具体描述
内容简介
胡佩衡（1892-1965），原名衡，又名锡铨，号冷庵，河北涿县（今涿州）人。先后执教于北平师范、私立华北大学、北平师范大学、北平艺专等高校。中华人民共和国成立后，任北京中国画研究会常务理事、北京画院画师兼院务委员。著有《冷庵画诣》《画箑丛谈》《王石谷画法抉微》及《我怎样画山水画》等。胡氏幼承家学，喜点染丹青，得李静斋等人指点。初时取法清初“四王”，由此而上溯黄公望、吴镇及王蒙等，积累了深厚的笔墨功底。后入北京大学画法研究会，随比利时画家盖大士学习素描、油画、水彩画和图案等，逐渐将其吸收融入山水画创作中，提出用传统方法写生，由写生而创作的主张，形成了苍茫深秀、古拙简朴的风格。二十世纪五十年代后，益重写生，画风有变，更富于生活气息。
民国初年，胡氏任教于北京大学画学研究会时，尝受蔡元培先生委托编写成《山水入门》。至1956年秋，复在此书基础上进行修订，成《我怎样画山水画》一书，全书首先简要梳理了山水画的源流，接着详细介绍了山水画的基本知识，临摹、写生、创作的技巧，最后就画家创作的情感和政治学习做了讨论。层层深入，条分缕析；且随文捅配示意图，图文并茂，是较为经典的山水画入门读物。
内页插图
精彩书评
★层次分明点画工，启人心事见毫锋。他年画苑三千辈，个个勿忘念此翁。
——齐白石《读冷盒先生画卷题后》
★胡佩衡先生对于山水画理论，也有他特殊的贡献。他首先科学地分析了山水画的技法，用通俗的笔调描写了山水画的各种技法。（中略）他的画论比《芥子园画传》还要清楚明白，根据他的理论学习，很容易有成效。
——童书业《论胡佩衡先生的绘画》
★胡佩衡山水画苍茫雄秀，蓬勃酣畅，出自“四王”，对王石谷有研究，上涉黄公望、吴仲圭、王蒙，在北方有盛誉。六十岁后注重写生，识者谓其所作“笔酣意足，雍容大方，不激不厉，气韵灵动”。六十岁后步入佳境，常用大青绿等对比鲜明的色彩，给人以既厚重又新颖的感觉。
——邵洛羊《北方山水画家胡佩衡》
目录
导言再版的几句话
一、山水画的起源
为什么要画山水画
山水画发展的过程
二、山水画的基本练习
什么是笔墨
什么是用笔和用墨
怎样用笔
怎样用墨
怎样着色
怎样画树
枝干、树叶、杂树、柳松柏、群树和森林、竹草和杂卉 怎样画山石
皴法、擦法和染法，点苔、远山、云烟、水
怎样画人和物
三、临摹
怎样进行临摹
临摹前的分析
整幅画的临摹法
复制
多看古今人的作品
多读古今人的画论
四、写生
古人和写生
怎样进行写生
怎样搜集素材
写生应注意的几个问题
写生是山水画的发展道路
写生和临摹须互相参证
写生举例
五、创作
怎样进行创作
创作应注意的几个问题
剪裁、夸大、构图、初稿、怎样收拾、作画要表现时间性、怎样结合古人遗产、怎样汲取西画的优良技法、气韵生动 创作举例
六、画家的感情和政治学习
附录
一、绘画工具和颜料
二、题款和装裱
七、结束语——我学画五十年的经过
附录一 中国山水画气韵研究
附录二 中国山水画写生的问题
用户评价
