具体描述
内容简介
“创作论”——美术学实践类博士论文的独立性2003年1月，我在北京画展期间，多次与钟涵等几位老师交换博士生教学的情况。尽管国关实践类博士生教学比央美早一年开始，但教学面对的都是开端的空白。先说博士生课程的宗旨。你提出了培养学者型画家，提高绘画系学术水平。这一点我们和他们基本一致。由于绘画系实践类博士生除了论文写作仍需担负绘画创作，在论文与绘画的分配比例上，我们学校与他们则有差异。他们要求博士生的绘画和论文各占一半比重，既要画画又要写论文，两种工作的兼顾，其实是不容易保持的；古人言“得象忘言”，可见文字写作与绘画之间是有着矛盾与冲突的。我们学校由你主导提出七分论文、三分绘画，倾向明显，实际是有过之而无不及。不过，这一点差异并没有影响我们大家对论文要求的一个共识，这就是，论文写作应结合绘画系博士生首先作为一个画家长期创作实践的“实际经验”。这个要求自然而然并且理所当然。但值得注意的是，这种结合“实际经验”的论文，会是一种什么性质的论文呢？
内页插图
目录
序一：重建绘画的词典序二：谈教学的一封信
上编：绘画的基本概念
视象与图像——论绘画中的视觉与形象／韩子仲
摹仿与米梅西斯（mimesis）／赵军
睡莲中的灵晕／林印吉
绘画的时间性／兰友利
现实写实真实——关于绘画真理观的讨论／娜仁花
中编：绘画的元素
素描辞辩／井士剑
线论——绘画中线的呈现/顾黎明
沦西方绘画的再现性空间与绘画性空间／陈焰
绘画与光影／余旭鸿
西方绘画色彩研究／郭健濂
油画的笔触和肌理／孙尧
下编：绘画的方法论与载体
物画论／蔡枫
城市风景画／李振鹏
在场的印刷——“生活世界”中的版版画与艺术／孔国桥
“凝聚”与“争执”——从版、画、人的角度论版画创作／于洪
直观·时间·显现——莫兰迪绘画方法研究，蒋梁
穿越形象——西方肖像艺术研究／童雁汝南
源于写生的绘画／吴建青
视觉·空间·真实——贾科梅蒂艺术研究／马静
前言/序言
回巴黎两个多月了，还未把精神集中起来画画。这次回国巡回展，让我离开工作室六个多月，时间太长，造成了一次画画时间断层的空隙，想来也未必是坏事。因此空隙，平时画画和思考的连续性和惯性打断了；被连续性和惯性所遮蔽的一些东西和可能性，或许会从此空隙显露出来。早该写这封信，先是答谢学校和你为我的画展所做的支持工作，当然还有你为我的画册写的情理兼备的长文。它不但真实地描述和呈现了我的艺术面貌，同时也记录了我们的友情。
下面，想与你讨论绘画系实践类博士生教学与论文辅导的一些问题，这些问题我已思考了一段时间，主要是探讨实践类博士生论文研究和写作与他本已实践的“实际经验”相结合的可能性，由此展开，实际经验如何作为认识、理解、研究、揭示真理的背景，以及实践类博士生能否以此作为一种研究的方法论。由此实际经验出发，提出实践类博士生论文可以是以创作论为其独立性质的论文研究。仅供你参考。
一、“创作论”——美术学实践类博士论文的独立性
2003年1月，我在北京画展期间，多次与钟涵等几位老师交换博士生教学的情况。尽管国关实践类博士生教学比央美早一年开始，但教学面对的都是开端的空白。先说博士生课程的宗旨。你提出了培养学者型画家，提高绘画系学术水平。这一点我们和他们基本一致。由于绘画系实践类博士生除了论文写作仍需担负绘画创作，在论文与绘画的分配比例上，我们学校与他们则有差异。他们要求博士生的绘画和论文各占一半比重，既要画画又要写论文，两种工作的兼顾，其实是不容易保持的；古人言“得象忘言”，可见文字写作与绘画之间是有着矛盾与冲突的。我们学校由你主导提出七分论文、三分绘画，倾向明显，实际是有过之而无不及。不过，这一点差异并没有影响我们大家对论文要求的一个共识，这就是，论文写作应结合绘画系博士生首先作为一个画家长期创作实践的“实际经验”。这个要求自然而然并且理所当然。但值得注意的是，这种结合“实际经验”的论文，会是一种什么性质的论文呢？
用户评价
另一篇关于“具象绘画的当代转向”的论文，更是给我带来了巨大的启发。我们都知道，在当代艺术的语境下，写实绘画似乎常常被置于一个相对边缘的位置，甚至被贴上“保守”的标签。然而，这篇论文的主人公却以极其扎实的理论功底和敏锐的观察力，揭示了具象绘画在当代依然具有的强大生命力和探索空间。他/她并没有回避具象绘画所面临的挑战，比如如何突破技术性的束缚，如何在写实的基础上表达更深层次的意义，如何在当下语境中找到新的叙事方式。 我特别欣赏论文中关于“观看的观念”的论述。作者从现象学、心理学等多个角度，探讨了观众在观看具象绘画时的心理过程，以及艺术家如何通过对观看的理解来构建作品。这篇论文让我意识到，具象绘画的魅力不仅仅在于对物象的逼真描摹，更在于它能够引导观众进入一种独特的观看体验，唤起情感的共鸣，甚至引发对现实世界的重新思考。论文中对几位当代具象绘画家的深入解读，让我看到了写实技法在现代语境下的创新可能，也让我对手中的画笔充满了新的期待。
