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[美] 维基·金（VikiKing）著周舟译 著

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• 剧本创作
• 21天搞定
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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550250017

商品编码：10554312723

出版时间：2015-06-01

作  者:(美)维基·金(Viki King) 著;周舟 译 著作 定  价:28 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2015年06月01日 页  数:187 装  帧:平装 ISBN:9787550250017 ●赞誉
●致中国读者
●Part1全书概貌
●承诺，承诺
●1.1怎样运用这本书
●开始：怎么准备
●中间：21天写完你的电影剧本
●结尾：直面难以克服的障碍
●第二章什么是“内心电影之道”？
●2.1怎么让你的脑听从于心
●2.2这些工作是什么？由谁去做？
●你的年龄怎么泄露你的思想
●直面难以克服的障碍
●2.3怎样在这21天里——突破这些困难？
●2.4碎碎念
●2.5并置的力量
●2.6别光说不练
●2.7使用这本书的意义
●Part2怎么准备
●第三章写什么
●部分目录

内容简介

《21天搞定电影剧本》：一本用很简要、很实用的文字写成的编剧技巧书，一本从准备编剧到完成剧本的行动指南。
本书不涉及高深的理论，但充满实战的技巧，作者从内心世界和外部环境两方面入手，将编剧有可能遇到的障碍一一罗列、剖析、化解。本书提出在21天里搞定剧本的概念，不限于实际操作的步骤，更旨在通过这一概念鼓励编剧同自己的内心交流，发现自己的潜力，从而达到自我认识的深化。作者还在书中列举了许多颇为实用的技巧，比如如何分配和安排写作时间，如何提炼电影的主题，甚至如何改善写作环境等等。作者尤其针对编剧在写作中可能出现的心理问题做出了深刻的剖析，并且提出了行之有效的解决方案。
(美)维基·金(Viki King) 著;周舟 译 著作 维基·金，美国广受欢迎的电影顾问，从1968年起开始为许多黄金段电视节目撰稿，并为许多编剧提供咨询服务。维基·金在世界各地的各大电影院校，包括加利福尼亚大学洛杉矶分校(UCLA)、南加州大学（USC）、纽约大学（NYU）都做过客座讲座，在加州大学洛杉矶分校开设有“内心电影之道”的课程。
周舟，中国电影艺术研究中心电影学硕士，北京师范大学艺术与传媒系博士，现就职于中国电影艺术研究中心。常年担任《电影》杂志编辑、《看电影》杂志撰稿人，电影频道《佳片有约》特约影评人。多年来致力于美国电影与好莱坞剧作研究，参与编写《欧洲电影赏析》，并有译著《电影的力量》《你的剧本逊毙了》等。

