具体描述
内容简介
《美术教室畅销版—中国画》，这套教程提供范画和详细步骤，引导、帮助学生进行创作，给儿童留下拓展想象力的空间，尽情发挥他们的创造力。课题编排从简到繁，从浅入深、由初级到高级，科学、合理、可行，易于学生及家长学习和借鉴。本册的内容是运用国画颜料进行技法的学习和内容的创作。用户评价
坦白说，这本书一开始吸引我的，是它的“美术教室”这个定位，我总觉得这像是一本入门指南，能帮我这个对中国画知之甚少的人，快速建立起一个基本的概念框架。读进去之后，发现它确实做到了这一点，而且做得比我想象的还要深入。它并非那种只讲历史的枯燥读物，而是试图将中国画的技法、美学、哲学融为一体，以一种非常生动的方式呈现出来。它开篇就对中国画的“写意”精神做了非常透彻的讲解，解释了写意画为何能够“画外之画”，如何通过寥寥数笔捕捉事物的神韵。这一点让我对中国画的理解，有了一个根本性的突破。让我印象深刻的是，它对中国画中“墨”的运用，进行了极其细致的剖析。它不仅仅讲了墨的浓淡干湿，更讲了墨的“飞白”、“渴笔”等技法，以及这些技法如何能够表达出不同的情感和意境。比如，它形容“飞白”像风吹过的痕迹，带有一种飘逸灵动的感觉；而“渴笔”则像是枯木逢金，带着一种苍劲的力量。这种形象的比喻，让我这个初学者也能很快理解这些抽象的技法。书里对不同时期代表性画家的作品解读，也做得非常精彩。它没有简单地赞美作品有多么“美”，而是去分析作品的构图、笔墨、色彩，并试图挖掘画家创作时的心境和理念。比如，它在讲到明代徐渭时，那种“泼墨写意”的奔放，以及他内心复杂的情感，都通过他对画面笔墨的处理得到了淋漓尽致的展现。这一点让我觉得，中国画不仅仅是技法，更是画家内心的情感表达。它还花费了大量的篇幅去介绍中国画的构图原则，比如“散点透视”，以及如何利用“留白”来营造画面的空间感和意境。这一点对我这种想要自己尝试画画的人来说，简直是宝藏。书里的插图选择也很讲究，每一幅都能很好地配合文字内容，起到画龙点睛的作用。这本书就像一位循循善诱的老师，它不是直接给你答案，而是引导你去思考，去发现中国画的魅力。
评分这本书，怎么说呢，刚拿到手的时候，我对它抱了挺大的期望的。毕竟“畅销版”这三个字，加上“中国画”这个主题，很容易让人联想到那些深入浅出、既有学术深度又不失趣味的普及读物。翻开第一页，那个封面设计就挺朴素的，不是那种花里胡哨、一味追求视觉冲击力的类型，这反而让我觉得挺踏实，好像里面真的有货。然后我开始阅读，想看看它到底是怎么把我这个对中国画算不上精通，但又充满好奇的读者，带入到一个全新的艺术世界里的。它在开篇就花了不少笔墨去讲中国画的历史渊源，从远古的岩画，到魏晋的风骨，再到唐宋的辉煌，每一个朝代的脉络都梳理得清晰可见。我尤其喜欢它对不同时期代表性画家及其作品的介绍，不是简单地罗列名字和作品，而是试图去解析他们创作背后的时代背景、哲学思想，甚至是中国文人的精神追求。比如说，讲到五代的花鸟画，它不仅仅提到了黄筌和他的“黄家富贵”，还细致地分析了这种风格如何体现了当时的宫廷审美和对自然的细致观察。再比如，讲到元代的山水画，它没有停留在“士人画”这个简单的标签上，而是深入探讨了倪瓒的“逸笔草草”背后所蕴含的文人孤高与超脱。这种解读方式，让我觉得不只是在看画，更是在看画背后的历史和文化，非常有沉浸感。