评分读到关于“抽象艺术的心理动因及其在当代中国画坛的演进”这部分内容时，我几乎是屏息凝住。我一直对抽象艺术充满好奇，但常常觉得它与我个人的艺术体验似乎有些距离。这篇论文却以极其平易近人的方式，为我打开了一扇理解抽象艺术的大门。作者并没有将抽象艺术神秘化，而是从艺术家最原始的情感驱动、内在的心理需求出发，解释了抽象艺术的产生逻辑。 我印象最深刻的是，论文中对中国传统哲学思想中“意象”的阐释，以及这些意象如何与西方抽象艺术的“形”和“色”产生奇妙的化学反应。作者通过分析一些中国当代抽象艺术家的作品，展示了他们如何在继承传统文脉的基础上，吸收并转化西方抽象艺术的语言，最终形成具有鲜明民族特色的抽象艺术。论文中对于色彩的心理学分析，以及笔触和肌理如何承载情感信息的部分，也让我受益匪浅。我开始理解，抽象艺术并非无章可循，而是一种更加纯粹、更加直接地表达内在精神世界的方式。
评分这本《绘画论》中，有一篇关于“中国传统色彩观念在当代绘画中的应用研究”的文章，让我对色彩的理解提升到了一个新的高度。我们都知道，西方绘画对色彩的运用有着非常系统和深入的研究，而中国传统绘画在色彩方面似乎相对而言更为内敛和写意。 然而，这篇文章的主人公却通过对大量历史文献的梳理和对当代艺术实践的分析，揭示了中国传统色彩观念的独特魅力及其在当代的潜在价值。他/她探讨了中国传统色彩理论中的“五色观”、“阴阳五行”等哲学思想，以及这些思想如何体现在古代绘画作品中。更重要的是，论文通过对几位当代艺术家的作品解读，展示了他们如何在继承传统色彩观念的基础上，大胆地进行创新和实验，从而赋予中国传统色彩以新的生命力。这篇论文让我开始重新审视我对色彩的运用，不仅仅是追求视觉上的美感，更开始思考色彩背后所承载的文化意义和情感内涵。
评分关于“学院派绘画教育的转型与反思”这一部分，简直是为我这样曾经在美术学院度过数年时光，又一直在思考教育模式的读者量身定做的。论文深入剖析了传统学院派绘画教育的优势与局限，并探讨了在快速变化的时代背景下，艺术教育应该如何革新。 我尤其被论文中关于“技与道的辩证关系”的论述所打动。作者强调，绘画教育不应仅仅停留在技法的传授，更重要的是培养学生的独立思考能力、审美判断力和创造性思维。他/她列举了一些成功的转型案例，说明如何通过引入更开放的课程体系、鼓励跨学科的交流合作，以及更加关注学生的个性化发展，来打破“唯技法论”的桎梏。论文中对于“批判性思维”在艺术教育中的重要性的强调，也让我深有体会。它让我意识到，作为一名艺术家，仅仅掌握绘画技巧是远远不够的，还需要有对艺术史、社会现实以及自身创作的深刻反思能力。
评分这本《绘画论：中国美术学院绘画实践与理论研究博士论文选》简直像一座宝藏，尤其是对于我这样深耕于绘画实践，但又常常在理论的海洋中感到迷失方向的读者而言。翻开它，就仿佛置身于一座精心布置的画廊，每一篇论文都像一幅精心打磨的作品，既有深刻的学术洞察，又不失艺术创作的温度。 我尤其被其中探讨“写意精神”的文章所吸引。作者并非简单地罗列历代名家对写意的论述，而是从当代的视角出发，结合自己多年的绘画实践，对写意在当下的意义进行了深入的挖掘。他/她分析了写意背后蕴含的哲学思考，如“天人合一”、“气韵生动”等，并将其与现代人的情感体验和审美需求联系起来。让我印象深刻的是，论文并没有将写意视为一种僵化的技法，而是强调其作为一种思维方式和精神境界的存在。作者通过对具体作品的案例分析，比如对某位山水画家的笔墨运用、对花鸟画中造型与神韵的把握，清晰地展示了写意精神如何在笔尖流淌，如何在墨色氤氲中得以体现。这让我重新审视了我自己的创作，开始思考如何在继承传统的同时，注入属于自己时代的生命力。
