款题以隶书，也很少见。人物勾勒已十分松动，笔触虚灵，神情呼之欲出，衣纹线条轻松率真，薄施淡彩，头面详而身体略，乃其肖像佳构。
在虚谷时代，中国的“照相还没盛行”，而画肖像是一种社会需求。“画像这一行手艺，生意是很好的。画像，我们家乡叫做描容，是描画人的容貌的意思。有钱的人，在生前总要画几幅小照玩玩，死了也要画一幅遗容，留作纪念……吃画像的收入，比画别的来得多。”①齐白石在早年从雕花木匠转为画家时，就是以画肖像为生的。两人年代相近，地理未远，正好说明了当时的民俗。又“岁时礼俗，正月悬祖容于庭，张灯设饮，至元宵后三日撤，谓之十八朝”②，这是说年初祭祖要挂祖先遗容，那就需要画先人遗像，早年齐白石也干过这一行。如此看来，这种风气在晚清很流行，所以白石老人说“生意是很好的”。虚谷弃武之后，以画自娱，也以鬻画为生，因此从事这个行当理所当然。他师从何人而学得此手艺不得而知。不过，据丁羲元研究，“籍本新安流寓扬州的画家中，画肖像辄名家辈出，如清代康熙、乾隆时的罗聘、禹之鼎都是杰出代表”③。由此认为，早年居扬州的虚谷正是受罗聘、禹之鼎的影响而与明、清之际的肖像大家曾鲸一脉相承，似也顺理成章。重要的是，虚谷具有绘画天赋，且有画像的才能和扎实的训练，不然他是无法以此谋生的。况且，为人画像一般不属自娱行为，应是商业行为，估计是都要取酬的。
……
前言/序言
序
随着中国经济改革开放取得巨大成就，政治、军事地位不断提高，文化的发展繁荣被提到议事日程，一百多年来，“简单地用西方标准剪裁中国文化”的时代已经被认为是没有文化自觉和文化自信的表现。强调中国精神，确立中国标准是时代的需要，也是事物发展自身所决定的。
国学热重新兴起，有很多具体的事情要做。很多学者根据自己的立场从不同的角度切入，对传统文化和历史自觉地进行深入的重新研究和解读。“三十年河东，三十年河西。”重新解读的结果，往往很有新意，这是我们民族之幸、时代之幸。
梅墨生是书画通才，并在史论方面功夫很深，此外又涉猎多方面的专门知识，可谓 “有所专”且 “游于艺”。他不但在书法、绘画方面极下功夫，对于美术史的研究和理论的重视以及当代艺术批评的介入，时时表现出其独特的角度和精辟的见解，颇有见地，不落俗套。既不同于当下学院式分科过细的表达，也不同于纯理论逻辑推理、史料文献至上的脱离实践，而是理论与实践并重，言之有据，言之有物。我们从多年来他的书画创作和多方面１的研究成果综合来看，便可得出结论。
《中国画艺术十二讲———从八大山人到赖少其》一书详细解读了１０多位中国画大家，其中对八大山人山水画研究的独特视角，对戴本孝山水精神的挖掘探寻，对海派虚谷艺术风格的评述分析，对吴昌硕的人与艺的演变评述，对齐白石的诗与画，黄宾虹的黑与白，以及对林风眠、潘天寿、李可染、李苦禅、赖少其等代表这个大的历史阶段的诸多大家的评介，都能发抒己见，不苟同于他人之言。他是怀着对诸家的敬重之心为文的。评价甚为中肯，文虽不长，都能自有见地。其收入自１９９２年至今２５年间的文章计１２篇，贯穿核心乃 “传统理念”、“文化价值”与 “艺术成就”、“创造个性”，行文集中于关注对象的 “人与艺”之内在关联，并不简单搬用概念和纯粹逻辑分析，常常于叙述中透露自我思维和理性高度，同时也不做烦琐考据，而是言之有见，言之达意。
老梅不老，只是由于他长期浸淫于传统文化，久而久之，显得老到而已。近些年他游学于全国各地，以学者型画家身份做了大量的普及工作，同时对理论评论也多有建树，影响甚广。我以为，他在多方面所做的工作都是很有益的，我祝贺他这本专著的出版，并祝愿他的实践取得更大的进步。