它还尝试着解释中国画的一些基本技法，比如“皴法”，它用了很多形象的比喻来形容不同皴法的特点，比如披麻皴像瀑布垂落，斧劈皴像刀劈斧砍，虽然我不是学画的，但听它这么一讲，脑海里大概能勾勒出个轮廓，感觉不是那么高不可攀了。书里配的插图质量也还不错，虽然是黑白印刷，但细节还是能看清楚的，而且它在介绍作品的时候，会把关键的细节放大，并附上简短的解读，这一点做得很好，避免了读者看着一幅画却不知道重点在哪里。总的来说，这本书给我最直观的感受就是，它不是一本冷冰冰的画册，也不是一本枯燥的教材，而更像是一位博学多识的朋友，耐心地引导你走进中国画的殿堂，让你在欣赏美的同时，也能理解美背后的文化底蕴。
评分这本书的标题“美术教室畅销版—中国画”的确很有吸引力，所以我毫不犹豫地买了下来。收到书后，我便迫不及待地翻阅起来。它给我最深刻的感受是，作者在写作时，绝对是用心去揣摩了读者的心理，尤其是那些像我一样，对中国画有兴趣但又缺乏系统知识的读者。它不像一些学术性的著作，上来就是晦涩难懂的术语和复杂的理论，而是从最基础的概念讲起，循序渐进。比如，它会先讲中国画和西方绘画在基本理念上的差异，比如“写意”与“写实”的区别，这让我立刻明白了中国画的独特之处。然后，它会详细介绍中国画的工具，比如宣纸、墨、笔、砚，不仅仅是介绍它们的材质和特点，更会讲到这些工具如何影响着中国画的创作风格，比如宣纸的吸水性和晕染效果，墨的浓淡变化等等。这一点做得非常细致，感觉就像真的在上一堂美术课一样。接着，它进入了各个朝代的介绍，但它并没有简单地按照时间顺序罗列，而是更侧重于挖掘每个时期中国画的“灵魂”。比如，它讲到唐代的人物画，重点强调了人物的线条流畅、色彩华丽，以及对人物精神气质的刻画，像阎立本的《步辇图》那种庄重而又不失细腻的描绘。讲到宋代山水画，它深入分析了宋人对自然万物的观察，以及如何将这种观察融入到笔墨之中，形成那种崇高而又壮丽的山水意境，比如李思训的“金碧山水”和郭熙的“树石画法”。让我特别受益的是，它还专门开辟了一个章节来讲解中国画的构图原则，比如“散点透视”的运用，以及如何通过留白来营造空间感和意境。这些都是非常实用的知识，对于我想要自己尝试画中国画来说，简直是宝贵的财富。书中的插图选择也很有针对性，每一幅画作的选取都恰到好处，能够很好地说明作者的观点，而且在必要的时候，会放大局部，帮助读者更好地理解技法。这本书给我最强的感觉是，它不仅仅是一本书，更是一个可以随时翻阅的“美术老师”，它用最亲切的方式，教会你如何去欣赏和理解中国画的博大精深。
评分这本书给我的第一感觉就是“诚意满满”。它不是那种浮光掠影、泛泛而谈的介绍，而是扎扎实实地在讲解中国画的方方面面。它有一个很棒的切入点，就是从“意境”这个中国画的灵魂出发，来解读不同时期的风格和技法。比如，它在讲到唐代的山水画时，会提到李思训的金碧辉煌，以及王维的水墨淡雅，并分析这两种风格如何分别代表了当时不同的审美趣味和人生态度。它并没有简单地说“唐代山水画很美”，而是让你去感受那种“山有精神，水有魂魄”的意境。让我特别惊喜的是，它对中国画的“留白”艺术有非常独到的见解。它解释了留白不仅仅是画面上的空白，更是“虚实相生”的哲学理念，是给观者想象空间的艺术手法。通过对留白的解读，我开始重新认识到那些看似“未完成”的画作，是如何通过留白来营造出深邃的意境和无限的张力。书里对不同时期画家作品的分析，都非常到位。它会详细讲解作品的构图、用笔、用墨，并尝试去解读画家的创作意图和情感表达。