安格尔/西方绘画大师原作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵锦杰 编

图书标签:

• 绘画
• 艺术
• 西方艺术
• 安格尔
• 绘画大师
• 艺术史
• 美术
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• 油画
• 艺术作品

店铺： 土星图书专营店

出版社： 湖南美术

ISBN：9787535678560

商品编码：29778771489

开本：8

出版时间：2016-06-01

基本信息

• 商品名称：安格尔/西方绘画大师原作
• 作者：编者:赵锦杰
• 定价：18
• 出版社：湖南美术
• ISBN号：9787535678560

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-06-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：32

编辑推荐语

《西方绘画大师原作》在中外绘画**，研究和学习前辈大师、临摹大师作品，是画家训练的重要组成部分，其作用不只是技法方面，还在于文化方面。《西方绘画大师原作》不仅简单介绍了各位西方大师的生平，并选取了画家各个时期的代表作品，全书字数不多，部分作品的点评精练到位。 由赵锦杰主编的《安格尔/西方绘画大师原作》为该丛书的其中一册，介绍了法国新古典主义的画家安格尔先生的生平以及他的代表作品。

内容提要

赵锦杰主编的《安格尔/西方绘画大师原作》一 书不仅简单地介绍了法国新古典主义的画家安格尔先 生的生平以及对《泉》、《大宫女》等部分代表作品 的点评，而且从美术高考及个人艺术造诣的角度出发 ，针对当前绘画技能训练中重技轻道的现象，提出在 绘画技能训练中临摹大师作品，这对于提高学画者的 审美、技能、文化能力都有**重要的意义，是一项 值得引起重视和**必要的训练项目。
    

