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Christopher Laverty & 著

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店铺： 澜瑞外文Lanree图书专营店

出版社： Laurence King

ISBN：9781780678733

商品编码：14611497536

包装：精装

外文名称：Fashion in Film

出版时间：2016-10-10

页数：224

正文语种：英语

图书基本信息

电影中的时尚 Fashion in Film
作者： Christopher Laverty;
ISBN13： 9781780678733
类型： 精装(精装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 2016-10-10
出版社： Laurence King
页数： 224
重量（克）： 1406
尺寸： 29.21 x 21.59 x 2.54 cm

商品简介

Fashion designers have been involved in movies since the early days of cinema. The result is some of the most eye-catching and influential costumes ever committed to film, from Ralph Lauren's trend-setting masculine style for Diane Keaton in Annie Hall to Audrey Hepburn's little black Givenchy dress in Breakfast at Tiffany's.Fashion in Film celebrates the contributions of fashion designers to cinema, exploring key garments, what they mean in context of the narrative, and why they are so memorable. Illustrated with beautiful film stills, fashion images and working sketches, this book will appeal to lovers of both fashion history and cinema.

影院魅影：光影间的服饰变迁与文化符号 本书将带领读者穿越光影的历史长河，深入探索电影艺术中服装设计的演变轨迹及其对社会文化产生的深远影响。我们聚焦的并非仅仅是服装本身的美学呈现，而是探究每一件戏服背后的时代精神、人物心理刻画以及叙事功能。 第一章：默片时代的华丽开端与风格奠基 (1900s - 1920s) 本章追溯了电影诞生初期对舞台剧服装的依赖，如何逐渐发展出具有自身语言的“银幕时尚”。从乔治·梅里爱那些充满奇想的布景与服饰，到D.W.格里菲斯史诗巨制中对历史细节的考究，我们分析了早期电影如何利用夸张的色彩、轮廓和配饰来弥补无声时代的表达局限。重点探讨了丽莲·吉许、玛丽·碧克馥等“银幕女神”如何通过她们的造型确立了早期好莱坞的审美基调，以及欧洲先锋派电影在造型上对未来主义和表现主义的初步探索。 第二章：有声电影的降临与好莱坞的黄金比例 (1930s - 1940s) 随着有声电影的成熟，服装设计的复杂性和现实性大大增强。本章详细研究了1930年代好莱坞的“服装工厂”模式，特别是塞西尔·B·德米尔（Cecil B. DeMille）影片中对奢华、性感的极致追求，以及由好莱坞一线服装设计师（如阿德里安 Adrian、伊迪丝·赫德 Edith Head）所主导的“明星制服”的塑造过程。我们将分析黑色电影（Film Noir）中，风衣、窄檐帽和蛇皮纹如何成为罪恶与诱惑的视觉代码；同时，探讨战争时期（二战）电影中，女性角色服装如何从华丽转向实用、坚韧，反映了后方民众的精神面貌。 第三章：战后复苏与新现实主义的冲击 (1950s) 二战结束后，电影的叙事焦点转向了战后社会的焦虑与个体重塑。本章考察了欧洲新现实主义（如意大利新现实主义）对“非专业演员”和真实街头服装的运用，这标志着对好莱坞人工美学的反叛。在好莱坞内部，我们关注伊丽莎白·泰勒、奥黛丽·赫本等新一代偶像的崛起，以及他们如何通过服装传递出战后新女性的复杂心理——既有对传统优雅的回归，也有对独立精神的渴求。特别分析了克里斯托弗·皮埃尔（Christopher Pease）等设计师如何将高级定制（Haute Couture）的精致感带入银幕，例如在歌舞片和历史剧中。 第四章：叛逆的年代：青年文化与反主流审美的崛起 (1960s - 1970s) 六十年代，社会剧变直接映射在电影服装上。本章探讨了迷你裙、太空时代美学（Space Age）以及波西米亚风格如何被电影迅速吸收和推广。我们分析了《邦妮与克莱德》（Bonnie and Clyde）如何通过复古造型重新定义了“酷”的概念，以及法国新浪潮电影中对日常、不经意风格（Effortless Chic）的推崇，如何挑战了传统叙事的服装规范。到了七十年代，服装设计开始更多地服务于社会批判，探讨阶级差异和性别流动性在服饰上的体现。 第五章：商业化与视觉奇观的时代 (1980s - 1990s) 随着高概念电影（High-Concept Films）的兴起，服装设计日益成为视觉营销和角色身份构建的核心工具。本章重点研究了80年代权力套装（Power Suit）、运动休闲服饰（Athleisure Precursor）在商业大片中的应用，分析了服装如何被用来快速确立角色的社会地位和职业身份。进入九十年代，我们研究了独立电影对Grunge风格和反时尚态度的捕捉，以及像《黑客帝国》这类作品如何将科幻概念与哥特、皮革元素融合，创造出全球性的时尚符号。 第六章：数字时代：身份、混搭与全球化语境下的服饰 (2000s至今) 进入新千年，电影制作技术和全球化进程深刻影响了服装设计。本章探讨了CGI技术对服装细节和物理特性的影响，以及超级英雄电影中制服的材料学突破。同时，我们深入分析了数字时代下“怀旧”（Nostalgia）的循环利用——如何通过精确复制或解构过去时代的服饰来重述故事（如对80年代和90年代的集体回溯）。本章将考察当代电影中，服装如何作为一种跨文化交流的媒介，以及角色造型如何更频繁地体现出身份的流动性、模糊性和高度混搭的个人主义风格。 结论：超越T台的叙事引擎 本书总结了电影服装设计从最初的辅助元素，成长为与导演的视觉语言、演员的表演深度和时代精神紧密交织的独立艺术形式的全过程。我们强调，电影不仅记录了时尚，它更是时尚的驱动力、试验场和最终的放大器。