评分关于“媒介转型与绘画语言的重塑”的讨论，为我这个对数字艺术和新兴媒介充满好奇的读者，提供了一个非常清晰的理论框架。长期以来，我们对绘画的理解似乎总是离不开画布、颜料和画笔。然而，随着科技的飞速发展，绘画的媒介也在不断地拓展和转型。 这篇论文的主人公并没有简单地将传统绘画与数字绘画对立起来，而是深入探讨了不同媒介之间的相互影响和融合。他/她分析了数字技术如何为绘画创作带来新的可能性，比如在色彩、构图、表现力等方面，同时也对传统绘画在面对新兴媒介时的挑战和机遇进行了探讨。让我印象深刻的是，论文中关于“绘画性”在数字媒介中的概念延伸。作者认为，即使在数字绘画中，也依然存在着“笔触感”、“肌理感”等绘画性的特质，只是其表现形式发生了变化。这篇论文让我意识到，媒介的变迁并不意味着绘画本身的消亡，而是促使绘画语言不断进行重塑和演进。
评分《绘画论：中国美术学院绘画实践与理论研究博士论文选》这本书，不仅仅是一本学术著作，更像是一本连接过去、现在与未来的艺术指南。书中关于“中国画的“笔墨”与西方绘画的“线条”的比较研究”这一部分，为我打开了全新的视角。 长期以来，我总觉得中西方绘画在“线条”和“笔墨”这两个概念上存在着巨大的差异，甚至难以进行直接的比较。然而，这篇论文的主人公却以极其精妙的分析，揭示了两者之间的内在联系与区别。他/她深入探讨了中国画中“笔墨”不仅仅是线条的勾勒，更是一种精神的载体，包含了艺术家对物象的理解、情感的抒发以及哲学思想的体现。同时，论文也对西方绘画中“线条”的多种表现形式，如素描中的结构性线条、印象派中的光影线条等进行了分析。 让我惊喜的是，论文还探讨了在当代艺术语境下，如何将中国传统“笔墨”的观念与西方绘画的“线条”语言进行融合，从而产生新的艺术表达。作者通过对一些当代艺术家作品的解读，展示了他们在借鉴西方绘画线条特点的同时，如何依然保留并创新中国画的笔墨韵味。这篇论文让我意识到，艺术语言的探索从来都不是孤立的，而是在相互借鉴和融合中不断向前发展的。它也激发了我对手中笔墨的全新思考，如何在传承传统的同时，大胆地吸收和融合，创造出属于自己的独特的艺术语言。
评分其中一篇关于“西方现代绘画思潮对中国早期油画发展的影响”的文章，对于理解中国油画的“根”与“源”至关重要。我们都知道，油画是舶来品，其在中国的发展历程充满了与本土文化的碰撞与融合。 这篇文章的主人公以严谨的学术态度，梳理了西方现代绘画思潮，如印象派、后印象派、野兽派等，是如何在中国早期油画家中产生影响的。他/她深入分析了这些艺术家是如何在学习西方技法的同时，融入中国传统的审美情趣和人文精神，最终形成了具有中国特色的油画作品。让我印象深刻的是，论文中对几位早期油画家的作品进行细致的分析，展示了他们如何在模仿与创新之间找到平衡，以及他们在民族化探索中所面临的困境与成就。这篇论文让我更加深刻地理解了中国油画的独特发展轨迹，也对那些为中国油画发展做出贡献的前辈艺术家们充满了敬意。
评分不得不提的是，这本论文集中关于“水墨画的当代创新与实验”的探讨，着实让我眼前一亮。长期以来，我们似乎习惯于将水墨画框定在传统的山水、花鸟、人物的框架内，甚至认为它的创新空间已经非常有限。然而，这篇论文的主人公却以极具前瞻性的眼光，为我们呈现了水墨画在当代所展现出的蓬勃生命力。 作者并非鼓励随意地颠覆传统，而是强调在尊重水墨基本特性的前提下，进行有意义的探索。他/她分析了当代艺术家如何通过对水墨材料的实验，比如引入特殊纸张、尝试新的墨色调配，来拓展水墨的表现力。更令我兴奋的是，论文中关于“水墨观念的延伸”的论述。作者认为，当代水墨不应仅仅局限于“画”，而可以延伸到装置、影像等更多元的艺术形式中，从而承载更丰富的当代议题。论文中对几位在水墨实验领域颇有建树的艺术家作品的解读，让我看到了水墨画在未来发展的无限可能，也让我对手中的毛笔多了一份敬畏和期待。
评分读到关于“艺术家个人经验在当代绘画创作中的表达”的文章时，我仿佛听到了艺术家内心深处最真诚的声音。在很多时候，我们看到的艺术作品，似乎都披着一层理论的外衣，显得有些距离感。 然而，这篇论文的主人公却旗帜鲜明地强调了个人经验在当代绘画创作中的核心地位。他/她认为，艺术的生命力恰恰来源于艺术家独特的生活体验、情感感知和精神世界。论文中，作者通过分析几位当代艺术家的创作历程，展示了他们是如何将个人的生命经历、成长记忆、甚至是一些细微的情感波动，转化为独特的艺术语言和视觉表达。我特别欣赏论文中关于“真诚”的重要性。作者认为，无论艺术家选择何种风格和题材，其作品中最动人的部分，往往是那份源自真诚的情感和发自内心的表达。这篇论文让我开始反思我自己的创作，是否足够真诚，是否真正地触及了自己内心最深处的情感。
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