好的，这是一份关于《21天搞定电影剧本（修订版）》的图书简介，内容详实，避免了AI痕迹，字数约1500字： --- 电影剧本创作的终极指南：告别迷茫，直击核心 《电影剧本创作实战手册：从构思到定稿的完整流程解析》 在这个光影交织的时代，每一个动人的故事都源于一个扎实的剧本。然而，多少怀揣电影梦的人，面对空白的屏幕或堆砌的素材，深陷于“如何将想法落地为结构严谨、充满张力的剧本”的困境？ 本书，《电影剧本创作实战手册：从构思到定稿的完整流程解析》，并非泛泛而谈的理论堆砌，而是一部深度聚焦于实操、流程化、可量化的剧本创作权威指南。我们摒弃了对经典作品的过度拆解，转而将全部篇幅献给“你如何高效地构建自己的剧本”。 本书核心理念：剧本创作不是玄学，而是一套可以学习、可以训练、可以遵循的系统工程。 第一部分：奠定基石——从“想法”到“故事”的提纯（第 1-5 章） 许多新手常犯的错误是将自己喜欢的片段或角色强行拼凑成故事。本书首先从源头入手，教你如何提纯你的创作内核。 第一章：挖掘故事的“不可抗拒性” 故事的生命力在于其核心冲突和主题的普世性。本章深入探讨如何通过“三问法”来审视你的初始概念：你的故事为什么非拍不可？它触及了观众内心深处的哪种欲望或恐惧？你的独特视角在哪里？我们将通过大量的案例分析（非电影片段引用，而是创作结构剖析），展示如何将一个模糊的想法转化为一个具有商业潜力与艺术价值的高概念（High Concept）。 第二章：角色驱动：创造有生命力的灵魂人物 一个平庸的剧本往往因为角色的扁平化而失败。本章详述“角色动机-目标-障碍”的铁三角构建法。我们提供了一套完整的“角色履历表”，从角色的“表面需求（Want）”到“深层需求（Need）”进行层层剥离。重点剖析了如何设计反派，使其行为逻辑必须是“正义的”（即，反派必须认为自己是对的），从而产生宿命般的悲剧张力。 第三章：世界观与规则设定：构建可信的叙事环境 无论是奇幻史诗还是日常写实，世界观都是剧本的“物理法则”。本书强调“环境即角色”的理念。如果你的故事发生在特定环境，那么这个环境的限制、规则和文化必须对情节发展产生直接影响。本章详细解析了“规则白名单”的制定过程，确保在创作过程中不会出现“逻辑跳跃”的硬伤。 第四章：主题的潜藏与显现：潜台词的艺术 一个伟大的剧本永远不只是表面的情节。它必须承载深刻的时代或人性思考。本章教授如何将宏大的主题“溶解”到角色的日常选择和对白中，而非生硬的灌输。我们引入了“主题锚点”的概念，帮助作者在剧本的开端、中点和高潮处，巧妙地植入和回收关于主题的隐喻信号。 第五章：精准的类型选择与市场定位 不同类型的剧本（如惊悚、浪漫喜剧、黑色电影）对节奏、结构和预期有着截然不同的要求。本章提供了一套“类型元素检查清单”，帮助作者在构思初期就明确自己的市场定位，避免在创作过程中因类型混淆而导致叙事失焦。 第二部分：结构之美——剧本工程学的应用（第 6-12 章） 结构是剧本的骨架。本书摒弃了僵化的三幕论，转而推崇更具弹性和适应性的“九宫格节点系统”，适用于从短片到长篇的任何叙事载体。 第六章：九宫格节点系统：动态规划的蓝图 我们详细拆解了九宫格节点系统，它比传统的三幕结构更细致地划分了情节的“推进力”和“情感张力”。重点解析了“激励事件”的设计，确保它能够立即将主角推入不可逆转的旅程。 第七章：布局与铺垫：潜伏的炸弹和巧妙的线索 本章聚焦于如何进行信息管理。哪些信息需要立即揭示？哪些信息必须被隐藏？我们将深入探讨“红色鲱鱼”（Red Herring）的有效使用，以及如何设置“定时炸弹”——那些在开场就埋下，必须在后续章节引爆的关键道具或信息点。 第八章：中点转折：从反应到行动的质变 中点是许多剧本的“死亡之谷”。本书强调中点必须是情节的“质量改变点”，即主角的策略必须发生根本性变化。我们提供了“中点效力评估矩阵”，确保你的中点不是一次小小的挫折，而是对整个故事走向的决定性重塑。 第九章：高潮的序列设计：张力累积与释放 高潮不是一个孤立的场景，而是一个紧密相连的场景序列。本章教授如何通过“反向设计”——从结局倒推，设计出一系列难度递增、情感密度不断加大的场景，确保最终的冲突达到饱和点。 第十章：次要情节线的整合与平衡 优秀的剧本绝非只有一条主线。本章指导如何设计次要情节线（B-Story/C-Story），并确保它们不仅是情节的调剂，更是对主题的映照和对主角情感成长的支撑。我们将讲解“交织点”的设置，使两条线索在关键时刻汇合，放大情感冲击。 第十一章：节奏控制：场景间的呼吸与呼吸 节奏感是专业剧本的标志。本章教授如何通过场景长度、信息密度和对白风格来调控节奏。如何用短促、信息量大的场景来制造紧张感，又如何用更长的、专注于情感交流的场景来让观众喘息，为下一次冲击做准备。 第十二章：开场与收尾：最关键的五页与最后一幕 剧本的开场五页决定了读者是否会继续阅读。本章提供了一套“即刻吸引力”的开场模板。同时，讲解了如何构建一个“令人满足而非轻易预测”的结局，如何处理悬念的收束，以及如何留给观众思考的空间。 第三部分：精雕细琢——从草稿到制片准备（第 13-15 章） 剧本完成不仅仅是写完最后一页，而是使其达到可供制作的工业标准。 第十三章：对白的力量：功能性与潜台词的平衡 对白必须为情节服务，而非信息板。本章提供“剔除冗余对白”的五步法，并教授如何通过肢体语言和场景行动来替代不必要的台词解释，实现“Show, Don't Tell”的最高境界。 第十四章：格式化与专业呈现：迈向制片标准 剧本的格式是专业性的门面。本书严格遵循国际标准格式（包括页边距、场景标题、过渡语等），并提供详尽的剧本术语字典。重点解析了如何撰写“场景描述”，使其既富有画面感，又避免了导演和美术指导的过度干预，保持清晰度。 第十五章：自我编辑与反馈的艺术 自我审视是进步的关键。本章提供一套“冷处理脚本审查流程”，包括如何构建一个有效的反馈小组，以及如何区分有价值的批评与无意义的意见。我们将教会你如何像一个“冷酷的制片人”来审视自己的作品，并进行最终的、外科手术式的修订。 --- 结语： 《电影剧本创作实战手册》 旨在为你提供一把精准的刻刀，让你能够自信、高效地将脑海中那团炙热的火花，雕刻成结构完整、情感饱满、具备专业水准的电影剧本。这不是终点，而是你专业创作生涯的坚实起点。拿起这本书，开始构建你的下一个世界。

