AP 艺术史 [AP Art History] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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苏晓佳，余瑶 著

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出版社： 中国人民大学出版社

ISBN：9787300148045

版次：1

商品编码：10909741

包装：平装

外文名称：AP Art History

开本：16开

出版时间：2012-01-01

用纸：胶版纸

页数：349

字数：503000

正文语种：英文

内容简介

一部艺术史是人类文明发展过程中不可缺失的重要的组成部分，它的发展并非一条直线，而是不断地在外部因素的影响之下不断地发展和进步。它不但受地域的影响，同时也受到不同的政治及宗教因素的影响。在各种因素不断的作用之下，艺术也不停地改变着它的形式及功能。但是，在艺术的长河中它的持久性比其独特性更加重要。这种持久性才是艺术的最根本的标准。因为人们现在仍然能够在法国南部那个洞穴的壁画面前深受感动。它也许只是一种仪式或许是一种魔法，也许两者的功能同在，或许也只是远古人的一种游戏罢了，但这就是艺术的诞生，一种让人始终感动，敢于挑战死亡的力量。

作者简介

苏晓佳，硕士，北京王府学校艺术教师。毕业于中国人民大学艺术学院美术学油画专业，师从著名油画家闰平教授。北京油画学会会员，炎黄书画协会会员。其作品多次参加国内外展览并获奖，在重要刊物上发表过多篇论文。具有丰富的AP艺术教学经验，辅导过的多名艺术专业学生均以优异成绩进入美国知名艺术高校就读。余瑶，美国波士顿大学硕士，曾任教于美国Newman Preparatory School。在美国专业刊物发表过多篇关于“美育”及“艺术与教学”的相关论文。现任教于北京王府学校，是深受学生及社会认可的资深AP教师。

目录

第一部分 古代艺术
第一章 史前艺术
第一单元 旧石器时代艺术
第二单元 新石器时代艺术
第二章 美索不达米亚与埃及艺术
第一单元 美索不达米亚艺术
第二单元 埃及艺术
第三章 爱琴海艺术
第一单元 季克拉基斯艺术
第二单元 米诺斯艺术
第三单元 迈锡尼艺术
第四章 希腊艺术
第一单元 建筑
第二单元 雕刻
第三单元 瓷器与绘画
第五章 埃特鲁斯坎与古罗马艺术
第一单元 埃特鲁斯坎艺术
第二单元 古罗马艺术

第二部分 中世纪艺术
第一章 基督教艺术
第一单 元早期基督教艺术
第二单 元拜占庭艺术
第二章 中世纪早期艺术与罗马式风格艺术
第一单 元中世纪早期艺术
第二单 元罗马式风格艺术
……
第三部分 文艺复兴
第四部分 巴洛克艺术与洛可可艺术
第五部分 19世纪艺术
第六部分 20世纪艺术
第七部分 大洋洲、美洲、非洲、印度、晶本及中国艺术

