艺术史方法与理论/世界美术史论经典丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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【美】安妮·达勒瓦 著，徐佳 译

图书标签:

• 艺术史
• 美术史
• 艺术理论
• 方法论
• 世界美术史
• 艺术哲学
• 文化研究
• 西方美术史
• 艺术批评
• 史学

出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102073682

版次：1

商品编码：12295142

包装：平装

丛书名： 世界美术史论经典丛书

开本：16开

出版时间：2017-11-01

用纸：铜版纸

页数：206

正文语种：中文

内容简介

　　《艺术史方法与理论》为艺术史学习者提供了一系列明确的路标，它是进入艺术史理论学习与实践的学术起点，提供了一套指向艺术史领域的科学实用的引导方法。本书以艺术史与批评理论的多重交叉的研究视觉，阐释了符号学、图像学、女性主义、精神分析、马克思主义、诠释学等艺术史研究中常用的方法论，介绍了每一理论的缘起、代表性学者，以及理论本身的沿革演变。
　　尤其值得强调的是，每一种方法论作者都以相应的艺术作品和艺术家为例，展示理论如何应用于艺术实践本身。同时作者还以其特定的理论模式，发展出一系列问题，帮助读者理解如何研究问题、如何把特定学者与理论家的观点应用于艺术史分析。在每章末尾，还附有总结以及总体性思考，更搜集了大量的参考书目与文章，便于读者进一步阅读与学习。

作者简介

　　安妮?达勒瓦 美国康涅狄格大学副教授，致力于艺术史与女性主义研究，撰有《艺术史方法与理论》《如何撰写艺术史》《太平洋岛屿的艺术》等著作。

目录

导言如何使用本书
第一章思考理论
什么使理论成为“理论”？
理论是纯粹、统一、公正的吗？
行话
实证主义，或反理论立场的理论？
通过理论思考
理论与方法论有何区别？
总结
入门
第二章对形式、象征、符号的分析
艺术史中的形式主义
图像志与图像学
潘诺夫斯基的图像志与图像学
潘诺夫斯基之后的图像志与图像学
图像志与图像学练习
符号学
符号学奠基人：索绪尔与皮尔斯
系统与代码
阐释代码与符号
艺术作品是谜题吗？艺术史学者是侦探吗？
符号学与艺术史
符号学艺术史练习
我们是否在“阅读”艺术作品？
艺术史的对象
词与图
总结
入门
第三章艺术的语境
观念史
艺术的马克思主义与唯物主义视角
资本主义批判与历史唯物主义
意识形态与文化霸权
马克思主义与艺术
唯物主义与马克思主义的艺术史
马克思主义艺术史练习
女性主义
女性运动简史
女性主义艺术史的发端
女性主义艺术史的当下课题
本质主义与女性主义艺术史
女性主义艺术史练习
性倾向、LGBTI研究、酷儿理论
LGBTI研究
酷儿理论
一所以，什么是正常，或规范？
性别表演，酷儿的核心理念
LGBTI／酷儿艺术史
LGBTI／酷儿艺术史练习
文化研究与后殖民理论
种族与后殖民理论
底层研究
全球化与跨国主义
全球化与跨国主义影响下的艺术史练习
艺术史、文化研究与视觉文化研究
文化研究／后殖民主义影响下的艺术史练习
总结
入门
第四章艺术中的心理学和感知
艺术史与精神分析
弗洛伊德基础
弗洛伊德论艺术
荣格原型
弗洛伊德批判
对象关系理论与创造性的本质
拉康基础
拉康论艺术
拉康批判
精神分析与当代艺术史
凝视
接受理论I：艺术心理学
影响的焦虑
接受理论Ⅱ：读者反应理论与接受美学
实践接受理论／精神分析的艺术史
总结
入门
第五章对知识的立场
阐释学
阐释学三杰
阐释循环
阐释学与艺术史
阐释学艺术史练习
结构主义与后结构主义
文化作为结构
二元对立
互文与作者之死
后结构主义
福柯的历史：知识就是权力
结构主义、后结构主义与艺术史
结构主义与后结构主义艺术史练习
解构
艺术史与解构
解构艺术史练习
后现代主义的条件与实践
定义现代主义
给现代主义加上“后”
挑战宏大叙事
碎片化、谐仿、拟像
现代主义、后现代主义与艺术史
后现代主义艺术史练习
总结
入门
第六章用理论写作
你可能正在写的论文
学习用理论写作
理论在研究中的位置
哪个先来？
你怎么知道用哪个(或哪些)理论？
写论文
打造一个理论驱动的论述
结合理论？
支撑你的观点／提供证据？
创造性、想象力、真理
入门
注释

