中国画坛百科问题简答：中国画专业 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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秦默 著

图书标签:

• 中国画
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• 绘画入门
• 作品分析

出版社： 南开大学出版社

ISBN：9787310047499

版次：1

商品编码：11633698

包装：精装

开本：32开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

页数：288

字数：213000

正文语种：中文

内容简介

　　《中国画坛百科问题简答：中国画专业》是对已出版的《东方艺术哲学（中国画专业）》的补充、完善与捍卫，是以《秦默谈艺录》、《秦默论语录》和未出版的《秦默警示录》为基础，仍以简答的形式编撰而成的。《中国画坛百科问题简答：中国画专业》共九个部分，是对画坛方方面面的九百余个问题的简答，是笔者秦默在生活、调研、创作和教学中遇到和回答的问题，经过整理所得。书中以理性激情，以深刻锋利和诚实，直趋问题，直言要义，剖析了与当今中国画坛碰撞的社会思潮，精确分析了中国经济、新闻、艺术、教育等领域潜伏的危机，对画坛的时弊进行抨击，并对千余年“史上”的某些定论提出了质疑。

目录

一、实践是检验真理的唯一标准
二、事业的成功，不可缺的是好友相助
三、艺术创作需要的是天才
四、学术应拒绝“补漏”
五、莫让国粹落民俗
六、国粹十法
七、不存在无法定性的绘画作品
八、人品与艺术无关
九、在画坛上经验胜于文化
结束语