当我第一次翻开《我怎样画山水画》时，心中充满了忐忑与期待。作为一名有着多年绘画基础，却总是在山水画的领域里感到难以突破的爱好者，我渴望找到一把钥匙，能够解锁那层层叠叠的意境，触及那笔墨深处的灵魂。这本书的封面设计就颇具匠心，水墨晕染出的远山朦胧，近处几笔勾勒的松树挺拔，仿佛带着一种穿越时空的古韵，瞬间就吸引了我。翻开目录，我惊喜地发现，作者并没有仅仅停留在技法的罗列，而是从山水画的哲学内涵、精神追求出发，一步步引导读者走进这个迷人的世界。他用极其细腻的笔触，讲述了古人如何观山悟道，如何将胸中丘壑化为笔下乾坤。书中对不同季节、不同时辰下山水景色的描绘，以及如何用墨的浓淡干湿来表现这些变化，都阐述得淋漓尽致。我尤其喜欢作者对“皴法”的讲解，他并非简单地介绍几种常用的皴法，而是深入剖析了每一种皴法产生的时代背景、地域特色，以及它所能表达的情感张力。读到“披麻皴”时，我仿佛看到了江南水乡烟雨朦胧的景象；读到“斧劈皴”时，我又感受到了北国山川的雄浑壮阔。书中附带的范画，更是给了我直观的感受，每一幅都饱含着作者深厚的功力和独到的见解，不仅仅是技巧的展示，更是一种情感的抒发。我尝试着按照书中的指导，临摹了几幅，虽然离作者的水平还差很远，但却惊讶地发现，自己对山石的体积感、空间的层次感有了更清晰的认识。这让我对手中的画笔多了一份信心，也多了一份敬畏。这本书就像一位循循善诱的老师，没有严苛的要求，却处处点拨，让我看到了山水画的无限可能。
评分在我多年的绘画探索中，山水画始终是我心中最难以逾越的高峰。《我怎样画山水画》这本书的出现，如同一道曙光，照亮了我前行的道路。作者并非仅仅以老师的姿态传授技法，而是以一位同道者的身份，与读者一同走进山水画的殿堂，共同领略其无穷的魅力。他首先从“读画”入手，引导读者如何去欣赏历代名家的作品，如何在作品中寻找灵感，学习他们的笔墨韵味和构图章法。我之前总觉得，临摹只是机械的模仿，却忽略了临摹背后所蕴含的“学养”和“神韵”。书中对“写生”的建议，也让我受益匪浅。作者鼓励读者多去户外写生，去感受真实的自然，去捕捉自然的“生气”。他讲解了如何在写生中抓住山水的“神”和“气”，而不是仅仅停留在“形”的描摹。我尝试着按照书中的指导，带着画夹去户外写生，惊喜地发现，当我真正置身于山林之中时，我对山水的理解，比在画室里要深刻得多。书中对“点景”的论述，也让我耳目一新。我之前总觉得，画点小人物、小舟只是为了填补画面空白，而作者指出，点景人物是画家情感的寄托，是与自然对话的媒介。他讲解了如何通过点景人物的姿态、表情，来烘托画面的意境，表达画家的情感。此外，书中还对“题款”和“印章”的运用进行了深入的探讨。作者认为，这些并非可有可无的点缀，而是画面整体艺术效果的重要组成部分。他讲解了如何根据画面内容和风格，来选择合适的字体和印章，以及如何通过题款来升华画面的意境。这本书让我觉得，山水画是一门综合的艺术，它不仅需要精湛的技法，更需要深厚的文化底蕴和高尚的艺术情操。
评分长久以来，我总觉得中国山水画是一种遥不可及的艺术，是那些饱读诗书、胸怀丘壑的大师们的专属。直到我偶然间翻阅了《我怎样画山水画》，才意识到，原来它并非只存在于博物馆的展柜里，而是可以走进每一个热爱生活、渴望宁静的人的心中。《我怎样画山水画》这本书，就像一位慈祥的长者，用最朴实、最真诚的语言，引导我一步步走进山水画的世界。作者在书中并没有上来就灌输枯燥的理论，而是从“师法自然”这个最根本的原则讲起，鼓励读者多去观察生活中的山川河流，去感受大自然的美。他用非常形象的比喻，描述了山石的“骨骼”、树木的“肌理”，以及云水的“神韵”，让我对描绘对象有了更深刻的认识。我之前画的山石，总是显得“僵硬”，没有生命力，而作者通过讲解“皴法”，让我理解了如何用不同的笔触来表现山石的结构和质感。他细致地分析了“披麻皴”的柔美、“斧劈皴”的刚劲，以及如何根据山石的形态来选择合适的皴法，让我觉得自己的笔下也开始有了“力量”。此外，书中对“树法”的讲解，也让我受益匪浅。我之前画的树，总是显得“单薄”，缺乏层次，而作者通过讲解“勾叶”、“点叶”、“破叶”等技法，让我明白了如何通过不同的用笔和用墨，来表现树的繁茂、疏朗，以及季节的变化。我尝试着按照书中的指导，反复练习，逐渐体会到笔墨在树叶上的“生命力”。这本书让我觉得，山水画并非高高在上，而是可以融入生活，可以成为表达情感、抒发情怀的载体。