目录

正文

目录 引言：文明的剪影与艺术的辉光 第一章：古希腊的荣光与罗马的遗产 1.1 雕塑与建筑：理想形态的追求 1.2 绘画的萌芽：壁画、陶绘与自然主义的初探 1.3 历史的断层与文明的迁移 第二章：拜占庭的庄严与中世纪的信仰 2.1 圣像画的兴起：神圣秩序的视觉体现 2.2 罗马式与哥特式艺术：空间与光线的对话 2.3 手抄本插画：知识的守护与装饰的精妙 第三章：文艺复兴的曙光：人性的觉醒与科学的融入 3.1 乔托的突破：空间感与情感的回归 3.2 早期文艺复兴：佛罗伦萨的创新与人文主义的勃发 3.3 盛期文艺复兴的巨匠群星：达·芬奇、米开朗基罗与拉斐尔的艺术高峰 3.4 北方文艺复兴的独特路径：油画技术的革新与对世俗细节的描摹 第四章：巴洛克的激情与洛可可的轻盈 4.1 宗教改革与反宗教改革的艺术角力 4.2 卡拉瓦乔的戏剧性光影与贝尼尼的动态雕塑 4.3 佛兰德斯与荷兰的黄金时代：鲁本斯的丰饶与伦勃朗的内心探索 4.4 法国的古典主义与洛可可的精致生活 第五章：新古典主义的理性与浪漫主义的奔放 5.1 启蒙运动的回响：对古典美德的重新呼唤 5.2 大卫与安格尔：线条的规范与学院派的权威（此处仅涉及对特定艺术流派的概述，不涉及书中特定书籍或作者） 5.3 浪漫主义的兴起：情感、想象力与异域风情的描绘 第六章：现实的捕捉与印象的瞬间 6.1 现实主义的社会关怀：描绘劳作与日常 6.2 印象派的革命：光线、色彩与客观视角的颠覆 6.3 后印象主义：个体情感的表达与形式的探索 第七章：现代的开端：从野兽到立体 7.1 野兽派的色彩解放与表现主义的内在张力 7.2 立体主义的解构与重构：多重视角的融合 7.3 抽象艺术的诞生：脱离具象的纯粹表达 结语：艺术史的河流与未来的回响 文明剪影：跨越时空的艺术叙事 引言：文明的剪影与艺术的辉光 艺术史是一部无声的史诗，它记录了人类对真、善、美的永恒追问，也是解读一个时代精神面貌最直接的密码。本书旨在构建一个宏大而细腻的叙事框架，追溯自古典时代肇始，穿越中世纪的虔诚，抵达文艺复兴的觉醒，直至现代艺术的激烈变革，那些塑造了西方视觉文化核心的艺术运动、风格变迁与关键转折。我们关注的并非某一特定画派的精选集，而是艺术本体语言如何随社会结构、哲学思潮和技术进步而演化的清晰脉络。这是一场对人类创造力极限的探索，一场关于形式、光影、叙事与情感的深度对话。 第一章：古希腊的荣光与罗马的遗产 西方艺术的源头深植于爱琴海畔的城邦文明之中。古希腊艺术，尤其是雕塑，确立了西方美学中对“理想人体”的定义——完美、和谐、比例匀称，体现了对人类潜能的无限信心。从几何时期的朴拙到古典时期的庄严，再到希腊化时期的情感外露，艺术手法服务于哲学思考。 进入罗马时期，艺术的重心从理想转向实用与纪实。建筑上的宏伟工程，如万神殿，展示了工程学的巅峰；纪念碑和肖像雕塑则成为了维护帝国统治和个人功绩的宣传工具。在绘画领域，尽管原作多已湮灭，但庞贝和赫库兰尼姆的壁画残片，揭示了当时已成熟的透视尝试、对自然光线的捕捉以及对神话场景的生动叙事能力。这一时期的艺术，为后世关于形式、空间和人物描绘的探索奠定了坚实的基础。 第二章：拜占庭的庄严与中世纪的信仰 随着罗马帝国的分裂与基督教的兴起，艺术的中心和功能发生了根本性的转移。拜占庭艺术，以君士坦丁堡为核心，强调神圣的永恒性与超越性。马赛克和圣像画（Iconography）是这一时期的核心表达，其特点是扁平化、程式化的形象、强烈的金色背景以及对自然主义的有意摒弃。这些圣像并非旨在模仿现实，而是作为通往神圣领域的“窗口”，其严谨的构图和象征性的色彩，旨在强化教会的权威和信徒的虔诚。 步入中世纪的西欧，艺术服务于教义的普及。罗马式艺术以其厚重的墙体、半圆拱和相对简朴的装饰，营造出一种沉稳的宗教氛围。而哥特式艺术则是一场技术与精神的革命：尖拱、肋拱和飞扶壁的运用，使得墙体得以解放，让位于巨大的彩色玻璃窗。光线穿透彩色玻璃，在教堂内部投射出斑斓的神圣光芒，实现了对中世纪哲学中“光即是上帝”的完美诠释。此外，手抄本插画在修道院中得到了精心的保护和发展，它们以细腻的金色装饰和生动的微型叙事，保存了古典的技艺片段。 第三章：文艺复兴的曙光：人性的觉醒与科学的融入 “文艺复兴”（Renaissance）意味着“再生”，是艺术界对古典理想和人文主义精神的重新拥抱。