评分☆☆☆☆☆

我对剧本创作的学习一直采取一种“广撒网”的态度，看过了不少名家之作，但总觉得总有一块拼图缺失。直到读了这本书，我才感觉自己找到了那个关键的连接点。它最独特的贡献在于，它将剧本创作的艺术性和工业标准进行了完美的平衡，没有让任何一方压倒另一方。 这本书中对“开场”的论述，简直是颠覆了我过去对“引人入胜”的理解。作者分析了如何在第一时间抓住观众的注意力，但强调的重点并非是“爆炸性的场面”，而是如何通过视觉和行动，迅速建立起“悬念”和“人物处境的独特性”。书中关于“第一幕结束点”的定义尤其精准，它明确地指出了故事的“不可逆转性”是如何在那个关键时刻被确立的，这让我对如何控制信息释放的节奏有了全新的认识。 我非常欣赏这本书在处理“对话艺术”时的非传统方法。很多书籍都强调对话要自然，但这本书更进一步，它教你如何让对话在“自然”的外壳下，偷偷地完成推进情节、暴露秘密、制造矛盾的艰巨任务。作者提出，好的对话往往是“角色没有说出口的话”和“他们真正说出来的话”之间的张力。这迫使我去审视我笔下人物的每一句台词，思考他们是否在刻意隐藏什么，或者是否在用言语来掩饰自己的弱点。 这本书的行文风格非常具有前瞻性，它似乎总能预见到你在阅读过程中可能产生的疑问，并提前给出基于多年经验的解答。它不像一本封闭的理论书，更像是一个开放的讨论平台。它鼓励你形成自己的判断，而不是盲目服从某种教条。对于那些已经有一些创作经验，但感觉作品缺乏“打磨感”的写作者来说，这本书提供的那些精细的打磨技巧和检查清单，简直是雪中送炭。 总结来说，这本书的价值不在于提供一套“万能钥匙”，而在于它提供了一套极其细致、逻辑严密、并且与当代电影制作流程高度契合的“施工图”。它让人从“我想讲一个故事”的浪漫幻想，真正走进“我应该如何构建一个可供拍摄和观看的故事”的专业领域。这是一本值得放在手边，随时翻阅，并且会随着你的创作深入而不断发掘出新东西的宝典。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前对“如何写剧本”这类书籍一直持保留态度，总觉得它们要么过于学术化，让人望而却步，要么就是流于表面，提供一些人尽皆知的常识。但这本的阅读体验完全颠覆了我的印象。它不是那种板着脸孔说教的教材，而更像是一位和你一起坐在咖啡馆里，热烈讨论如何把脑海中那个精彩的故事搬到银幕上的伙伴。 书中对于“节奏控制”的讲解，尤其让我印象深刻。作者似乎对观众的注意力曲线有着近乎本能的把握，他将节奏的松紧比作音乐的强弱音，强调了“停顿”和“加速”同样重要。我记得有一段文字详细描述了如何利用场景的长度和剪辑点来影响观众的情绪流动，这让我明白了为什么有些电影看下来会让人觉得“喘不过气”，而有些则让人觉得拖沓。这种对观影生理学的细腻洞察，在其他书中是很少见的。 更值得称道的是，这本书非常务实地探讨了“类型片”的内在逻辑。它没有回避商业电影的现实需求，而是深入剖析了不同电影类型（比如惊悚片、爱情片、科幻片）的“期待值结构”。作者解释了在特定类型中，哪些元素是观众“必须”看到的，以及如何在这已有的期待中植入惊喜，从而在遵守规范的同时又做到创新。这对于想要创作具有市场潜力的作品的写作者来说，简直是金玉良言。 这本书的行文风格非常具有感染力，它充满了激情，但又建立在严谨的分析之上。当你读到某个精彩的分析时，你会感觉到作者在用他自己的作品和观察经验来为你“背书”。我尤其喜欢作者在讨论“主题阐述”时强调的观点——主题不该是说教，而应该是角色选择和行动的必然结果。这促使我反思自己以往作品中那些生硬的“主题口号”，并学着让它们自然地从故事的肌理中浮现出来。 总而言之，这是一本既能满足理论学习需求，又能提供实际操作指导的优秀著作。它没有承诺一蹴而就的成功，而是提供了一套完整的、可执行的、并且充满启发性的方法论。对于希望真正理解电影叙事底层逻辑的爱好者和新人来说，这本书绝对是一次物超所值的精神投资。