比如，它讲到元代的倪瓒，那种“孤寒”的气质，是如何通过他那“枯淡”的笔墨和简洁的构图来体现的。这一点让我觉得，不仅仅是在看画，更是在和画家进行跨越时空的对话。它还花了很大的篇幅去讲解中国画的“笔墨精神”，也就是用笔的技巧和墨色的变化，如何能够传达出画家内心的情感和对自然的感悟。它不是简单地说“笔要写得有力量”，而是去分析不同的笔触，比如“飞白”、“渴笔”等等，是如何营造出不同的视觉效果和艺术感染力。书中的插图质量也相当不错，虽然不是高清大图，但细节都能看清楚，而且选取图例的角度也很刁钻，能够很好地配合文字的讲解。这本书给我的感觉是，它像一个经验丰富的老画师，把毕生的所学倾囊相授，让你在不知不觉中，就领略到了中国画的博大精深。
评分说实话，我一开始是被这本书的“畅销版”噱头吸引进来的，毕竟市面上好书不少，但真正能畅销并经得起时间考验的，还是少数。拿到手后，我先快速翻了一遍，发现它内容量是真的大，有点超出我的预料。它不像那种只讲某个流派或者某个时期画作的书，而是试图勾勒出一幅中国画的宏大图景。从早期的人物画，比如顾恺之的《洛神赋图》，分析了人物的线条和神韵，再到山水画的发展，张僧繇的“画龙点睛”的传说，还有北宋的“全景山水”，范宽的《溪山行旅图》那种宏伟的气势，都讲得很有条理。让我印象深刻的是，它在讲到水墨画时，并没有把它仅仅当成一种技法，而是阐述了水墨在哲学层面的意义，比如“墨分五色”的妙用，以及水墨的虚实相生，如何体现了中国人的“留白”艺术和对意境的追求。这一点对于我这种初学者来说，简直是醍醐灌顶。很多时候，我们看到一幅水墨画，觉得好看，但不知道为什么好看，这本书就尝试去解构这种“为什么”。它还花了不少篇幅去讲中国画的“气韵生动”，这个概念听起来很高深，但书里用了很多生动的例子去解释，比如通过观察动物的动态，或者山川的走势，去捕捉那种生命力。我尤其喜欢它对不同时期画家性格和生活经历的描述，觉得艺术创作不仅仅是技巧，更是艺术家内心世界的投射。比如讲到八大山人，那种故国之思，那种孤傲与悲愤，在他的笔下得到了淋漓尽致的体现，让画作不仅仅是画，更是一种情感的宣泄。书里的排版也比较舒服，字体大小适中，段落之间的留白也恰到好处，阅读起来不会有压迫感。图片虽然是插图，但选取得很精当，能够很好地配合文字内容，起到画龙点睛的作用。这本书给我的感觉是，它有野心，想把中国画的方方面面都讲透，同时又努力做到通俗易懂，让更多的人能够欣赏和理解这项伟大的艺术。
评分这本书的标题“美术教室畅销版—中国画”听起来就像是一堂生动有趣的艺术课，所以我毫不犹豫地购买了。翻开它，我就被它那种亲切而又深刻的讲解方式所吸引。它没有高高在上的学术腔调，而是像一位经验丰富的美术老师，用最通俗易懂的语言，带领我一步步走进中国画的世界。它在开篇就对中国画和西方绘画在基本理念上的差异做了清晰的阐述，比如“意象”与“具象”的区别，这让我对中国画的独特性有了初步的认识。让我印象非常深刻的是，它对中国画的“墨分五色”的讲解。它不仅仅是简单地解释墨的深浅变化，更是从哲学层面去阐述墨的丰富性，以及如何通过墨的浓淡干湿来表达情感和意境。它会用很多生动的比喻来形容不同的墨色，比如“焦墨”像焦土，“浓墨”像漆，而“淡墨”则像晨雾。这一点让我对墨的理解，从单纯的颜色，上升到了对情感和意境的表达。它还花了很大的篇幅去讲解中国画的“写意”精神，以及如何通过“以形写神”来捕捉事物的内在生命力。它会分析不同画家是如何通过对线条、笔触、墨色的巧妙运用，来表现人物的性格、山水的精神。比如，它在讲到齐白石时，那种“衰年变法”后的笔墨，既有童趣，又有力量，是如何体现了他晚年对艺术的深刻理解。书中的插图也挑选得非常精当，能够很好地配合文字的讲解，而且在必要时会放大局部，帮助读者更好地理解技法。这本书给我最大的感觉是，它不仅仅是一本关于中国画的书，更是一本关于如何去“看”艺术的书，它教会我如何去感受和理解中国画背后的文化和情感。