前言/序言

画海拾遗：中国画的温度与深度 中国画，一个承载了千年文明的艺术瑰宝，它不仅仅是色彩与线条的堆叠，更是情感、哲学与精神的独特表达。当我们谈论中国画时，我们触及的是一种古老而鲜活的生命力，是无数匠心独运的灵魂在纸绢上的呼吸与低语。这本书，并非是对中国画浩瀚体系的穷尽式梳理，也不是对所有技法流派的详尽罗列。它更像是一次有选择的“画海拾遗”，旨在从一个更具人文关怀和生活温度的视角，去探寻中国画中那些令人心动、引人深思的片段。 我们不求面面俱到，而是专注于那些能够触动我们内心，引发共鸣的中国画特质。在翻阅本书的过程中，你会发现，中国画并非遥不可及的象牙塔，它与我们的生活、情感、乃至我们对世界的认知紧密相连。我们将围绕几个核心方向展开，每一个方向都力求挖掘出中国画的独特魅力，并试图用一种温暖而自然的语言，将这些魅力呈现给读者。 一、笔墨的呼吸：从枯淡到苍润的生命律动 笔墨是中国画的灵魂，是艺术家表达情感、塑造意境的根本。我们常说“骨法用笔”，但这“骨法”并非僵硬的线条，而是蕴含着生命力的律动。本书不会枯燥地讲解“皴法”的十八般武艺，也不会教你如何“勾勒”出完美的轮廓。相反，我们将聚焦于笔墨本身所蕴含的“呼吸”。 想象一下，一滴墨在宣纸上晕染开来，它如何从浓烈到淡雅，如何在干涩中显露筋骨，又如何在湿润中展现生机？这是一种生命的律动，是艺术家心绪在笔尖的流淌。我们将通过赏析一些经典作品，去感受画家是如何运用枯笔的苍劲，表现出石头的坚毅；又是如何运用湿笔的润泽，描绘出水波的灵动。我们会探讨“飞白”的妙处，它如何在留白中产生力量，如何传递出一种“不着一字，尽得风流”的意境。 更重要的是，我们将深入理解“墨分五色”的哲学意蕴。这并非简单的色彩调和，而是对光影、质感、空间乃至情绪的精妙把握。从焦墨的沉郁，到淡墨的空灵，再到浓墨的厚重，每一层墨色都承载着画家对物象的理解和情感的投射。我们将尝试去解读，为何一幅画中，仅仅几笔淡墨，就能勾勒出山峦的深邃；为何一抹飞白，就能表现出风的呼啸。 我们将探讨笔墨的“生长性”，它并非一成不变，而是根据画家的情绪、物象的特性以及纸张的湿度而产生微妙的变化。这种变化，恰恰是中国画“天人合一”思想的体现，是艺术家与自然、与材料之间的一种默契互动。我们将在这种互动中，感受中国画的生命力和独特性，理解笔墨如何在艺术家手中“活”起来。 二、意象的生成：山水之间的哲学与情怀 中国画的“山水”，并非简单的自然风光的描摹，而是艺术家将自己对宇宙、对人生、对自然的感悟注入其中的“意象”。本书将聚焦于中国画中“山水”所承载的哲学思考和人文情怀。 我们会思考，为何中国古代文人如此钟爱山水？是因为他们从中看到了“高洁”的品质，还是从中寻求到了“隐逸”的慰藉？我们将通过解读范宽的《溪山行旅图》，感受那种“雄浑”的磅礴气象，体会画家如何用沉雄的笔力，展现出自然的伟大与人的渺小，从而引发对人生宏大命题的思考。而当我们将目光转向王蒙的《青卞隐居图》，又将看到另一种山水，它充满了“奇崛”的构思，展现出画家内心的“隐逸”情怀，以及对理想精神世界的追寻。 我们还会关注那些“静谧”的山水，比如马远、夏圭的作品，它们常常以“一角”之景，营造出深远的意境。这种“以少胜多”的艺术手法，并非偷懒，而是对“虚实相生”的深刻理解。我们将探讨，为何画面上看似空旷的留白，却能带给我们无限的遐想？是因为那里蕴含着“气韵生动”的力量，还是因为那里留给了观者自由解读的空间？ 更重要的是，我们将探讨山水画中的“情”。它不仅仅是景物的描绘，更是画家情感的寄托。当画家笔下的山水，勾勒出蜿蜒的河流，巍峨的山峦，又或是孤寂的亭台，其中是否蕴含着画家对故乡的思念，对友人的牵挂，或是对人生的感慨？我们将尝试去“读懂”这些山水，理解它们背后所承载的艺术家细腻的情感世界。 三、物语的灵性：花鸟鱼虫的生命之歌 花鸟鱼虫，是中国画中另一片生机勃勃的天地。与山水画的宏大叙事不同，花鸟画更侧重于捕捉瞬间的生命之美，传达细腻的情感。本书将带领读者一同走进这些鲜活的生命，感受它们在中国画中的“灵性”。 我们将从“工笔”的细腻出发，欣赏那些“一笔不苟”的描绘。例如，一朵牡丹，如何被画家画得“雍容华贵”，色彩饱满，姿态绰约。这不是简单的形似，而是画家对花朵生命力最极致的展现。我们会探究，为何画家能够捕捉到花瓣边缘的微妙卷曲，为何能将露珠的晶莹剔透画得栩栩如生。这背后，是对物象细致入微的观察，更是对生命之美的深深热爱。 而当我们转向“写意”的花鸟，则会感受到另一种“洒脱”与“生机”。徐渭的葡萄，不求形似，却有着“藤蔓盘绕，果实饱满”的生命张力。齐白石的虾，更是将虾的“透明感”、“游动感”表现得淋漓尽致，仿佛真的能从画面中跳跃出来。我们将探讨，为何寥寥数笔，就能画出虾的“灵动”，为何能在一片墨色中，感受到“虾”的生命脉搏。这是一种“形神兼备”的境界，是画家将自己的精神融于物象的独特方式。 我们还将关注那些“象征意义”的花鸟。例如，梅兰竹菊，它们不仅是美丽的景物，更是文人品格的化身。我们将探讨，为何梅花被视为“高洁”的象征，为何兰花代表着“君子”的品德。这些“物语”的解读，能够帮助我们更深入地理解中国画所蕴含的文化内涵和价值取向。 四、留白的诗意：未竟之境的无限想象 “留白”，是中国画中一个至关重要的概念，它不仅仅是画面上的空白，更是意境的延伸，是想象力的飞翔。本书将专门开辟章节，深入探讨“留白”的艺术。 我们会从“气韵生动”的角度去理解留白。为何一幅画，留出了大片的空间，却不显空洞，反而更加“有气”？是因为那片空白，连接了画面的各个部分，使得整体更加和谐统一。它也如同音乐中的休止符，让旋律更加悠扬。 我们将探讨留白在“营造空间感”中的作用。在水墨画中，没有严谨的透视法则，但通过巧妙的留白，画家能够引导观者的视线，暗示着远处的天空，近处的云雾，或是隐藏在山后的景致。这种“咫尺之内，展千里之势”的艺术效果，正是留白的神奇之处。 更重要的是，我们将理解留白所带来的“诗意”。那片未被描绘的空间，留给了观者广阔的想象。它可以是朦胧的山峦，可以是缥缈的云海，可以是无尽的远方。这种“虚实相生”的艺术手法，邀请观者参与到艺术创作的过程中，共同完成画面的意境。我们将通过赏析一些极具留白的经典作品，去体会那种“言有尽而意无穷”的艺术魅力。 结语：画中人情，纸上心语 这本书，不是一本冷冰冰的艺术理论手册。它更像是一位老友，在静谧的午后，为你沏上一杯茶，然后娓娓道来，分享他对中国画的那些感动与体悟。我们不执着于每一个术语的精确定义，也不强求你记住每一位画家的生平。我们希望通过这些文字，让你感受到中国画中那份“温度”，感受到那些隐藏在笔墨、线条、色彩之下的“人情”与“心语”。 中国画，是中国的，更是世界的。它所传达的对自然的敬畏，对生命的珍惜，对精神的追求，是超越时空的普适价值。希望这本书，能为你打开一扇窗，让你在这个纷繁的世界里，找到一处宁静的角落，去感受中国画那份独特而隽永的美丽，并从中汲取力量，滋养心灵。让我们一起，在画海中拾遗，在墨韵里寻真，感受中国画那份古老而鲜活的生命力。

