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法因伯格 著

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552313321

商品编码：29471110946

包装：平装

出版时间：2018-01-01

基本信息

书名：法因伯格论钢琴演奏艺术

定价：98.00元

作者：法因伯格

出版社：上海音乐出版社

出版日期：2018-01-01

ISBN：9787552313321

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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本书为俄罗斯杰出钢琴家、作曲家、教育家法因伯格论述钢琴演奏艺术的名著。作者的真知卓见和睿智的指教有助于教师避免误导学生浪费精力和钻进死胡同，从而偏离了艺术的目标。对技艺道路上的实际难题提供了具体办法。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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【XH】 法因伯格论钢琴演奏艺术 序言 音乐，是人类情感的无声语言，是心灵深处最细腻的触动。而钢琴，作为乐器之王，以其宽广的音域、丰富的表现力和精湛的技艺，成为承载音乐灵魂的理想载体。在无数追求钢琴艺术高峰的演奏家和音乐爱好者心中，伊戈尔·法因伯格（Igor Fainberg）的名字，如同璀璨的星辰，引领着探索的航程。 法因伯格，一位集理论家、教育家、演奏家于一身的传奇人物，他将毕生的心血倾注于钢琴演奏艺术的研究与实践。他不仅是一位技艺精湛的演奏大师，更是一位深刻的思考者，他以其敏锐的洞察力和严谨的逻辑，剖析了钢琴演奏的本质，揭示了通往卓越境界的路径。本书，正是法因伯格思想精华的结晶，是对钢琴演奏艺术一场全面而深刻的探索。 本书并非一本枯燥的理论说教，更不是一套死板的练习手册。它是一次心灵的对话，一次智慧的启迪，一次对艺术真谛的追寻。法因伯格以其独到的视角，将抽象的音乐概念具象化，将复杂的演奏技巧系统化，将深奥的哲学思考与音乐实践融为一体。他引导读者超越表面的音符，深入到音乐的情感内核，理解每一个音符背后的生命力，体会每一次触键所蕴含的意义。 本书的价值，在于其能够触及钢琴演奏的根本问题。它不仅为有志于从事钢琴演奏的专业人士提供了宝贵的指导，也为所有热爱音乐、喜爱钢琴的听众打开了一扇理解音乐的全新窗口。通过阅读本书，你将学会如何倾听，如何感知，如何思考，如何在指尖之上，唤醒音乐的灵魂。 第一章：触键的哲学——物理与精神的交织 钢琴的演奏，始于指尖与琴键的每一次接触。然而，这看似简单的物理动作，却蕴含着深邃的哲学意义。法因伯格认为，每一次触键，都是物理力量与精神意图的完美结合。他强调，仅仅掌握僵硬的技巧，模仿他人的指法，是无法触及音乐的灵魂的。真正的演奏，需要演奏者将自己的情感、思想、甚至生命体验，注入到每一次触键之中。 他深入剖析了触键的力度、速度、以及与琴键接触的角度等物理因素，并将其与演奏者内心的情感状态、音乐的表达需求紧密联系起来。例如，在表达悲伤的情绪时，触键需要更加沉重、舒缓，仿佛每一次下键都在诉说着一段心事；而在展现激昂的乐章时，触键则需要果断、有力，如疾风骤雨般倾泻而出。法因伯格并非简单地要求演奏者“用力”或“轻柔”，而是引导他们理解，何种触键能够最准确、最生动地传达音乐所蕴含的特定情感。 