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店铺： 亚丁祥瑞图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115474292

商品编码：28692909275

丛书名： 从零开始-跟我学小提琴

开本：16开

出版时间：2018-06-01

 

目录

章 初识小提琴 
 1.了解小提琴 
 2.小提琴的选购与保养 
 3.演奏姿势 
 *二章 小提琴右手的演奏技巧 
 1.基本的运弓方法 
 2.各种运弓汇总 
 三章 小提琴的基本乐理 
 1.认识乐谱 
 2.常用演奏记号 
 四章 左手把位练习 
 1.小提琴的空弦音和把位分布 
 2.A弦上 把位音与音之间的关系 
 3.E弦上 把位的音 
 4.D弦上 把位的音 
 5.G弦上 把位的音 
 6.其他手指位置 
 五章 常用调式解析 
 1.F大调 
 2.bB大调 
 3.bE大调 
 六章 1-3级考级曲目 
 1.级曲目 
 2.二级曲目 
 3.三级曲目 
 七章 热门歌曲演奏 
 1.国外经典 
 2.中国民谣 
 3.流行音乐 

内容介绍
本书是针对零基础小提琴爱好者量身定制的基础入门教程。在本书中，你将学会基本的乐理和小提琴演奏必须掌握的技巧，并能演奏出书中的曲子。 本书分为7个章节，分别是初识小提琴、小提琴右手的演奏技巧、小提琴的基本乐理、左手把位训练、常用调式解析、1-3级考级曲目、热门歌曲演奏。本书内容包括了学习小提琴必须要掌握的知识点。作者用详细的文字讲解，配以图解展示，让没有基础的读者在理解文字的基础上，再参考展示图片，轻松学会小提琴。这种学习方式让你在枯燥的乐理学习过程中，找到快乐并能轻松地坚持下去，而不会因为些繁琐的文字性的音乐理论放弃对音乐的热爱。

