国际传播与跨文化传播译丛：理解迪士尼梦工场 [Understanding Disney The Manufacture of Fantasy] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 珍妮特·瓦斯科（Janet Wasko） 著，吴飞 编，杨席珍 译

图书标签:

• 迪士尼
• 梦工场
• 国际传播
• 跨文化传播
• 文化研究
• 大众传媒
• 电影研究
• 美国文化
• 传播学
• 幻象构建

出版社： 中国传媒大学出版社

ISBN：9787565709104

版次：1

商品编码：11675550

包装：平装

丛书名： 国际传播与跨文化传播译丛

外文名称：Understanding Disney The Manufacture of Fantasy

开本：16开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

页数：240

编辑推荐

　　为了全面了解流行文化产品和活动的意义及影响，有必要弄清过去和当下的文化生产与流通情况。故而，要从政治、经济和文化现象出发理解迪士尼的意义，必须回顾公司的创建与历史发展，并检视当前现状。同时，重要的是批判性地分析其产品、卡通人物和各类受众对这些产品的接触情况。
　　《国际传播与跨文化传播译丛：理解迪士尼梦工场》能充分激发关于流行文化尤其是迪士尼的社会、政治、经济和文化功能的有趣探讨。

内容简介

　　关于沃尔特·迪士尼、迪士尼公司及其产品，很多学者和批评家就此展开过研究，但迪士尼现象的整体研究寥寥无几。《国际传播与跨文化传播译丛：理解迪士尼梦工场》试图从整体上考察迪士尼，以期更好地理解迪士尼公司经久不衰的成功之道，及其产品与活动在全球范围的大行其道。

目录

第一童迪十尼世界介绍
为何再写迪士尼？

第二章 迪士尼历史
沃尔特·迪士尼其人
好莱坞万岁
动画工厂
二战：迪士尼与政府
战后时期

第三章 迪士尼帝国
迪士尼公司的演化
剖析迪士尼帝国
国际投资与市场
主题乐园与度假区

第四章 迪士尼公司在行动
协作行动
控制帝国，“让一切井然有序”
迪士尼的全球化
米老鼠的推广与营销

第五章 根据迪士尼分析世界
解读媒介内容的路径
经典迪士尼
美学分析
米老鼠
儿童文学视角下的迪士尼批评
迪士尼产品的女性主义分析
迪士尼世界的精神分析
迪士尼的种族象征
帝国主义迪士尼的马克思主义分析
迪士尼表征的自然界