精彩书摘

　　《艺术史方法与理论/世界美术史论经典丛书》：
　　马克思主义涉及广泛领域的历史与义化，因此作为一个学者，不应该把马克思主义思想（与政治）过于紧密地联系到苏联时期。在20世纪90年代的早期和中期，若干本科生跟我说，他们觉得既然美国已经“赢得”冷战，马克思主义文化分析就已经是无关的或错误的，因为苏联解体总之是让马克思主义文化与历史分析丧失了信誉。在本节开篇引述的普列汉诺夫所言，指出马克思主义并非如一些学生所以为，而是远远不限于共产主义政府的具体理论或实践。事实上，批判马克思主义（有时也称为西方马克思主义。因为它主要发展于欧洲和北美）鼓励发展非教条的、开放的学术，这才是对艺术史最有助益的马克思主义传统。
　　本节将介绍马克思的基本观念，之后简要讨论关于意识形态和文化霸权的马克思主义理念，这对思考艺术尤其有用。还会触及艺术史的马克思主义和唯物主义理论，在本章末尾用两个例子形成关于唯物主义或马克思主义的问题线索。资本主义批判与历史唯物主义马克思在写下批判资本主义社会的文字之时，正值欧洲工业革命爆发。在他最伟大的作品《资本论》（3卷，1867-1894）中，马克思指出资本主义社会的基本条件是资本家对工人劳动力的剥削。工人并不能获得他劳动的全部价值；工人劳动的真正价值，作为剩余价值被抽入资本家的营利总额，因为自由而不受调控的劳动市场并不会迫使资本家向工人支付其劳动的全部价值。
　　如马克思和恩格斯所见，这种对工人的剥削导致阶级斗争。在1848年的《共产党宣言》中，他们宣称“迄今为止所有社会的历史都是阶级斗争史”。资本主义中的两个主要阶层是资产者（或资本家阶层）和无产者（或工人阶级）。资本家拥有生产手段（厂、矿、金融机构等等），而无产者只拥有自己工作的能力，所以别无选择，只能为资本家工作。马克思指出，每个阶层都有意识，其看待世界的方式由自身的经济地位所决定。
　　马克思和恩格斯为了阐释他们对社会结构的认识。用了基础和上层建筑的比喻：经济是基础，它决定了上层建筑，以及国家与社会的形式。你可以把社会想成一座建筑：经济基础是水泥地基，国家与社会是建立在地基之上的房屋。需要记住的是，地基并不仅仅是狭义的经济，而是包括阶级关系在内的生产关系的总和。后来的学者指出，影响并非只由基础向上层建筑单向进行。意识形态与文化霸权在思考基础与上层建筑的双向相互关系中，意识形态是一个特别重要的概念。“意识形态”一词最基本的意思，是指任何连贯而系统的观念体。我们可能会讨论一个人、一个群体（如政党或教派）、一个文化的意识形态。在马克思主义理论中，意识形态是社会上层建筑的一部分。从马克思主义的角度来看，艺术史是一种“意识形态形式”，统治阶级可以用以保持有利于自身的阶级关系——或者革命也可用以削弱统治阶级的权力。一幅感人的工厂主肖像、一座宏伟的总统府，以及一部表现工人革命者胜利的连环画，都是这个意义上的反映意识形态的艺术作品。
　　……

