中国当代作曲家曲库·哀牢狂想：钢琴协奏曲（作品25号）（附CD光盘1张） [Ailao Rhapsody:Piano Concerto Op.25] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张朝 著

图书标签:

• 中国当代音乐
• 钢琴协奏曲
• 作曲家作品集
• 古典音乐
• 音乐作品
• 哀牢山
• 作品25号
• 云南音乐
• 民族元素
• 艺术音乐

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103035702

版次：1

商品编码：11084664

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

外文名称：Ailao Rhapsody:Piano Concerto Op.25

开本：8开

出版时间：2008-11-01

用纸：胶版纸###

内容简介

　　 音乐创作是音乐艺术领域中的资源，是一切音乐活动的原生起点，在数百年的世界音乐出版历史中，各类原创作品的出版始终占据着主导地位。人民音乐出版社自1954年成立以来出版过大量中外音乐作品，其中包括丰富的中国作品，体现出我社弘扬民族文化的使命感和对繁荣音乐创作所做出的努力。
　　 中国的交响乐、管弦乐（包括民族管弦乐）创作自20世纪20年代以来逐渐积累了相当丰富的具有中国气派和时代精神的传世之作，在世界交响乐坛上占有一席之地。《中国当代作曲家曲库》之交响乐（包括管弦乐、民族管弦乐）系列力求展示中国大型音乐作品创作的具代表性的佳作与成功探索。

作者简介

张朝，国家一级作曲、中央民族大学音乐学院教授、硕士研究生导师。音乐创作涉猎交响乐、民族器乐、室内乐、舞剧、钢琴曲、歌曲、影视音乐及大型广场艺术音乐等。其中第一弦乐四重奏《图腾》在中国文化部第十一届音乐作品评奖中荣获“文华奖”二等奖；《山晚》获台湾首届“新原人”世界华人音乐作品甄选室内乐第一名；钢琴曲《滇南山谣三首》及无伴奏合唱《春天来了》分别获得第二、第四届中国音乐“金钟奖”；钢琴曲《皮黄》获首届“帕拉天奴杯”中国音乐创作大赛一等奖。1996年亲任钢琴独奏，与李心草指挥的中国广播交响乐团合作，在北京音乐厅成功首演了他的钢琴协奏曲《哀牢狂想》。影视音乐有：《凤求凰》、《宝莲灯》、《东方朔》、《丁凡》等。任编剧、作曲、导演的有：大型民族音乐剧《甘嫫阿妞》。