第六章 解读迪士尼世界
迪士尼世界的历史
分析迪士尼世界
主题乐园的主题
庆典小镇：生活在迪士尼世界

第七章 迪士尼与世界
迪士尼受众界定
迪士尼受众研究
……
第八章 生活从此幸福？

精彩书摘

　　《国际传播与跨文化传播译丛：理解迪士尼梦工场》：
　　尽管迪士尼公司制作了各种娱乐产品和各类动画电影，但迪士尼公司的声名鹊起，依然主要依赖于沃尔特·迪士尼主事期间确立的并且几乎经年未变的特定规则。
　　因此，明确“经典迪士尼”的内在涵义是可行的。它指的是公司生产的动画电影、卡通和一些实景电影，加上这些作品中诞生出的卡通人物群，以及向公众和批评分析家表征“迪士尼”的一贯主题与价值。
　　此类实景作品包括《海底两万里》、《飞天老爷车》和《万能金龟车》，以及一些电视节目，例如，《大卫·克洛科特》和《佐罗》。不过，迪士尼公司同样出品面向非家庭受众的实景电影，当然此类影片不具有迪士尼影片的外在形象和内在感受，甚至连片名也是非迪士尼式的（第三章已经讨论），故而此类影片不被视为“经典迪士尼”。（例如，《低俗小说》、《绝世天劫》、《惊声尖叫》、《杰克·布朗》）
　　还有一些迪士尼制作或发行的产品，虽然乍一听不够“迪士尼”，却也具备经典迪士尼的很多特征。此类例子包括一些迪士尼电视产品，例如最近制作的《家具装饰》。也许有必要将迪士尼漫画书与动画片相区分，尽管漫画书仍然保留了经典迪士尼的某些特征。
　　通常而言，正是动画片和漫画造就了经典迪士尼。经典迪士尼可能指的是这些产品和卡通人物整体，因为它们通常具有一种特定的风格，一个叙述故事与塑造人物的标准格式，以及一套共同的主题与价值。人们还饶有趣味地注意到，迪士尼商品呈现的正是经典迪士尼影片和卡通人物的典型特征，主题乐园同样如此。关于经典迪士尼特征的界定，将于本章的余下部分以实例分析和批评的方式探讨，它们针对的将不仅是迪士尼产品和文本内容，而且有益于对经典迪士尼作出界定。毕竟，我们首先需要弄清经典迪士尼的发展与演进过程。经典迪士尼的演进罗伯特·斯科拉认为，迪士尼早期制作的动画片富有想象力、充满奇幻、结构开放，且没有固定的逻辑顺序。不过，1932年后拍摄的影片更为封闭，开头独具特色，结局皆大欢喜。更加结构化的故事情节演绎为彰显价值观的道德故事。这种变迁在部分《糊涂交响曲》中尤其明显，充当了技术（声音／色彩）和美学（动画技术、运动等）的试验品，促进了经典迪士尼的有益发展。经典迪士尼风格逐渐定格在话题轻松的娱乐业，着重于大量的音乐和幽默，主要围绕身体讲述笑话和闹剧，很大程度上仰赖于拟人的、童真的卡通动物形象。在创造卡通人物时，动画师被告知要塑造一个“可爱的形象”，因为描绘每个迪士尼卡通人物或许并非碰巧为之，一个可爱的卡通形象还有益于电影乃至商品的营销。
　　迪士尼早期创作的动画作品往往充满想象力，是开放式的。第一部《糊涂交响曲——骷髅舞》（1928-1929）是早期的代表作，这部非结构式的影片甚或有些奇异色彩。场景设置在午夜的墓地，几个骷髅相继走出坟墓，伴随音乐翩翩起舞，最后于黎明时分返回墓地。
　　相比之下，仅过数年之后拍摄的《花与树》（1932），则呈现了一个说教式的故事，匠心独具的开端与结局，拟人化的卡通形象，正义战胜邪恶。影片讲述了一棵公树与母树相恋，（在其他森林之友的帮助下）与黑暗和邪恶之树展开搏斗，最终步入婚姻的殿堂。
　　迪士尼诞生之初的另一经典案例是《三只小猪》（1933）。这部根据格林童话故事改编的动画片成为《糊涂交响曲》系列中名气最响的一部，无论在美国本土还是还其他国家都大受欢迎。其主题曲《谁怕大灰狼？》成为一首“国歌”，据说在美国经历经济最不景气之际，这首主题曲为美国注入了乐观主义精神。无数的批评家阐释这部影片的魅力所在，无不强调其发行的历史背景，认为三只小猪的故事对正经历大萧条的美国民众产生了强烈的影响，鼓励了美国民众勤奋工作并保持积极乐观的态度。什克尔认为，“从哲学层面而言，《三只小猪》传达的信息是倡行节俭，强调自立，延续固化的传统美德，建造保守风格的建筑，保持房屋的整洁有序”。
　　尽管人们对这些阐释颇感意外，但《三只小猪》所揭示的价值理念显然造就了经典迪士尼的基本模式，塑造了未来影片的特色。《三只小猪》的成功意味着迪士尼获取了巨额利润，发行第一年即收获了近125，000美元，“在播放期结束之前翻了一番”。此外，伴随电影发行还举办盛大的营销活动，售卖印有三只小猪和大灰狼的各类商品，包括形形色色的玩具、洋娃娃、学习用品、游戏，从腕表到圣诞树上的彩灯应有尽有。
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《光影魔术：探索当代叙事的生产与接受》 这是一部深入剖析当代文化产业运作机制，聚焦于叙事生成、传播与接收过程中复杂互动的学术力作。本书并非聚焦于某个特定品牌或公司，而是以宏观的视角，审视内容如何从创意萌芽，历经生产流水线，最终抵达多元化的受众，并在其中激荡出意义的涟漪。作者以严谨的学术训练和敏锐的洞察力，带领读者穿梭于文化生产的幕后，揭示其背后隐藏的逻辑、策略与深远影响。 第一章：叙事时代的黎明：文化工业的重塑 本章追溯了文化工业在20世纪以来的发展脉络，特别关注技术革新如何重塑叙事的生产模式。从早期电影的工业化生产，到电视的普及，再到数字媒体的崛起，每一次技术飞跃都带来了叙事形式的变革和传播渠道的拓展。作者探讨了“大众文化”概念的演变，以及其在不同历史时期所承载的政治、经济和社会意涵。这一章强调了文化产品作为一种商品，其生产的根本驱动力是市场需求和利润最大化，但这并不意味着其叙事内容是空洞或缺乏深度的。相反，成功的文化产品往往能够巧妙地将商业诉求与大众的情感、欲望和集体记忆相结合，从而产生强大的吸引力。 第二章：创意引擎的轰鸣：故事的诞生与打磨 本章聚焦于叙事的早期生成阶段，深入探讨了“创意”如何在工业化的框架下运作。作者剖析了故事原型、角色设定、情节构建等叙事要素的普遍性规律，并揭示了在商业化运作中，这些规律如何被有意识地运用和调整，以最大化内容的吸引力和市场潜力。本书关注的是，在诸如电影、电视剧、游戏等大型内容生产中，创意并非凭空产生，而是建立在对受众喜好、市场趋势以及过往成功案例的深入分析之上。