好的，这是一份为您准备的图书简介，该书名为《西方艺术史研究的新路径：图像学与符号学的视域》。 图书名称：《西方艺术史研究的新路径：图像学与符号学的视域》 作者： [此处可根据实际情况填写作者姓名，例如：张文远] 出版社： [此处可根据实际情况填写出版社名称，例如：汉唐文化出版社] 出版年份： [此处可根据实际情况填写出版年份，例如：2023年] 导读：重塑理解艺术的棱镜 在艺术史研究的浩瀚星空中，经典叙事与既有范式往往构建起坚固的壁垒。然而，二十世纪以来，随着西方哲学、文学理论乃至符号学、人类学的深入影响，艺术史研究者们开始寻求更具批判性与解析力的工具，以穿透作品表面的视觉愉悦，直抵其深层的文化肌理与权力结构。 《西方艺术史研究的新路径：图像学与符号学的视域》正是这样一部旨在拓宽传统艺术史疆域的学术力作。本书并未简单复述文艺复兴的辉煌或巴洛克的激情，而是着重探讨如何运用两套核心理论工具——潘诺夫斯基的图像学/图像志分析和符号学的结构主义与后结构主义视角——来重新审视和阐释西方艺术中的关键作品与历史阶段。 本书的核心论点在于：艺术作品不仅是历史的忠实记录者，更是复杂意义的载体，其意义的生成依赖于观察者、文本（作品本身）和文化语境三者之间的互动关系。因此，理解艺术，必须从“看”到“解构”，再到“重构”意义链条的过程。 第一部分：图像学的深度挖掘与方法论的革新 本部分聚焦于艺术史研究的经典工具——图像学（Iconology）的精妙应用与方法论的延展。 第一章：从主题到内在涵义：潘诺夫斯基方法的再激活 本章系统梳理了恩斯特·潘诺夫斯基（Erwin Panofsky）“前图像志、图像志、图像学”三层次分析法的理论基础及其在实际案例中的操作流程。作者认为，虽然图像学在后结构主义思潮中遭受了某些批判，但其严谨的层级分析逻辑仍然是解读西方象征体系的基石。 案例分析聚焦： 以早期尼德兰绘画（如扬·凡·艾克的作品）为例，展示如何通过辨识日常物件（如镜子、水果、蜡烛）的约定俗成含义（图像志层面），进而揭示其背后的神学或世俗教义（图像学层面）。 方法论反思： 探讨图像学方法在面对现代性与后现代艺术时的局限性与适应性。例如，在分析杜尚的现成品时，如何将传统图像学的“约定俗成”概念扩展至“反约定俗成”的文化冲突上。 第二章：身体、空间与仪式：图像学在建筑与雕塑中的渗透 不同于传统上将图像学主要应用于架上绘画的倾向，本章将视野拓展至建筑和雕塑领域。 教堂的象征性结构： 深入分析中世纪大教堂的平面布局、光线处理（如哥特式玫瑰窗）如何作为“天国蓝图”的具象化体现，探讨建筑语言如何编码宗教权力结构。 纪念碑的身体政治： 研究古典雕塑（如希腊的英雄像或罗马的皇帝像）如何通过姿态、比例和材质，构建和传达特定的公民美德或政治权威。这里，图像学不仅仅是识别符号，更是解读权力在空间中投射的方式。 第二部分：符号学：揭示潜藏的结构与意义的流动性 如果说图像学是深入挖掘既有意义的深度挖掘机，那么符号学则是剖析意义生成机制的精密手术刀。本部分将引入索绪尔、皮尔斯以及后来的罗兰·巴特等人的理论，审视艺术作品作为“意义系统”的运作方式。 第三章：能指、所指与艺术的“编码” 本章是符号学方法论的基础构建。作者清晰界定了索绪尔的语言学模型（能指与所指的任意性），并将其映射到视觉艺术领域。 色彩的能指系统： 分析色彩在不同文化背景和艺术流派中“能指”的变迁。例如，中世纪艺术中红色作为“殉道与激情”的固定能指，如何被印象派或野兽派转化为纯粹的视觉体验（即能指与所指的松动甚至断裂）。 “画框”的意义： 探讨“画框”这一结构性元素如何作为界限的符号，将作品从外部世界中抽离出来，确立其作为“艺术品”的本体论地位。 第四章：巴特的神话学转向：日常图像与意识形态的运作 本章着重考察罗兰·巴特（Roland Barthes）的“神话”概念在艺术批评中的应用。作者强调，艺术作品的表层叙事往往掩盖了更深层的意识形态预设。 类型学的生成： 研究肖像画、风景画等艺术“类型”是如何在历史中被构建、固化，并最终成为一种默认的、不言自明的“自然”观看方式。这些类型本身就是社会意识形态的投射。 “散焦”与“刺点”： 引入巴特的“散焦”（Studium，普遍性兴趣）和“刺点”（Punctum，刺痛点）概念，用于分析摄影与绘画中对观众的瞬间情感冲击力。如何识别一个图像中“刺痛点”的精准定位，从而打破其既有的“散焦”式解读。 第三部分：综合与前沿：视觉文化与跨学科对话 本书的价值不仅在于分别阐述了两种方法，更在于展示了它们如何相互交织，共同应对当代视觉文化带来的挑战。 第五章：从“再现”到“呈现”：现代主义的符号转向 本章探讨了从现实主义到现代主义的过渡期，艺术对“真实”的把握如何从模仿转向对“媒介自身”的关注。 立体主义的解构： 分析毕加索和布拉克的作品如何通过对视点（视角）的符号性瓦解，挑战了文艺复兴以来线性透视这一西方视觉文化的核心“代码”。 艺术品的“光晕”消逝： 结合瓦尔特·本雅明对机械复制时代的论述，探讨符号学如何解释艺术品的“灵韵”（Aura）如何在符号的批量生产中被稀释或重构。 第六章：图像学-符号学综合体：当代艺术的批判性解读 本章是全书的方法论高峰，致力于构建一个能同时处理历史文本与当代现象的综合框架。 流行文化与图像的挪用： 以波普艺术（如安迪·沃霍尔的作品）为例，展示如何运用图像学的仪式性解读来分析其对消费符号的重复，并结合符号学的层级分析来揭示其背后对“原创性”与“大众性”的辩证关系。 跨文化视野下的图像解读： 提出将本土化的符号学工具纳入西方艺术史分析中，以避免“文化霸权”的阐释陷阱，尤其在分析全球化背景下的艺术交流时，如何警惕西方中心主义的符号预设。 结语：走向具有批判性的视觉素养 《西方艺术史研究的新路径：图像学与符号学的视域》是一本面向严肃的艺术史学者、文化研究者以及所有对图像世界抱有深层好奇心的读者的指南。它提供给读者的，不是标准化的答案，而是一套精密的工具箱，用以拆解那些看似理所当然的视觉陈述。通过对图像学严谨的“阅读”和符号学灵活的“解码”，我们得以超越单纯的审美判断，真正理解艺术在人类文明中扮演的复杂、多义且永恒流动的意义角色。这本书旨在培养一种批判性的视觉素养——一种能够穿透表象，直达文化深处的回响的能力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，初次接触这本书时，我其实是带着一点功利性的目的——准备一个重要的学术报告。然而，随着阅读的深入，我完全被它严谨的逻辑和宏大的视野所吸引，甚至忘记了最初的“任务”。这本书的叙事结构堪称一绝，它没有陷入那种按照时间线索机械堆砌的窠臼，而是采用了主题交叉和理论互证的方法，使得不同文化间的对话变得异常清晰和引人入胜。比如，它在论述东方水墨画的“气韵生动”时，突然将视角切换到巴洛克艺术的光影戏剧性处理上，两者在表现精神内在性上的异曲同工之妙，让人拍案叫绝。这种跨越地域和时空的对话能力，让原本看似分散的艺术史知识点，凝聚成了一个具有强大内聚力的知识体系。我尤其欣赏其中对“艺术作为意识形态载体”的批判性探讨，它提醒我们，艺术从来都不是孤芳自赏的，它深植于权力、宗教和经济的土壤之中。