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乐章的序曲：深度解析与创作导引 图书名称： 乐章的序曲：深度解析与创作导引 主题范围： 本书专注于古典音乐理论的深入探讨、西方音乐史的宏观梳理，以及现代音乐创作技法的系统介绍。它并非针对特定乐器（如小提琴）的入门指导，而是致力于构建学习者扎实的音乐学知识体系与初步的创作思维框架。 --- 第一部分：西方音乐的脉络——历史与风格的演变 本部分旨在为读者勾勒出西方音乐自中世纪至今的清晰发展轨迹，重点分析不同历史时期（如巴洛克、古典、浪漫、近现代）的音乐特征、代表人物及其核心贡献，强调风格演变背后的社会文化动因。 第一章：中世纪的咏叹与早期复调（约500-1450年） 格里高利圣咏的结构与神学意涵： 探讨单音音乐的规范性，以及“纯净”音响如何服务于宗教仪式。分析调式体系的初步确立。 奥尔加农的诞生： 详细解析早期复调音乐（如两声部对位）的记谱法（纽姆谱）和声部进行的基本规则，理解“垂直组合”概念的萌芽。 世俗音乐的兴起： 区分教会音乐与行吟诗人（Troubadour/Trouvère）音乐的题材与风格差异，探讨节奏和旋律的世俗化倾向。 第二章：文艺复兴的和谐与人本主义（约1450-1600年） 人声的黄金时代： 深入研究帕莱斯特里那、奥兰多·迪·拉索等大师的作品，重点分析五声部及以上声部的完美平衡技巧。探讨“模仿写作”（Imitation）手法在弥撒曲和经文歌中的应用。 世俗器乐的觉醒： 分析维也纳学派（如帕蒂诺、加斯帕罗·萨尔蒂诺）对器乐曲式（如里切卡尔、坎佐纳）的贡献，为后来的奏鸣曲形式奠定基础。 音乐印刷术的影响： 探讨彼得鲁奇的印刷革命如何加速音乐的传播，并促进了对位技巧的标准化。 第三章：巴洛克的辉煌与装饰艺术（约1600-1750年） 歌剧的诞生与“通奏低音”的统治： 详细解析蒙泰威尔第《奥尔费奥》等早期歌剧的结构，阐明通奏低音（Basso Continuo）作为和声骨架的关键作用。分析“情绪理论”（Doctrine of Affections）。 器乐的独立宣言： 重点剖析巴赫的对位艺术（如《赋格的艺术》）和亨德尔的清唱剧结构。区分托卡塔、组曲、协奏曲（大协奏曲与独奏协奏曲）的内在逻辑。 奏鸣曲的初步形态： 考察维瓦尔第等作曲家如何规范快-慢-快的三乐章结构。 第四章：古典主义的清晰与均衡（约1750-1820年） 奏鸣曲式的解构与重建： 这是本章的重中之重。详细拆解呈示部、展开部、再现部的内在功能和主题处理方式，并辅以海顿、莫扎特的实例分析。 交响曲的成熟： 分析古典管弦乐队的编制，以及四乐章结构（快板-慢板-小步舞曲/谐谑曲-终曲）的规范化过程。 奏鸣曲式在其他体裁中的应用： 观察奏鸣曲式如何渗透到弦乐四重奏和协奏曲的创作中。 第五章：浪漫主义的情感爆发与技法扩展（约1820-1900年） 主观性与标题音乐： 探讨肖邦、李斯特等如何利用钢琴拓宽表现力。解析柏辽兹、瓦格纳在“主导动机”（Leitmotif）和扩大管弦乐编制方面的革新。 艺术歌曲的巅峰： 深入分析舒伯特、舒曼艺术歌曲中，钢琴伴奏如何与人声旋律进行对等的“叙事”或“象征”作用。 民族乐派的兴起： 考察德沃夏克、穆索尔斯基等如何将本土民间音乐元素融入严肃音乐结构。 --- 第二部分：音乐创作的核心工具——理论与分析 本部分转向对音乐语言本身的解剖，侧重于和声学、对位法以及形式分析的硬性技能培养。 第六章：基础和声学的深入理解 三和弦与七和弦的职能： 辨析功能和声（Tonic, Dominant, Subdominant）的严格用法，重点区分主导功能与副属功能。 导音的引力与离调： 详细阐述导音（Leading Tone）的解决倾向，并系统介绍经过性、附着性、变化性的和弦的连接规则。 转调技巧： 教授如何使用共同和弦、半音关系和属七和弦进行平稳、渐进或突发的转调。 第七章：复调思维的训练——对位法基础 严格对位的五种基本样式： 针对巴赫的对位法传统，系统讲解二部、三部对位中，如何在固定音高和节奏下实现声部间的独立运动和相互呼应。 节奏的错位与自由度： 探讨附点节奏与附值（Tactus）在对位声部中的应用，以及如何控制声部线条的流畅性。 模仿手法的实践： 学习如何构建一个主题，并将其在不同声部、不同音高上进行精确的模仿。 第八章：曲式分析的实用方法论 辨识基本曲式框架： 系统区分呈示部曲式、复三部曲式（ABA）、回旋曲式（ABACA）以及奏鸣曲式，并强调它们在不同乐章中的变体。 主题的“发展”而非“重复”： 教授如何分析主题在不同段落中的变形（如转调、节奏压缩、动机分解）是如何服务于整体的戏剧性冲突。 音乐的宏观布局： 如何通过分析力度变化、配器密度和调性对比，来理解作曲家对听众注意力的调度。 --- 第三部分：进入创作的门槛——现代视野 本部分将视角从历史回顾转向实际的思维建构，为有志于创作的读者提供现代工具和非传统思维模式的介绍。 第九章：现代和声语言的拓宽 拓展三和弦： 讲解九和弦、十一和弦、十三和弦的构建与运用，并探讨其在德彪西、拉威尔作品中的色彩功能。 非功能性和声： 介绍音块（Tone Clusters）和平行和声（Parallel Harmony）的使用，理解和弦不再仅仅作为“功能连接件”的角色。 十二音技法与序列主义的初步概念： 概述勋伯格的十二音体系的构建逻辑，解释“音列”如何替代调性中心，作为作品统一性的新基础。 