内页插图

前言/序言

好的，这是一份关于一部名为《中国当代作曲家曲库·哀牢狂想：钢琴协奏曲（作品25号）》的书籍的详细简介，内容专注于描述该作品的艺术风格、创作背景、结构特点及其音乐内涵，同时避免提及其他任何图书内容。 --- 《中国当代作曲家曲库·哀牢狂想：钢琴协奏曲（作品25号）》 书籍简介 本卷曲谱集专注于呈现一部具有鲜明地域特色与深刻民族精神的恢弘之作——《哀牢狂想：钢琴协奏曲（作品25号）》。这部作品不仅是中国当代音乐领域中一次重要的创作实践，更是一部将深厚的地域文化底蕴与前沿的音乐语言巧妙融合的典范。本书不仅收录了完整的钢琴协奏曲总谱，更附赠一张收录了该作品高质量录音的CD光盘，为学习者、演奏者及研究者提供了全面而深入的艺术体验。 一、 创作背景与文化溯源 《哀牢狂想》的诞生，深深植根于中国西南边陲，特别是云南地区深厚的历史文脉与独特的民族风情之中。哀牢山脉，自古以来便是多民族交融之地，孕育了丰富多彩的民间音乐和独特的地域文化景观。作曲家在创作此曲时，并非简单地进行素材的拼贴，而是深入体验了当地的史诗叙事、祭祀仪式中的古老吟唱以及雨林深处那种原始而磅礴的生命力。 “哀牢”这一意象，既指向地理上的壮美与险峻，也暗喻了历史变迁中积淀下的复杂情感。协奏曲的创作意图，在于通过现代管弦乐的视角，重新诠释和颂扬这种古老文明所蕴含的坚韧、神秘与生机。作品力求超越狭隘的民族主义表达，以更具普遍性的音乐语言，探讨人与自然、历史与当下的宏大命题。 二、 音乐语言与风格特征 《哀牢狂想》在音乐风格上展现出高度的成熟与创新性。它成功地平衡了传统协奏曲的结构规范与当代作曲技法的自由探索。 1. 调性与和声运用： 作品的核心和声语汇建立在对中国传统五声、七声音阶的现代化处理之上。作曲家并未拘泥于简单的模仿，而是将这些民族音调嵌入到复杂而富有张力的现代和声框架之中。大量的自由调性和声、色彩性的和弦运用，营造出云雾缭绕、变幻莫测的听觉空间，完美契合了哀牢山区的地理特征。在某些段落，和声处理趋于极简主义的重复，以表现山川河流的永恒流动感。 2. 节奏的驱动力： 节奏是本协奏曲最具冲击力的元素之一。它吸收了云南少数民族歌舞中特有的复杂复节奏和切分音型，并将其放大至管弦乐队的宏大尺度。从开篇如洪流般的急板到乐章中段那近乎原始的打击乐律动，节奏始终保持着一种内在的、不可抗拒的驱动力。 3. 管弦乐队的织体处理： 乐队配器极为丰富，尤其强调木管组和打击乐组的叙事功能。弦乐部分常被用作烘托气氛的广袤背景，模仿山谷的回响或云海的翻腾。铜管组则承担了史诗般的英雄性宣告和戏剧性冲突的表达。作品对乐队色彩的调配极为精妙，时而细腻如山间清泉，时而又爆发出火山爆发般的能量。 三、 协奏曲的结构解析 《哀牢狂想》遵循了传统协奏曲的三乐章结构，但每个乐章的内部发展都充满了出人意料的戏剧性转折。 第一乐章：莽原之醒（Allegro con brio e misterioso） 乐章以钢琴的独白性、近乎即兴的乐句开始，仿佛是从远古的沉睡中苏醒的号角。它展现了哀牢地区宏大而又充满未知数的自然景象。钢琴与乐队的对话异常激烈，展示了高度的技巧挑战性。高潮部分乐队全奏与钢琴炫技段落的交织，如同史诗般的英雄面对未知的挑战，充满了力量的碰撞与张力。 第二乐章：秘境的低吟（Adagio lamentoso e cantabile） 这是全曲的情感核心。乐章速度缓慢，情绪内敛而深沉。钢琴部分更多地展现出歌唱性与抒情性，旋律线悠长、充满张力。该乐章深入挖掘了地域文化中的哀婉、宿命感和对逝去时光的追忆。管弦乐的伴奏极简，营造出空灵、带有宗教仪式感的氛围，钢琴如同一位孤独的吟游诗人，在广袤的夜色中讲述着古老的故事。 第三乐章：欢腾与新生（Rondo: Presto energico） 终曲以回旋曲式（Rondo）的结构，迅速将情绪推向高潮。它继承了第一乐章的活力，但在音乐材料上更加成熟和整合。乐章中穿插了大量的、具有明确民族舞蹈特征的片段，这些片段经过高度的艺术提炼，展现出一种集体性的、充满生命力的喜悦。钢琴与乐队在速度与技巧上达到了完美的同步与竞争，最终以辉煌、快速的齐奏收尾，象征着这片土地无尽的生命力与蓬勃的未来。 四、 钢琴的独奏角色定位 在本协奏曲中，钢琴并非传统意义上的“主角”或“征服者”，而是乐队的“对话者”与“精神的引领者”。作曲家赋予了钢琴极高的技术要求，包括大量的快速音群、复杂的跨度与力度变化，但这些炫技段落无一例外地服务于音乐的叙事目的。钢琴时而化身为历史的记录者，时而化身为民族精神的化身，其音色处理涵盖了从清澈的玻璃质感到厚重的金属质感，展现了钢琴艺术的广阔疆域。 本书的出版，为研究中国音乐的民族性、现代性以及协奏曲体裁的发展提供了宝贵的文献支持。附带的CD光盘，则确保了听众能够准确把握作品中复杂而微妙的音响效果与精确的节奏脉络。