艺术从神坛走向人间，人——而非神——成为了衡量万物的尺度。 乔托被誉为“西方绘画之父”，他的作品开始突破拜占庭的僵硬，赋予人物以体积感、重量感和真挚的情感，为空间透视法的革命埋下了伏笔。佛罗伦萨的早期文艺复兴，以马萨乔在壁画中首次系统应用数学透视法为标志，使二维平面获得了可靠的三维幻觉。波提切利则将古典神话题材与新柏拉图主义的思辨完美结合。 盛期文艺复兴（High Renaissance）标志着古典主义的最高成就。达·芬奇以“晕染法”和对人体的精微解剖，探索了光影与心理的复杂关系；米开朗基罗将雕塑的力度注入绘画，西斯廷天顶画展现了人类形体所能承载的史诗般的张力；拉斐尔则以和谐、宁静的构图和完美的人物群像，确立了典雅的典范。 与此同时，北方文艺复兴（如尼德兰地区）则走上了不同的道路。他们更专注于油画媒介的创新，使得色彩的层次、对光线的捕捉以及对日常世俗细节（如家具、织物纹理）的描绘达到了前所未有的真实感，奠定了后世北方现实主义的基调。 第四章：巴洛克的激情与洛可可的轻盈 十六世纪末至十八世纪初，艺术进入了充满戏剧性和情感张力的巴洛克时期。这场变革与宗教改革后的反宗教改革运动紧密相关，艺术被赋予了煽动信仰、震撼人心的使命。 巴洛克艺术追求动态、情感的极致表达和光线的强烈对比。卡拉瓦乔开创的“明暗对照法”（Tenebrism），利用深沉的阴影和一束聚光灯般的强光，赋予宗教场景强烈的世俗真实感和戏剧张力。鲁本斯的作品充满了生命力、丰满的肉体和旋转的动势。在西班牙，委拉斯开兹以其近乎现代的观察视角，捕捉了宫廷人物的复杂心理。 荷兰共和国的艺术则在资本主义的推动下，形成了独特的面向中产阶级的艺术市场，伦勃朗通过对内心世界的深刻挖掘和对光线魔术般的运用，成为了人像画的集大成者。 进入十八世纪，巴洛克的厚重逐渐被洛可可的精致、愉悦和享乐主义所取代。洛可可风格以其柔和的色彩、曲线的运用和对贵族私密沙龙生活的描绘，成为旧制度（Ancien Régime）最后的、也是最华丽的视觉注脚。 第五章：新古典主义的理性与浪漫主义的奔放 启蒙运动对理性、逻辑和秩序的推崇，催生了对巴洛克和洛可可“过度装饰”的反动——新古典主义。该风格主张回归古希腊罗马的“纯粹”美德，强调清晰的轮廓、庄重的题材和道德教化的功能。法国的雅克-路易·大卫是这一时期的旗手，他的作品是政治宣言和美学规范的结合体。 然而，理性主义的铁律很快遭到了情感和想象力的反扑。浪漫主义运动将艺术的焦点转向了个人的主观感受、崇高的自然景观、异域的神秘色彩以及历史的激情时刻。德拉克洛瓦和戈雅的作品，用奔放的笔触和强烈的色彩，表达了对自由的渴望、对社会不公的抗议，以及对人类精神深处非理性力量的探索。 第六章：现实的捕捉与印象的瞬间 十九世纪中叶，工业革命的浪潮和新兴资产阶级的崛起，促使艺术将目光投向了当代生活本身。现实主义拒绝浪漫主义的遁世倾向，直面工厂的烟尘、农田的劳作和都市的喧嚣。 紧随其后的是一场关于“观看方式”的革命——印象派。艺术家们走出画室，关注于瞬间的光影变化和色彩的波动。他们不再关注物体的固有色，而是记录下光线作用于物体时眼睛所接收到的短暂感受。莫奈对光线和空气的迷恋，以及透纳对自然伟力的敬畏，共同打开了通往现代艺术的大门。后印象主义者（如塞尚、梵高、高更）则在巩固了对光色研究的同时，开始转向重建画面结构、表达强烈的情感或回归象征性的本质。 第七章：现代的开端：从野兽到立体 二十世纪初，艺术领域迎来了前所未有的爆炸性发展。艺术家们以前所未有的激进姿态，质疑了文艺复兴以来建立的一切视觉法则。 野兽派（Fauvism）以其近乎漫画式的、脱离自然描绘的纯粹色彩震撼了观众。表现主义艺术家则将色彩和扭曲的线条作为表达内心焦虑和现代社会异化的工具。毕加索和布拉克领导的立体主义，是对传统单一视角的彻底颠覆，他们将物体分解、重组，在二维平面上呈现多重视角的并置，彻底改变了人们对空间和形态的认知。这些运动共同宣告了视觉艺术进入了一个“主体性”的时代。 结语：艺术史的河流与未来的回响 从宏伟的纪念碑到转瞬即逝的光影，西方艺术史是一条由继承、反叛、重建构成的河流。它始终与哲学、政治、宗教和技术紧密交织，反映出不同时代人类对自身、对世界和对美的理解。本书所构建的脉络，旨在让读者理解这些风格是如何相互触发、相互批判，共同构筑了我们今日所见的视觉文化景观。艺术的魅力，恰恰在于它既是历史的精确记录，也是对未来可能性的不懈预演。