前言/序言

深入古典文明的辉煌：古希腊罗马雕塑与建筑研究 一部专注于解读西方文明奠基性艺术成就的权威著作 本书旨在为读者提供一个全面、深入的视角，用以探索古希腊与古罗马时期艺术的精髓与演变。我们聚焦于这两个文明对后世审美观念产生深远影响的两个核心领域：雕塑艺术和建筑实践。这不是一本关于文艺复兴或印象派的概览，而是将我们的目光精确地聚焦在爱琴海文明的兴起到罗马帝国鼎盛时期的艺术语汇及其背后的社会、哲学动因。 第一部分：神性、理想与形式的诞生——古希腊雕塑的演进 本卷深入剖析了古希腊雕塑从早期的僵硬形式发展到古典盛期的理想化完美，再到希腊化时期戏剧性与情感表达的过渡历程。我们拒绝使用笼统的“美”来概括，而是细致考察了技术革新如何服务于美学理念的表达。 1. 几何时代与古风时期的序曲 (c. 900 – 480 BCE) 我们从早期的科洛斯（Kouros）与科瑞（Kore）雕像入手，重点分析其受埃及艺术影响的痕迹，以及希腊人如何通过“前方透视”和标志性的“古风式微笑”开始探索人体比例的自主性。我们将详细阐述木制雕像的失传及其对石材雕塑的过渡影响，并对比德尔斐（Delphi）和雅典（Athens）地区在风格上的细微差异。 2. 古典盛期的确立与人文主义的胜利 (c. 480 – 323 BCE) 这是本书的重点之一。古典盛期标志着艺术从对神灵的敬畏转向对“理想化人”（Ideal Man）的颂扬。我们将详细分析： “湿纱衣”技法的革命： 如何通过薄而透的衣褶表现出身体的内在结构与动态，特别是在对女神雕像的处理上。 动态平衡的哲学基础： 深入探讨波留克列特斯（Polykleitos）的《规范》（Canon）及其对“对立平衡”（Contrapposto）的定义。我们不只是展示米隆的《掷铁饼者》，更重要的是剖析其蕴含的数学比例和运动瞬间的捕捉哲学。 雅典卫城的艺术成就： 细致考察帕特农神庙（Parthenon）的雕塑群——包括其楣板、三角楣饰和著名的纪念性雅典娜神像（由菲迪亚斯创作）——如何将神话叙事融入建筑的结构之中，探讨了雅典城邦政治与宗教的完美结合。 3. 希腊化时期的情感爆发 (c. 323 – 31 BCE) 随着亚历山大大帝东征的结束，雕塑的主题从城邦的集体理想转向了个体经验和强烈的感官刺激。我们将着重分析： 戏剧性与外向性： 艺术家不再满足于静态的和谐，而是追求冲突、痛苦和激情。著名的《萨莫色雷斯的胜利女神》将作为研究空气动力学表现和布料处理的典范。 现实主义的回归： 探讨“老者”和“病人”题材的兴起，这反映了社会阶层的多元化表达需求。特别关注佩尔加蒙祭坛（Pergamon Altar）浮雕，分析其如何运用极端的动态和叙事密度来营造史诗般的视觉冲击力。 第二部分：实用、权力与永恒——古罗马建筑的遗产 本书的后半部分将视角转向罗马，重点研究他们如何继承并改造希腊的柱式系统，并发展出具有划时代意义的工程技术，以服务于帝国的扩张与治理。 1. 罗马建筑的实用主义基石 罗马人是伟大的工程师，他们的建筑成就基于对新材料的掌握。我们将详述： 火山灰混凝土（Opus Caementicium）的革命： 论述这种新型材料如何使罗马人摆脱了对梁柱结构的依赖，从而能够建造出巨大、复杂且持久的内部空间。我们将分析混凝土在万神殿（Pantheon）穹顶中的应用，以及其对结构自重和热膨胀的巧妙处理。 拱、券与穹顶的系统化应用： 考察渡槽、引水道和高架桥如何体现罗马对流线型效率的追求。重点解析巴西利卡（Basilica）和公共浴场（Thermae）的空间组织，这些空间设计是后世欧洲教堂和公共建筑的直接蓝本。 2. 权力象征与空间叙事 罗马的建筑语言是其政治意识形态的直接体现。我们深入研究： 纪念性建筑： 分析图拉真广场和巴西利卡如何通过宏伟的尺度和精美的装饰（如图拉真纪功柱）来记录军事胜利并确立皇帝的神圣地位。 住宅与城市规划： 探讨庞贝（Pompeii）和赫库兰尼姆（Herculaneum）的遗址，解析普通罗马市民的居住空间布局，以及罗马城市网格规划（Grid Plan）在整个帝国范围内的推广，体现了罗马化（Romanization）的文化渗透。 神庙的融合： 比较希腊神庙（如帕特农神庙）与罗马神庙（如维斯塔神庙）的区别，特别关注罗马人如何将神庙置于高基座之上，并采用前方集中的柱廊设计，以适应更具戏剧性的公共广场环境。 3. 肖像雕塑：从共和到帝国 在雕塑方面，罗马人对希腊理想主义持实用态度，他们更重视个人特质的真实再现。本书将详细对比： 共和时期的“写实主义”： 分析那些描绘年长元老面部皱纹和特征的布质假面（Imagines）对后来罗马肖像雕塑的影响，体现了对祖先美德（Virtus）的推崇。 奥古斯都时代的理想化： 研究《奥古斯都像》（如来自维利亚别墅的雕像）如何巧妙地结合了希腊古典的完美比例（象征其统治的合理性）与罗马的写实细节（象征其作为统治者的真实性）。 通过对这些核心主题的深度挖掘，本书旨在揭示古希腊与古罗马艺术并非孤立的美学奇观，而是深刻植根于其社会结构、宗教信仰和政治抱负的物质载体。读者将获得超越简单图像识别的能力，从而理解这些古代大师是如何塑造了我们今天依然在使用的视觉语言和空间概念。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最直观的感受是，它仿佛是一位资深策展人写下的内部工作笔记，充满了专业人士之间的“行话”和深入的见解。它对作品的分析常常超越了简单的风格描述，而是深入到材料科学、光学原理甚至是当时工匠技术的限制层面进行探讨。例如，它对早期油画媒介的化学反应如何影响威尼斯画派色彩的饱和度与持久性的论述，就细致到令人咂舌。这种详尽的、近乎于“解剖”式的分析，使得那些耳熟能详的名作也焕发出了新的生命力。然而，这种深度也带来了牺牲——叙述的流畅性有时会因此受损，某些章节的跳跃性较大，似乎默认读者已经对前文的内容了如指掌。它更像是对现有知识体系的再确认和深化，而不是对初学者的友好引导。对于想要挑战自我、追求学术深度的爱好者来说，这无疑是一份宝藏，但对于希望轻松入门的人来说，或许会感到有些“吃力不讨好”。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的、不带任何学术包袱的爱好者角度来看，这本书提供了一种截然不同于博物馆导览手册的视角。它没有试图用华丽的辞藻去渲染艺术的“美”，而是冷静地将其置于社会权力和经济结构的矩阵中进行剖析。书中对不同历史时期艺术赞助模式的对比分析尤其引人入胜，它揭示了艺术如何成为财富和地位的象征，以及这种赞助如何潜移默化地塑造了艺术的主题和形式。例如，对宗教改革与反宗教改革时期艺术功能转变的论述，就深刻地展现了意识形态对视觉文化的强大塑造力。这本书的魅力在于其批判性和解构性，它不满足于接受既定的艺术史叙事，而是不断地追问“谁资助了它？”、“它服务于谁的利益？”。这使得阅读过程充满了思辨的乐趣，但也意味着你可能需要对社会学和政治学的基础知识有所涉猎，才能更全面地吸收其中的洞见。