中国国家画院院长 杨晓阳２０１７年６月２９日于荷园
用户评价
这套书最让我惊艳的，是它对于“墨”的运用和表现力的深度挖掘。中国画之所以被称为“水墨画”，可见“墨”的重要性。而作者在这方面，无疑是给我打开了一个全新的视角。他不仅仅是讲解了墨的浓淡干湿，更重要的是，他深入分析了不同的墨法，比如“破墨”、“积墨”、“宿墨”等，以及这些墨法在不同画家作品中的运用，是如何产生不同的艺术效果。我记得其中有一讲，是关于如何用“焦墨”来表现山石的苍劲，作者详细分析了焦墨的特性，以及画家如何通过笔触和墨色的控制，将这种苍劲感表现得淋漓尽致。这种对“墨”的细致入微的解读，让我对中国画的理解上升到了一个新的高度。我开始意识到，墨不仅仅是颜色，更是一种情感的载体，一种精神的表达。我甚至觉得，书中所讲的关于“墨”的知识，对于我理解其他绘画形式，甚至是对生活中的光影变化，都有着启发作用。它教会我如何去“感受”色彩，如何去“触摸”质感，如何用最朴素的材料，创造出最丰富的艺术表现力。
评分我之所以对这套书情有独钟，很大一部分原因在于它所呈现的“传承与创新”的主题。中国画有着悠久的传统，但同时又在不断地发展和演变。这本书巧妙地将这一点体现在了“十二讲”的结构和内容之中。从八大山人这样在传统中寻求突破的大家，到近代和当代艺术家们如何将西方艺术理念与中国画相结合，再到赖少其先生如何将时代精神融入创作，这本书展现了中国画在不同历史时期，艺术家们所做的努力和探索。我印象特别深刻的是，书中有一部分是在讲如何处理“古法”与“创新”的关系，作者并没有简单地推崇某一方，而是强调两者之间的辩证统一。他会分析那些伟大的艺术家，是如何在继承前人的基础上，融入自己的个性和时代的要求，从而创造出新的艺术风格。这种对“传承与创新”的深入探讨，不仅让我理解了中国画的发展规律，也让我对艺术创作有了更深刻的认识。它告诉我，真正的艺术，既要根植于传统，又要面向未来，勇于探索。
评分我一直认为，艺术的价值在于它能够触动人心，而这套《中国画艺术十二讲》，恰恰做到了这一点。书中对每一位画家的解读，都充满了情感的温度。它不仅仅是对艺术技巧的分析，更是对艺术家内心世界的挖掘。我记得在读到关于某位画家的人生经历时，我能深刻地感受到他作品中那种淡淡的忧伤，或者那种坚韧不拔的精神。作者通过将画家的生平与他的艺术创作相结合，让我们更加立体地去认识这位艺术家。我甚至会因为某个画家的故事而感到共鸣，或者受到鼓舞。这种情感上的连接，让我觉得艺术不再是冰冷的概念，而是鲜活的生命。尤其是对于八大山人这样历史人物，作者的解读让我不再仅仅停留在历史书本上的记载，而是能通过他的画，感受到那个时代普通人内心的挣扎和呐喊。这种情感上的共鸣，是任何一本缺乏人文关怀的书籍都无法给予的。
评分这本书最大的魅力在于，它能够让一个对中国画几乎一无所知的人，也能迅速地进入到艺术的世界。我之前接触过一些艺术类的书籍，但很多都写得过于学院派，或者过于碎片化，很难形成系统的认识。而这套“十二讲”，以其清晰的脉络和生动的讲解，让我觉得非常容易理解和接受。作者在介绍每一位画家时，都会先简单介绍他们的生平背景，然后重点剖析他们的艺术风格和代表作品。这种“由点及面”的讲解方式，让我在短时间内就能对一位画家有一个比较全面的认识。而且，作者在讲解时，非常注重运用通俗易懂的语言，避免使用过多的专业术语，即使偶尔出现，也会进行详细的解释。这对于像我这样的初学者来说，无疑是一件非常友好的事情。我记得有一讲，是关于如何运用“皴法”来表现山石的纹理，作者用了一个非常形象的比喻，让我一下子就明白了其中的奥秘。这种将复杂问题简单化的能力，是作者功力深厚的体现。