他提出“情感触键”的概念，强调演奏者需要具备一种将抽象情感转化为具体触键的能力。这需要长期的训练，更需要对音乐作品深刻的理解和对自身情感世界的探索。法因伯格认为，音乐的“歌唱性”正是来源于这种情感触键，它使得钢琴能够发出如人声般富有生命力的声音。他鼓励演奏者在练习中，时刻关注自己指尖下声音的变化，尝试不同的触键方式，去发现那些最能唤起情感共鸣的音响。 此外，法因伯格还探讨了触键与演奏者身体的协调性。他认为，僵硬的身体会束缚住指尖的灵活性，阻碍情感的流动。因此，他提倡一种全身心的投入，从肩膀、手臂到手腕、手指，都应该保持一种放松而富有弹性的状态，让力量能够顺畅地从身体传递到指尖。这种整体性的协调，不仅能够提高演奏的技巧，更能让演奏者在长时间的演奏中保持充沛的精力，避免不必要的疲劳。 第二章：音色的魔法——色彩与情感的画笔 钢琴的音色，是音乐得以呈现其丰富性和多样性的关键。法因伯格将音色视为音乐的“色彩”，他认为，优秀的钢琴演奏者，如同杰出的画家，能够运用不同的音色来描绘出千变万化的音乐图景，唤起听众丰富的情感联想。 他深入剖析了影响钢琴音色的各种因素，包括琴键的触感、踏板的使用、甚至演奏者呼吸的节奏。法因伯格反对将音色仅仅看作是“明亮”或“柔和”的简单二分法。他认为，音色是极其 nuanced 的，可以从最微弱的低语到最宏伟的合唱，从最剔透的晶莹到最浓郁的丝绒，变化无穷。他强调，演奏者需要培养对音色极其敏锐的感知能力，能够区分微小的音色差异，并根据音乐的需要，有意识地去创造和运用这些差异。 法因伯格详细阐述了如何通过精妙的触键控制来塑造音色。例如，他解释了如何通过不同的触键速度和深度，来获得饱满浑厚的中低音，清脆明亮的泛音，以及柔和细腻的弱音。他将这些技巧比喻为画家调配颜料，通过对不同色彩的巧妙组合，创造出具有生命力的画面。 踏板的使用，在法因伯格看来，更是音色魔法的重要组成部分。他认为，踏板并非仅仅用于延长音符或模糊音响，而是能够赋予音乐空间感、连贯性，甚至是一种“呼吸感”。他教导读者如何精妙地控制延音踏板，如何通过半踏板来创造出朦胧而富有诗意的音响，以及如何运用了音踏板来强调乐句的清晰度和节奏的律动。他强调，踏板的使用应该与音乐的乐句、和声以及整体的情感走向相辅相成，而非机械的重复。 除了触键和踏板，法因伯格还强调了演奏者内在的情感状态对音色的影响。他认为，当演奏者内心充满喜悦时，发出的音色自然会更加明亮、富有活力；而当内心深沉而宁静时，音色则会显得更加深邃、悠远。因此，他鼓励演奏者在演奏前，先调整自己的情绪状态，让内心的情感与音乐的表达需求达到和谐统一。 第三章：音乐的结构与灵魂——逻辑与情感的对话 音乐并非零散音符的堆砌，而是拥有内在逻辑和情感结构的有机整体。法因伯格将音乐的结构比作建筑的骨架，而情感则是赋予这座建筑生命力的灵魂。他认为，优秀的钢琴演奏者，不仅要能够精确地演奏出每一个音符，更要深刻理解音乐的结构，并用情感去填充和激活它。 他引导读者去分析乐曲的曲式结构，理解乐句与乐段之间的关系，识别主题的发展与变奏。法因伯格强调，对结构的理解，并非是对僵化的条框的遵守，而是为了更好地把握音乐的整体走向，让每一个声部、每一个乐句都服务于整体的表达。他认为，通过清晰的结构感，演奏者能够引导听众进入音乐的世界，让他们能够跟随音乐的脉络，感受到音乐的起伏与发展。 同时，法因伯格也深刻地剖析了音乐的情感内涵。他认为，每一首乐曲，无论其风格如何，都承载着作曲家独特的情感体验和人生感悟。演奏者需要做的，不仅仅是技术上的完美还原，更是通过自己的理解和再创造，将这些情感传递给听众。