评分在我收集的众多绘画书籍中，《我怎样画山水画》无疑是一颗璀璨的明珠。它不仅仅是一本技法指导手册，更是一本能够启迪心灵、升华审美的情感读物。书中的内容，如同一幅幅徐徐展开的画卷，引领我穿越古今，感受中国山水画的独特魅力。作者的文字，没有丝毫的浮夸，却充满了真挚的情感和深厚的功底。他用一种极其平和、耐心的语气，为我们揭示了山水画背后蕴含的东方哲学和美学思想。我尤其欣赏他对“笔墨”的阐释，他认为笔墨是中国山水画的灵魂，是画家情感和精神的载体。他细致地分析了不同笔法的特点，如“顿挫”、“提按”、“转折”，以及它们如何能够表现出山石的坚硬、松软，树木的挺拔、婆娑。我尝试着按照书中的指导，练习这些基本笔法，逐渐体会到笔墨在纸上的生命力。书中对“构图”的讲解，也让我眼前一亮。我之前画的构图，总是显得有些“散乱”，缺乏主次，而作者强调了“虚实相生”、“疏密有致”的重要性，并举例分析了“高远”、“深远”、“平远”等几种经典的构图方式，让我明白了如何通过对画面的经营，来营造出空间的层次感和纵深感。我根据书中的建议，尝试着调整自己的构图，惊喜地发现，画面立刻变得生动起来。此外，书中还对“设色”进行了深入的探讨，作者认为，山水画的设色，在于“古雅”、“淡远”，在于烘托意境，而不是单纯的色彩堆砌。他讲解了如何运用“花青”、“赭石”、“藤黄”等几种传统色料，以及如何通过“烘染”、“积染”等手法，来表现山水的层次和色彩的变化。
评分初识《我怎样画山水画》，便被其书名所吸引，总觉得绘画这事，说起来容易，做起来却难。尤其是中国山水画，那讲究的意境、那深厚的文化底蕴，非得有几分悟性才行。读了这本书，我才真正明白，原来我们看似随意的笔触，背后都蕴藏着古人千年的智慧与探索。作者在书中并没有一上来就教你如何勾线、如何设色，而是花了大篇幅去讲“胸有成竹”的由来，讲“笔墨精神”的含义。我之前总觉得，画山水就是把山画得像山，把水画得像水，但这本书让我意识到，山水画的魅力，更在于它所传达的情感和哲学思考。作者用非常生动的语言，描绘了文人墨客如何在自然山水中寻找灵感，如何通过笔墨来表达自己对天地万物的感悟。他举了很多古代名家的例子，分析了他们的作品，让我对历代山水画的发展脉络有了更清晰的认识。特别是关于“点景人物”的论述，我之前总觉得画点小人进去只是为了衬托山水的宏大，但作者指出，这些人物的出现，往往是画家的情感寄托，是人与自然的对话。书中对“云水”的处理，也让我受益匪浅。我之前画的云水，总是显得呆板，缺乏灵动感，而作者通过对不同天气下云水的形态、动势的细致观察和描绘，让我找到了突破口。他讲解了如何用飞白、宿墨来表现云的轻盈、水的流动，让我感觉自己的笔下似乎也开始有了生命力。这本书不仅仅是一本绘画教程，更像是一次与中国传统文化的深度对话，让我对“天人合一”的理念有了更深刻的理解。