评分☆☆☆☆☆

我必须坦诚地说，这本书在某种程度上让人感到“被教育”的压力。它的叙事节奏非常缓慢，信息密度极高，如同在攀登一座知识的珠穆朗玛峰，每一步都需要耗费极大的心力。对于那些期待快速掌握“哪些作品是重要的”的读者来说，这本书可能会显得过于繁琐和缺乏即时的满足感。作者似乎更关注宏大叙事下的细微变化，例如从洛可可到新古典主义的过渡中，装饰元素是如何被理性主义的思潮逐渐清洗和重塑的。书中的排版和插图虽然清晰，但其功能更多是作为文本的佐证，而非独立的主体，这使得阅读体验偏向于纯粹的智力活动。我感觉作者是在与一位博学的导师对话，而不是在与一个轻松的讲解者交流。它要求读者不仅要识别作品，更要理解其在历史语境中的“为什么”和“如何”——这需要读者具备一定的艺术史基础，否则很容易在众多的名词和理论框架中迷失方向。

评分☆☆☆☆☆

这本关于艺术史的书籍，无论从哪个角度切入，都散发着一种沉甸甸的学术气息，让人在翻阅时，仿佛能触摸到时间留下的印记。它不是那种为了迎合大众口味而刻意简化内容的读物，反而坚持以一种严谨、甚至有些晦涩的方式，引导读者深入探索艺术演变的长河。书中对不同时期艺术风格的划分和论述，展现了作者深厚的专业功底，比如对于文艺复兴盛期和矫饰主义之间微妙转折点的分析，简直是教科书级别的精准。它不像某些普及读物那样，仅仅罗列名作及其背景信息，而是着重于解析艺术作品背后的社会结构、哲学思潮乃至赞助人的权力运作。阅读过程中，我时常需要停下来，查阅一些补充资料，才能完全领会作者的深层用意，这无疑增加了阅读的门槛，但也正是这种挑战性，让最终的理解显得格外珍贵。它更像是一份为严肃学习者准备的工具箱，而不是为咖啡馆闲聊准备的谈资。那种对细节的执着，对图像学分析的深入挖掘，让人感受到作者对艺术史这门学科近乎虔诚的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常注重逻辑的连贯性，它试图构建一个宏大、无缝衔接的艺术发展时间线，其中任何一个节点的缺失都会影响到对后续阶段的理解。作者在章节过渡时所使用的连接词和引文，都充满了强烈的学术引导性，它引导读者的思路沿着特定的学术路径前进，很少提供“岔路”或“自由探索”的空间。这种高度的结构化，确保了知识体系的完整性，但同时也让阅读体验变得相对“线性”和“受控”。你很难从中找到那种随性翻阅、随机获取知识的乐趣，它更像是一份需要按部就班完成的系统性学习计划。对于那些习惯于碎片化阅读的现代读者而言，这需要极强的自律性来保持注意力，因为它要求的是持续的、深入的、不间断的思维投入。它更像是一份严谨的学位论文而非大众读物，但正是这种严谨，保证了其论述的深度和权威性。

评分☆☆☆☆☆

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