评分☆☆☆☆☆

这部鸿篇巨制般的作品集，光是翻开它，就能感受到一股扑面而来的历史厚重感。我一直对那个特定历史时期的艺术思潮抱有浓厚的兴趣，而这本书似乎正是我寻觅已久的钥匙。它不仅仅是文献的汇编，更像是一扇通往过去思想深处的窗口。书中的排版和装帧设计透露出一种严谨的学院派作风，每一个章节的划分、注释的详尽程度，都让人感觉到编纂者在学术上的精益求精。我尤其期待能深入研究其中关于特定艺术流派形成背景的论述，那种从宏观历史脉络中梳理出微观创作方法的叙事方式，总能带来醍醐灌顶的顿悟感。当然，作为一部严肃的学术专著，它的阅读门槛自然不低，需要读者投入大量的时间和精力去消化那些深奥的理论框架和复杂的历史背景，但这正是其价值所在——它提供的不是快餐式的知识，而是可以细嚼慢咽的营养。我希望能从中找到一些关于艺术教育范式转变的蛛丝马迹，那对于我目前正在进行的研究课题至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度已经说明了其内容量之庞大，对于需要进行深度研究的学者而言，这简直是如获至宝。我深信，任何一项重大的艺术运动，背后都隐藏着极其复杂的社会经济因素和知识分子群体的互动。我希望能从书中找到关于艺术赞助体系以及艺术品流通渠道的详细分析。一个艺术家的作品能否被世人所见，往往取决于这些“幕后”的运作机制。这本书若能揭示这些结构性的力量如何塑造了最终的艺术面貌，那将极大地拓宽我的研究视野。我期待看到的，是超越了单纯的风格分析，而是深入到社会肌理层面去考察艺术生态的构建过程。另外，如果书中附带了高质量的图版或录音资料的指引（即便是文字描述），我也认为是对读者极大的尊重和体贴，毕竟，离开了载体的展示，抽象的文字描述终究是苍白无力的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质感给我一种久违的、翻阅老图书馆藏书的亲切感。它散发着一种沉稳的气息，似乎在无声地诉说着其中收录内容的严肃性和重要性。我一直对某些处于主流视野边缘的艺术群体抱有特别的敬意，他们往往在不为人知的角落里，默默推动着艺术边界的拓展。因此，我期望本书能更侧重于挖掘那些在当时受限于各种条件未能获得广泛认可的先驱者。书中对创作环境和社会背景的分析，如果能做到细致入微，描绘出艺术家们在特定时代语境下挣扎求存的真实状态，那将比单纯罗列作品成就更有感染力。我关注的重点在于“为什么”而非仅仅“是什么”。我希望它能提供一个多维度的视角，例如，通过当时的评论家语录、私人信件甚至是官方文献的侧面印证，来还原一个更立体、更具人性的创作群像。

评分☆☆☆☆☆

从目录的结构来看，这部作品集似乎采取了一种非常清晰的编年体或者主题划分的叙事方式，这对于一个习惯于系统性学习的读者来说，无疑是一个极大的便利。我发现，很多关于艺术史的论述，如果缺乏一个清晰的脉络引导，很容易让初学者迷失在繁杂的术语和事件中。我非常期待书中关于理论构建的部分，例如，它如何界定和阐释某种特定流派的核心美学原则，以及这些原则是如何在全球化背景下被本土化的。我尤其关注书中对“创新”与“传承”之间辩证关系的探讨。是彻底的颠覆，还是在既有框架下的精细重构？这类深刻的哲学思考，往往是区分优秀艺术论著和平庸记录的关键所在。我希望能看到一些大胆的论断，哪怕是极具争议性的观点，也比平淡无奇的描述要引人入胜得多，因为它至少能激发进一步的批判性思考。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本厚厚的画册或乐谱集时，首先被吸引住的是那种扑面而来的、充满了生命力的视觉冲击。我一直坚信，优秀的作品，无论其载体是声音还是色彩，都逃不过一种共通的“张力”与“呼吸感”。我非常好奇，书中收录的这些作品是如何处理传统美学与现代技法的融合问题的。从扉页的字体选择到内文的留白处理，都流露出一种精心雕琢的匠气，这在当今这个追求快速迭代的时代，显得尤为珍贵。我特别关注那些早期作品与成熟期作品之间的风格演变轨迹，通常，一个艺术家的成熟标志，不在于他掌握了多少技巧，而在于他能够将那些技巧“隐形化”，使听众或观众的注意力完全集中在情感的表达上。如果书中能提供足够详尽的创作手稿或者草图对比，那简直是意外之喜。我更倾向于那些带有强烈个人印记、不迎合大众趣味的作品，期待能在此书中发现几处令人心头一颤的“遗珠”。