评分当我收到《我怎样画山水画》这本书时，我最先感受到的，是一种久违的宁静。在这个喧嚣的世界里，这本书仿佛是一片绿洲，让我得以喘息，得以沉淀。作者以其温润如玉的笔触，为我描绘了一个充满诗情画意的山水世界。他并没有上来就教你画什么，而是先从“胸有丘壑”讲起，阐释了山水画的创作理念，以及如何通过观察和体验，将自然的山水内化于心，再通过笔墨表现出来。我之前总觉得，山水画的创作就是一种技艺的展现，却忽略了其背后所蕴含的文化精神和哲学思考。书中对“笔墨”的讲解，更是让我耳目一新。作者深入浅出地剖析了“点、线、面”在山水画中的运用，以及如何通过不同的用笔方式，来表现出山石的质感、纹理和光影。他详细介绍了“皴法”的演变和运用，以及如何根据不同的山石形态，选择最恰当的皴法。我尝试着按照书中的指导，去练习这些技法，惊喜地发现，我的笔下开始有了“筋骨”。此外，书中对“树法”的论述，也让我受益匪浅。我之前画的树，总是显得“单调”，缺乏变化，而作者通过讲解“勾叶”、“点叶”、“破叶”等技法，让我明白了如何通过不同的用笔和用墨，来表现树的繁茂、疏朗，以及季节的变化。我尝试着按照书中的指导，反复练习，逐渐体会到笔墨在树叶上的“生命力”。这本书让我觉得，山水画是一门需要沉浸和体悟的艺术，它不仅仅是技法的堆砌，更是心境的流露。
评分当我收到《我怎样画山水画》这本厚实的著作时，心中既有期待，也有一丝莫名的压力。毕竟，山水画在中国绘画史上占据着举足轻重的地位，其博大精深的内涵，常常令人望而却步。然而，当我翻开第一页，一股清新自然的墨香扑面而来，仿佛瞬间置身于高山流水之间。作者以其深厚的学养和细腻的笔触，将我带入了一个充满诗意与哲理的世界。他并没有一开始就急于传授具体的绘画技巧，而是从“天人合一”的哲学思想出发，阐释了山水画的本质在于“写意”，在于传达人与自然的和谐共生。我之前总觉得，画山水就是描摹景物，却忽略了画家内心的感受和对自然的体悟。书中对“笔墨”的讲解，更是让我醍醐灌顶。作者详细解析了“执笔”的重要性，以及如何通过不同的运笔方式，来表现出山石的坚硬、水流的柔韧。他以大量的范例，展示了“干笔”、“湿笔”、“飞白”等不同的用墨技巧，以及它们如何能够赋予画面以生命力和层次感。我尝试着按照书中的指导，去练习这些技巧，惊讶地发现，我的笔下似乎真的开始有了“呼吸”。此外，书中对“构图”的论述，也让我豁然开朗。我之前画的构图，总是显得“局促”，缺乏气韵，而作者强调了“留白”的艺术，以及如何通过“虚实相生”来营造出空间的纵深感和画面的意境。他讲解了“高远”、“深远”、“平远”等几种经典的构图方式，并配以精美的范画，让我对如何安排画面有了更清晰的认识。这本书不仅仅是一本绘画教程，更是一次心灵的洗礼，让我对中国传统文化有了更深刻的理解和感悟。
评分《我怎样画山水画》这本书，如同一位循循善诱的智者，在我绘画的道路上，给予了我最宝贵的指引。它没有华丽的辞藻，也没有故弄玄虚的理论，而是以一种极其朴实、真诚的态度，带我一步步走进山水画的殿堂。作者首先从“观察”这个最根本的环节讲起，鼓励读者去用心感受大自然的美，去体会山水的“气韵”。我之前画的山水，总是显得“生硬”，缺乏生命力，而作者通过对“山骨”、“水脉”、“云气”的细腻描绘，让我明白了如何去捕捉自然界中最微妙的动态。书中对“用墨”的讲解，更是让我受益匪浅。我之前用墨，总是显得“单调”，缺乏变化，而作者通过讲解“浓墨”、“淡墨”、“飞白”、“宿墨”等多种用墨技巧，让我明白了“墨分五彩”的真正含义。他甚至讲解了如何通过不同的笔触和用墨方式，来表现山石的“苍润”之感，这让我感觉我的笔下也开始有了“生命力”。此外，书中对“树法”的论述，也让我茅塞顿开。我之前画的树，总是显得“单调”，缺乏变化，而作者通过讲解“勾叶”、“点叶”、“破叶”等技法，让我明白了如何通过不同的用笔和用墨，来表现树的繁茂、疏朗，以及季节的变化。我尝试着按照书中的指导，反复练习，逐渐体会到笔墨在树叶上的“律动”。这本书让我觉得，山水画并非高不可攀，而是可以融入生活，可以成为表达情感、抒发情怀的载体。