作者将审视剧本创作、概念设计、人物塑造等环节中的协作模式，以及编剧、导演、制作人等不同角色如何共同打磨一个故事。同时，本书也探讨了“灵感”在工业化流程中的位置，以及如何在流水线的严谨与创意的火花之间找到平衡。 第三章：生产流水线的奥秘：从构想到现实的转化 本章将带领读者深入了解当代文化内容生产的“工业化”流程。作者详细阐述了内容从概念发展到最终成品所经历的各个关键环节，包括前期制作（剧本开发、选角、勘景）、拍摄制作（摄影、灯光、美术、声音）、后期制作（剪辑、特效、配乐、混音）以及营销推广。本书将分析这些环节的专业分工、技术依赖以及跨部门协作的重要性。特别地，本章将关注“批量生产”的逻辑如何在内容产业中体现，以及标准化的流程如何与个别项目的独特性相结合。例如，在电影产业中，剧本的类型化、预算的划分、制作周期的设定等，都体现了工业化的特征。作者还会探讨技术在加速生产、提升质量和降低成本方面的作用，以及数字技术如何重塑传统生产模式。 第四章：符号的织造者：意义的生产与隐喻的构建 本章深入探讨了文化产品中符号的运用及其所承载的意义。作者分析了视觉符号（色彩、构图、道具）、听觉符号（音乐、音效）和叙事符号（人物弧光、情节转折）如何在内容中被精心编织，以传达特定的信息、情感和意识形态。本书将审视这些符号如何被用来建构特定的世界观、价值观，以及如何塑造观众对人物、事件和主题的认知。作者还将探讨“隐喻”在叙事中的强大作用，以及它们如何通过视觉和听觉的层面，潜移默化地影响观众的理解和情感共鸣。本书会从符号学的视角，解析不同文化语境下，符号的意义如何被编码与解码，以及文化产品如何成为意义生产的场所。 第五章：观众的万花筒：接受与解读的多样性 本章将焦点转移到内容的接受端，深入分析不同受众群体如何解读和理解文化产品。作者探讨了社会经济地位、文化背景、年龄、性别以及个人经历等因素，如何影响观众对同一内容产生差异化的理解。本书将审视“意义的协商”过程，即观众并非被动地接受内容所传达的意义，而是主动地进行解读、评价和再创造。作者会引用相关的受众研究理论，如“积极受众”理论、“文化研究”等，来阐释观众的能动性。此外，本章还将分析新媒体环境下，观众的参与方式如何发生变化，例如通过社交媒体的讨论、二次创作（同人作品、二次剪辑）等，观众如何成为意义的共同生产者。 第六章：跨界与融合：全球化语境下的叙事流动 本章关注文化产品在全球化背景下的跨界传播与融合现象。作者探讨了不同文化元素如何在内容中相互碰撞、融合，以及这种融合如何影响叙事的创作和接受。本书将分析“文化挪用”与“文化杂糅”的区别，以及全球文化交流中可能出现的权力关系和文化殖民问题。作者还会审视跨国文化产业的运作模式，以及不同文化背景下的观众如何理解和适应全球化内容。例如，好莱坞电影如何在不同国家进行本土化改编，以及其他国家的文化产品如何走向国际市场。本章旨在揭示在全球化浪潮下，叙事的界限变得模糊，而不同文化之间的对话与碰撞，也带来了新的叙事可能性。 第七章：意识形态的低语：权力、价值与认同的塑造 本章将深入探讨文化产品中潜藏的意识形态信息，以及它们如何悄无声息地影响观众的价值观念和身份认同。作者分析了文化产品如何通过对人物、情节和主题的呈现，来强化或挑战现有的社会规范、权力结构和主流意识形态。本书将审视“显性”与“隐性”的意识形态传递方式，以及它们如何与内容本身的娱乐性相互交织。作者还会探讨文化产品在构建国家认同、民族认同以及性别认同等方面的作用。例如，某些类型的电影或电视剧，可能会有意无意地宣扬某种特定的社会价值观，或者通过塑造特定的人物形象，来影响观众的性别观念。本章呼吁读者保持批判性思维，审视文化产品所传递的价值取向。 第八章：未来之境：技术的演进与叙事的革新 本章将展望文化产业的未来发展趋势，重点关注新兴技术，如人工智能、虚拟现实、增强现实等，将如何进一步颠覆叙事的生产、传播与接受模式。作者探讨了这些新技术可能带来的挑战与机遇，例如AI生成内容的可行性，以及沉浸式体验对观众参与方式的改变。本书还将审视内容产业在个性化推荐、互动式叙事等方面的探索，以及这些新模式对传统叙事结构的冲击。最后，本章也关注了技术发展可能带来的伦理问题，例如数据隐私、算法偏见以及内容监管等，并呼吁在拥抱技术进步的同时，保持对文化价值的关注。 本书致力于为读者提供一个理解当代文化叙事生产与传播的深度框架。通过对理论、案例和实践的全面梳理，本书旨在培养读者独立思考和批判性分析的能力，从而更好地理解我们所身处的这个被文化产品包围的世界，以及它们在我们生活中所扮演的重要角色。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得非常到位，它既有扎实的学术根基，又不失作为面向广大爱好者的科普读物应有的可读性。很多学术著作读起来常常会让人感到枯燥乏味，但这部作品的作者似乎深谙如何用引人入胜的笔触来构建复杂的论点。我发现自己经常在被一个新颖的观点吸引后，不由自主地去查阅资料印证，这种知识的延展性和启发性是阅读一本好书最美妙的体验之一。尤其是在处理那些涉及文化冲突和身份认同的议题时，作者展现出的平衡感令人称赞，既不落入简单的好坏二元对立，也不回避其中的复杂性。它更像是一位经验丰富的向导，带领我们在布满陷阱的文化丛林中，找到通往真相的清晰路径，让人在获取知识的同时，也享受到探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的，或许是它对“想象力工业”运作机制的细致描绘。它打破了我长久以来对“创意”这一神圣领域的浪漫化想象，将其还原成一个由资本、市场调研、政治正确考量以及跨国合作共同驱动的庞大机器。书中对于 IP（知识产权）运营的案例分析，简直是一部微缩的商业史，展示了如何将一个简单的故事元素，通过多介质、多平台的战略部署，将其价值链最大化。这种“幕后揭秘”的视角，让人在为某些创意的精妙而拍案叫绝的同时，也会对这种深度工业化的内容生产模式产生一丝警惕和反思。它迫使读者去思考，当我们为构建出的“梦境”买单时，我们究竟在购买的是纯粹的艺术享受，还是一个被精心设计的消费陷阱？这种深层次的哲学叩问，让这本书的价值远远超出了单纯的文化研究范畴。