他鼓励演奏者深入研究乐曲的时代背景、作曲家的生平经历，以及作品本身所蕴含的诗意与哲学。 他提出“情感逻辑”的概念，认为音乐的情感并非是随意的情绪宣泄，而是遵循着内在的逻辑发展。例如，一段悲伤的旋律，可能并非仅仅是简单的低沉，而是包含了无奈、哀伤、回忆、甚至是一种对美好事物的留恋。演奏者需要捕捉到这些细微的情感变化，并用恰当的音色、节奏和力度来表现。 法因伯格还强调了音乐的“叙事性”。他认为，很多器乐作品，尤其是奏鸣曲、交响曲等大型作品，都如同史诗般的叙事，有着清晰的开端、发展、高潮和结尾。演奏者需要像一位优秀的讲故事者，用自己的声音和情感，将这段音乐故事娓娓道来，让听众沉浸其中。 第四章：演奏者的修行——技艺的锤炼与心灵的成长 钢琴演奏，是一场永无止境的修行。法因伯格认为，卓越的钢琴演奏家，不仅需要精湛的技艺，更需要强大的内心和持续的精神成长。他将演奏者的修行分为技艺的锤炼与心灵的成长两个相互促进的层面。 在技艺的锤炼方面，法因伯格强调了系统性与科学性的重要性。他并非反对技巧的刻苦练习，而是提倡一种有目的、有针对性的练习。他鼓励演奏者深入分析自己的技术瓶颈，并针对性地进行训练。他提出的练习方法，往往强调“质”而非“量”，注重每一次练习的专注度和效率。 他提到了“肌肉记忆”与“听觉记忆”的结合，认为只有当指尖的动作与内心的听觉画面完全同步时，才能真正实现技术上的自由。法因伯格还强调了对乐谱的深入研究，不仅仅是看懂音符，更是要理解作曲家每一个标记背后的意图。他认为，每一个省略号、每一个重音、每一个渐弱，都蕴含着作曲家的音乐语言。 然而，法因伯格更看重的是心灵的成长。他认为，真正的音乐表现，源于一颗自由、敏感、且富有同情心的大脑。他鼓励演奏者保持对生活的热情，多读书、多思考、多体验，丰富自己的内心世界。他认为，只有内心世界丰富的人，才能在音乐中挖掘出更深层次的内涵，才能用音乐去触动他人。 他提出了“演奏者的谦卑”概念，认为即使是技艺最精湛的演奏者，也应该始终保持对音乐的敬畏之心。他们是音乐的传递者，而非音乐的创造者。他们应该以一种虔诚的态度去接近作品，去理解作曲家的意图，去将音乐最美好的部分呈现给听众。 法因伯格还探讨了演奏者面对压力和紧张的心态。他认为，适度的紧张能够激发演奏者的潜能，但过度紧张则会阻碍技艺的发挥。他提供了一些心理调适的方法，例如通过冥想、深呼吸来放松身心，通过积极的自我暗示来建立自信。 结语 【XH】 法因伯格论钢琴演奏艺术，是一部献给所有热爱钢琴艺术人士的瑰宝。它不仅仅是一本关于技巧的书，更是一本关于音乐哲学、关于艺术人生、关于心灵成长的指南。法因伯格用他毕生的智慧与热情，为我们描绘了通往卓越钢琴演奏艺术的宏伟蓝图。 阅读本书，你将感受到一位伟大艺术家的深邃思考，你将获得一套全新的理解音乐的方式，你将踏上一段充满发现与启迪的艺术旅程。愿本书能够点燃你心中对音乐的热爱，愿你的指尖能够在键盘之上，奏响最动人的旋律，传递最真挚的情感。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经学习了十几年钢琴的业余爱好者，我深知“瓶颈期”的可怕。很多时候，我们技巧上去了，但音乐性却停滞不前，听起来总是缺少了点“味道”。这本书的出现，就像一剂强心针，精准地击中了我的痛点。作者对于“情感注入”和“音乐呼吸”的探讨，完全跳出了传统技术流的窠臼。他没有过多地纠结于手指的物理运动，而是着重于如何让演奏者真正理解作曲家想要表达的情绪基调。其中关于“留白”艺术的论述，更是让我醍醐灌顶——很多时候，声音的消失比声音的出现更具力量。我尝试着根据书中的指导，放慢对某些乐段的处理速度，尝试用更宽广的呼吸去驾驭长乐句，结果令人惊喜，原本僵硬的表达瞬间变得流畅而富有生命力。