评分这套书简直是打开了我对中国画艺术认识的全新大门。我一直觉得中国画离我很遥远，总感觉是那些古老画卷里静止的风景和人物，难以触摸。但当我翻开这本《中国画艺术十二讲》，尤其是读到关于八大山人的部分，我才真正感受到那种“笔墨精神”的强大力量。作者并没有枯燥地罗列历史年代和画家生平，而是深入剖析了每一位画家的艺术风格，他们的笔触如何传达情感，构图又如何营造意境。读八大山人，我不再只是看到一个“白眼向天”的孤高身影，而是体会到他笔下那些看似寥寥数笔的鱼鸟，如何饱含着复杂而深沉的情感，那种简洁中的力量，那种孤独中的呐喊，让我为之动容。作者的讲解就像一位循循善诱的老师，引导我一步步走进画家的内心世界，去理解他们创作的动机，去感受他们笔下的灵魂。尤其是对一些意象的解读，比如八大山人画的鸟，那种翻转的白眼，原来不仅仅是简单的写意，更是一种对时代、对人生的独特思考。这种解读方式，让抽象的艺术变得鲜活而富有生命力。我常常会一边看书，一边找来八大山人的画作欣赏，越看越觉得书中讲解的精妙之处，仿佛作者早就看穿了画家的心思，将那些隐藏在笔墨之下的奥秘一一揭示。这种阅读体验，是过去我独自欣赏艺术品时从未有过的。我开始意识到，中国画并非只有模仿和传承，更有着强大的创新和表现力，而八大山人，无疑是其中一个极具代表性的人物。
评分我是一个对中国传统文化非常感兴趣的人，尤其是在接触了这套《中国画艺术十二讲》之后，我感觉自己与中国画之间的距离瞬间拉近了。书中的讲解，不仅仅是停留在艺术技巧层面，而是将艺术与中国人的哲学思想、人生观念紧密地结合在一起。比如，在讲到八大山人时，我能从中感受到他所经历的时代变迁，以及他对人生和艺术的独特思考，那种“遗民”的孤独与坚持，通过他的画作被深刻地表达出来。而讲到赖少其先生，我又看到了中国画如何与现代社会相结合，如何承载着时代的精神和民族的复兴。这种将艺术置于更广阔的文化背景下去解读的方式，让我觉得非常有深度。我不再只是欣赏一些漂亮的图案，而是开始理解这些艺术作品背后所蕴含的文化基因。我甚至觉得，通过这十二讲的学习，我不仅仅是在学习绘画，更是在学习中国人的思维方式，学习他们的审美情趣，学习他们看待世界的方式。这种跨越艺术门类的文化启迪，是我在这本书中最大的收获之一。
评分书中对于“意境”的解读，让我耳目一新。中国画最吸引我的地方，恰恰是那种“画外之意”，那种留白带来的无限遐想。作者在这方面做得非常出色，他没有简单地解释画面上有什么，而是深入剖析了画家是如何通过构图、色彩、笔墨，甚至是他所选择的题材，来营造出一种独特的“意境”。我记得其中有一讲，是关于如何用“虚实相生”的手法来表现山水画的深邃。作者通过具体画作的例子，生动地讲解了哪些是“实”，也就是画面上具体描绘的景物，哪些是“虚”，也就是通过留白、墨色晕染等方式，暗示的、留给观者想象的空间。这种“虚”与“实”的结合，使得画面不仅仅是一个二维的平面，而变成了一个可以让人沉浸其中的三维空间。我常常会为书中对“意境”的描述而驻足，仿佛自己也置身于那山水之间，感受那份宁静、悠远，或者那份壮阔、磅礴。这种能力，是任何一本普通的画册都无法给予我的。它教会我，欣赏中国画，不仅仅是用眼睛去看，更要用心去感受，去体会那份寄托在笔墨之间的情感和哲思。