评分作为一个多年在城市中生活的上班族，我时常怀念那种远离尘嚣、置身山林的宁静。《我怎样画山水画》这本书，恰好满足了我内心深处的这份渴望。当我打开这本书，一股淡淡的墨香扑面而来，仿佛置身于一个古朴的画室。作者的文字，如山间清泉般甘冽，如林间微风般轻柔，将我缓缓引入中国山水画的意境之中。他并没有用枯燥的术语堆砌，而是用故事、用哲理、用诗意的语言，阐释着山水画的奥秘。我特别喜欢他关于“意境”的解读，他说，山水画的最高境界，不在于形似，而在于神似，在于让观者在画面中感受到一种超越物质的生命力。他举例分析了元代山水画如何追求“逸笔草草”，又如何从中透出“山林野逸”之气。书中对“墨法”的讲解，更是让我茅塞顿开。我之前画的山石，总是显得过于“死板”，没有生命力，而作者通过对“五墨法”的详细讲解，以及如何运用这些方法来表现山石的质感、纹理和光影，让我对“墨分五彩”有了全新的认识。他甚至讲解了如何通过调墨、用笔的干湿枯润来表现山石的“苍润”之感，这对我来说简直是醍醐灌顶。此外，书中还涉及到“题款”和“印章”的运用，作者认为，这些并非简单的装饰，而是画面的有机组成部分，能够烘托画面的意境，增添画面的文化内涵。我认真研读了作者的每一处讲解，并对照他提供的范画进行揣摩，感觉自己对山水画的理解层次，已经提升了不止一个台阶。
评分《我怎样画山水画》这本书，是一场与中国传统水墨的浪漫邂逅。它不仅仅是一本绘画教程，更是一次对心灵的洗礼，让我重新审视了自己与自然的关系，与艺术的关系。作者的文字，如同一汪清澈的泉水，滋润着我干渴的心田。他没有采用那些艰涩难懂的术语，而是用最朴实、最真诚的语言，娓娓道来。他首先从“观察”这个最根本的环节讲起，鼓励读者去用心感受大自然的美，去体会山水的“气韵”。我之前画的山水，总是显得“生硬”，缺乏生命力，而作者通过对“山骨”、“水脉”、“云气”的细腻描绘，让我明白了如何去捕捉自然界中最微妙的动态。书中对“用墨”的讲解，更是让我受益匪浅。我之前用墨，总是显得“单调”，缺乏变化，而作者通过讲解“浓墨”、“淡墨”、“飞白”、“宿墨”等多种用墨技巧，让我明白了“墨分五彩”的真正含义。他甚至讲解了如何通过不同的笔触和用墨方式，来表现山石的“苍润”之感，这让我感觉我的笔下也开始有了“生命力”。此外，书中对“树法”的论述，也让我茅塞顿开。我之前画的树，总是显得“呆板”，缺乏姿态，而作者通过讲解“勾叶”、“点叶”、“破叶”等技法，让我明白了如何通过不同的用笔和用墨，来表现树的繁茂、疏朗，以及季节的变化。我尝试着按照书中的指导，反复练习，逐渐体会到笔墨在树叶上的“律动”。这本书让我觉得，山水画并非高不可攀，而是可以融入生活，可以成为表达情感、抒发情怀的载体。
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评分印刷精美、内容详实！实用性强！
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