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这本《中国画坛百科问题简答：中国画专业》真是让人眼前一亮，虽然我一直以来对中国画抱有浓厚的兴趣，也算看过不少画册、读过一些画论，但总觉得像是隔着一层纱，难以真正窥其堂奥。这本书恰恰填补了这个空白，它以一种非常接地气的方式，将中国画发展过程中那些看似复杂繁琐、晦涩难懂的概念一一剖析。我尤其欣赏它在介绍“笔墨”这个核心问题时的处理方式，不再是干巴巴的理论堆砌，而是结合了历代大师的作品，从范宽的苍劲皴法到八大山人的简练笔致，再到齐白石的“衰年变法”，都给出了详尽的解读，让你能直观地感受到不同时代、不同画家对笔墨的理解与运用。更妙的是，它还穿插了许多与“笔墨”相关的“小故事”，比如关于文徵明与唐寅的笔墨之争，或是董其昌如何通过理论构建来影响后世对笔墨的认知，这些都让原本严肃的学术讨论变得生动有趣，仿佛亲临其境，与古人一起探讨艺术的奥秘。读完这部分，我再看古画，那种“看热闹”的心态瞬间变成了“看门道”，对线条的曲直、墨色的浓淡、笔法的疾徐，都有了更深的体悟。书中对于“意境”的阐释也同样深刻，它不是空洞地讲“诗中有画，画中有诗”，而是通过分析山水画中留白的处理、人物画中眼神的描绘，来揭示中国画如何通过有限的笔墨，营造出无限的意境，让观者在有限的画面中感受到无限的生命力与精神内涵。这种循序渐进、由浅入深的学习方式，对于初学者来说是绝佳的入门，对于有一定基础的爱好者来说，也能获得新的启发。