评分我对中国画一直都有一种莫名的亲近感，但总觉得隔着一层纱，看不真切。直到我翻开这本书，才感觉那层纱好像慢慢散开了。它最打动我的地方，在于它将中国画的“气韵生动”这个概念，解释得非常到位。它不仅仅是说画要画得像，更重要的是画要有“生命力”，要“气韵贯通”。它通过对不同时期画家的作品分析，让我逐渐理解了什么是“笔墨的生命力”。比如，它会详细讲解线条的粗细、轻重、曲直变化，以及这些变化如何能够传达出不同的情感和质感。它举例说，王羲之的《兰亭集序》虽然是书法，但其中的线条就已经蕴含了“书为心画”的真谛。在绘画上，这种笔墨的生命力更是被发挥到了极致。它还重点讲解了中国画的“虚实相生”的哲学思想，并把它融入到构图和笔墨的运用上。它解释说，画面上的“实”是看得见的景物，而“虚”则是画面之外的空间，是给观者想象的留白。这种虚实结合，才能营造出深远悠长的意境。让我印象特别深刻的是，它在讲到山水画时，不仅仅是讲解山石的勾勒和树木的描绘，更重要的是去体会画家如何通过笔墨去捕捉山的“雄伟”，水的“灵动”，以及整个大自然的“气息”。它还花了很多篇幅去讲解中国画的“写意”精神，也就是“得意忘形”，通过对事物特征的捕捉，来传达出画家对事物的理解和感悟。这一点让我明白了，为什么有些中国画看起来“不像”，但却依然能打动人心。书里的插图，虽然很多都是黑白的，但都选取得非常经典，而且在关键的地方会放大局部，帮助读者更好地理解技法。这本书给我最大的感受是，它不仅仅是在介绍中国画，更是在传播一种东方美学的生活态度和哲学思考。
评分当我拿到这本书的时候，第一反应就是它看起来挺“厚实”的，不是那种轻飘飘的杂志风，而是满满的知识感。阅读过程中，我发现这本书的叙事方式很独特，它不仅仅是把中国画的历史讲一遍，而是更像在讲一个关于“东方美学”的故事。它从最古老的壁画讲起，那种带着原始生命力的线条，然后一直讲到文人画的兴盛，那种追求“意境”的哲学思考。让我印象最深刻的是，它在讲解不同时期画家的作品时，会特别强调“神似”的概念，而不是“形似”。比如，它提到东晋的顾恺之，他画人物，不仅仅是画出人物的五官，更重要的是画出人物的“神情”，那种微妙的情感变化，通过寥寥几笔的线条就能传达出来，这是一种非常高明的艺术手法。书里对“气韵生动”这个中国画的最高追求，有非常深入的探讨。它没有把它简单地定义为“活灵活现”，而是从哲学、美学、甚至是中国传统文化中去挖掘它的根源。比如，它会把“气韵”和道家的“道法自然”联系起来，讲到中国画如何追求的是一种内在的生命力，一种与天地精神相通的境界。这让我开始重新审视那些我之前觉得“画得不像”的中国画，开始理解它们背后的深层含义。它还花了很大的篇幅来介绍中国画的媒材，但不是那种枯燥的介绍，而是讲这些媒材如何塑造了中国画的独特风格。比如，宣纸的“晕染”效果，如何让墨色产生丰富的变化，从而达到“墨分五色”的境界；毛笔的弹性，如何让线条既有力量又有灵动。这一点让我觉得，中国画的每个细节都充满了智慧。书里的配图，虽然都是印刷品，但质量还算可以，而且它选取的图例非常经典，能够很好地印证书中的观点。它还有一个特点，就是在讲解某个画家或者某个流派时，会穿插一些相关的诗词、典故，这让整个阅读过程更像是在品味一壶陈年的老酒，越品越有味道。这本书让我觉得，中国画不仅仅是一种绘画形式，它更是一种东方智慧的载体，一种连接古今的文化纽带。
