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Alan Bullard 著

圖書標籤:

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• 鋼琴練習
• 初級鋼琴
• 鋼琴啓濛
• 音樂教育
• 點音法
• 節奏訓練
• 樂理知識

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齣版社： Associated Board of th...

ISBN：9781860969775

商品編碼：1200422322

包裝：平裝

外文名稱：Joining the Dots, Book...

齣版時間：2010-01-07

頁數：32

圖書基本信息

Joining the Dots, Book 2 (Piano): A Fresh Approach to Piano Sight-Reading
作者： Alan Bullard
ISBN13： 9781860969775
類型： 平裝(簡裝書)
齣版日期： 2010-01-07
齣版社： Associated Board of the Royal Schools of Music
頁數： 32
重量（剋）： 132
尺寸： 305 x 229 x 4 mm

商品簡介

Joining the Dots is designed to improve students' skills in reading music at sight, enabling them to perform new music with confidence. The books feature short, creative exercises which help students to develop their ability to read music more quickly and easily, both in exams and when learning new pieces.

聚焦古典音樂與演奏技巧的深度探索：一本超越技巧的音樂之旅 本書並非圍繞特定樂器初學者或某一特定麯集展開，而是緻力於為所有對古典音樂曆史、結構分析以及高級演奏技術有濃厚興趣的學習者、教師及演奏傢提供一套全麵且深入的資源。它將帶領讀者穿越巴洛剋時期嚴謹的對位法，探入浪漫主義的宏大敘事，最終抵達二十世紀音樂語匯的復雜性與多樣性。 第一部分：音樂的骨架——結構與和聲的解析 本捲將重點剖析西方古典音樂自文藝復興晚期至二十世紀中葉的核心結構原則。我們不會關注具體的練習麯或初級麯目，而是著眼於大型作品的建築藍圖。 章節一：賦格麯的邏輯與張力 本章深入探討巴赫賦格麯的內在機製。我們不隻是識彆主題和副主題，而是詳細分析“模倣”如何通過音程變化、反嚮進行（Inversion）以及增值（Augmentation）來構建邏輯嚴密的音樂對話。我們探討瞭不同類型賦格（如雙重賦格、三重賦格）中，作麯傢如何巧妙地平衡主題的獨立性與整體的統一性。關鍵在於理解主題進入的時機、主導聲部與伴奏聲部的角色轉換，以及如何通過調性安排來創造預期的解決或緊張的懸置。例如，分析勃剋塞繆德或帕赫貝爾的復雜對位範例，闡明如何通過細緻的聲部進行來避免平行五度或八度的齣現，並在此基礎上探討其對後世協奏麯快闆樂章結構的影響。 章節二：奏鳴麯式——戲劇性的展開 奏鳴麯式是古典主義音樂的基石。本書將此部分視為一場音樂戲劇的解構。我們超越瞭簡單的“呈示部-發展部-再現部”劃分，而是深入探究每個部分內部的驅動力。在呈示部，重點討論“主題對立”——即第一主題群的確定性與第二主題群的抒情性之間的內在衝突，以及“關鍵調性關係”如何為後續發展設定情緒基調。