评分☆☆☆☆☆

这次的购书经历，绝对是一次愉快的“挖宝”过程。我本来就对安格尔这位画家有所耳闻，但了解并不深入。这本画册的出现，可以说是为我打开了一扇全新的艺术大门。书中对安格尔作品的解读，角度非常新颖，不仅仅停留在技法层面，更是深入探讨了作品背后的文化背景、哲学思想以及安格尔自身的艺术理念。我尤其喜欢其中关于安格尔如何将古典主义与个人情感巧妙融合的分析。他并没有被僵化的古典原则束缚，而是在严谨的造型中注入了自己独特的审美情趣和对人性的深刻体察。书中还提供了一些关于安格尔不同时期创作风格演变的详细梳理，让我能够清晰地看到他艺术上的成长和变化。比如，他早期作品的细腻与精致，到后期作品的宏伟与大气，这种转变过程的解读，让我对他的艺术生涯有了更全面的把握。总而言之，这本画册不仅是一次视觉的盛宴，更是一次心灵的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

作为一名艺术爱好者，搜寻高质量的艺术画册是我的习惯。最近入手一本以安格尔为主题的画册，真是让我惊喜连连。这本书的排版设计堪称典范，画面色彩还原度极高，细节之处纤毫毕现，让我仿佛置身于博物馆之中，近距离欣赏大师真迹。我一直以来都对安格尔的色彩运用感到好奇，总觉得他的画面虽然以线条见长，但在色彩的运用上也颇具匠心。这本书提供了许多关于色彩运用的深入解读，比如他如何运用微妙的色彩变化来营造空间感和层次感，如何通过色彩的对比来突出画面主体。让我印象深刻的是，书中对安格尔后期作品的分析，那些作品中，虽然他依旧坚持古典的造型原则，但色彩的运用却更加大胆和自由，流露出一种晚年成熟的智慧和豁达。此外，书中还穿插了许多历史文献和评论家的观点，为理解安格尔的艺术提供了多维度的视角。这种深入浅出的讲解方式，即使对于初学者来说，也能轻松领略到安格尔艺术的魅力。

评分☆☆☆☆☆

这次入手一本关于安格尔的画册，真的是满足了我对这位“新古典主义大师”的无限好奇心。拿到书的瞬间，那沉甸甸的分量和精美的装帧就让我爱不释手。打开来，首先映入眼帘的是那些耳熟能详的作品，比如《泉》、《大宫女》等等。但这次的亮点在于，它不仅仅是简单地罗列画作，而是通过非常详尽的文字和高清的图片，深入剖析了安格尔作品中的每一个细节。光是《泉》这一幅画，就用了整整十页的篇幅来讲解，从人物的姿态、眼神，到背景的纹理、光影的运用，再到色彩的搭配和象征意义，都做了层层剥茧的解读。我尤其喜欢书中对安格尔素描作品的呈现，那些线条的精准与细腻，简直是教科书级别的示范。通过这些素描，我才真正理解了他为何能够将人体描绘得如此完美，仿佛每一根骨骼、每一寸肌肉都了然于胸。书中还收录了一些安格尔不那么出名的作品，但同样展现了他高超的技艺和独特的审美。读完这部分，我对安格尔的艺术风格有了更全面、更深刻的认识，不再局限于他那些最广为人知的杰作。

评分☆☆☆☆☆

我一直对西方绘画史充满了浓厚的兴趣，尤其钟情于那些能够跨越时代，依然散发着迷人魅力的艺术家。安格尔，这个名字，在我脑海中常常与“学院派”、“严谨”、“线条”这些词汇联系在一起。而这本关于安格尔的画册，可以说彻底颠覆了我之前的一些刻板印象，让我看到了一个更加立体、更加鲜活的艺术巨匠。书中关于安格尔的生平经历的叙述，非常生动，让我仿佛置身于那个时代，感受他创作时的心路历程。特别是在谈及他与同时代其他画家的论战时，那种艺术理念的碰撞，让我对当时的艺术生态有了更深的理解。我特别留意了书中关于他作品中女性形象的分析。以往，我总觉得安格尔笔下的女性略显“冷艳”和“疏离”，但经过本书的详细解读，我才发现，那背后蕴含的是他对美的极致追求，是对理想女性形象的凝练与升华。他不仅仅是在描绘肉体，更是在捕捉灵魂，在那些看似平静的面庞下，隐藏着丰富的情感和细腻的思绪。这种洞察力，让我对他的艺术成就有了全新的敬意。

评分☆☆☆☆☆

我平时对法国新古典主义绘画情有独钟，尤其是安格尔那种对精确线条和完美造型的极致追求，总是让我心生敬佩。这次入手的这本关于安格尔的画册，可以说完全击中了我的“心头好”。书中的图片印刷质量非常出色，尤其是那些细节放大图，让我能够清晰地看到安格尔笔触的细腻和色彩层次的丰富。我特别喜欢书中关于安格尔人物肖像的分析。他的肖像画，不仅仅是简单地记录人物的外貌，更捕捉到了他们内在的性格和气质。书中对不同人物肖像的解读，让我看到了安格尔是如何通过巧妙的构图、精准的眼神刻画以及对服装纹理的细致描绘，来呈现人物的社会地位、性格特点甚至是当时的时代背景。还有，他对古典神话和历史题材的描绘，更是展现了他深厚的学养和宏大的叙事能力。通过这本书，我不仅再次欣赏了他的经典之作，也发掘了不少鲜为人知的佳作，着实是一次宝贵的艺术探索之旅。