评分☆☆☆☆☆

从整体阅读体验来看，这本书的学术视野极其开阔，它似乎从来不满足于仅仅停留在对单一文化现象的剖析，而是将其置于全球文化流动的宏大背景之下进行考察。无论是对亚洲市场影响力的探讨，还是对欧洲叙事传统的借鉴与重塑，都能看出作者在进行跨区域比较研究时所投入的巨大心血。这种全球化的视角，避免了作品陷入“只见树木不见森林”的局限性，使得其结论更具普适性和批判力量。我尤其欣赏它在收尾部分对于未来文化产业发展趋势的展望，充满了前瞻性和建设性的思考，让人合上书本时，不是带着迷茫，而是带着一种被重新武装起来的、更加清醒的目光去面对这个信息爆炸的时代。这是一部真正能够引发持续思考的力作，值得反复品味。

评分☆☆☆☆☆

读完前几章后，我深感作者在梳理理论脉络上所下的功夫令人敬佩。它并非简单地堆砌传播学和社会学的概念，而是巧妙地将这些宏大的理论框架，如同手术刀一般，精准地对准了那些耳熟能详的影视案例进行解剖。我尤其欣赏其论证过程中展现出的那种冷静而批判的视角，它没有一味地沉溺于怀旧情绪，反而冷静地探讨了全球化背景下，文化符号的生产、编码与解码过程中所蕴含的意识形态张力。例如，书中对于特定叙事模式如何在全球市场中被标准化和“去地域化”的论述，简直是教科书级别的分析。那些详实的案例对比，使得原本晦涩的理论瞬间变得鲜活可感，让我开始重新审视那些在银幕上光彩夺目的角色背后，所承载的经济逻辑和社会责任，这无疑拓宽了我对“文化产品”这一概念的理解深度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计和装帧质量着实让人眼前一亮，那种复古又带着一丝现代感的字体排版，配合着精心挑选的插图，立刻就勾起了我对童年记忆中那些光怪陆离的动画世界的向往。拿到手里沉甸甸的质感，也预示着这绝非是一本泛泛而谈的娱乐小册子，而是一部在视觉呈现上就下了苦功的严肃研究。我特别喜欢它在章节标题上的用心，那些既富有诗意又夹带着学术思辨的词汇组合，让人忍不住想一探究竟，了解作者是如何将那些我们习以为常的动画情节，剥开表面的糖衣，深入到其内核进行剖析的。从书籍的整体气质来看，它似乎在邀请读者进行一场深入的、跨越时空的心灵对话，去重新审视那些我们曾经视为理所当然的“美好幻想”，并思考它们是如何被精心构建和传播到全球每一个角落的。这种对产品美学的尊重和对内容的野心，为接下来的阅读体验定下了极高的基调，让人充满期待。