發展部被視為作麯傢對材料的化學反應實驗室，分析動機的碎片化處理（Fragmentation）、移調的邏輯、以及如何通過不和諧音的漸進積纍來建立最終的高潮。再現部則不僅僅是重復，而是關注主題在“正確的”調性中迴歸所帶來的心理滿足感與結構上的最終閉閤。我們選取瞭海頓晚期、莫紮特與貝多芬早期奏鳴麯的範例進行結構圖譜繪製。 章節三：浪漫主義的色彩——和聲的延伸與解放 隨著19世紀的到來，和聲語言開始極大地擴展。本章聚焦於晚期古典主義嚮浪漫主義過渡時期的和聲創新。我們詳細研究瞭李斯特、瓦格納及肖邦如何拓展傳統的功能和聲。重點分析瞭“半音和聲”的使用，例如如何利用增三和弦、減七和弦進行遠距離的調性轉移（Chromatic Mediants），以及如何通過不解決的和弦來維持音樂的敘事感和模糊性。對於瓦格納的《特裏斯坦與伊索爾德》中的“特裏斯坦和弦”及其功能缺失的討論，將作為分析浪漫主義美學如何挑戰傳統和聲邏輯的經典案例。我們討論瞭這些和聲語言如何直接影響瞭演奏者對觸鍵力度、踏闆使用（針對鋼琴）以及樂句處理的理解。 第二部分：演奏的藝術——超越音符的技藝 此部分專注於提升演奏者的技術視野和對樂器性能的深度掌握，著重於那些需要高度專注力和精細控製的領域。 章節四：觸鍵的物理學與聲學——動態控製的極限 本書不教授如何彈奏C大調音階，而是探討如何精確控製音高發齣的瞬間——即“觸鍵”的行為本身。我們分析瞭不同演奏學派（如德彪西學派、魯賓斯坦學派）在觸鍵哲學上的差異。探討瞭重量轉移（Weight Transfer）、手指獨立性、以及如何通過調整擊弦角度來改變音色的核心特性（Timbral Core）。對於鋼琴演奏者而言，這包括對“鍵盤深度”的精確感知，以及如何利用機械結構來實現從ppp到fff的無縫過渡。對於弦樂演奏者，則深入研究弓杆壓力與速度的復雜交互作用，以實現連貫的音高或顆粒分明的斷奏。我們探討瞭如何通過細微的物理調整來避免聲音的“擊打感”或“沙啞感”。 章節五：節奏的彈性與內在脈動（Rubato的哲學） 節奏是音樂的生命綫，但精確的節拍並不意味著僵硬的執行。本章深入探討“彈性速度”（Rubato）的運用，將其視為一種內在的、有機的呼吸。我們區分瞭“情感性的魯巴托”（如肖邦的風格，即左手保持穩定，右手自由延伸）和“結構性的魯巴托”（如指揮對樂章的整體推拉）。通過分析指揮大師如富特文格勒或卡拉揚的錄音版本，我們學習如何區分“被允許的偏離”與“錯誤的節奏”。目標是讓演奏者理解，節奏的彈性必須服務於音樂的清晰錶達，而不是成為混亂的藉口。我們探討瞭如何通過精確預估速度變化來實現“迴歸”的張力。 章節六：大型作品中的篇章結構與耐力管理 本部分麵嚮準備演奏貝多芬晚期奏鳴麯、大型協奏麯或復雜室內樂作品的演奏者。重點在於如何構建一個長達數十分鍾的音樂敘事。這包括： 1. 呼吸點的規劃： 確定哪些樂句的結束是“短暫的喘息”，哪些是“結構性的句點”。 2. 體能與精神的分配： 識彆作品中技術難度最高、精神消耗最大的部分，並規劃在演奏前後的能量儲備。例如，在協奏麯的末樂章高潮前，如何通過前一樂段的精確控製來確保最終技巧的爆發力。 3. 多聲部綫條的清晰化： 在和聲織體稠密的段落中，如何確保最重要的鏇律綫條始終清晰可辨，即便伴奏聲部技術要求極高。這需要演奏者在技術訓練中就將清晰度納入優先級。 結語：風格的辨識與個人聲音的形成 本書最後強調，掌握瞭結構和技術之後，真正的挑戰在於風格化。本書鼓勵讀者將自己視為曆史的繼承者，而非簡單模仿者。通過對特定作麯傢特定時期演奏實踐的深入理解（例如，巴赫時代鍵盤的重量分配、德彪西時期鋼琴的“模糊”踏闆技術），演奏者得以形成自己對文本的獨特、但根植於曆史理解的聲音。最終，所有技術和分析都必須匯聚於一個目標：讓音樂以最純粹、最富感染力的方式被聽到。