评分这本书给我最大的惊喜，是它不仅仅是一本艺术鉴赏的书，更像是一本关于“如何看艺术”的指南。作者不仅仅是告诉我们画面上有什么，更重要的是，他教会我们如何去“读懂”一幅画。比如，在解读八大山人的作品时，他会引导我去关注画面的构图、线条的走向，甚至是中国水墨的晕染效果，这些看似微小的细节，实际上都承载着画家的情感和思想。让我印象深刻的是，作者在讲解一幅山水画时，会详细分析画家如何通过“经营位置”，也就是画面的布局，来营造出一种“气势”或者“意境”。他会指出哪些地方是画家故意留白，哪些地方是用笔最为精妙，这些讲解让我仿佛置身于画家的创作室，与他一同进行构思和创作。我开始尝试着运用书中学到的方法，去观察其他的中国画作品，我发现，当带着这种“读懂”的视角去欣赏时，每一幅画都变得更加生动和有趣。我不再只是看到一个静态的画面，而是能感受到其中流淌的生命力和艺术家的匠心独运。
评分我对这套书的结构安排非常赞赏，它并非按照时间顺序线性展开，而是选取了十二位在中国画史上具有代表性的艺术家，通过他们各自独特的艺术成就，来串联起中国画的发展脉络。这种“以点带面”的方式，让我觉得非常高效和有吸引力。我无需记住一大堆枯燥的历史事件，而是能通过每一位艺术家的故事，去了解他们所处的时代背景，以及他们如何在这种背景下，突破传统，创造出属于自己的艺术语言。比如说，从八大山人的孤寂与不羁，到另一位画家的细腻与婉约，再到赖少其先生的时代精神与创新，这种跨越时空和风格的切换，让我感受到了中国画的丰富性和多样性。每讲一位画家，作者都会深入挖掘他们的艺术风格形成的原因，以及他们在中国画发展史上的独特贡献。这种深入的分析，让我在欣赏画作时，不再是走马观花，而是能带着理解和感悟去品味。我甚至会因为某一讲的内容，而去主动搜索这位画家更多的作品，去对照书中的讲解，寻找作者所强调的那些细节。这种主动的学习和探索，让我对中国画的理解，从浅层的美学欣赏，上升到了对艺术史、对文化内涵的认知。
评分我特别喜欢书中关于“笔墨”的探讨，这是中国画的灵魂所在。在接触这套书之前，我对“笔墨”的理解可能停留在“写字”的层面，认为就是用毛笔蘸墨画线条。但经过这“十二讲”的学习，我才明白“笔墨”的内涵远不止于此。它是一种技法，更是一种精神，一种境界。作者从基础的用笔、用墨讲起，如何使线条产生不同的质感和力量，如何通过墨色的浓淡干湿来表现物体的立体感和层次感。让我印象深刻的是，作者在讲到某位画家的作品时，会详细分析他如何运用“飞白”，如何营造“焦墨”的苍劲，如何通过“破墨”产生奇妙的效果。这些专业的术语，在作者的讲解下，不再是晦涩难懂的门槛，反而变得生动有趣，如同探寻一个艺术的宝藏。我开始尝试着去观察我所看到的，不仅仅是物体的形状，更是它们在光影下的微妙变化，以及如何用不同的笔触来表现这些变化。书中列举的许多例子，比如某位画家如何用“枯笔”表现老树的沧桑，如何用“湿笔”渲染出山间的烟雨朦胧，都给我带来了极大的启发。我甚至觉得，这些关于“笔墨”的讲解，不仅仅适用于中国画，对于任何一种艺术创作，甚至是对生活中的观察，都有着普遍的意义。它教会我如何去“看”，如何去“感受”，如何去用最简单、最直接的方式来表达内心。
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评分行文集中于关注对象的“人与艺”之内在关联，并不简单搬用概念和纯粹逻辑分析，常常于叙述中透露自我思维和理性高度，同时也不做烦琐考据，而是言之有见，言之达意。
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