评分☆☆☆☆☆

《中国画坛百科问题简答：中国画专业》这本书，给我最大的惊喜在于它对中国画“创新”与“传承”之间关系的深刻探讨。我之前一直觉得中国画似乎总是在“复古”，很难有大的突破，但这本书让我看到了中国画在不同历史时期是如何在继承传统的基础上，又融入时代的新元素，从而实现“古为今用”的。它详细介绍了“清初四王”如何通过“摹古”来学习前人的笔墨精神，但同时又在构图和意境上有所创新；又比如，“扬州八怪”是如何冲破程式化的束缚，以更加个性的笔墨和题材来表达自己的内心世界。书中还特别分析了近现代中国画的变革，如徐悲鸿如何引入西方写实技巧来丰富中国画的表现力，齐白石如何将民间艺术的质朴与文人画的意趣相结合。这种对“创新”的辩证理解，让我认识到，真正的创新并非凭空而来，而是在深厚传统的基础上，进行有意识的、有目的的探索。它不仅仅是“复古”，也不是“颠覆”，而是在“融汇”和“转化”。这本书让我对中国画的未来充满了信心，也让我看到了更多可能性。

评分☆☆☆☆☆

这本书《中国画坛百科问题简答：中国画专业》，给我的最大启示在于，它打破了我之前对中国画的一些固有认知，让我看到了中国画背后更深层次的哲学思考和文化积淀。我一直以为中国画就是画山水、花鸟、人物，但这本书却深入浅出地讲解了中国画的“精神内核”，以及它与中国哲学、文学、诗歌之间的紧密联系。比如，在谈论“文人画”时，它不仅仅是介绍了“四王”、“四僧”等大家，更重要的是阐述了文人画“逸笔草草”、“不求形似”、“以书入画”的背后，是文人阶层对自由、超脱、个性的追求。它解释了为什么文人画往往带有“笔墨游戏”的性质，以及这种“游戏”背后蕴含的深厚文化底蕴。这本书还会探讨中国画在不同历史时期所承担的社会功能和审美趣味的变化，比如唐代的“大唐气象”如何体现在人物画的雍容华贵上，宋代的“士大夫情怀”又如何融入到山水画的清幽雅致中。我尤其欣赏它对“水墨实验”的介绍，它不仅仅是技法的创新，更是画家对自然、对生命、对自身精神世界的探索。读完这本书，你会发现，中国画不仅仅是“看”的艺术，更是“悟”的艺术，它蕴含着中华民族独特的审美情趣和人生哲学，是一扇通往中华文化深邃世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得中国画的“意境”是一个很玄乎的东西，难以捉摸，但《中国画坛百科问题简答：中国画专业》这本书，用非常具体的方式，将“意境”这个概念具象化了。它不是空泛地谈论“诗情画意”，而是从构图、笔墨、色彩、留白等具体元素入手，来分析“意境”是如何在画面中产生的。比如，在讲解“留白”的作用时，它会分析留白不仅仅是空白，而是“无中生有”的艺术，它能够引导观者的视线，营造画面的深远感，更能激发观者的联想，让他们在有限的画面中感受到无限的诗意。它还会分析不同画种如何营造不同的“意境”，比如山水画的“幽深宁静”，花鸟画的“生机勃勃”，人物画的“精神内涵”。我尤其喜欢它对“墨分五色”的讲解，不仅仅是墨的干湿浓淡，更是如何通过墨色的变化来表现物体的质感、光影，以及营造画面的空间感和情感氛围。通过这本书，我明白了，中国画的“意境”不是凭空想象出来的，而是通过画家对自然、对生活的细致观察和深刻理解，运用精湛的笔墨技巧，在画面中营造出来的，是一种“可感而不可触”的艺术境界。