评分☆☆☆☆☆

天哪，这本书简直是为我这种既爱电影又对服装设计痴迷的人量身定做的！我是在一个偶然的机会在书店里翻到的，封面设计就非常吸引眼球，那种复古又带着现代感的色调，一下子就抓住了我的注意力。我原本以为这会是一本枯燥的理论书籍，充斥着晦涩难懂的术语，但翻开第一页我就知道我错了。作者的文笔极其流畅，像是老友在给我娓娓道来那些光影背后的故事。书中对于服装如何推动情节发展、塑造人物性格的分析简直入木三分。比如，书中对某个经典黑白电影中女主角那套剪裁精良的套装的解读，不仅仅是描述了面料的质感和款式的流行，更是深入探讨了这种着装风格如何隐喻了那个时代女性的独立与压抑。我特别欣赏作者在描述服装细节时的那种匠心独到的观察力，比如一个领结的系法、一件大衣的翻领角度，这些看似微不足道的元素，在作者的笔下都变得有了灵魂，成为了解读角色内心世界的钥匙。读完这本书，我再看老电影时，都会不自觉地关注起那些服装设计师的名字，它们不再是背景，而是实实在在的创作者。这本书拓宽了我对电影艺术的理解维度，让我看到了服装在叙事中的巨大潜能。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉是知识的密度非常高，但阅读体验却出奇地轻松愉悦。它不像那种教科书一样需要你反复查阅词典，而是像一个知识渊博的朋友在分享他多年积累的行业秘辛。我非常欣赏作者对于“地域文化与服装表达”的深入探讨。书中有一部分专门分析了特定国家或文化背景下的电影服装是如何巧妙地融入本土的纺织工艺和符号学元素的，这部分内容让我受益匪浅。我记得书中用了一个非常有趣的例子，对比了同一时期，好莱坞和欧洲独立电影在处理晚装时，在结构和装饰上的巨大差异，并且追溯到了其背后的社会思潮。这种跨文化的比较分析，让原本可能显得孤立的服装设计案例，一下子拥有了更广阔的历史和地理视野。这本书的专业性是毋庸置疑的，但作者的语言却始终保持着一种亲和力，使得即便是对电影史了解不深的读者，也能轻松跟上思路，并被那些隐藏在服装背后的智慧所折服。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在阅读这本书之前，我对“电影服装设计”这个行当的理解非常肤浅，认为那不过是根据剧本要求堆砌一些漂亮的衣服罢了。这本书彻底颠覆了我的认知，它让我看到了幕后工作者的伟大。作者对几位殿堂级服装设计师的生平事迹和设计理念的梳理，简直是一场精神的朝圣之旅。我尤其被书中关于“角色服装演变”的章节所吸引，书中详尽地分析了一个角色从初登场到最终觉醒，其服装是如何一步步进行微妙调整的。这种细致入微的观察，比如从面料的硬挺到柔软的转变，从色彩的饱和到灰度的递减，无不体现了服装设计如何像雕塑家一样，在角色身上刻画出时间的痕迹和内心的挣扎。这本书的叙事节奏把握得非常老练，它不会陷入对单一电影的无休止的炫耀，而是通过比较不同时代、不同流派的电影作品，构建起一条清晰的电影时尚发展脉络。读完之后，我对待任何影视作品的态度都发生了变化——我开始期待服装在沉默中诉说的故事。

评分☆☆☆☆☆

要说这本书最让我感到震撼的地方，那恐怕是它对“时尚与权力”关系的揭示。作者并没有回避时尚界和电影工业中那些复杂的权力博弈。书中讨论了一些场景，比如权力中心人物的着装如何被用来巩固其地位，或者一个配角的服装如何巧妙地通过视觉暗示其潜在的威胁性。我喜欢作者在分析这些“心机”设计时的那种冷静的笔触，既不批判，也不盲从，而是纯粹地展示服装作为一种社会工具的强大效力。特别是关于中性着装在电影中如何被用来解构性别刻板印象的章节，内容之新颖、论证之有力，让我忍不住停下来深思良久。这本书的深度在于，它不仅仅是展示“什么好看了”，而是深究“为什么会流行”以及“它想让我们相信什么”。这绝对是一本值得反复品读的佳作，每一次重读，我都能从中挖掘出新的层次和新的感悟，它真正做到了将电影艺术的各个方面融会贯通，以服装为媒介，讲述了更宏大的人类社会图景。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现给我带来了极大的惊喜，完全超出了我对一本“研究性”书籍的预期。它更像是一本精心制作的艺术画册。我最喜欢的是它对色彩理论在电影服装中的应用的探讨。作者用非常生动且易于理解的方式，阐述了红色、蓝色、黑色在不同场景和情绪下所能唤起的观众的潜意识反应。那些配图的选择简直是神来之笔，每一张剧照都经过了极其精准的挑选，不仅展示了服装本身的美感，更重要的是，它将服装放在了具体的场景和光影之下进行展示，使得理论和实践的结合变得无比直观。我甚至会把某些跨页的图片裁剪下来，贴在我工作室的灵感板上。而且，作者似乎非常懂得如何平衡学术深度与大众可读性。当你沉浸在那些关于面料选择、时代背景考证的深入分析中时，完全不会感到疲惫，因为总有精美的插图或者作者对某个幕后趣闻的穿插，让人忍不住想一口气读完。这本书无疑是激发了我作为设计师的创作欲望的一剂强心针，它让我明白了，真正的时尚不只是穿在身上的衣服，更是流动的、有生命的叙事载体。