评分这本书给我的感觉，就像是收到了一份精心准备的“礼物”，里面充满了对中国画的热爱和专业的见解。它没有那种冷冰冰的学术气息，反而充满了人文关怀和生活气息。它在开篇就强调了中国画的“写意”精神，并将其与中国人的哲学思想紧密联系起来，比如“道法自然”和“天人合一”，这让我一下子就觉得中国画不再是单纯的绘画技法，而是一种与世界对话的方式。让我印象非常深刻的是，它对中国画的“色彩”运用进行了非常细致的讲解。它不仅仅是讲颜色的搭配，更是讲颜色的“情感表达”。比如，它会形容红色象征着热情和生命力，而蓝色则代表着宁静和深远。这一点让我对中国画的色彩有了全新的认识。它还花了大量的篇幅去讲解中国画的“构图”艺术，并将其上升到“哲学”的高度。它解释了中国画的构图是如何体现了中国人的空间观念和宇宙观，比如“留白”不仅仅是画面上的空白，更是“无中生有”的艺术魅力。让我特别受益的是，它对中国画的“诗画结合”的讲解。它不仅仅是说画中有诗，诗中有画，更是去分析诗歌的意境如何能够通过笔墨和构图来得以体现。比如，它会分析一幅山水画，是如何用笔墨去描绘出诗歌中那种“孤帆远影碧空尽”的意境。书中的插图质量也很不错，每一幅都选取得恰到好处，能够很好地配合文字的讲解，而且在关键的地方还会放大局部，帮助读者更好地理解技法。这本书给我的感觉是，它不仅仅是在介绍中国画，更是在传播一种中国式的审美情趣和生活哲学。
评分初拿到这本书，被“畅销版”这三个字吸引，心想这应该是一本既有深度又容易入手的读物。翻阅过程中，这本书带来的惊喜远远超出了我的预期。它并非简单地罗列中国画的历史事件或画家，而是以一种非常“故事化”的叙事方式，将中国画的发展脉络娓娓道来。它从中国画的起源讲起，那种充满原始生命力的图腾，到汉代的帛画，再到魏晋的清谈之风如何影响了人物画的神韵，每一个时期都仿佛展现在眼前。我特别喜欢它对“意境”的解读。它没有把意境写得高不可攀，而是通过对具体作品的分析，让我体会到，意境并非虚无缥缈，而是通过对自然景物的细致观察和情感的注入，所产生的独特的艺术氛围。比如，它在讲到宋代山水画时，对范宽《溪山行旅图》的分析，不仅仅是描述山石的纹理，更是去体会那种“高远”的意境，那种人与自然的和谐共处。让我印象深刻的是，它对中国画“笔墨”的讲解。它不仅仅是讲解笔触的轻重缓急，更是从笔墨的“弹性”和“韵律”去阐述。它会形容线条的“刚劲”如铁，又如“柳叶”般柔美，这种对线条质感的描绘，让我对中国画的笔墨有了更深层次的理解。它还花了大量篇幅去讲解中国画的构图原则，比如“散点透视”和“移步换景”，这些原理让我开始理解为什么中国画的画面看起来如此自由而富有张力。书中的插图质量也很不错，虽然是黑白印刷，但细节都能清晰展现，而且选取图例的角度非常刁钻，总能恰到好处地印证作者的观点。这本书就像一位博学的长者，带着我漫步在中国画的历史长河中，让我不仅看到了画，更听到了画背后的故事和情感。
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