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读完《中国画坛百科问题简答：中国画专业》这本书，我最大的感受就是它彻底改变了我对中国画“技法”的认识。我之前总觉得学中国画就是练基本功，临摹，然后一点点进步，但这本书让我明白，技法只是一个工具，更重要的是它背后的“思想”和“情感”。书中在介绍“皴法”的时候，不仅仅列举了披麻皴、斧劈皴、雨点皴等常见皴法，更重要的是讲解了这些皴法是如何根据山石的纹理、质感来表现的，以及不同的皴法背后所蕴含的“力量感”和“性格”。比如，范宽的“雨点皴”和“钉头皴”，为什么能表现出山石的苍劲、雄浑，是因为他观察到了山峦叠嶂、岩石错落的真实形态，并且用有力的笔触将其刻画出来。再比如，在讲“渲染”时，它不仅仅介绍了“墨染”和“色染”，更重要的是探讨了如何通过渲染来表现空间的层次感、物体的体积感，以及通过墨色的浓淡、冷暖变化来营造画面的氛围。它还特别强调了“晕染”在表现光影和体积上的作用，这一点在很多其他关于中国画的书籍中都很少提及。这本书就像一位经验丰富的画师，在手把手地教你如何运用各种技法，让你不仅仅知道“怎么画”，更知道“为什么这么画”，并且能将这些技法融会贯通，形成自己的风格。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对传统文化有着浓厚兴趣的普通读者，《中国画坛百科问题简答：中国画专业》这本书，给我最深刻的印象是它如何将那些抽象的概念变得具象化，让我在阅读过程中充满了“顿悟”的时刻。书中对于“气韵生动”的阐释，绝对是我读过的最精彩的解读。它没有空泛地谈论“神”，而是从“骨法用笔”、“应物象形”、“随类赋彩”、“近取其势”、“经营位置”、“传移模写”这“六法”出发，层层递进地剖析“气韵”是如何在具体的绘画实践中得以体现的。比如，在讲解“骨法用笔”时，它会结合书法中“永字八法”的原理，来解释中国画线条的力度、速度和情感表达，让你理解为什么同样的线条，在不同的画家手中，会呈现出截然不同的生命力。再比如，对“传移模写”的讲解，它并非简单地鼓励临摹，而是强调通过“传”来理解古人的用笔、构图和精神，再通过“移”将所学融入自己的创作，最终达到“模写”古人神韵而又不失自己风格的境界。书中引用了大量不同时期的代表性作品，并对这些作品的“气韵”进行了细致入微的分析，让你在欣赏美感的同时，更能理解美感的来源。这种“知其然，更知其所以然”的学习方式，让我对中国画的理解从“感性”上升到了“理性”，也更加坚定了我想深入学习中国画的决心。

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《中国画坛百科问题简答：中国画专业》这本书，从一个旁观者的角度来看，它最突出的特点就是它的“问题导向”和“解答性”。我之前买过一些介绍中国画的书，大多是按照朝代或者流派来梳理，虽然内容也很充实，但总觉得缺少一种“互动感”，好像是在被动地接受信息。这本书不一样，它就像一个经验丰富的老先生，面对你脑袋里那些关于中国画的“十万个为什么”，一一耐心解答。比如，为什么古代画师要讲究“师承”，这背后有什么样的传承与创新关系？为什么有些画看起来很简单，却卖出了天价？书中用了很多具体的例子来说明，比如从顾恺之的“白描”到吴道子的“兰叶描”，再到任伯年的“折钗描”，不仅仅是技法的演变，更是时代审美取向的体现。它还会深入探讨一些画种内部的细微差别，比如花鸟画中的“工笔”与“写意”究竟有何不同，不仅仅是追求的精细程度，更是画家心性与情感的表达方式。我尤其喜欢它对“用色”这一环节的讲解，不同于西方绘画对色彩的强烈追求，中国画的用色往往更加含蓄内敛，甚至有时“淡彩”比“重彩”更能体现东方美学的精髓。书中引用了大量不同时期的作品，从唐代的绚烂色彩到宋代的青绿山水，再到明清文人画的淡雅设色，让你能清晰地感受到色彩在中国画中扮演的角色。这本书没有故弄玄虚，而是把中国画那些看似神秘的“窍门”一一揭开，让普通读者也能看得懂，甚至还能学着用。