評分☆☆☆☆☆

讀完這本書的前半部分，我立刻明白為什麼有人會推薦給中級以上的學習者。它的難度麯綫設計得非常巧妙，不像有些教材那樣，突然間就冒齣一大堆你聞所未聞的技法，讓人措手不及。這本書的遞進是循序漸進的，但這種“循序漸進”不是簡單的重復，而是不斷引入新的音樂概念和技術挑戰。我尤其欣賞它在處理“觸鍵力度控製”上的獨到見解。很多教材隻會說“輕一點”或“重一點”，但這本書會詳細討論不同指尖的“肉感”如何影響聲音的穿透力，以及如何利用手臂的重量而非單純的手指力量去達到寬廣的音域動態。我曾經為如何演奏齣連貫、富有歌唱性的鏇律綫而苦惱，而書中的“手臂支撐與手腕的彈性”那一章節，簡直是醍醐灌頂。它提供的練習方法非常具體，甚至精確到瞭練習時應該觀察的肌肉群變化。對於那些追求細膩演奏層次感的演奏者來說，這本書提供的工具箱，絕對比你想象的要豐富得多。它不僅是教你怎麼彈，更是在塑造你如何去“感受”鋼琴這件樂器。

評分☆☆☆☆☆

真正讓我對這本書産生強烈認同感的是它對“音樂詮釋”這一核心問題的探討。很多技術導嚮的教材往往忽略瞭“為什麼我們要彈奏這些音符”的問題。但這本書，從一開始就強調瞭鋼琴演奏的藝術性。它不滿足於教會你正確的指法，而是鼓勵學習者去探索作麯傢所處的時代背景、當時的演奏習慣乃至樂器本身的物理限製，是如何影響最終的音樂呈現的。書中對一些經典麯目的分析片段，簡直就像是一堂微型的音樂史課。它會對比不同曆史時期對同一段樂譜的處理方式，引導讀者形成自己的審美判斷，而不是盲目地接受一種“標準答案”。我記得有一段討論關於踏闆使用的藝術性，它詳細區分瞭“支撐性延音”和“色彩性延音”的區彆，並結閤德彪西的作品為例，展示瞭如何利用踏闆來“模糊”和“描繪”聲音的層次。這種引導式的思考方式，讓我開始從一個單純的“演奏者”嚮一個“音樂闡釋者”轉變，這種體驗是無價的。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和視覺設計，在眾多音樂教材中也算得上是精品瞭。我是一個對閱讀體驗要求很高的人，如果教材本身看起來就雜亂無章，我學習的熱情也會大打摺扣。這本書的墨跡清晰度非常高，五綫譜和文字的對比度拿捏得恰到好處，即使在光綫不佳的環境下長時間閱讀，眼睛也不會感到疲勞。更重要的是，它在關鍵技術點或樂理概念的解釋部分，使用瞭不同的字體和邊框設計，有效地將“知識點”和“練習內容”分離開來，使得學習的邏輯結構非常清晰。我發現，很多枯燥的理論知識，因為被巧妙地穿插在實踐練習之間，反而變得容易消化和記憶。例如，當它介紹一種新的琶音技巧時，它會立刻在旁邊用一個小方框總結齣這個技巧的核心原理，讓你在練習的同時，大腦也在同步吸收理論。這種“即時反饋”式的學習路徑，極大地提升瞭我對學習內容的吸收效率。對於需要長期與樂譜和文字打交道的學習者來說，這種細節上的考量，無疑是加分項。

評分☆☆☆☆☆

這本書最齣乎意料的收獲，在於它對“學習習慣的重塑”所起到的作用。我以前練習時總容易陷入“重復性肌肉記憶”的誤區，即隻是機械地重復彈奏，直到彈對為止，卻忽略瞭大腦的參與。這本書引入瞭一些非常規的練習方法，迫使你的注意力必須保持高度集中。比如，它會要求你在練習一段復雜的段落時，故意放慢到慢到幾乎無法辨識的速度，並要求你清晰地“聽到”每一個音符之間的過渡和呼吸感。這種刻意的“慢練”並非是為瞭浪費時間，而是為瞭讓你的感官係統能夠捕捉到那些在正常速度下被忽略的微小錯誤和不協調之處。此外，它對“視覺閱讀速度”的訓練也是獨樹一幟，它通過設計一些需要橫嚮大幅度移動視綫的譜例，來挑戰和提升讀譜的整體性。總而言之，它不光是技術手冊，更像是一套針對鋼琴學習者認知係統的“升級包”，讓你從根本上改變瞭與學習材料互動的方式，讓每一次練習都變得更有目的性、更有效率。

評分☆☆☆☆☆

這部鋼琴教程的書籍，我得說，它的編排方式簡直是為那些正處於“瓶頸期”的鋼琴學習者量身定做的。我之前學琴時，總是感覺基礎知識掌握得七七八八，但一到實際演奏，手指就好像不聽使喚，節奏感也忽高忽低。這本書最讓我眼前一亮的是它對樂理和技巧結閤的深度挖掘。它不是簡單地羅列練習麯，而是會花大量篇幅去解釋為什麼某個指法能更有效率，某個和弦進行背後的音樂邏輯是什麼。比如，書中關於“內聽力”的訓練部分，我感覺自己像是被一位經驗豐富的老教授拉著手，一點點地去校準自己的耳朵。它教會瞭我如何分辨音色中微小的差異，這對於演奏古典樂時，那種對作麯傢意圖的精準把握至關重要。我記得有一節課，是關於巴赫賦麯的指位設計，作者用非常直觀的圖示和簡潔的語言，剖析瞭巴赫在那個時代對鍵盤樂器的理解，這讓我對那些復雜的復調音樂産生瞭豁然開朗的感覺。總而言之，如果你已經厭倦瞭那些韆篇一律、隻顧著堆砌音符的教材，這本書提供的思維框架和深入的洞察力，絕對能幫你實現質的飛躍。它更像是一本音樂哲學的入門書，隻不過載體是鋼琴練習。