这本书对于如何建立个人化的、成熟的音乐语汇，提供了极其宝贵的思路和方法论。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的文字密度非常高，初读时需要极大的专注力才能跟上作者的思路，这对于习惯了碎片化阅读的现代读者来说，或许是一个挑战。但是，一旦你沉浸其中，你会发现这种“挑战”正是其价值所在。它拒绝提供任何敷衍了事的答案，而是要求读者投入时间去消化、去反思、去实践。我发现，每隔一段时间重读某个章节，都会有新的感悟，这证明了其内容的深度和复杂性是经得起时间考验的。特别是其中关于演奏者自我审视的部分，作者引导我们去直面自己的偏见和习惯性的错误，这要求极大的勇气和谦逊。我尤其喜欢作者用近乎诗意的语言来描述某些听觉感受，比如“将音符打磨成琥珀般的质感”，这种美学上的引领，远比简单的技术指令要来得深刻和持久。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，深邃的蓝色调与烫金的字体交相辉映，散发出一种古典而又充满力量的气息。我是在一个偶然的机会接触到这本书的，当时正值我苦于技法瓶颈期，对如何更深层次地理解音乐和表达情感感到迷茫。翻开第一页，那种扑面而来的专业感和严谨性立刻抓住了我的注意力。作者的文字仿佛带着一种魔力，不仅仅是枯燥的理论堆砌，而是将复杂的演奏技巧与深刻的哲学思考巧妙地融合在一起。阅读过程中，我仿佛置身于大师的课堂，那些曾经困扰我的技术难题，在作者的条分缕析下，变得清晰可见。他对于触键的细腻描述，对于音色控制的精妙讲解，都让我对钢琴这门乐器有了全新的认识。这本书不仅仅是一本技术指南，更像是一份对音乐人灵魂的拷问，引导读者去探索艺术的真谛。读完前三分之一，我已经迫不及待地想回到琴边，将学到的东西付诸实践，那种醍醐灌顶的快感是难以言喻的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量也值得称赞，这对于一本需要反复翻阅的工具书来说至关重要。纸张的厚度和触感都很适宜长时间阅读，排版清晰，图文比例恰到好处，使得复杂的乐谱示例和理论图示能够被清晰地呈现出来。从一个纯粹的读者角度来说，这本书给我带来的最大收获是建立了一种“整体观”。它不再将钢琴学习视为孤立的技巧训练，而是将其置于整个音乐史、美学思潮乃至个人生命体验的宏大背景之下进行考量。阅读完毕后，我拿起琴键的感觉都变了，不再是单纯地去“弹奏”某个音符，而是去“构建”一个完整的听觉世界。这本书无疑是钢琴学习者书架上不可或缺的一块基石，它的价值会随着演奏者阅历的增长而愈发凸显，绝对是一次物超所值的“精神投资”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排实在是太精妙了，简直是教科书级别的范本。它并非那种平铺直叙的流水账式记录，而是采用了层层递进的逻辑链条，从最基础的身体感知，到复杂的音乐结构分析，再到最后的舞台心理调适，每一步都衔接得天衣无缝。我特别欣赏作者在论述某一特定技术点时，总能引用大量的历史实例或具体的音乐作品作为佐证，这使得原本抽象的理论变得鲜活起来，极具说服力。举个例子，当他谈到如何处理巴赫赋格中的复调线条时，那种对声部独立性的强调，以及如何通过触键的细微差异来区分主次旋律，简直让人茅塞顿开。阅读这本书的过程，就像是进行一次马拉松式的精神攀登，每翻过一章，我都感觉自己的认知边界又被拓宽了一截。那种知识体系的完整性和逻辑的严密性，让这本书超越了一般的演奏指导手册，上升到了理论研究的高度。