评分☆☆☆☆☆

我不是科班出身，最初对艺术史的理解非常有限，无非就是“好看”和“有名”。但这本书彻底颠覆了我的认知框架。它的“方法论”部分，对我这个业余爱好者来说，简直是醍醐灌顶。作者详尽地介绍了符号学、现象学、女性主义批评等多种切入角度来解读艺术作品，这就像是拿到了一套万能钥匙，可以开启每一件作品背后隐藏的无数层意义。例如，当作者用符号学分析一幅宗教祭坛画时，那些原本被我忽略的重复图案、色彩的特定组合，瞬间活了起来，每一个元素都在讲述一个特定的故事，而不是随意的装饰。这种“学会如何去看”的能力，是这本书最宝贵的馈赠。我现在看任何展览，都会不自觉地运用书中学到的分析框架，整个观展体验都变得立体而丰富起来，不再是走马观花。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排简直是艺术史研究的典范之作，特别是它对于“非西方”艺术的纳入和重视，打破了长期以来以欧洲为中心的叙事垄断。我特别喜欢它在讨论非洲面具艺术时所展现出的那种近乎敬畏的笔触。它没有简单地将这些面具视为“原始”或“异域风情”，而是深入探讨了它们在宗教仪式和社会结构中扮演的核心角色，那种对形式功能性的极致强调，与我们习惯的西方“为艺术而艺术”的观念形成了鲜明的对照。这种平衡的视角，使得整部作品的视野辽阔，充满了对人类创造力多样性的尊重。阅读过程中，我深深地感到，艺术史不应该是一部胜利者的赞歌，而应该是一部包容万象、细致入微的人类精神图谱，这本书无疑走在了前沿。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的学术密度非常高，刚开始阅读时，我常常需要频繁地查阅辅助资料，有些理论术语的解释需要反复揣摩才能真正理解其精髓。它对细节的考究令人发指，许多细微的风格演变，在其他普及读物中一笔带过的内容，在这里却被拆解分析得丝丝入扣。举例来说，它对哥特式建筑中尖拱和肋拱的结构力学分析，居然能与当时的社会对垂直上升的宗教热忱联系起来，这种跨学科的深度结合，实在令人叹服。虽然阅读过程需要付出极大的专注力，但这种“啃硬骨头”的体验带来的知识满足感是无可替代的。它不是那种能让你轻松翻完的小甜点，而是一顿需要细细品味的丰盛盛宴，每一次咀嚼，都能从中提炼出新的营养。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的著作，与其说是一本教科书，不如说是一本打开了通往人类视觉文明宝库的金钥匙。我花了整整一个夏天的时间，才算初步领略了其中描绘的波澜壮阔的艺术图景。它并非简单地罗列名家名作，而是深入挖掘了不同时代、不同地域的艺术实践背后所蕴含的深层社会、哲学和美学思辨。记得我第一次翻到关于古希腊雕塑那一部分时，那种对人体比例和理想美的极致追求所带来的震撼，至今难以忘怀。作者巧妙地将那些冰冷的石像赋予了鲜活的时代精神，让我仿佛能听见工匠们凿刻时的呼吸声。尤其是对文艺复兴时期透视法革命的论述，简直是精彩绝伦，它不仅仅是技术的进步，更是人类主体意识觉醒的具象化体现。读完后，我对“美”这个概念的理解不再是肤浅的愉悦感，而是上升到了对人类文明演进的深刻洞察。