评分☆☆☆☆☆

我是一位对中国画情有独钟的爱好者，平时也喜欢临摹几笔，但总感觉自己画的东西“不到位”，不知道问题出在哪里。《中国画坛百科问题简答：中国画专业》这本书，给我最大的感受就是它的“实用性”和“指导性”。书中对中国画的创作流程做了非常细致的拆解，从“构图”的原则，比如“留白”的作用，“虚实”的处理，到“用墨”的讲究，如“五墨”的运用，再到“设色”的技巧，如何做到“随类赋彩”而不失笔墨意趣，都进行了深入浅出的讲解。我过去画山水，总是不知道如何安排景物，画面显得拥挤或者空泛，这本书里专门讲了“经营位置”，通过分析很多名家的构图范例，比如王希孟的《千里江山图》如何利用S形的山势来引导视线，范宽的《溪山行旅图》如何通过近景的石头来衬托远山的雄伟，让我豁然开朗。在“用墨”方面，它更是细致到“焦、浓、重、淡、清”五种墨色的变化，以及如何通过“积墨”、“破墨”、“涨墨”等技法来丰富画面层次，这对于我这种喜欢写意山水的人来说，简直是及时雨。它还提到了一些非常关键的“细节”，比如中国画中“题款”和“印章”的位置和作用，以及如何与画面整体形成和谐统一的美感，这往往是我们普通爱好者容易忽略的地方。这本书就像一个“私人教师”，一步步地带着你走进中国画的创作世界，让你不仅能“看懂”中国画，更能“画好”中国画。

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阅读《中国画坛百科问题简答：中国画专业》这本书，我最大的收获是它提供了一个非常清晰的“学习路径”和“评价体系”。我之前学中国画，总是盲目地临摹，不知道自己的问题出在哪里，也不知道如何评价自己的作品。这本书则从“技法”、“笔墨”、“构图”、“意境”等多个维度，提供了一套相对完整的评价标准。它会告诉你，一个好的中国画作品，不仅要有精湛的笔墨技巧，更要有独特的构图和深刻的意境，以及能够打动人心的情感表达。它还会分析不同画家的“风格特点”，让你在学习过程中，知道要学习谁的什么，避开谁的什么，从而形成自己的判断力。书中还提供了一些非常实用的“练习方法”，比如如何从临摹古人作品中学习用笔，如何通过写生来感受自然，如何通过“造境”来表达自己的想法。这本书就像一位经验丰富的导师，不仅教你“怎么画”，更教你“如何学”，让你在学习中国画的过程中，少走弯路，能够更加有方向感和目标感。这本书的系统性和实用性，对于任何想要深入学习中国画的人来说，都极具价值。

评分☆☆☆☆☆

《中国画坛百科问题简答：中国画专业》这本书，给我的最大启发在于，它让我重新认识了中国画中的“情感表达”。我过去总觉得中国画比较含蓄，不像西方绘画那样直接抒发情感，但这本书让我看到了中国画中蕴含的深厚情感，只是表达方式更为含蓄和内敛。它会分析画家如何在笔墨的起伏、色彩的冷暖、构图的疏密之间， subtly地传达自己的情感。比如，在讲到“勾勒”时，它会分析如何通过线条的粗细、力度来表现物体的质感和生命力，以及如何通过线条的转折和顿挫来传达画家的情绪。它还会探讨中国画中的“象征意义”，比如梅兰竹菊“四君子”所代表的品格，以及它们在画面中如何寄托画家的情怀。书中还对不同时期、不同画家的情感表达方式进行了对比分析，比如唐代画家的豪迈奔放，宋代画家的清雅内敛，明清画家的闲适写意，让你能清晰地感受到不同时代文化背景对艺术家情感表达的影响。这本书让我明白，中国画的情感表达是一种“意会”而非“直陈”，需要观者用心去体会，去感悟，去与画家的内心产生共鸣。