第十章：配器法基础与音色的魔力 管弦乐队的声部布局： 介绍木管组、铜管组、弦乐组、打击乐组的音域、特性音色和常用演奏法（如弱音器、拨奏）。 色彩的叠加与混合： 分析如何通过不同声部的巧妙组合（如高音单簧管与中提琴的对奏），创造出独特的情感氛围。 乐器在特定语境下的潜力发掘： 探讨如何使用非常规的演奏技法（如弦乐的敲击、木管的嘶吼）来拓展音乐的表现力。 结论：构建你自己的音乐语言 本书总结强调，扎实的理论学习（第一、二部分）是自由创作（第三部分）的基石。它鼓励读者将历史知识内化为工具箱，而非束缚，最终目标是培养出能独立分析、批判性思考，并最终能创造出具有个人声音的音乐作品的思考者。本书提供的不是“弹奏某个音符”的指南，而是“理解为何要弹奏这个音符，以及如何用它来讲述故事”的方法论。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范。它的难点递进设计得非常科学合理，完全没有那种生硬的跳跃感。从最简单的空弦练习开始，到双手配合的简单旋律，过渡得自然流畅。我特别喜欢它在每一课后面设置的“自查清单”和“常见错误分析”。这部分内容真的太实用了，它仿佛有一个经验丰富的老教师在你身边指导，提前预判了你在学习这个阶段最容易犯的错误，并给出了及时的修正方法。比如，书里专门提到了初学者在拉长弓时容易出现的“弓子跑偏”问题，并给出了一个用靠墙练习来稳定弓位的妙招。这种细节的关注，体现了编者对零基础学习者的深刻理解和体恤。我以前总觉得是自己笨，学不好，现在对照书上的分析，才发现很多问题都是方法不对，而不是天赋不够。这极大地缓解了我的挫败感，让我愿意投入更多时间和精力去攻克难点。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提一下这本书的配套资源（虽然我主要是在看书本身的内容，但配套的辅助材料也让我受益匪浅）。书中的一些练习曲目选择得非常巧妙，它们不仅旋律悦耳，而且严格遵循了技术点的递增原则。不像有些教程，刚开始就给你一首听起来很“高大上”但技术上难以企及的曲子，让人打击积极性。这本则像是带着你一步步爬山，每登上一小段，就能享受到一次“登顶”的喜悦。而且，书中对于如何“听”自己的演奏也进行了指导。它不仅仅是教你“拉出声音”，更重要的是教你如何“听出好声音”。例如，它会提醒你在练习时要注意音色的均匀度、换把时的平顺性等听觉层面的要求，这对于培养音乐感和提高演奏质量是至关重要的。这种注重音乐性而非单纯技巧堆砌的教学方法，让我觉得这不仅仅是一本技术手册，更是一本艺术启蒙读物。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的乐器书拿到手里，沉甸甸的感觉，首先就让人对里面的内容充满了期待。我一直对小提琴这种乐器情有独钟，但苦于没有门路，总是望而却步。市面上的教程五花八门，有些看起来太学术化，让人望而生畏；有些又过于简化，感觉学不到什么实质性的东西。我特别留意了书中的插图和排版，非常清晰直观，即便是像我这样完全的小白，也能大致明白每个步骤的要领。书的装帧质量也很棒，纸张摸起来很舒服，长时间翻阅也不会觉得累眼睛。我很欣赏作者在引言部分提到的学习理念，它强调的不是一蹴而就的速成，而是循序渐进的积累，这让我感觉特别踏实，不再有那种“学不会就扔在一边”的焦虑感。尤其是关于持弓和持琴的基础姿势，书里用了好几张专门的分解图来讲解，细节处理得非常到位，这对于初学者来说至关重要，因为一开始的姿势不对，后面纠正起来会非常费劲。总的来说，这本书给我的第一印象是专业、细致，并且充满了鼓励性。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，在接触这本书之前，我对小提琴学习的固有印象是昂贵、枯燥、漫长。然而，这本书成功地颠覆了我的看法。它用一种非常亲和且系统的方式，将原本看似高不可攀的乐器学习变得触手可及。尤其是关于日常练习时间的安排建议，非常贴合现代人的生活节奏，它推荐的短时间、高效率的集中练习，比我以前那种“心血来潮练半小时”的效果要好上百倍。阅读过程中，我感觉作者不是高高在上的大师，而是一位耐心的“过来人”，用自己的经验手把手地教导。书中没有使用任何晦涩难懂的音乐术语来吓唬读者，所有的专业名词都会在首次出现时给出通俗易懂的解释，确保了知识的有效传递。这本书无疑是为所有想拥抱小提琴艺术，但又苦于没有合适入门工具的人，提供了一座坚实而友好的桥梁。我非常庆幸当初选择了它作为我的第一本小提琴指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前尝试过跟着网络视频学拉小提琴，效果简直是一场灾难，噪音比音乐多得多。直到我买了这本教材，才真正体会到系统学习的必要性。书中对音阶的讲解部分简直是我的救星。它不是简单地标出指法和音名，而是深入浅出地解释了音高是如何通过手指在琴弦上的精确位置来控制的，甚至还配有辅助性的图表，让你能直观地感受到“按重一点”和“按轻一点”的微妙差别。最让我惊喜的是，它对初学阶段最难的运弓技巧进行了极其细致的拆解。很多教程都一带而过，但这本却用了整整几页的篇幅，从运弓的力度、速度到弓杆的倾斜角度，都给出了非常具体的指导和练习范例。我按照书上的提示，对着镜子反复练习，虽然一开始还是拉得断断续续，但能明显感觉到每一次练习都有进步的方向，不再是盲目的乱拉一气。这种“带着目标去练习”的感觉，极大地提升了我的学习兴趣和信心。