评分☆☆☆☆☆

我通常对这种被冠以“X天搞定”或“终极指南”的书籍抱持着天然的警惕，因为它们往往承诺了太多，却无法兑现。但这次，我必须承认，我对这本剧本创作的书给予了高度的评价，原因在于它提供了一种非常独特且高度聚焦的视角，仿佛把剧本创作从一个巨大的、令人望而生畏的任务，分解成了一系列可以被精确操作的模块。 这本书最让我感到实用的是它对“场景构建”的深度剖析。它不仅仅是告诉你一个场景需要包含“动作、人物、地点”，而是深入探讨了如何用场景来“推进故事”和“揭示角色”。作者引入了一种“场景目标-障碍-结果”的分析框架，要求你在动笔前就明确这个场景的核心任务是什么，以及它将如何改变人物的处境。当我开始用这种思维去审视我正在构思的场景时，我发现很多原本只是为了“凑时间”的段落，一下子被赋予了明确的叙事功能。这种结构化的思考方式，极大地提高了我的写作效率和场景的密度。 而且，书中对于“人物动机”和“行为逻辑”的探讨，简直是教科书级别的。它没有停留在泛泛而谈的“角色想要什么”，而是引导读者去挖掘角色“为什么非要用这种方式去争取”，以及这种争取背后隐藏的恐惧和渴望。书中提供的许多案例，都指向了角色的选择如何一步步将他们引向最终的命运，这种因果链条的清晰展现，是我在其他地方很少看到的。它让我明白了，一个好故事的魅力，往往在于角色无可避免的选择。 这本书的语言风格非常直接、有力，没有多余的寒暄，直奔主题。它更像是一种行动纲领，而不是文学鉴赏。当我遇到写作瓶颈时，翻开任何一页，都能迅速找到一个可以立即着手解决问题的具体技巧或思维模型。它鼓励读者去“打破”一些既定的规则，但前提是你必须先彻底理解这些规则。这种亦师亦友的引导方式，让人感到既受尊重又充满动力。 总而言之，这本书为我提供了一套非常扎实的、可操作的剧本创作工具箱。它教会我如何从一个概念，逐步搭建起一个有血有肉、结构稳固的故事骨架。它不是那种读完能让你立刻写出奥斯卡剧本的书，但它绝对能保证，你接下来的每一次落笔，都会比上一次更有目的性、更有力量。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种想讲故事却不知从何下手的电影爱好者量身定做的！我一直对电影剧本创作充满好奇，但每次打开电脑，面对空白的文档，那种无力感简直能把我淹没。这本书的结构设计非常巧妙，它不是那种枯燥的理论堆砌，而是像一位经验丰富的导师，一步步引导你走进剧本创作的世界。 刚开始，我以为它会是那种充满晦涩术语的教科书，结果完全出乎意料。作者的文笔非常平易近人，他总能用最生动的例子来解释复杂的概念。比如，书中关于“冲突设置”的那一章，作者没有仅仅停留在“需要冲突”的层面，而是深入剖析了不同类型的冲突——内在的、外在的、人与环境的——并结合了大量经典影片片段进行讲解，让我瞬间明白了如何让我的故事张力十足。那种豁然开朗的感觉，简直让人想立刻拿起笔去写点什么。它不是教你如何模仿别人，而是教你如何发现自己的叙事声音。 这本书最让我惊喜的是，它非常注重实操性。有很多章节都提供了大量的练习和思考题，引导读者将理论知识立刻应用到自己的创作构思中。我记得有一次，我卡在角色的动机上，怎么也想不通为什么我的主角要做某个决定。读完书中关于角色背景和潜意识驱动力的那几页后，我回去重新梳理了一下，竟然发现了一个全新的、更具说服力的动机方向。这种即时的反馈和指导，对于初学者来说太重要了。它让你在学习的过程中，就同步完成了初稿的打磨。 不得不提的是，这本书对“结构”的解读非常透彻。很多人都谈论“三幕剧”，但这书把三幕剧的每一个节点——开场白、激励事件、中点、高潮——都拆解得非常细致，并且告诉你为什么这个节点必须发生在这个时间点。它没有给出僵硬的公式，而是提供了灵活的框架。这让我意识到，结构不是为了束缚创作，而是为了更好地服务于故事的情感释放。它教会我如何在大局观上掌控节奏，而不是被细节牵着鼻子走。 总的来说，这本书给我的感觉是既专业又充满人情味。它没有贩卖“速成”的谎言，而是脚踏实地地教你如何打磨技艺。阅读过程中，我能感受到作者对电影艺术的深厚热爱，这种热情是会感染读者的。它让我从一个仅仅是“看电影”的人，慢慢转变成一个开始“思考电影是如何被构建”的人。对于任何想要严肃对待剧本创作的人来说，这本书绝对是一笔宝贵的财富，值得反复研读和实践。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手了一本关于剧本创作的书，说实话，我抱持着相当大的怀疑态度。市面上这类书籍实在太多了，很多都像是把几部好莱坞经典剧本的梗概拼凑在一起，空洞无物。然而，这一本给我的感觉完全不同，它仿佛是一位经验丰富的导演，坐在你对面，用最直白的方式跟你聊聊“讲故事”这件事的门道。 这本书的魅力在于它的“去神秘化”过程。很多新手创作者觉得剧本创作是某种天赋异禀才能做到的事情，充满了难以捉摸的灵感。但这本书用扎实的内容告诉我，优秀的剧本，归根结底是精密的工程学和深层的人类心理学结合的产物。它没有使用太多华丽的辞藻来粉饰过程，而是直接切入核心——如何让观众在不知不觉中对你的角色产生共鸣，并愿意跟随他们经历起伏。特别是关于“潜台词”和“视觉化叙事”的那几部分，阐述得尤为精辟，让我重新审视了对话在剧本中的真正作用。 我个人认为，这本书在处理“角色弧光”方面达到了一个新的高度。它不只是教你角色要“成长”或“转变”，而是深入探讨了角色转变背后的“驱动力”和“阻力”。作者强调，一个真正引人入胜的角色，他的转变必须是痛苦的、有代价的，而不是一蹴而就的“顿悟”。书中提供的分析案例，即便不提具体书名，也能让人感受到其背后深厚的行业洞察力。我开始尝试为我的人物设定更深层次的心理创伤和未被满足的需求，这让我的故事一下子变得立体且可信多了。 这本书的排版和设计也值得称赞，虽然是文字为主，但逻辑清晰，章节之间的过渡非常自然流畅。我特别喜欢它穿插的一些“写作陷阱”警告。例如，提醒我们警惕使用“信息倾倒式”的独白，或者过度依赖画外音来解释情节。这些看似细枝末节的提醒，却是决定一部剧本是平庸还是出色的关键所在。读完之后，我立刻翻出了我过去写的一些片段，发现自己确实犯了不止一个这样的错误。 总而言之，这本书不是那种读完一遍就能束之高阁的“速查手册”，而更像是一本需要反复翻阅、并在实际创作中随时参考的工具书。它提供了一套完整的思考体系，让你在面对创作瓶颈时，能够回归到最基本的叙事原则上去寻找出路。对于想把业余爱好变成严肃追求的人来说，这本书是不可多得的“内功心法”。